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Catalogo · Musei Vaticani

Scegliete un oggetto esposto, leggete la sua storia e individuatelo lungo il percorso.

186 reperti, 91 racconti completi. Sul sito sono disponibili integralmente i racconti sui reperti del Museo Egizio, del Pio-Clementino, della Galleria dei Candelabri e della Pinacoteca, nonché racconti selezionati sulle opere di Raffaello e della Cappella Sistina. Gli altri racconti sono presentati in forma di estratti.

01Gregoriano Egizio museo15 · dei reperti
Quando si entra nel Museo Gregoriano Egizio, si capisce con emozione che si tratta della più grande esposizione di manufatti egizi al mondo. Qui si può conoscere la cultura egizia dai reperti realizzati in Mesopotamia e in Siria molti secoli fa. Il Museo Gregoriano Egizio fu inaugurato nel 1839. Con nove sale, fu istituito da Papa Gregorio XVI per essere la più grande collezione di beni culturali dell'Antico Egitto. Oggi si possono ammirare sculture, papiri, sarcofagi, frammenti di mummie. Papa Pio VII iniziò a raccogliere la collezione con i manufatti del III secolo, il periodo dell'invasione romana in Egitto, che furono scoperti durante gli scavi. Non perdetevi la scultura di Ramesse II seduto sul trono e la statua di Udjaḥorresnet, esposte nella prima sala tra i numerosi reperti. La seconda sala ospita sarcofagi egizi in legno dipinto, mummie, vasi canopi e statuette ushabti. Nella quarta sala una statua di Anubi attira l'attenzione, mentre nella quinta si possono ammirare le statue di Tolomeo II e Tiye. La settima sala ospita la collezione di sculture ellenistiche e romane in bronzo e argilla, ceramiche islamiche e cristiane. Nell'ottava e nella nona sala si trovano manufatti della Mesopotamia e dell'antica Siria.

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Naoforo del VaticanoStoria completa

Audioguida dei Musei Vaticani

Udjaḥorresnet era un antico rappresentante religioso e pubblico egizio, nobile d'onore e sacerdote di Neith, dea della guerra e della caccia. Udjaḥorresnet ricoprì incarichi di primo ministro, diplomatico, tesoriere reale, medico capo, capo dei copisti dei Grandi Testi e comandante della flotta egizia. Era una persona potente e partecipava al governo dell'Egitto. Quando era comandante della flotta egiziana, l'Egitto fu conquistato dall'esercito persiano, che pose fine alla XXVI dinastia. Durante gli scavi sono state trovate le statuette ushabti che portano il nome di Udjaorresnet nella sua statua Naophorous. La statua si trovava in un sarcofago di calcare posto nella tomba. Il secondo sarcofago in basalto, a forma di corpo umano, era collocato nel primo sarcofago. La statua di Naoforo contiene le iscrizioni dei titoli e degli atti onorevoli commessi da Udjaorresnet alla corte dei faraoni.

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Questa storia nel percorso
RamsessStoria completa

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Ramesse il Grande governò l'Egitto nel XIII secolo a.C. Fu uno dei rappresentanti più importanti della XIX dinastia di faraoni egizi. Ramesse era un uomo di Stato sensibile. Governò il regno in modo che l'Egitto potesse svilupparsi in tutti i settori. Allo stesso tempo rafforzò il suo potere militare. Ramesse pose fine alla devastante lotta tra Egizi e Ittiti e stabilì la pace rafforzandola con legami familiari personali. Il faraone si sposò con la figlia del re degli Ittiti e convinse il popolo che la guerra avrebbe potuto cancellare l'Egitto dalla faccia della Terra. Ramesse assicurò la pace e stabilì relazioni commerciali favorevoli tra l'Egitto e l'Asia per centinaia di anni. Oltre agli affari politici, sviluppò e realizzò progetti culturali. Ramesse costruì il colonnato di Karnak e i templi di Osiride e di suo padre Seti I. I re egiziani che governarono dopo la morte di Ramesse cercarono di imitarlo per ottenere lo stesso tipo di gloria e l'affetto del popolo. Ma fu invano. Ramesse II fu immortalato nella pietra. La sua statua si erge in mezzo alla sabbia di Luxor. Questo dice più di ogni altra parola sull'atteggiamento del popolo nei confronti del suo sovrano.

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Statua del dio AnubiStoria completa

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Nell'antico Egitto, Anubi era il dio dell'imbalsamazione e dei riti di sepoltura. Secondo i miti egizi, Anubi era figlio di Osiride, dio dell'agricoltura e dei morti. Quando Osiride fu ucciso, Anubi si mise a seppellirlo. Avvolse il corpo in un panno impregnato di una soluzione speciale. Fu così che venne realizzata la prima mummia. Si ritiene che sia stato lui a inventare la mummificazione e i riti di sepoltura. Si credeva che le anime dei morti incontrassero Anubi che le conduceva per mano da Osiride, il re degli Inferi. Aveva la testa di sciacallo e il corpo umano. Tra le sue orecchie c'è un piccolo disco solare su una mezzaluna. Questo è il simbolo che si riferisce al dio Mercurio, a cui Anubi era assimilato. Era un traghettatore di morti verso gli Inferi, per questo tiene in mano il caduceo come attributo del signore dei morti.

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CaccoStoria completa

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Il nome di Santo Stefano del Cacco si riferisce proprio a questa statua. Infatti “cacco” è una parola romana che significa “scimmia”. La statua reca l'iscrizione latina che autorizza a collocarla nel tempio costruito nel 159 d.C.Una scultura con testa di cane rappresenta il dio egizio Thoth.Thoth era il dio della luna, dei conti, della scrittura e della scienza. Si ritiene che il dio Thoth abbia creato il calendario.

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Mummie e imbalsamazioneStoria completa

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La conservazione del corpo attraverso l'imbalsamazione ha avuto un ruolo fondamentale nella cultura egizia. Si tratta di una fase tradizionale della sepoltura. Gli antichi egizi credevano che fosse il modo in cui l'anima del defunto si ricongiungeva al suo corpo dopo la morte.L'imbalsamazione fu eseguita per la prima volta nel III millennio a.C. e dopo la conquista araba dell'Egitto nel 641 a.C. la tradizione scomparve.L'intero processo di imbalsamazione richiedeva circa 70 giorni per essere completato dai sacerdoti. Essi lavavano il corpo, rimuovevano gli organi interni e lo ricoprivano con il cosiddetto sale divino per rimuovere l'umidità dai tessuti. La cavità toracica veniva riempita di resina per appesantire il corpo. La pelle veniva strofinata e aromatizzata con olio aromatico. Poi il corpo veniva avvolto in bende di lino. Prima di metterlo in una bara, veniva posta una maschera sul volto della mummia per proteggerlo e conservarlo.Per una migliore conservazione della mummia, gli Egizi iniziarono a rimuovere il cervello. Ma in seguito smisero di farlo perché il cervello era considerato il nucleo fisico, emotivo e intellettuale, il centro dell'essere umano.

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Questa storia nel percorso
Ushabti del faraone SetiStoria completa

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Il gruppo di ventidue ushabti è stato rinvenuto nella Valle dei Re, la tomba del faraone Seti 1, padre di Ramesse 2. La Valle dei Re è nota per essere il miglior sito di sepoltura mai scoperto. La Valle dei Re è nota per essere il miglior sito di sepoltura mai scoperto. Nella tomba del faraone Seti 1 sono stati trovati 700 ushabti.Nella cultura egizia, gli ushabti sono statuette funerarie in legno o pietra, che rappresentano esseri umani con le braccia incrociate sul petto. Venivano collocate nelle tombe insieme al defunto. Secondo le credenze del popolo egizio, queste statuette sostituivano il padrone defunto e agivano come suoi servitori. Erano sostenitori del defunto, fornendogli cibo e sostituendosi a lui nei lavori manuali.Questo ushabti veniva prodotto utilizzando diverse specie di legno. L'ushabti era ricoperto da una resina nera lucida di origine vegetale. Questa vernice nera era un simbolo di sopravvivenza oltre la morte.

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Sindone della Signora del VaticanoStoria completa

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La tela della Madonna del Vaticano appartiene a un particolare tipo di sudario funerario femminile. Ne esistono solo sei esemplari, dispersi in vari musei. L'abito, i preziosi gioielli dorati e l'acconciatura della donna raffigurata sono tipici della moda e della cultura romana. Il ritratto raffigura la figura della donna a grandezza naturale. La donna, vestita con abiti ricchi, è sdraiata su un copriletto ricamato. Le braccia sono incrociate sul petto, i piedi poggiano su un cuscino, gli occhi sono ampiamente aperti e la donna indossa gioielli sul collo, sulle orecchie e sulle dita. Il pannello figurativo è incorniciato da una serie di illustrazioni rettangolari. La sindone contiene due illustrazioni conservate in modo frammentario. Una di esse mostra il maestro che pronuncia un discorso filosofico a un giovane allievo. La seconda raffigura una lotta crudele tra un giovane e un leone. Il tempo non ha risparmiato la Signora del Vaticano. Per quanto riguarda il resto delle illustrazioni, gli storici non hanno altra alternativa che cercare di indovinare cosa fosse raffigurato sulla sindone.

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Sarcofago di DjedmutStoria completa

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Il sarcofago appartiene a Djedmut, sacerdotessa egizia del dio Amon. Ella glorificava il dio, cantava canzoni in suo onore ed era molto rispettata in vita.Il sarcofago risale alla XXII dinastia. In quel periodo l'Egitto soffrì la crisi economica. Allora i sarcofagi divennero l'elemento più importante dei riti di sepoltura.Il sarcofago ligneo di Djedmut rientra nella categoria delle cosiddette “bare gialle”. Tali sarcofagi erano decorati con dipinti su sfondo giallo. Il colore giallo era simbolo di vita eterna e la diversità dei disegni sul sarcofago indicava lo status della defunta, la sua grandezza e ricchezza in vita.Il coperchio di legno del sarcofago è decorato con le immagini di Djedmut e di suo marito, ai quali i sommi sacerdoti consegnavano le offerte.

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Rilievo con Genio alatoStoria completa

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Ashur-Nasir-pal II fu il re di Assiria che regnò nel IX a.C. Il sovrano fu un conquistatore di successo e un diplomatico di talento. Fu protagonista di 14 campagne militari crudeli e spietate. Per questo motivo fu definito il più crudele barbaro dell'Assiria. Sviluppò una strategia militare di rapido avanzamento che prevedeva un attacco di precisione al nemico e l'immediata creazione di postazioni difensive nel territorio conquistato con la forza. Se si verificavano rivolte, i ribelli venivano uccisi in massa e il territorio veniva completamente devastato. Nonostante la crudeltà dimostrata durante le campagne militari, il re contribuì alla fioritura dell'arte figurativa assira. Uno degli esempi di tale arte fu la decorazione del monumentale Palazzo Reale di Ashur-Nasir-pal. Il rilievo murale in pietra calcarea si trovava nella Sala I del palazzo e apparteneva al tema mitico dell'adorazione dell'Albero Sacro. L'albero era un simbolo di fecondità, vita ed energia vitale.

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Statua di Osiride AntinooStoria completa

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Antinoo, giovane greco, era il favorito dell'imperatore romano Adriano. Dopo la sua tragica morte nel Nilo, Antinoo fu venerato come Osiride, Apollo, Ermes ed Ercole.Il suo culto era estremamente popolare. Attualmente, ci sono più immagini di Antinoo che di molti altri romani più potenti e famosi.Il culto di Antinoo era strettamente associato a quello di Osiride, annegato nel Nilo e resuscitato in seguito per rendere fertile il suolo. Gli antichi egizi credevano che Osiride avesse inventato l'aratro e lo avesse dato alle persone, insegnando loro a coltivare. Era il re degli Inferi, il loro giudice e allo stesso tempo il potere che riportava la vita sulle rive del Nilo.Osiride era chiamato “Maestro dell'Amore”, “Eterna Giovinezza” e “Maestro del Silenzio”. Secondo le leggende, dopo la morte i faraoni egizi erano associati a Osiride e, come lui, potevano risorgere.

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IncensiereStoria completa

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L'incensiere egizio “braccio di Horus” ricorda uno stelo di papiro ed è composto da tre simboli chiari.Questo manufatto è un tributo e un simbolo del culto di Horus. Si credeva che fosse un protettore dei faraoni, che erano considerati l'incarnazione di Horus. Il lungo manico è costituito da un braccio umano che serve un piattino posto sulla mano aperta. La polvere d'incenso veniva posta e bruciata in questo recipiente. L'incensiere termina con la testa di falco del dio Horus. Tra la mano e il falco si trova la figura del faraone inginocchiato. Sembra che appoggi le mani su un recipiente, nel quale veniva posto l'incenso di riserva. Durante i rituali per onorare le divinità, la combustione dell'incenso faceva parte della purificazione dell'aria. Perché i santuari, in cui erano collocate le statue degli dei, erano chiusi e non c'era possibilità di scambio d'aria. Così, l'incenso bruciato purificava l'ambiente nei santuari saldamente chiusi, dove erano collocate le reliquie sacre. Nell'antico Egitto l'incenso era prezioso quanto l'oro. Veniva usato per illuminare e ottenere la saggezza rallentando la respirazione e dando un senso di pace interiore.

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Statua della regina TuyaStoria completa

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Tuya era la moglie del faraone egiziano Amenhotep III. Era chiamata “Grande Moglie Reale” e spesso influenzava le decisioni del faraone. Tuya visse nel XIV secolo a.C. e svolse un ruolo importante nell'istituzione del culto di Aton come religione di Stato dell'Antico Egitto. Lei e Amenhotep ebbero sei figli. Dopo essere diventato faraone, Akhenaton, uno dei suoi figli, istituì il culto del dio del sole Aton. Insieme al faraone, la regina partecipava a cerimonie ufficiali e visite diplomatiche. Per dimostrare il suo potere e la sua grandezza, costruì un tempio a lei dedicato in Nubia, nell'odierno Sudan. In questo modo, Tuya riuscì a celebrare ancora di più il potere del marito, il faraone Amenhotep.

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Statua della dea leonessa SekhmetStoria completa

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Gli antichi egizi veneravano Sekhmet come una potente dea della guerra, del sole caldo, figlia del dio del sole Ra e padrona del deserto. Sekhmet aveva uno sputafuoco ed era raffigurata come una leonessa, animale di culto.La dea incarnava il sole ardente e veniva raffigurata con il disco solare sulla testa.Secondo le leggende, Sekhmet difendeva i faraoni dai nemici guidandoli in guerra e abbattendo i loro rivali. La dea, severa e di temperamento rapido, poteva uccidere le persone inviando loro malattie. Secondo i miti, Sekhmet punì l'Egitto con una pestilenza. Il faraone Amenhotep III ordinò di costruire settecento statue della dea per propiziarsela. Nonostante ciò, Sekhmet era venerata come dea della guarigione e portatrice di pace.

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Statua del dio BesStoria completa

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Nella mitologia egizia bes è un termine comune per indicare i nani, che erano venerati come protettori delle case, della famiglia e difensori dagli spiriti maligni. Erano protettori dei neonati e delle madri in attesa.Il nome “bes” deriva dalla parola nubiana besa, che significa “gatto”. Gli storici ritengono che il culto di bes sia un'adorazione del gatto come protettore della casa dai parassiti e dagli animali selvatici.Bes è stato raffigurato come un nano dal corpo tozzo, con un volto simile a una maschera, la fronte bassa e gli occhi ingobbiti. Sembra seduto su una roccia, con le mani appoggiate sulle ginocchia e la lingua sporgente. Le spalle e i fianchi sono coperti da una pelle di leone e al collo porta un grande ornamento.Sulla testa c'è un foro per un attributo metallico che sostiene un altro copricapo di pietra. Tradizionalmente, il personaggio portava un magnifico copricapo di piume.

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Gruppo con Tolomeo 2Storia completa

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Le statue rappresentano Tolomeo II e sua sorella Arsinoe II, che divenne sua moglie. Tolomeo II era il re d'Egitto nel III secolo a.C. Oltre che per gli affari politici, è famoso per aver sposato la sorella Arsinoe.Avendo il trono, Tolomeo cercava di estendere la sua influenza politica oltre i confini dell'Egitto e di assumere il controllo del territorio che si estendeva fino all'Asia. A questo scopo rafforzò le sue posizioni in mare. In quel periodo sua sorella Arsinoe fuggì dal marito in Macedonia per trasferirsi in Egitto e diventare regina. In Macedonia era una perfida e astuta intrigante. E si sposò con il fratello per prendere il potere.Secondo le antiche leggende greche, questi due statuti furono portati a Roma dall'imperatore Caligola. A Roma abbellirono un edificio dedicato alla sorella-moglie Drusilla. Fu divinizzata mentre Tolomeo sfidava Arsinoe II.

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Questa storia nel percorso
02Pio Clementino museo30 · dei reperti
Il Museo Pio-Clementino continua a presentare le migliori esposizioni classiche. Situato nel Palazzo del Belvedere, il Museo ha immortalato i nomi dei suoi fondatori - Papa Clemente XIV e Pio VI. I pontefici avevano tutte le ragioni per istituire il Museo. A quel tempo, nella seconda metà del XVIII secolo, il tesoro vaticano non ospitava la più grande collezione di opere d'arte che i loro predecessori avevano raccolto per alcuni secoli. Vennero quindi ricostruiti il Tesoro e il Palazzo del Belvedere. Da allora il Museo Pio-Clementino iniziò a ospitare reperti antichi. Si possono vedere ovunque una varietà di sculture e sarcofagi, nelle sale e nella corte interna ottagonale con colonnati.

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Il Gabinetto delle Maschere
Il Gabinetto delle Maschere è un padiglione estivo ricostruito nel XVIII secolo che era collegato alle sale del palazzo di Innocenzo VIII. Il pavimento del Gabinetto è ricoperto dal più antico mosaico rimasto splendido per secoli. I quattro mosaici raffiguranti maschere sono stati ritrovati nel 1780 a Villa Adriana a Tivoli. È interessante notare che le maschere sono datate al 50 a.C. Nella Galleria delle Maschere sono conservate statue antiche in marmo. Le più significative sono una scultura romana delle Tre Grazie, una statua della Satira, una scultura della Donna danzante e il pezzo forte: la statua dell'Afrodite di Cnido. Si noti che questa statua è giustamente considerata la migliore copia della scultura in bronzo di Prassitele.

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La Sala della Croce Greca
La Sala della Croce Greca è stata progettata da Michelangelo Simonetti. Abbassate lo sguardo all'ingresso della sala e vedrete che il pavimento è ricoperto da un prezioso mosaico datato al III secolo a.C. In primo luogo, questo mosaico rivestiva il pavimento della villa di Tuscolo, vicino a Roma. È interessante notare che la Sala è costruita a forma di croce greca. La croce greca è una croce con bracci rettangolari di uguale lunghezza e perpendicolari tra loro. Questa particolarità ha dato il nome alla sala. Un visitatore attento noterà gli elementi decorativi egiziani presenti in questa sala. Si possono vedere sarcofagi in porfido. Un sarcofago fu realizzato per Costanza, la figlia dell'imperatore Costantino, e il secondo per sua madre Elena. Osservate la decorazione del sarcofago di Elena. Sulla bara sono scolpiti i cavalieri romani che hanno sconfitto i barbari. Il sarcofago di Costanza è decorato con amorini scolpiti che raccolgono uva. Non passate inosservati di fronte a un reperto unico nel suo genere: la figura di una donna in movimento. La si può vedere dietro il Sarcofago di Sant'Elena. Gli storici ritengono che si tratti di un'unica statua superstite di Cleopatra. Tra le altre cose, nella Sala della Croce Greca si possono ammirare le sculture di Ottaviano Augusto e Giulio Cesare e i mosaici.

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Galleria di Statue
La Galleria delle Statue era in origine un'ala estiva del palazzo di Innocenzo VIII. Visitando questo luogo, potrete ammirare gli affreschi realizzati dai pittori italiani Andrea Mantegna e Pinturicchio. Queste furono le prime immagini che decorarono la Galleria alla fine del XV secolo. Nella seconda metà del XVIII secolo questa sala fu trasformata in galleria di statue e acquisì l'aspetto che si vede ora. Qui si trovano sculture classiche. Si tratta di copie romane di capolavori come la statua di Apollo Sauroktonos, l'Arianna addormentata, Narciso, Satiro ubriaco, Paride seduto, bassorilievi di Marte, Minerva e Venere.

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Sala degli Animali
Siete nella Sala degli Animali. Si tratta della più grande collezione mondiale di statue antiche di animali selvatici. Si è circondati da quasi 150 statue in alabastro, marmo colorato e bianco. Quasi tutti gli oggetti esposti sono copie di originali greci realizzate per ordine di Papa Pio VI. Alle statue lavorò lo scultore Francesco Antonio Franzoni. Le statue di animali e uccelli sono state restaurate alla fine del XIX secolo. Nella Sala degli Animali si possono ammirare la statua di Meleagro con il cane e la testa del cinghiale calidonio, il torso del Minotauro, sarcofagi romani appartenuti ai rappresentanti degli Scipioni.

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Sala de i Muse
Ora vi trovate nella Sala progettata dal pittore italiano Michelangelo Simonetti nel 1782. La Sala delle Muse è decorata da sedici colonne di marmo. Alzate lo sguardo e vedrete gli affreschi del soffitto di Tommaso Conca. Rappresentano Apollo e nove Muse circondati da famosi poeti del mondo antico: Omero, Eschilo, Pindaro, Virgilio, Tasso e Ariosto. Nella Sala delle Muse si trovano le statue in marmo di Apollo e di nove muse, le protettrici greche dell'arte. In realtà, queste sculture sono copie delle statue originali greche realizzate in bronzo nel III secolo a.C. Se si guarda al centro della sala, si vedrà il Torso del Belvedere, un modello di corpo idealmente e splendidamente proporzionato, secondo Michelangelo.

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I cortile ottagonale
Ora vi trovate nel cortile interno che è il nucleo di tutti i Musei Vaticani. Qui sono esposti magnifici sarcofagi romani con bassorilievi. Prima che questo cortile diventasse un'attrazione imperdibile inclusa nella guida dei Musei Vaticani, il cortile interno era un giardino di aranci. Ma Papa Giulio II lo migliorò collocando statue antiche all'ombra degli alberi. Più tardi, nel 1775, Papa Pio VI incaricò di recintare l'area del giardino con un portico ottagonale che incorniciava l'ingresso del palazzo. Dopo trent'anni furono costruite quattro nicchie separate da arcate ai quattro angoli. Si tratta della Nicchia di Laocoonte, della Nicchia di Perseo, della Nicchia di Apollo e della Nicchia di Hermes. Il giardino assunse così l'aspetto che vedete.

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La Round Hall
La Round Hall ha quasi 250 anni. Fu progettata e costruita in stile classico nel suo periodo di massimo splendore, nel 1780. Il progetto fu affidato a Michelangelo Simonetti. Abbassate lo sguardo e vedrete che il pavimento è ricoperto da un mosaico romano del III secolo, raffigurante le battaglie dei guerrieri greci con tritoni e centauri. Al centro della Sala Rotonda si trova un'enorme vasca di porfido che ha una circonferenza di 13 metri. In precedenza abbelliva la Casa Holden dell'imperatore Nerone. Nelle nicchie si trovano 18 statue e busti in marmo di divinità romane e greche e di eroi mitologici. Da vedere la scultura di Antinoo. Si trovano anche il ritratto dell'imperatore Adriano raffigurato come Dioniso e la statua del possente Ercole. Questa è l'unica statua dorata sopravvissuta immutata dall'antichità.

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L'Afrodite di CnidoIl Gabinetto delle MaschereStoria completa

Praxiteles

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L'Afrodite di Cnido è la prima rappresentazione in pietra di un nudo femminile. Questa scultura è la statua femminile che viene maggiormente duplicata. È interessante notare che Prassitele, il creatore della statua, realizzò due sculture simili di Afrodite. Una era coperta da un mantello e l'altra era completamente nuda. La seconda statua fu acquistata dagli abitanti di Cnido, la colonia greca, e ottenne fama mondiale. Alcune persone si recavano a Cnido solo per vedere la statua della dea. Prassitele utilizzò come modello la sua amante Phryne, una donna molto bella. Ma nell'antichità era blasfemo creare statue di divinità usando il corpo umano come modello. Frine fu accusata di empietà e portata in tribunale. L'oratore Ipereide fu incaricato di difenderla. Pronunciò un discorso e tolse la veste di Phryne per mostrare la bellezza del suo corpo. A quel tempo si credeva in un'anima ideale in un corpo perfetto. Una persona bella e gentile era equiparata agli dei. I giudici rimasero così colpiti dalla bellezza di Frine che la assolsero all'unanimità. La statua dell'Afrodite di Cnido è la copia più esatta della scultura realizzata da Prassitele nel 340 a.C. L'originale greco non esiste più, ma sono sopravvissute molte copie.

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Sarcofago di CostanzaLa Sala della Croce GrecaStoria completa

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Un magnifico sarcofago è un simbolo di vita eterna che allude all'aldilà. Il sarcofago in porfido rosso custodisce le spoglie di Costanza, figlia dell'imperatore Costantino. Il sarcofago poggia su quattro supporti di leonessa. La bara è decorata sui quattro lati con amorini che raccolgono uva. I lati del sarcofago sono decorati con tre ragazzi alati che calpestano l'uva. Perché questa scena è raffigurata sull'ultima dimora della figlia dell'imperatore? Il fatto è che i sarcofagi romani imitavano la forma dei torchi. E questo aveva un significato profondo. Gli acini venivano spremuti, ma dopo la fermentazione si trasformavano in vino di birra. Così, l'uva spremuta diventa vino, avendo una nuova vita. Considerando le antiche credenze, il concetto del bassorilievo del sarcofago assume un significato. Gli amorini immortali danno una nuova vita alla Costanza sepolta. La sua anima, come l'uva, raggiunge l'immortalità. Costanza morì nel 354 e alcuni secoli dopo i Romani la canonizzarono. Fu sepolta nella chiesa di Santa Costanza.

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Il sarcofago di ElenaLa Sala della Croce GrecaStoria completa

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Il sarcofago di Elena è il simbolo del successo militare e l'ultimo rispetto al talento e alla potenza di un comandante. E in verità, non un guerriero glorioso, ma Elena, la madre dell'imperatore romano Costantino il Grande, fu sepolta lì. Gli storici ritengono che la magnifica tomba sia stata originariamente realizzata per l'imperatore Costantino. Per questo motivo, è decorata con scene militari dinamiche che non sono adatte a una sepoltura femminile. Le gloriose vittorie militari erano infatti il principale vanto dei governanti romani. Il monumentale sarcofago in porfido rosso è decorato con scene di battaglia. Il bassorilievo della tomba è scolpito con soldati romani a cavallo che uccidono i barbari. Sul coperchio del sarcofago gli amorini reggono splendide ghirlande come simbolo di onore e saluto dei vincitori.

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Apollo SauroktonoGalleria di StatueStoria completa

Praxiteles

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Apollo Sauroktonos (Apollo uccisore di lucertole) simboleggia la vittoria della luce sulle tenebre. Nell'antichità furono realizzate molte copie della scultura di Apollo Sauroktonos. Ciò significa che la statua era piuttosto popolare tra i Romani e il suo concetto era piuttosto chiaro. Il messaggio della scena può diventare evidente se consideriamo i miti romani di Apollo. Apollo, il dio del sole, della luce e della vita, ha due lati opposti. Uno di essi è scuro. Simboleggia un lungo sonno, l'oblio, la morte. Nei miti, una lucertola rappresenta il lato oscuro del dio. Uccidendo la lucertola con le proprie mani, Apollo si è liberato del suo lato oscuro ed è diventato solo un dio della luce. La seconda parte del titolo della statua, "sauroktonos", deriva da due parole greche: saura (lucertola) e kteinen (uccidere). Il giovane dio del sole Apollo sta per uccidere una lucertola. In pochi secondi il ragazzo ucciderà una lucertola che si arrampica su un albero con una piccola freccia.

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MeleagroSala degli AnimaliStoria completa

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La statua rappresenta Meleagro di Belvedere dopo l'uccisione del cinghiale calidonio. Si tratta di una nota storia mitologica greca. La scena scolpita è associata a una leggenda tragica. Meleagro è il figlio del re Oeneo di Calidone e di sua moglie Althaea. È citato nei poemi dell'Iliade e tra gli Argonauti e i cacciatori calidoni. Secondo i miti greci, quando nacque Meleagro, sua madre Althaea sentì una minacciosa predizione secondo la quale suo figlio sarebbe morto non appena uno dei bastoni del camino si fosse bruciato completamente. Non appena Althaea sentì la terribile notizia, estrasse il bastone dal fuoco, lo spense e lo nascose in un baule. Sembra che la madre abbia salvato il figlio da un destino infausto. Una volta il padre di Meleagro dimenticò di dare un'offerta ad Artemide, la dea della caccia, che decise di punirlo. La dea scatenò un enorme cinghiale a Calydon, devastando campi e foreste. Il coraggioso Meleagro e i suoi amici uccisero la bestia, ma Artemide non lasciò in pace i vincitori. Provocò la lite per la testa del cinghiale tra i due. Durante la lotta i parenti di Meleagro da parte materna furono uccisi. Quando sua madre Althaea lo venne a sapere, si infuriò e bruciò il bastone nascosto. Meleagro morì immediatamente. Meleagro è raffigurato con in mano la testa del cinghiale dopo la caccia calidoniana. Il suo fedele cane da caccia, che probabilmente lo ha aiutato durante la caccia, siede accanto al vincitore.

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JaguarSala degli AnimaliStoria completa

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Nell'antichità il leopardo era chiamato "l'animale del dio" e veniva spesso tenuto nei sacri serragli imperiali. L'immagine mitica del leopardo rappresenta l'impavidità, il coraggio, il valore, la fedeltà, l'aggressività e la ferocia in battaglia. L'animale assomiglia a un giaguaro, un iris, un ghepardo e un leopardo allo stesso tempo. Ma non si tratta di una statua di giaguaro. Questo animale è originario dell'America del Sud, che all'epoca non era ancora stata scoperta. Non è così importante quale animale sia stato scolpito in una pietra. Tutti i felini rappresentano un culto nobile e bellicoso. Questa statua di leopardo è insolita perché parzialmente colorata. I diversi frammenti di alabastro nero e ambrato creano i colori naturali dell'animale.

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ClioSala de i MuseStoria completa

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Clio è la musa greca della storia, destinata a glorificare le gesta eroiche di uomini e dei. Clio porta sul capo una corona di alloro. L'alloro è un simbolo di gloria, vittoria e pace. Veniva regalato agli eroi. La musa della storia è incoronata con la corona di alloro. Significa che è sempre pronta a scrivere i nomi degli eroi. Tiene in mano uno stelo di pergamena. Contiene la cronaca delle imprese compiute. Clio vi inserisce anche i nomi di persone nobili e divinità.

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Il Belvedere TorsoSala de i MuseStoria completa

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Gli storici hanno discusso sull'origine del Torso del Belvedere. Ma nonostante la mancanza di informazioni sulla statua, si sa che lo stesso Michelangelo ammirava le linee raffinate e realistiche della muscolatura. Mentre dipingeva a fresco il soffitto della Cappella Sistina, utilizzò l'immagine della statua accuratamente scolpita. Ma quando gli fu chiesto di ripristinare le parti mancanti del busto, il pittore si rifiutò di farlo perché considerava la statua ideale. Il teorico neo-atticista Johann Winckelmann paragonava il busto a "una possente quercia abbattuta e privata dei suoi rami". Gli storici ipotizzano che la statua possa rappresentare Eracle, Polifemo, Prometeo, Ares o Filottete. Ma la versione più diffusa parla di Aiace greco, seduto sulla pietra e intento a pensare al suicidio. Gli esperti d'arte hanno stabilito che la testa era inclinata verso la mano destra. E impugnava la spada con cui l'eroe si sarebbe tolto la vita. Si suppone che durante la guerra di Troia sia stato nominato comandante Odisseo e non Aiace, che si infuriò a tal punto da uccidersi.

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CalliopeSala de i MuseStoria completa

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Calliope è la musa più eloquente, patrona della poesia epica, della filosofia e della scienza. In greco il suo nome significa "dalla voce bella". Per questo Dioniso chiamava la poesia "urlo di Calliope". Calliope è la figlia maggiore di Zeus e la madre di un famoso eroe leggendario, Orfeo. Da sua madre ha preso la musicalità e la poesia. Calliope tiene in mano una tavoletta di cera e uno stilo di legno, uno strumento di scrittura. Da qui la frase "scrivere in grande stile", cioè in stile eloquente e sonoro.

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UraniaSala de i MuseStoria completa

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Urania è la musa dell'astronomia. Quando la mitologia greca sviluppava il concetto di muse, l'astronomia non era una scienza esatta e complicata. Era piuttosto un insieme di ipotesi sul cielo e sulle stelle. Per questo Urania era spesso chiamata musa "celeste". La severa Urania è raffigurata con un mappamondo e un puntatore in mano, come un'insegnante studiosa.

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ApolloSala de i MuseStoria completa

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Apollo è il patrono delle arti, della poesia e della musica e guida le nove muse. In primo luogo, gli antichi greci credevano che Apollo proteggesse il bestiame. Poi era considerato un preveggente e, infine, il padre del sole e della luce. Il giovane dio tiene in mano una cetra. Sembra che suoni e canti allo stesso tempo. Sulla cetra è scolpita la figura dell'antico eroe greco Marsia. Secondo le leggende, Marsia era un musicista di talento e gareggiò nel suonare la cetra contro Apollo. Le muse giudicarono la gara e preferirono Marsia. Allora Apollo iniziò a suonare la cetra e a cantare contemporaneamente. Marsia non ci riuscì e perse. Come punizione per la sua arroganza, Apollo appese Marsia a un pino e lo scorticò vivo.

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TerpsichoreSala de i MuseStoria completa

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Terpsichore è la musa della danza eseguita in armonia con i dettami del cuore. Secondo una versione, è la madre delle sirene. La lira in mano simboleggia la musica, che era una parte inestricabile della vita di Terpsichore. Era un'abile danzatrice e la sua maestria nella danza rappresenta l'equilibrio tra natura, movimenti del corpo umano ed emozioni.

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PolimniaSala de i MuseStoria completa

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Polimnia è la musa della poesia sacra, dell'inno sacro e dell'arte oratoria. Simboleggia la fede glorificata nella musica. Gli antichi greci credevano che il successo di un oratore dipendesse dalla clemenza di Polimnia. L'oratore avrebbe dovuto propiziare la Musa e lei lo avrebbe dotato di una fantastica eloquenza. Se l'oratore non si rivolgeva a Polimnia, il suo discorso non aveva successo.

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MelpomeneSala de i MuseStoria completa

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Melpomene è la musa della tragedia, del coro e dell'armonia musicale. Inizialmente fu nominata patrona dei canti sacri, poi patrona dei canti tristi e, infine, musa dell'arte drammatica e del teatro. Rappresenta il principio tragico del teatro. Melpomene indossa un mantello teatrale, tiene una maschera tragica nella mano destra e un coltello nella mano sinistra. Tradizionalmente, la maschera simboleggia un teatro, mentre il coltello è un simbolo dell'inevitabilità della punizione di coloro che hanno disobbedito agli dei. Secondo le leggende, fu Melpomene a dare vita alle perfide sirene che attiravano i marinai con le loro voci canore.

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ThaliaSala de i MuseStoria completa

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Thalia è la musa greca della commedia e della poesia idilliaca. È raffigurata con in mano un bastone da pastore, una maschera comica e un tamburello. Il suo capo è coronato da una corona di fiori di campo. Si riferisce a poesie allegre e vivaci sullo stile di vita di pastori e contadini che lavorano e vivono in aperta campagna.

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Il dio dell'ArnoI cortile ottagonaleStoria completa

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Il dio dell'Arno a Firenze è un titano possente e forte con un volto accigliato, serio e con barba parlante. La figura del dio rappresenta la potenza e la forza del fiume che partorisce. In origine, la scultura del dio faceva parte di una fontana, la cui vasca è un sarcofago decorato con scene di battaglie tra Greci e Amazzoni. Questa statua ritrae il dio del fiume in una posa tradizionale, reclinato con una giara in mano. Sulla giara è scolpita una piccola testa di leone. Gli elementi del gatto dimostrano che il fiume Arno può essere identificato con il fiume Tigri dell'antica Mesopotamia.

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Apollo BelvedereI cortile ottagonaleStoria completa

Leochares

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Apollo, il dio del sole e della luce, era chiamato "splendido" o "radioso". Per diversi secoli è stato un idolo della bellezza maschile. Subito dopo la sua creazione, la statua di Apollo del Belvedere fu ammirata sia dalla gente comune che da importanti scultori. L'esperto d'arte Johann Joachim Winckelmann considerava la statua come un punto di riferimento dell'arte greca. Disse che "tra tutte le opere dell'antichità scampate alla distruzione, la statua di Apollo rappresenta il più alto ideale dell'arte". Non appena la statua di marmo fu scoperta non lontano da Roma, a metà del XV secolo, fu collocata nel giardino del Belvedere in Vaticano. Così l'Apollo fu chiamato Apollo Belvedere. La scultura del Belvedere di Apollo raffigura il dio come un possente e affascinante arciere. Le sue mosse sono dinamiche, decise e coraggiose. Secondo gli storici, Apollo avrebbe tenuto un arco nella mano sinistra e una freccia nella mano destra. Sembra che abbia appena scoccato una freccia, in attesa di sapere quale bersaglio colpirà. Le frecce e l'arco nelle sue mani rappresentano il suo diritto di punire i peccatori e di purificare le persone pentite dai loro peccati. La testa di Apollo è coronata da una corona di alloro, simbolo di vittoria. Vicino al giovane c'è un tronco d'albero con il Drago Pitone ucciso da Apollo a Delfi.

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Belvedere HermesI cortile ottagonaleStoria completa

Praxiteles

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Ermete era l'emissario degli dei e il conduttore delle anime dei morti verso gli Inferi. Il suo altro nome era Psicopompo, che letteralmente significa "guida delle anime". Ermete era anche il patrono di pastori, ambasciatori, viaggiatori, maghi, alchimisti e astronomi. Inoltre, mercanti, commercianti e atleti lo veneravano. Secondo le leggende, Ermete inventò le unità di misura, i numeri e l'alfabeto e lo insegnò alla gente. La statua raffigura il giovane, forte e bello Ermes in tranquilla attesa. Il giovane dio guarda avanti con tranquillità. È malinconico; lo sguardo è abbassato, mentre un mantello gettato sulle spalle è avvolto intorno all'avambraccio. Hermes appoggia delicatamente il piede destro al tronco di una palma. L'autore ha incarnato nella scultura quel particolare fascino sognante con cui Hermes si realizza. Il marmo trasmette in modo sorprendente la fluidità e la morbidezza dei movimenti di Hermes, mentre mostra la giovinezza e la forza della sua figura.

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PerseoI cortile ottagonaleStoria completa

Antonio Canova

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La scultura raffigura una famosa storia greca sulla vittoria di Perseo sulla Gorgone Medusa. La storia ebbe inizio quando il re Polidete desiderava sposare la bella Danae. Lei era la madre di Perseo, che si opponeva a questo matrimonio. Allora Polidete ingannò Perseo e gli fece promettere di uccidere la Gorgone Medusa. Il re sperava che Perseo morisse nella lotta contro la Gorgone, ma accaddero altre cose. Dopo molte difficoltà, il giovane Perseo raggiunse l'isola dove vivevano le Gorgoni. Sapeva che chiunque avesse guardato Medusa sarebbe stato trasformato in pietra, così decapitò la Gorgone guardandola riflessa nel suo scudo di rame. La scultura di Perseo lo ritrae dopo la sconfitta della Gorgone. Tiene in mano una spada e indossa i sandali di Mercurio. Questi attributi gli sono stati dati per volare verso l'isola delle Gorgoni e sconfiggere Medusa.

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Venere FelicaI cortile ottagonaleStoria completa

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Venere è un'antica dea romana dell'amore, della bellezza, della fertilità e della prosperità. Nella cultura greca era chiamata la padrona della speranza e il simbolo della vittoria. In suo onore venivano organizzate feste sontuose e la dea era incarnata in decine di sculture. Venere è considerata la madre di Enea, che fuggì da Troia assediata in Italia. Lì i suoi discendenti fondarono Roma e Venere fu venerata come genitrice dei Romani. Gli attributi della bellezza eternamente giovane di Venere sono un papavero, una rosa, un piccione e una lepre, simboli di fertilità. I Romani credevano che Venere fosse in grado di controllare la volontà degli animali selvatici e di affascinarli. Secondo gli storici, la scultura di Venere Felica è un dono sacrificale a Venere da parte dell'imperatrice Sallustio e di suo figlio Esperide. Gli esperti d'arte ipotizzano che la mano sinistra mancante potesse contenere una mela o uno specchio. Gli storici assicurano inoltre che la Venere assomiglia a Faustina la Giovane, moglie dell'imperatore romano Marco Aurelio.

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LaocoonteI cortile ottagonaleStoria completa

Polydorus

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Il gruppo di statue di Laocoonte e dei suoi figli mostra Laocoonte e i suoi figli attaccati da serpenti marini. Al culmine della guerra di Troia, Laocoonte mise in guardia i Troiani dall'astuzia e dall'abilità dei Greci. Chiese ai cittadini di non prendere il cavallo di Troia. Ma il popolo non ascoltò Laocoonte, e allora decise di lanciare una lancia per mostrare cosa fosse. Ma il potente Poseidone voleva che Troia fosse rovinata, quindi doveva impedire a Laocoonte di rivelarlo. Poseidone mandò due enormi serpenti ad attaccare Laocoonte e i suoi figli. I serpenti marini salirono dal mare, avvolsero il collo delle loro vittime e le uccisero. Il gruppo di statue esprime una teatralità melodrammatica. Lo scultore ha usato magistralmente la sua conoscenza del corpo umano per incidere la figura di Laocoonte nel momento di massima tensione. I muscoli del suo corpo erano tesi dal dolore e la sua bocca era distorta dal grido di morte. Sta piangendo non tanto se stesso quanto i suoi figli. Non solo la descrizione della battaglia mortale riflette la tragedia. La disperazione è data dalla sofferenza di Laocoonte e dei suoi figli, che saranno uccisi in pochi minuti. Ma pur sapendolo bene, Laocoonte spera ancora di allontanare i serpenti di mare e di liberarsi di loro. La scultura stupisce per il realismo e i dettagli dei muscoli del corpo umano, tesi e resistenti.

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ApoxyomenosCabinet of ApoxyomenosStoria completa

Lysippos

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L'Apoxyomenos è un simbolo degli sport antichi e un'eloquente dimostrazione del corpo atletico e snello degli atleti greci. La parola "Apoxyomenos" deriva dal verbo greco che significa "pulirsi". Prima delle gare, gli atleti dell'antica Grecia si ungevano il corpo con olio che veniva ricoperto di sabbia durante il torneo. Dopo le gare, gli atleti raschiavano via la miscela di sabbia e olio con un cucchiaio speciale chiamato strigile. La statua di Apoxyomenos mostra uno sportivo aggraziato, un po' rilassato, ma serio. La sua figura plastica e snella è una prova silenziosa della popolarità dello sport nell'antichità. Si tratta di una copia della statua in bronzo di Apoxyomenos, realizzata dallo scultore greco Lisippo nel 320 a.C..

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HeraclesLa Round HallStoria completa

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Si tratta dell'unica statua in bronzo al mondo rivestita con l'antica doratura originale. Eracle tiene in mano una pesante clava, la pelle del leone e le mele delle Esperidi. Ricordano la prima e l'ultima delle dodici fatiche di Eracle. La pelle del leone di Nemea è un simbolo della prima fatica di Eracle. L'atleta doveva uccidere un enorme leone che terrorizzava le colline intorno a Nemea. Quando Eracle trovò una grotta dove viveva la bestia, bloccò l'ingresso con una pietra. Poi stordì il leone con la sua clava e lo strangolò a morte. Le mele delle Esperidi simboleggiano la dodicesima, la più difficile impresa compiuta da Eracle. Secondo le leggende, egli doveva recarsi da un titano, Atlante, e prendere tre mele d'oro dal suo giardino. Atlante reggeva il cielo sulle sue spalle e il giardino era sorvegliato dalle Esperidi, le sue figlie. Prima di riuscire a raccogliere le tre mele, Eracle trovò la strada per il giardino, ingannò il drago che difendeva gli alberi e lo stesso Atlante.

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AntinooLa Round HallStoria completa

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Antinoo, un giovane e affascinante greco, era il favorito dell'imperatore romano Adriano. Si incontrarono nel 124 d.C. e da allora Antinoo accompagnò sempre il sovrano. La sua alleanza durò 6 anni e nel 130 d.C. il giovane morì nelle acque del Nilo. Finora le cause della sua morte sono rimaste poco chiare. Gli storici hanno formulato diverse ipotesi, tra cui il suicidio, il tragico incidente e il sacrificio umano rituale. Dopo la sua morte Antinoo fu divinizzato e il suo culto si diffuse in Grecia e in Egitto. Lì il giovane fu identificato come Osiride, un dio della resurrezione che era annegato anche lui nel fiume Nilo, ma poi era risorto e aveva reso fertile il terreno. La scultura incarnava le caratteristiche reali di Antinoo: il suo corpo forte, le spalle larghe, il viso accattivante. È raffigurato forte come un atleta e bello come un dio. La sua bellezza è voluttuosa e morbida, come se fosse circondata dalla tristezza. La statua raffigura Antinoo come Dioniso, dio del vino e della vegetazione. La sua testa è ornata dai simboli del dio del vino: una corona di edera e un diadema.

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DemeteraLa Round HallStoria completa

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Demetra era la dea della fertilità e dell'agricoltura. Il suo secondo nome è "madre terra" che insegnava alle persone come coltivare. La leggenda più famosa di Demetra narra della sua ricerca di Persefone, portata da Ade negli Inferi. Demetra percorse la terra in lungo e in largo per trovare sua figlia, ma nel frattempo la terra divenne arida. La gente moriva di fame e non aveva doni per gli dei. Gli dei implorarono Demetra di tornare sul Monte Olimpo, ma lei rifiutò. Allora Zeus ordinò a suo fratello Ade di liberare Persefone. Quando la figlia tornò, Demetra smise di piangere e si mise in testa una corona di fiordalisi. Per festeggiare, la dea donò alla gente dei calli, che iniziarono a coltivare il grano. La scultura ritrae Demetra calma, dignitosa, con uno sguardo franco. Ma non tutti gli storici credono che questa statua sia Demetra. Ci sono alcuni dubbi perché non ci sono attributi specifici della dea. Si chiama Demetra perché tiene nella mano destra un papavero, simbolo di fertilità. Ma lo scettro nella mano sinistra potrebbe alludere a Era.

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AugustoLa Round HallStoria completa

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In latino togatus significa persona vestita con la toga. Si tratta dell'indumento nazionale di un cittadino romano a tutti gli effetti. La toga fu resa popolare dall'imperatore Augusto. Egli ordinò ai romani di indossare la toga prima di recarsi al Foro, il centro degli affari di una città. Così, la toga divenne un simbolo dell'Antica Roma, un attributo che la gente era obbligata a indossare sia che si recasse al mercato, al tempio o a una riunione. La toga era drappeggiata e si credeva comunemente che solo i Romani fossero in grado di imparare "la grande abilità del drappeggio". L'imperatore Genio Augusto, avvolto nella toga, incarna un romano libero e rispettato dalla società. La testa di Augusto è coperta dalla toga. Ciò significa che l'imperatore è pronto per la consacrazione, cioè per offrire i sacrifici. Nella mano sinistra Augusto tiene il corno dell'abbondanza come simbolo di fertilità e sazietà del suo popolo. Nella cultura romana, il genio è il nonno, un custode spirituale del destino dell'uomo. Era venerato e sperato. Passo dopo passo si iniziò ad associare questo culto al rispetto dell'imperatore. Augusto fu chiamato Genio per i suoi meriti verso la Patria, la grandezza e la protezione del popolo romano.

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GalbaLa Round HallStoria completa

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Servio Galba fu sovrano dell'Impero romano solo per sei mesi, dal giugno 68 al gennaio 69. Galba nacque da una famiglia nobile e fece una notevole carriera militare e politica. Fu il primo imperatore romano a prendere il potere dopo la ribellione dei soldati. Questo conflitto militare interno portò alla costante lotta per il potere nell'Impero romano. Nuove rivolte invadono Roma e, alla fine, Galba viene ucciso. Secondo le leggende, Galba era un comandante severo. A quanto si dice, non concedeva ai suoi soldati alcuna licenza, li sfiniva con esercizi fisici e lavori permanenti. Secondo gli storici, alla fine della sua vita Servio Galba era debole e rovinato dalle malattie. Ma la scultura lo mostra come un uomo invecchiato, ma ancora forte e possente, che tiene in mano una verga, simbolo di potere.

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ClaudioLa Round HallStoria completa

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Claudio, divenuto imperatore dopo Giulio Cesare, governò il Paese in modo incompetente. Secondo le leggende, Claudio era miope e di vedute ristrette, incapace di controllare un grande Stato. Era timido, sciocco e indelicato, il che lo privò di titoli e gradi. Ma in realtà Claudio era bravo in storia, archeologia, letteratura greca e romana. Quando era bambino, Claudio era solito ammalarsi, il che si ripercuoteva sul suo sviluppo fisico e mentale. Nonostante la figura poco attraente di Claudio, la sua statua lo ritrae come Giove, un dio bello, forte e dignitoso. Le proporzioni ideali del suo corpo sono in disarmonia con il suo volto. Il busto, le gambe, le braccia, le orecchie sporgenti, il viso rugoso e gli occhi incavati non sono armonici. Sulla testa di Claudio si trova una corona di foglie di quercia. È un simbolo di fertilità, coraggio e potere. Le vittorie militari hanno segnato il regno dell'imperatore. Un'aquila, eterna compagna di Giove, siede ai piedi di Claudio. Simboleggia la saggezza e le prossime vittorie militari.

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Hera BarberiniLa Round HallStoria completa

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Era è la dea del matrimonio e moglie di Zeus. Proteggeva le coppie sposate e le benediceva con dei figli. Era rispettava molto la sacralità del matrimonio e cercava di proteggere la sua famiglia e di essere una moglie fedele. Faceva bene il suo lavoro, ma non si può dire lo stesso di Zeus. Egli aveva numerose amanti e per questo Era faceva sempre scenate, ma poi si riconciliava con il marito. La dea, vestita con un abito sontuoso, viaggiava su un carro d'argento con ruote d'oro trainato da cavalli immortali. Era la più forte tra le dee dell'Olimpo e sedeva vicino a Zeus sul trono d'oro. La scultura la ritrae come una regina aggraziata e splendida. Hera Barberini è raffigurata mentre tiene una verga nella mano destra con la testa leggermente chinata. In questo modo, la dea dimostra il suo potere e il suo affetto per le persone. La statua è composta da numerosi frammenti di marmo. Alcuni frammenti sono stati utilizzati per creare il piede sinistro e il petto. Si tratta di una tradizione antica in cui una scultura completa può essere realizzata utilizzando una quantità minima di pietre.

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Giunone SospitaLa Round HallStoria completa

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Giunone è una delle dee più rispettate dell'Antica Roma. Il mese di giugno prende il nome da lei e la dea era chiamata Sospita, cioè Salvatrice. Era la protettrice della Luna, delle donne e del matrimonio e faceva parte della triade capitolina che comprendeva Giove e Minerva. La dea della saggezza Minerva e la patrona della fertilità Cerere erano le sue consigliere. Si ritiene che ogni donna abbia la sua Giunone, compagna e protettrice. Giunone è raffigurata come una donna severa che sta ferma e guarda in lontananza. Sul capo della dea si trova un diadema ricoperto da una pelle. Si tratta della pelle della capra Amaltheia, che allattò Zeus quando era bambino. La dea tiene in mano una lancia e uno scudo. Si riferisce a un altro titolo di Giunone. Simboleggia la vittoria e l'abilità militare. Gli antichi Romani la invocavano quando chiedevano il successo delle campagne militari.

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04Pinacoteca34 · dei reperti
La Pinacoteca Vaticana fu allestita da Papa Pio VI nella seconda metà del XVIII secolo. In origine il pontefice collocò la sua collezione di dipinti in un'unica sala. Da allora la collezione crebbe e la sala fu ampliata. Finalmente, nel 1908, le diciotto sale della Pinacoteca aprirono le porte ai visitatori. Qui dovrete visitare più di 15 sale con mosaici di straordinaria bellezza, arazzi, icone, sculture e dipinti di pittori italiani del XII-XIX secolo. È d'obbligo una sosta per ammirare i dipinti religiosi di Caravaggio, Raffaello, Tiziano e da Vinci. Uno spettatore attento noterà che vi sono esposte le tele di diverse scuole pittoriche, tra cui quella fiorentina, quella barocca, quella fiamminga, quella olandese e quella di Raffaello Santi. Percorrendo le sale della Pinacoteca Vaticana, si potranno ammirare i dipinti "Trasfigurazione" e "Madonna di Foligno", "Madonna della Cintola" di Benozzo Gozzoli, "Visione di Sant'Elena" di Paolo Veronese, "Tumulazione di Cristo" di Michelangelo, "Madonna con Bambino" di Pietro Perugino, "San Girolamo" di Leonardo da Vinci e "Compianto su Cristo morto" di Giovanni Bellini. Nell'ottava sala potrete osservare con attenzione la collezione di arazzi realizzati con i cartoni di Raffaello Santi, tra i quali spiccano "La guarigione dello zoppo" e "La pesca miracolosa dei pesci". La XVIII Sala raccoglie una grande collezione di icone realizzate tra il 15 e il 19 secolo. Sono giustamente considerate come rappresentanti delle pratiche spirituali dei primi secoli del cristianesimo. La Pinacoteca custodisce quasi cinquecento dipinti provenienti da tutto il mondo. L'unica cosa che conta è che avrete bisogno di forze sufficienti per non limitarvi a guardarli, ma capirne la particolarità, la caratteristica distintiva che incarna lo spirito del tempo e la potenza dell'idea artistica.

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La Sala 18
Le icone dei Musei Vaticani sono un'importante collezione di immagini sacre. Sono espressione della teologia, della fede e dei canoni estetici del cristianesimo in Oriente.  I dipinti che fanno parte della collezione sono stati inclusi nelle collezioni papali dopo il 1762 come parte del Museo Sacro fondato da Papa Benedetto XIV nella Biblioteca Vaticana. Le icone qui presentate rappresentano le più significative della collezione, selezionate in base alle loro tipologie iconografiche e alle zone culturali. Datate dal XV al XIX secolo, provengono dalla Grecia post-bizantina, dai Paesi balcanici e slavi, dalla Russia, dalla regione precedentemente sotto il dominio veneziano, dall'Adriatico e dal Medio Oriente. Questi territori sono sempre stati associati al mondo bizantino, nel quale, fin dai primi secoli dell'era cristiana, si sviluppò una peculiare simbiosi tra dottrina teologica e arte, dando forma e contenuto alle immagini sacre che oggi chiamiamo icone. La forma più comune nelle collezioni dei Musei Vaticani è l'icona del servizio devozionale. Si tratta di immagini, solitamente di piccolo formato, create per la preghiera personale e domestica. Sebbene differiscano per dimensioni dalle grandi icone da esporre nelle chiese, presentano temi iconografici simili: immagini di Cristo e della Madre di Dio, santi e festività liturgiche.

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Ultima giudizioStoria completa

Audioguida dei Musei Vaticani

Il Giudizio Universale è il dipinto più antico della Pinacoteca. La trama dell'Apocalisse era una delle più importanti per i cristiani medievali che credevano che la Terra fosse un disco. E la forma del dipinto, che è un tondo con una base rettangolare, è un simbolo della completezza del Giudizio Universale. Il dipinto è tradizionale del 12° secolo, quando gli altari erano decorati con pannelli di legno raffiguranti scene religiose. Le figure del pannello sono bidimensionali, prive di vivacità artistica e di emozioni, e le loro figure sono immobili. Sono un'illustrazione del Giudizio Universale, una spiegazione di uno degli episodi più incomprensibili della Bibbia. Il dipinto è suddiviso in cinque fasi o registri. Ogni personaggio occupa un posto nella gerarchia religiosa. In cima alla composizione c'è il Dio che tiene in mano la regalia. È circondato da cherubini. La seconda fase mostra Cristo, in piedi tra due angeli e dodici apostoli davanti a un altare. La terza fase contiene il messaggio più complesso. È divisa in scene. Nella prima scena a sinistra c'è San Paolo che guida gli Eletti. Poi sono raffigurati la Vergine Maria e Stefano, che intercedono per gli innocenti. A destra, altre tre scene, sono Vestire gli ignudi, Visitare i prigionieri, Dar da bere agli assetati. La quarta fase mostra la terra e l'acqua, uccelli, pesci e animali feroci sputano le membra dei corpi divorati, e gli angeli suonano le trombe apocalittiche e svegliano i morti. La quinta fase rettangolare mostra la Gerusalemme celeste e l'Inferno. Qui si possono vedere i salvati che sono attesi in paradiso e i peccatori il cui cammino va verso l'inferno.

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Madonna con bambino e santiStoria completa

Tiziano Vecellio

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La pala d'altare Madonna con il Bambino e Santi ha un altro nome, Madonna dei Frari. È uno dei dipinti più impressionanti e colorati del pittore veneziano Tiziano. La tela raffigura l'apparizione della Vergine Maria con il Bambino davanti ai santi Caterina, Nicola, Pietro, Antonio, Francesco e Sebastiano. La Madonna con il Bambino sulle ginocchia, circondata da angeli, è seduta sulla nuvola e scende verso i santi che l'hanno vista. Essi si trovavano nel tempio, quando la visione apparve loro. Il pittore mostra che ogni testimone della visione la percepisce a modo suo. Alcuni guardano in alto, altri in basso, ma la gioia, lo stupore, la solennità e la grandezza del momento sono nell'aria. Le figure sono dipinte in modo luminoso, vivido, colorato e in prospettiva. La luce poco visibile e il ricco colore dorato fanno sembrare il dipinto un'icona. La Madonna col Bambino e santi fu dipinta per l'altare della chiesa di San Niccolò della Frari al Lido di Venezia.

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Visione di St HelenStoria completa

Paolo Veronese

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Il dipinto La visione di Sant'Elena è un esempio luminoso di immagine raffigurata contro l'interno secolare. Il dipinto raffigura Sant'Elena. Era la madre di Costantino, il primo imperatore romano che professò il cristianesimo. Secondo la leggenda, un angelo apparve a Elena per dirle di andare a Gerusalemme alla ricerca della croce di Cristo. Anche se molti esperti concordano sul fatto che non si tratta della madre di Costantino raffigurata nel dipinto, ma della moglie del pittore, Elena. Perché la donna ritratta è giovane, mentre Sant'Elena si è seduta alla ricerca della Croce, quando era ormai anziana. Helena viene mostrata seduta sulla poltrona, avvolta in un dolce sonno. La visione è davanti a lei. Un angelo-ragazzo alato le indica la via della Croce tenendola tra le mani. Helena è vestita con un abito ricco e sontuoso con motivi floreali. Con la testa appoggiata sulla mano, dorme in modo naturale e, nel dettaglio, il pittore ha raffigurato il braccio di Helena che si rilassa nel sonno. In pochi minuti il polso si rilasserà completamente e cadrà. Poi Elena si sveglierà, capirà la visione e partirà per la Terra Santa alla ricerca della Croce.

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Riposo sulla via dell'EgittoStoria completa

BAROCCI Federico

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Il dipinto La Sacra Famiglia si distingue per l'interpretazione di un celebre episodio della Bibbia. Questa scena iconografica è un esempio spettacolare della pittura su tela di scuola umbra. La tela è intrisa di poesia e di colori. Per questo la sua storia ha risuonato con i credenti ed è stata estremamente popolare. Questo dipinto è chiamato anche Madonna delle ciliegie o Il riposo durante la fuga in Egitto. Il dipinto raffigura la Vergine Maria, Giuseppe e il Bambino Gesù. La sacra famiglia vola per salvare il figlio dal massacro degli innocenti. Federico Barocci ha tradotto le difficili credenze del cristianesimo in forme comprensibili per la gente comune. Il pittore ha reso semplice il soggetto del dipinto mostrando la routine quotidiana della famiglia. Nonostante ciò, la tela è intrisa di simboli cristiani. La ciliegia è un simbolo della sofferenza di Cristo. Ricorda ai credenti la peculiarità della vita del Figlio. Il colore rosso simboleggia il sangue da lui versato per i peccati degli uomini. La purezza dei colori con il flusso delle linee e l'equilibrio tra uomo e natura. Senza pretenziosità e pathos religioso, le figure non posano di proposito. Sono persone comuni, e il dipinto è come una scena della loro vita quotidiana.

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Resurrezione di LazaroStoria completa

Girolamo Muziano

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La risurrezione di Lazzaro è uno degli episodi chiave della Bibbia, che dimostra la misericordia e il potere illimitato di Cristo. Questa tela è una delle più significative tra tutte le scene religiose. Nel cristianesimo primitivo, all'inizio del I secolo, la resurrezione di Lazzaro si riferiva alla resurrezione di tutti i morti durante il Giudizio Universale e a Cristo dopo la crocifissione. Il miracolo della resurrezione di Lazzaro rappresenta non solo la resurrezione del suo corpo, ma anche il rinnovamento spirituale. Il pittore ha rappresentato abilmente le specificità del mezzo, la profondità e l'altezza di una tomba e le emozioni sui volti dei testimoni oculari. Lazzaro sepolto nella tomba è risorto. E tutti parlano solo di questo. Nel dipinto ogni persona è rappresentata in una certa prospettiva, in movimento. Questo fa sì che ci si senta risucchiati in un vortice di eventi. Cristo è al centro della composizione. La sua figura è luminosa e pittoresca. Il corpo di Lazzaro non è così luminoso come quello del suo salvatore. Questo è ciò che implica l'episodio biblico. Perché non è importante chi sia stato resuscitato dal Figlio di Dio. Ma conta il miracolo compiuto grazie alla sua gentilezza e compassione.

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Crocifissione di San PietroStoria completa

Guido Reni

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La Crocifissione di San Pietro mostra come un pittore possa costruire una composizione in modo simmetrico. Questo dipinto è un brillante esempio di come un pittore controlli il mezzo e giochi abilmente con diverse tonalità dello stesso colore. Il dipinto mostra chiaramente il contrasto tra le tonalità della pelle di Pietro e dei suoi carnefici. Il colore della pelle è lo stesso, ma le sfumature sono diverse. Il corpo di Pietro è mortalmente pallido. Sembra essere esangue e rigido prima dell'inevitabile martirio. Tre carnefici stanno per crocifiggere Pietro. Mentre lo mettono in croce, si sono riscaldati e i loro corpi si tingono della tonalità della cera gialla. Il pittore ha reso le figure tridimensionali e sorprendentemente realistiche grazie al gioco di luci. La parte più luminosa si trova al centro della tela. È la figura di Pietro. La croce è poco visibile, ma crea la linea centrale del dipinto e lo divide in parti simmetriche. Mentre lavorava al dipinto, Guido Reni prese a modello la tela di Michelangelo da Caravaggio per la chiesa di S. Maria del Popolo. Reni riuscì a rappresentare magistralmente la scena e a renderla unica. Ad esempio, il dipinto originale mostra il volto di Pietro disegnato dal dolore e Reni, rispettando il martirio del santo, scelse di non mostrare il suo volto.

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Comunione di San GirolamoStoria completa

Domenichino

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Il soggetto de L'ultima comunione di San Girolamo non era popolare tra i pittori a causa della sua complessità e immensità. Il pittore ha utilizzato colori puliti e luminosi che fanno sembrare il mezzo pittorico pieno di aria e di luce. Le figure rappresentate sono realistiche e i loro gesti e movimenti sono lenti e precisi. I discepoli si chinano su un Girolamo debole, magro e dal viso sottile. San Girolamo gli dà la comunione e Santa Paola gli bacia la mano. I loro volti sono ordinari, ma pieni di compassione e misericordia. I discepoli di Girolamo indossano abiti ricchi e sontuosi, e il più anziano è vestito con un mantello scarlatto. Un leone triste riposa ai suoi piedi. Si tratta di un animale leggendario delle storie su Girolamo. Una volta che l'anziano gli aveva tolto una spina dalla zampa, la bestia lo seguiva ovunque. Alle spalle di Girolamo arde una candela, simbolo del suo stile di vita religioso e recluso. L'alto arco di una chiesa incornicia il paesaggio e il cielo limpido pronto a prendere l'anima di Gerolamo.

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Martirio di St ErasmoStoria completa

Nicolas Poussin

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Questo dipinto divenne un prototipo per la rappresentazione dei martiri dei santi e colpisce per la descrizione dettagliata delle sofferenze umane. Il suo successo immediato può essere paragonato alle moderne mostre personali di pittori famosi. La tela Il martirio di Sant'Erasmo fu la prima commissione affidata a Poussin dalla Basilica di San Pietro. Erasmo era un vescovo-navigatore e fu ucciso durante le persecuzioni religiose nel .D. Secondo la leggenda, i pagani, suoi carnefici, costrinsero Erasmo ad abiurare la sua religione. In qualità di protettore dei marinai, l'attributo di Erasmo era un capstan. Al suo rifiuto, gli estrassero gli intestini facendoli rotolare intorno al suo capstan. Il pittore ha catturato quel momento terribile. Il volto di Erasmo esprime dolore e sofferenza, ma è calmo e umile. La composizione è piena di tensione, drammaticità e disperazione. È piena di movimento e dinamismo. Le figure sono raggruppate in una piazza aperta. Il pittore mostra con maestria l'aria e la luce brillante che illumina le persone. I cinque assassini sono in preda alla furia, ma continuano a fare professionalmente il loro lavoro. Un sacerdote in preda alla rabbia si china su Erasmo e gli indica la statua di Ercole, eroe e idolo dei pagani. In questo modo, il sacerdote sembra mostrare ciò che Erasmo subisce. Gli angeli volano su di lui tenendo in mano la palma e la corona di alloro, simboli del martirio.

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SepolturaStoria completa

Michelangelo

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L'Incarnazione di Cristo è il dipinto più monumentale e notevole di Michelangelo Caravaggio. Curiosamente, una pennellata piuttosto ordinaria e una scena tradizionale non furono accolte con favore dai contemporanei di Caravaggio. Dopo aver visto la Sepoltura, molti pittori e collezionisti si indignarono. Il dipinto è intriso di una tragedia umana e di una miseria senza fine che non rientrava nei canoni riconosciuti dell'arte dell'epoca. Sei figure sono rappresentate sullo sfondo scuro. Le vediamo piegate e girate. Il tempo sembra essersi fermato. Non ci sono grida, né lamenti, né lacrime. Ma la tela conserva chiare tracce di lutto. Ogni personaggio incarna l'intenso dolore dell'addio a Cristo. L'occhio dello spettatore può vedere il volto triste di Maria, che alza le braccia al cielo, Maria Maddalena che china il capo, la Vergine Maria che tende silenziosamente il braccio. Mentre il fariseo Nicodemo e Giovanni Evangelista si adoperano per seppellire Cristo, ma anche loro sono sopraffatti dallo stesso dolore. È difficile per Giovanni e Nicodemo trasportare il corpo di Cristo pallido come la morte. Nicodemo sente le gambe venate a causa della pesantezza. Sembra che guardi uno spettatore e cerchi di far passare il suo carico. Secondo gli esperti d'arte, la figura di Nicodemo rappresenta lo stesso Michelangelo. Nonostante il dolore e la tristezza, la tela allude all'imminente evento gioioso, la risurrezione di Cristo. Il dipinto è un simbolo di come Cristo, che si è sacrificato per il bene di tutti, sconfiggerà le tenebre.

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AngeliStoria completa

Gian Lorenzo Bernini

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I quattro angeli di Gian Bernini servirono come modelli preparatori per le figure in bronzo degli angeli della Cattedra di San Pietro nella Basilica di San Pietro. Il trono di bronzo della Cattedra era decorato con gli angeli che si stagliavano contro le nuvole. Le sculture degli angeli sono realizzate su un'intelaiatura di ferro. Sono fatte di argilla mista a paglia. Ogni angelo incarnato in argilla è eccezionale e realistico. I cherubini alati in abiti lunghi ed eleganti sono rappresentati al rallentatore. La posizione della testa, i gesti del viso, le prospettive, la posizione delle braccia e delle ali rendono le figure pittoresche e grandi. I volti degli angeli sono pieni di dinamismo. Gli angeli sorridono, osservano e sono pronti a volare in qualsiasi momento. Il creatore degli angeli, lo scultore italiano Gian Bernini, è considerato il fondatore e il principale maestro del barocco. Nei circoli degli architetti è noto soprattutto come creatore degli angeli. Le sue opere d'arte decorano non solo la Cattedra di San Pietro nell'omonima Basilica, ma anche un monumentale arco di .

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Il trittico StefaneschiStoria completa

Giotto di Bondone

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Il trittico Stefaneschi è un altare in legno dipinto su entrambi i lati, con scene bibliche. Era dipinta su entrambi i lati, perché doveva essere vista sia dal sacerdote che dai fedeli. I dipinti del trittico sembrano affreschi e lo stile ricorda l'arte bizantina. Le figure dei santi sono dipinte con colori brillanti e puliti sullo sfondo dorato. Ciò produce un effetto di luminosità interna del dipinto. La piega anteriore sinistra del trittico mostra la crocifissione di San Pietro. La piega anteriore destra raffigura la decapitazione di San Paolo. Al centro, Cristo in trono, che alza il braccio per benedire e tiene nella mano sinistra il Libro dell'Apocalisse. La predella sottostante raffigura la Madonna con il Bambino, angeli e apostoli. Sul retro del pannello è raffigurato San Pietro. Nella mano sinistra tiene le chiavi del Regno dei Cieli. Il cardinale Stefaneschi e papa Celestino V sono inginocchiati davanti a lui. I pannelli laterali posteriori mostrano quattro apostoli: San Giacomo, San Paolo, Sant'Andrea e San Giovanni Evangelista. Due pannelli posteriori del trittico sono andati perduti.

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Storie di St NicholasStoria completa

Gentile da Fabriano

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Il pannello Le storie di San Nicola di Bari è la migliore opera d'arte del pittore italiano Gentile da Fabriano. Durante il lavoro, ha utilizzato colori luminosi e puliti, presumibilmente brillanti, e le figure sono mostrate in movimento. Il pannello mostra il potere, la gentilezza e la misericordia di uno dei santi cristiani più importanti, San Nicola. Il primo soggetto della pala è una nascita di Nicola alla fine del III secolo nella città di Patara, nell'odierna Turchia. La seconda scena mostra come Nicola fosse prodigo nel donare monete d'oro alle ragazze povere. Secondo la leggenda, un mercante in rovina non poteva dare in sposa le sue tre figlie e scelse di farle prostituire. Nicola gettò tre borse piene di monete d'oro per salvare le ragazze dalla caduta nel peccato. Da allora divenne il protettore delle ragazze non sposate. La terza scena parla di come Nicola risuscitò tre bambini. Durante una terribile carestia, un macellaio li massacrò e mise i loro resti in un barile, e San Nicola li resuscitò. La quarta scena rappresenta il miracolo compiuto da San Nicola dopo la sua morte. Alcuni viaggiatori andavano per mare a venerare le sue reliquie, ma tempeste e malattie li tormentavano per tutto il tempo. Nicola apparve loro e disse che il demonio aveva nascosto un barile di olio santo sulla barca. Era quello il problema. Se avessero versato l'olio, avrebbero raggiunto il luogo di destinazione. E questo accadde.

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I miracoli di St Vincent FerrerLa Sala 5Storia completa

Ercole de Roberti

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Le scene del dipinto I miracoli di San Vincenzo Ferrer sono rappresentate in modo chiaro e dettagliato. L'immagine è nota anche come Polittico Griffoni. Un polittico è un basso pannello di legno dipinto posto sopra l'altare nelle chiese cattoliche del XV secolo. Il pannello è dipinto nel magnifico stile classico del Rinascimento. Il pittore ha usato tonalità pesanti per rappresentare figure elevate e serie. I loro abiti luminosi e fluenti sono dipinti in dettaglio. Per questo motivo le figure sembrano eteree e il dipinto sembra un'icona. La predella illustra i miracoli di San Vincenzo Ferrer, santo spagnolo, comunemente venerato in Italia. I pannelli del dipinto mostrano gli episodi che si susseguono in rapida successione: la guarigione della partoriente, il risveglio di un ricco ebreo, la guarigione di uno zoppo, il salvataggio di un bambino dall'incendio di una casa, il risveglio di un bambino ucciso dalla madre che aveva perso la ragione.

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Biblioteca VaticanaStoria completa

Melozzo da Forli

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L'affresco Sisto IV nomina Bartolomeo Platina Prefetto della Biblioteca Vaticana illustra l'evento più importante per la Biblioteca Vaticana. Il suo valore non risiede solo nel fatto che l'evento storico ha avuto luogo, ma anche nell'accuratezza della rappresentazione vaticana. Il porticato a pilastri, le colonne con modanature, il trono papale decorato con nappe e frange dorate dimostrano in modo eloquente lo splendore dell'architettura rinascimentale. L'affresco mostra la nomina da parte di Sisto IV dell'umanista italiano Bartolomeo Sacchi, detto il Platina, a primo prefetto della Biblioteca Apostolica Vaticana. Questo evento storico, avvenuto nel 1475, è raffigurato all'interno della Biblioteca Vaticana. La composizione dell'affresco è ampia e il mezzo è profondo e realistico. Il pittore ha fatto apparire le figure in abiti ricchi, solenni e piegate in una luce vaga. Questa luce attenua le sfumature e illumina i colori. Oltre al Papa e a Platina, sono presenti altri quattro personaggi. Platina si inginocchia davanti a Sisto IV. Punta l'indice della mano destra su un'iscrizione latina che esalta le imprese di Sisto IV in città. Sisto IV è in trono. È discendente e gentile, ma severo e serio. Si possono riconoscere i parenti di Sisto intorno a lui. Alla destra del Papa c'è il nipote Raffaele Riario, davanti a lui il futuro Giulio II. Girolamo Riario e Giovanni della Rovere sono dietro Platina.

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Angeli musicantiStoria completa

Melozzo da Forli

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Gli Angeli musicanti è un importante affresco religioso, che è diventato un punto di riferimento del . Si tratta di una delle immagini più riconoscibili degli angeli. Oltre all'assoluto valore artistico, questo affresco è una delle poche opere d'arte esistenti del pittore italiano Melozzo da Forlì. Nel XV secolo l'affresco raffigurava l'orchestra di angeli che glorificavano Dio, simbolo della bellezza del paradiso per le anime che vi abitavano. Il pittore ha raffigurato ogni figura in modo dettagliato. Basta uno sguardo agli angeli per avere una sensazione di piumosità e di fluttuazione nell'aria. L'affresco mostra gli angeli che suonano e glorificano l'Ascensione di Cristo. Nell'affresco ogni figura è rappresentata da una prospettiva diversa. Nonostante la complessità delle prospettive, gli angeli sono leggeri e raffinati. Sono rappresentati secondo tutte le regole della prospettiva. I loro movimenti sono fluidi e aggraziati. L'angelo che suona il liuto è uno dei frammenti più famosi dell'affresco. Un giovane angelo con il liuto, in tre quarti, incarna l'armonia della musica divina. L'affresco con l'orchestra di angeli e la figura di Cristo faceva parte della decorazione dell'abside della chiesa dei SS. Apostoli in .

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Madonna e il BambinoStoria completa

Perugino

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La pala d'altare Madonna e il Bambino è una delle migliori immagini della Vergine, di Cristo e dei Santi, spesso chiamata la Sacra Conversazione. La tela è dipinta in modo raffinato e semplice. I colori vivaci degli abiti sontuosi si armonizzano con l'architettura. Le caratteristiche principali del dipinto di Pietro Perugino sono l'elevazione dello stile, della luce e dell'aria. Al centro della composizione si trova la Madonna seduta su un sontuoso trono decorato con antichi bassorilievi. Il Bambino è sulle sue ginocchia e i Santi sono al suo fianco. I loro abiti e regalie sono ricchi di simboli che mostrano l'importanza dei santi per la Chiesa. Le figure sono rappresentate sullo sfondo della magnifica architettura rinascimentale. Le figure sono realistiche e grandi, i loro volti esprimono il rispetto per la Vergine Maria. A sinistra San Ludovico, arcivescovo di Tolosa, con il pastorale in mano. A destra della Madonna c'è San Lorenzo in veste di arcidiacono. Sullo sfondo i santi Ercolano e Costanza. Sono i protettori della città.

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La TrasfigurazioneRoom VIII. 16th cent.Storia completa

Raphael

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La Trasfigurazione di Cristo è un evento chiave nella storia del cristianesimo. Ed è raffigurata nella tela come il punto cruciale per la percezione del Figlio di Dio da parte della gente comune. Raffaello dipinse la tela da solo, senza coinvolgere i suoi apprendisti, e la terminò poco prima di morire. Alcuni storici suppongono che avesse finito di dipingere la testa di Cristo solo poche ore prima di morire. Questa è la preistoria della scena rappresentata da Raffaello. Per prima cosa, Cristo chiese agli apostoli Pietro, Giacomo e Giovanni di recarsi sul Monte Tabor dove si trasfigurò mostrando la sua divinità. Allo stesso tempo, una voce dal cielo disse che era l'unico Figlio di Dio. In seguito il maestro e gli apostoli scesero dal monte e incontrarono delle persone, tra le quali c'erano un uomo e il suo figlio ossesso. Poi si sviluppa la scena del dipinto di Raffaello. Mosè ed Elia, i profeti dell'Antico Testamento, si trovano ai lati di Cristo. Sono apparsi ai presenti come il simbolo dell'unione dell'Antico e del Nuovo Testamento. Mosè è un uomo che ha trasmesso al popolo le leggi di Dio, mentre Elia è il più grande profeta, attraverso il quale la voce di Dio si rivolgeva al popolo. Gli apostoli entusiasti caddero a terra, rendendosi conto della potenza e della gloria del Figlio di Dio. Cristo è raffigurato leggero come una piuma, che irradia gloria. Il padre del ragazzo ossessionato si immobilizzò, aspettando la guarigione del figlio. Cristo torna dal monte e scaccia i demoni. I presenti sono scioccati, indicano Cristo, i loro volti esprimono eccitazione e profonde emozioni. Il dipinto mostra che solo Cristo è in grado di guarire il corpo e l'anima dell'uomo. Per questo motivo la parte superiore della tela sembra essere illuminata dalla luce che irradia la sua figura, mentre la parte inferiore, dove sono dipinte le persone, è oscura.

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Madonna di FolignoRoom VIII. 16th cent.Storia completa

Raphael

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La pala d'altare Madonna di Foligno è un notevole dipinto dell'Alto Rinascimento. Serve come prima versione della composizione Madonna Sistina e di un altro nome, Madonna in gloria. Raffaello lo dipinse su commissione. Il segretario del papa Sigismondo de' Conti commissionò il quadro della Madonna per ringraziarla di averlo salvato. Il giorno prima la sua casa di Foligno era stata colpita da un fulmine. Altre versioni della storia parlano della caduta di un meteorite o di una granata durante l'assedio della città. La storia del dipinto spiega perché gli occhi del salvato Sigismondo sono pieni di gratitudine e obbedienza. Il segretario che indossa un mantello scarlatto è sulla destra. Dietro di lui è vestito con un mantello blu. A sinistra si trovano il Battista e San Francesco di . Le figure principali del dipinto, la Vergine con , sono sulla nuvola. La Madonna è raffigurata contro lo splendore dorato, simbolo della sua gloria divina, rispondendo allo sguardo di Sigismondo. Nel cielo è circondata da angeli poco visibili. Al centro del dipinto c'è un angioletto che regge una targa. Non è conservata alcuna iscrizione, ma gli storici ritengono che vi fossero le parole di ringraziamento verso la Madonna per aver salvato a nome di Sigismondo. Le figure sono rappresentate nel paesaggio urbano di Foligno. Gli esperti d'arte suppongono che il paesaggio urbano sia stato dipinto dal suo assistente, Giovanni Luteri.

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Lamento su Cristo mortoRoom IX. 15th-16th cent.Storia completa

Giovanni Bellini

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Il Compianto su Cristo morto era l'elemento dell'altare maggiore della chiesa di San Francesco. Il pittoresco dipinto mostra una famosa storia biblica dopo che il corpo di Cristo è stato rimosso dalla croce. Giovanni Bellini, pittore veneziano, visse ai tempi dell'Alto Rinascimento. Fu uno dei primi tra i suoi contemporanei a iniziare a utilizzare i colori a olio. È per questo motivo che il dipinto è così colorato, contrastante e pieno di colori vivaci. Gli esperti d'arte affermano che il pittore lo ha realizzato utilizzando il suo stile individuale. Ciò è dimostrato dal tentativo di esprimere le emozioni e i sentimenti delle figure raffigurate. L'amore per Cristo espresso dai suoi seguaci e la sua misericordia verso le persone sono il messaggio chiave del dipinto. Il volto di Cristo esprime la profonda stanchezza dovuta alle sofferenze. Maria Maddalena, Nicodemo e Giuseppe d'Arimatea si raccolgono intorno al corpo di Cristo morto. La loro tristezza e il loro dolore sono addolciti dal grande sacrificio di Cristo per il bene degli uomini. Giuseppe d'Arimatea sostiene con cura il corpo di Cristo, Maria Maddalena gli unge il palmo con la mirra, tenendolo in mano. Nicodemo tiene in mano un vaso contenente la preziosa mirra.

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San GirolamoRoom IX. 15th-16th cent.Storia completa

Leonardo da Vinci

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Il dipinto San Girolamo è disegnato su un pezzo di legno come schizzo e frammento colorato. L'opera fu commissionata dalla chiesa di Firenze, ma non fu mai terminata. La sua storia è piuttosto interessante. Fu trovato per la prima volta nel 18° secolo tra gli oggetti esposti della pittrice Angelica Kauffmann. Dopo la sua morte il dipinto andò perduto e fu ritrovato casualmente molti anni dopo, ma in quel periodo fu diviso in due parti. La parte inferiore serviva come coperchio di una scatola di un rigattiere. Quella superiore era il coperchio di uno sgabello usato da un calzolaio. Secondo le leggende, San Girolamo si fece eremita per tradurre la Bibbia in latino. È interessante notare che Leonardo non rappresenta Girolamo come uno scienziato, ma come un vecchio disperato e affamato. Un Girolamo magro, quasi esausto, prega per il perdono. È raffigurato in ginocchio in mezzo alle rocce, nel deserto di Calcide. Vediamo Girolamo che si prepara a battersi il petto con una pietra nella mano destra. Un leone riposa ai suoi piedi. Secondo la leggenda, il vecchio gli estrasse una spina dalla zampa. Così il leone si affezionò al suo salvatore e lo seguì ovunque.

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Adorazione dei MagiStoria completa

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L'Adorazione dei Magi rappresenta una delle scene più famose del Nuovo Testamento. Nonostante la grande solennità della scena, il dipinto è cupo. Sembra coperto dalla nebbia o dal crepuscolo. I personaggi hanno un aspetto un po' dimesso, ma allo stesso tempo sono gioiosi ed emozionati. Nonostante l'oscurità, il pittore si concentra sulla parte centrale della tela. L'azione è piuttosto dinamica. Il pittore mette le figure in movimento, con gli occhi puntati sul neonato, il Figlio di Dio, che si trova al centro della composizione. Il Bambino con calma e favore è un'emozione del dipintoidea e senso di fronte al Figlio di Dio, ed egli accetta non solo i loro doni, ma anche la devozione di cuore. Coloro che venivano ad adorare il Bambino indossavano abiti costosi e sfarzosi. I loro mantelli contrastano con l'abito ordinario e casual della Vergine Maria. Questo è un esempio lampante di quando i beni terreni e le ricchezze incalcolabili perdono completamente significato di fronte al Divino.

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Marsuppini CoronazioneLa Sala 3Storia completa

Filippo Lippi

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L'altare dipinto L'incoronazione di Marsuppini è stato realizzato per la Cappella di San Bernardo, nell'Arezzo italiana. L'altare è unico per l'interessante interpretazione dell'incoronazione della Vergine Maria. Il pittore ha diviso la composizione in tre parti uguali per sottolineare l'importanza della scena centrale. Nonostante la divisione, il tema e l'idea costituiscono un tutt'uno. Il valore artistico dell'altare sta nelle tonalità incredibilmente pulite utilizzate dal pittore. La luminosità e lo splendore dei colori rivelano la solennità, l'altezza e la spiritualità delle figure raffigurate. Questo stile è proprio delle tele religiose rinascimentali. L'incoronazione di Maria è il tema principale del dipinto. Questa scena è raffigurata nella parte centrale. La Regina del cielo, salita al cielo, unisce le mani in preghiera e si inginocchia ai piedi di Cristo. Egli pose la corona sul capo di Maria. Sono raffigurati su una predella di marmo con gradini. Dietro a Cristo c'è una parete con una nicchia a forma di conchiglia. Questo è il simbolo della Vergine Maria e del miracolo della Risurrezione. A sinistra e a destra del trittico sono raffigurati angeli e santi. È interessante notare che il cancelliere dell'Università, Carlo Marsuppini, che commissionò il trittico, e suo padre Gregorio sono raffigurati al loro fianco.

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La Madonna della CintolaLa Sala 3Storia completa

Benozzo Gozzoli

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La Madonna della Cintola è un brillante esempio di iconografia, famosa per la scena più nota che coinvolge la Vergine. Secondo la Bibbia, l'apostolo Tommaso non era presente alla morte, alla sepoltura e all'assunzione della Vergine Maria, quindi non ci credeva. La Vergine scese dal cielo e consegnò la cintura del suo vestito come prova della veridicità dell'evento. Da allora la cintura è diventata una reliquia sacra. Oggi le parti della cintura sono conservate nei monasteri di tutto il mondo. Il pittore glorifica il momento della consegna della cintura. Il suo culto è reso con uno stile pittorico lirico e pacato. Le figure sono plastiche e dipinte con colori luminosi, semitrasparenti e brillanti. Lo sfondo dorato e brillante è presente ovunque, sottolineando la dignità della scena. La Vergine Maria è sulla nuvola. È circondata da angeli e San Tommaso, sconvolto, accetta la cintura dalle sue mani. Sulla predella sono illustrati sei eventi chiave della vita della Vergine. Si tratta della nascita, del matrimonio con Giuseppe, dell'Annunciazione, della nascita di Cristo, della circoncisione di Gesù e della morte della Vergine.

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Le storie di San NicolaLa Sala 3Storia completa

Fra Angelico

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La pala d'altare Le storie di San Nicola di Bari si distingue per una particolare struttura della composizione e dello stile pittorico. Le scene rappresentate sono infuse di luce, sono luminose e colorate. Le figure non sono tanto realistiche quanto pittoresche. Sono dipinte nello stile tradizionale della pittura medievale, quindi sono particolarmente nobili. Con una superficie limitata, il pittore è riuscito a creare un mezzo profondo, che comprende il primo piano, il medio piano e lo sfondo. Sulla sinistra del fronte c'è una nascita di Nicola, al centro Nicola ascolta attentamente una convocazione del sacerdote, e sulla destra c'è il Dono alle tre ragazze povere. Questa è una delle buone azioni più conosciute di Nicola. Secondo la leggenda, Nicola venne a sapere che un uomo povero aveva deciso di fare soldi facendo prostituire le sue figlie. Di notte, Nicola portò di nascosto un borsellino pieno di monete per le ragazze, in modo che la famiglia non avesse bisogno di denaro. Sul retro dell'immagine sono raffigurati due episodi. Il primo episodio mostra come Nicola riceve dal corriere imperiale un carico di grano per la città di Myra, affamata. Il secondo episodio mostra come San Nicola abbia salvato miracolosamente una nave dall'affondamento.

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Ritratto di George 4 dell'InghilterraStoria completa

Thomas Lawrence

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Il ritratto del principe reggente, il futuro re d'Inghilterra Giorgio IV, è un brillante esempio di arte della Reggenza e uno dei più importanti ritratti a figura intera del monarca. La reggenza era un fenomeno abbastanza diffuso nel , quando una persona autorizzata nominava a governare il paese il monarca un minore o . Il principe Giorgio IV era un reggente di questo tipo. Gli piaceva uno stile di vita dissoluto fatto di giochi d'azzardo, donne e vino. La sua stravaganza divenne un simbolo e un tratto distintivo dell'epoca della Reggenza. Una battuta storica dice che dovette usare la corona prestata da un gioielliere. A causa dei suoi enormi debiti, non avrebbe potuto acquistarla. Ma anche dopo la sua ascesa al trono, Giorgio IV non conquistò l'affetto dei suoi concittadini, diventando il sovrano più impopolare del regno e oggetto di satira. Non è chiaro il motivo per cui non fu solo un dandy, ma anche un benefattore molto generoso che sosteneva i pittori. Il ritratto storico di Giorgio IV è dipinto secondo la particolare tecnica dell'Arte della Reggenza. Questa tecnica è caratterizzata dalla commistione di diversi stili: lo stile Impero e la pittura inglese. Il ritratto del re è luminoso, pittoresco e colorato. I sontuosi abiti di Giorgio sono decorati con i distintivi dei più alti ordini cavallereschi, giarrettiere e ricche nappe. Il re si trova accanto a un tavolo che gli fu donato dal re di Francia Luigi XVIII. Sul tavolo c'è la sua corona e una lettera di Papa Pio VII.

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Ritratto di Benedetto 14Storia completa

Giuseppe Maria Crespi

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Il Ritratto di Benedetto XIV, il dipinto che raffigura il cardinale Prospero Lambertini, è pieno di grandezza teatrale e adulatoria. Durante la creazione del dipinto, il pittore ha utilizzato lo stile degli artisti italiani e ha formato il proprio modo di dipingere. Nella ricerca di uno stile individuale, Crespi diede il suo contributo allo sviluppo della pittura italiana aggiungendo originalità, novità e nuove prospettive. È questo il quadro - nuove tendenze nella pittura del 18° secolo. Il Ritratto di Benedetto XIV, noto come il cardinale Prospero Lambertini, gli fu ufficialmente commissionato nel 1739. Dopo un anno il cardinale fu eletto, per cui fu chiesto al pittore di modificare il ritratto. La revisione degli esperti ha rivelato le diverse fasi della composizione fino alla versione finale. Il pittore aumentò notevolmente le dimensioni della figura del Papa, cambiò il suo abbigliamento e aggiunse la tiara papale come attributi del potere papale e dell'eccezionale importanza del personaggio. In realtà, Papa Benedetto XIV non ha avuto una particolare influenza sulla Chiesa cattolica e non si è distinto per le buone azioni o gli approcci progressisti. Il ritratto commissionato era piuttosto un tentativo di apparire più influente e significativo di quanto fosse.

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Ritratto di Pio 6Storia completa

Pompeo Batoni

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Il ritratto di Pio VI è uno dei pochi ritratti del clero di spicco come uomo comune. Dopo la sua elezione a pontefice nel 1775, Pio VI si mise in contatto con Pompeo Batoni e gli commissionò un ritratto. molti personaggi potenti di XVIII volevano essere ritratti da Batoni. Sembra che il fatto sia nel suo modo leggero e naturale di rappresentare i suoi personaggi. Ad esempio, l'immagine del Papa è priva di arroganza, pathos barocco e pomposità. E questo lo rende così reale. La composizione della tela è abbastanza semplice. Vediamo papa Pio VI serio, ma calmo, saggio, umile e intelligente. È raffigurato su una poltrona rivestita di velluto e tiene un foglio di carta nella mano sinistra. Al dito ha solo un anello con un piccolo gioiello. Il Papa è probabilmente assorto nei suoi pensieri, e il suo su un oggetto in primo piano. Questo ritratto informale di Pio VI, diventato ufficiale, rivela senza mezzi termini che il valore di una persona non è determinato dalla magnificenza e dallo splendore dei suoi gioielli, ma dalle sue caratteristiche, dalle sue conquiste e dalla sua pietà.

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Ritratto di Clemente 9Storia completa

Carlo Maratta

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Il Ritratto di Clemente IX è il ritratto migliore e più affascinante di Carlo Maratta. Prima della sua elezione a pontefice, Clemente IX si chiamava Giulio Rospigliosi. Era un intellettuale istruito e molto colto. Studiò filosofia e teologia, scrisse prosa e libretti per opere liriche. Questi sono i tratti di una persona raffinata e intelligente che il pittore ha rappresentato con maestria. Il volto di Clement è rigido, è evidente che è un po' stanco, ma il suo spirito non dorme e i suoi occhi si concentrano sullo spettatore. Sembra che ispezioni qualcosa o che aspetti qualcosa. Clemente tiene un libro nella mano destra, forse la Sacra Scrittura. Indossa un abito sgargiante, ma non troppo ricco. La luce soffusa illumina la figura di Clemente come se fosse seduto nella parte illuminata della stanza. Il Ritratto di Clemente IX è composto da colori nobili e vibranti: marrone scuro, oro, bianco e sfumature di rosa. Queste sono le caratteristiche dell'arte barocca, il suo moderato splendore e la sua solennità.

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Il miracolo di Turibiya da LimaStoria completa

Sebastiano Conca

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Il pittore illustra uno dei due miracoli compiuti, secondo le leggende, dall'arcivescovo Turibiy di Lima, canonizzato nel XVIII secolo. I seguenti eventi hanno preceduto il miracolo raffigurato nel dipinto. Turibiy stava servendo quando sentì delle grida. Gli assetati gridavano che il fiume si era prosciugato, che non avevano più acqua potabile e che erano costretti a lasciare la loro terra in cerca di una qualsiasi fonte d'acqua. San Turibiy terminò la funzione e si avvicinò al letto del fiume asciutto. Colpì tre volte la roccia con il suo bastone e il fiume si riempì d'acqua formando la croce. Il dipinto mostra il momento in cui il letto del fiume viene miracolosamente riempito. Le persone che circondano il Santo sono scioccate dal miracolo. Non solo le persone, ma anche gli animali si sono bloccati vedendo la velocità con cui l'acqua riempiva il letto del fiume.

Testo originale dell’autore, conservato senza modifiche.

Adamo ed Eva nel giardino dell'EdenStoria completa

Wenzel Peter

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Peter Wenzel dipingeva spesso uccelli e animali, per questo lo stile del quadro Adamo ed Eva nel giardino dell'Eden si differenzia dai dipinti religiosi per la sua leggerezza e luminosità. Questo è un esempio di pittura laica luminosa e realistica dai colori caldi. Il dipinto non ha nulla a che vedere con le tele iconografiche del Rinascimento. Il pittore mostra abilmente la leggerezza del mezzo, una leggera foschia all'orizzonte e intorno ad Adamo ed Eva. Adamo ed Eva sono raffigurati al centro della composizione, circondati da quasi duecento uccelli e animali. La luce risplende sulle loro figure. Questa tecnica permette di capire che lo scopo della tela è quello di mostrare il primo uomo e la prima donna. I movimenti di Adamo ed Eva sono rappresentati magistralmente, in modo realistico e con precisione anatomica. Grazie alla loro vivacità, la tela diventa dinamica ed espressiva. Il Giardino dell'Eden si estende intorno ad Adamo ed Eva. Ci sono molti frutti maturi, fiori profumati e alberi rigogliosi. Le montagne sono visibili in lontananza, il fiume scorre vicino, e in primo piano c'è un giardino, una fitta foresta, grandi rose e la ricchezza di specie vegetali. Questo dipinto è un simbolo dell'armonia, della pace e della gioia che regnano nel paradiso creato da Dio.

Testo originale dell’autore, conservato senza modifiche.

La Pala di Sant'Antonio AbateStoria completa

Antonio Vivarini

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La Pala di Sant'Antonio Abate, Pietà e Santi è un esempio di pittura luminosa, in cui i temi religiosi si mescolano magistralmente a soggetti profani. Sant'Antonio è chiamato il fondatore del monachesimo solitario. Fu il primo a organizzare la vita dei monaci asceti in eremi separati, dove si digiunava e si pregava. La pala d'altare è dipinta su tavola e ricorda un gruppo di icone. L'abbondanza di oro e di colori vivaci rende il dipinto simile a una tela rinascimentale. Lo stile della pittura è solenne ed elevato. Al centro c'è Sant'Antonio, un vecchio barbuto con i capelli bianchi che indossa un mantello scuro da monaco e un copricapo. Tiene in mano una verga ed è circondato da otto santi. Sopra l'immagine di Antonio c'è la Pietà, Cristo con le ferite sui palmi delle mani e sul petto. È interessante notare che ogni santo possiede un simbolo o un attributo specifico. In alto a sinistra è vestito da cardinale con un libro e un modello di chiesa in mano. In basso a sinistra c'è il santo che tiene in mano una freccia e una spada. all'estrema destra del dipinto due mele e una spada. Alla destra di Antonio c'è San Cristoforo che porta il Bambino Gesù.

Testo originale dell’autore, conservato senza modifiche.

PietaStoria completa

Carlo Crivelli

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La Pietà è un soggetto religioso brillantemente espresso in gotico. La Pietà faceva parte della sezione superiore di un polittico e fu acquistata nel 1831 da Pio VII nelle Marche. Il dipinto si presenta come un'illustrazione splendida ed estremamente decorativa dell'episodio biblico. Si notano le caratteristiche del gotico e del rinascimento. Lo stile pittorico rivela che Carlo Crivelli non dipingeva tele profane, ma aveva una fervida immaginazione e un senso del colore. La tela è magicamente equilibrata nei colori. Come brillano e scintillano i vestiti delle vacanze nel dipinto! Lo sfondo è una parte importante del lavoro del pittore. Include molte immagini simboliche di angeli, motivi di tappeti accuratamente rappresentati, altezza e delicatezza. La Pietà è caratterizzata da dettagli dorati e artigianali e dalla delicatezza dei personaggi, propria delle tele gotiche. Il dipinto mostra Cristo tolto dalla croce e Giovanni Evangelista, Giuseppe d'Arimatea e Maria Maddalena, in lutto per lui. I loro volti sono rigidi con un dolore, una tristezza e una drammaticità un po' teatrali. Sembra che si tratti di figure di legno o di attori che recitano in una commedia.

Testo originale dell’autore, conservato senza modifiche.

Martirio di Pietro ArbuesStoria completa

Bartolome Esteban Murillo

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Il dipinto raffigura l'omicidio di uno dei più crudeli inquisitori spagnoli del tardo Medioevo, Pedro de Arbués. Prima di diventare inquisitore, Arbués era stato professore di studi filosofici, dottore in teologia e sacerdote. Teneva sermoni e si occupava dei poveri. Ma dopo la sua nomina a inquisitore del Regno di Aragona, Arbués mise al rogo migliaia di eretici: Ebrei e Mori. A causa della sua spietatezza, fu organizzata una collusione segreta contro di lui. Secondo il piano, lui e altri inquisitori dovevano essere uccisi. Di notte, quando Arbués era inginocchiato a pregare davanti all'altare, gli assassini lo attaccarono e lo ferirono gravemente. La Chiesa cattolica ha canonizzato Pedro de Arbués ufficialmente e postumo, dichiarandolo martire e uomo santo. La tela fu dipinta per la sua canonizzazione, quasi 200 anni dopo l'omicidio di Arbués. La tela cattura il momento in cui l'Inquisitore sta per essere pugnalato. Nonostante l'angelo che vola su di lui e sui suoi assassini, il dipinto è pervaso da un'atmosfera cupa. I movimenti degli assassini sono ben mirati e rapidi. Il pittore mostra il momento in cui il pugnale viene appeso sopra il condannato Arbués. In una frazione di secondo la punta del pugnale si conficca nel cuore dell'inquisitore.

Testo originale dell’autore, conservato senza modifiche.

Madonna e BambinoStoria completa

Sassoferrato

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La Madonna e il Bambino con angeli è uno dei più notevoli dipinti barocchi. Nonostante il tema religioso, è infusa della leggerezza e della lucentezza della pittura profana. Il pittore è famoso per le sue scene. Lo stile artistico del pittore è chiaramente influenzato dal suo contemporaneo, Raffaello. Il dipinto rivela le caratteristiche classiche dello stile barocco: leggerezza e semplicità della composizione, delicatezza e morbidezza delle figure rappresentate, naturalezza e semplicità dei volti. È interessante notare che sono pochi i dipinti che mostrano il volto della Madonna così tenero, giovane, leggero, gentile, quasi infantile. Il suo aspetto mostra che è lontana in pensieri piacevoli e dolci. Il pittore ha dipinto scrupolosamente tutti i dettagli. I fronzoli della Vergine, il filetto con il fiocco sul capo, le perline, le splendide nuvole sembrano realistici. L'aureola intorno al capo sottolinea la sua grandezza e il suo significato eccezionale.

Testo originale dell’autore, conservato senza modifiche.

05La Sala Sobieski1 · dei reperti
Re Sobieski che libera ViennaBrano di storia

Jan Matejko

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Non appena questa stanza fu decorata e aperta, divenne una delle stanze dell'Appartamento Papale appartenuto a Papa Pio V. Il nome della stanza deriva dalla tela appesa alla parete nord. Il dipinto "Re Sobieski che libera Vienna" è stato realizzato dal pittore polacco Jan Matejko.

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06Stanza della Immacolata Concezione2 · dei reperti
Dogma dell'Immacolata ConcezioneBrano di storia

Francesco Podesti

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L'Immacolata Concezione proclama che la Vergine Maria è stata scelta inizialmente per essere la Madre del Figlio di Dio. Per questo motivo era libera dal peccato originale e non lo ha ereditato al momento del concepimento.

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Questa storia nel percorso
La LibreriaBrano di storia

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La libreria contiene la traduzione della Bolla papale medievale. Questo documento è un codice di dogmi e regole, basato su discorsi, indirizzi e dichiarazioni papali.

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07Braccio Nuovo3 · dei reperti
L'August di Prima PortaBrano di storia

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L'Augusto di Prima Porta è il primo sovrano romano che divenne un imperatore severo e autocratico. Secondo gli storici, questa statua si distingue dalle altre immagini dell'imperatore Augusto soprattutto per la somiglianza con un ritratto. Un giovane Ottaviano Augusto è raffigurato come un comandante che pronuncia un discorso ispiratore al Foro. Davanti a lui c'erano diecimila persone e Ottaviano cercava di convincerle a iniziare le ostilità contro il suo avversario politico Antonio.

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NiloBrano di storia

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La statua del Nilo, l'antico dio dei fiumi, rappresenta la forza vivificante dell'omonimo fiume. Il gomito sinistro del Nilo poggia sulla sfinge, simbolo dell'Egitto. Sul suo capo c'è una corona di loto e spighe di grano, mentre la sua mano regge un corno dell'abbondanza, pieno di frutti e fiori. Queste allegorie dicono che l'intero Egitto è un grande dono del Nilo.

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PavoniBrano di storia

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Nella cultura romana il pavone simboleggia l'immortalità, l'ascesa dell'anima e l'infinità del mondo. Per questo le loro statue circondavano la tomba, vicino al Mausoleo di Adriano. I pavoni rappresentano l'idea del mausoleo, che significa garantire l'immortalità all'anima di Adriano.

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08Chiaramonti museo5 · dei reperti
ErosBrano di storia

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La scultura di Eros rappresenta il culto del dio greco dell'amore, venerato duemila e mezzo anni fa. L'immagine di Eros è importante per la visione del mondo degli antichi greci. Le statue di Eros, che si trovavano vicino a quelle di Ermes ed Ercole, si trovavano spesso nei ginnasi greci per ragazzi. Gli allievi-atleti dovevano essere come il bel dio di Eros.

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CiceroneBrano di storia

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Marco Tullio Cicerone (106 - 43 a.C.) è stato un oratore, filosofo e politico romano. La statua di Cicerone rappresenta la grandezza del filosofo, la sua austerità, la sua terra e la sua modestia. È un esempio di persona che si è creata una reputazione e una carriera di successo grazie al suo talento, alla sua disciplina e alla sua pazienza. Il filosofo era convinto che solo l'educazione e la scienza sviluppassero la personalità.

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GanimedeBrano di storia

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La figura di Ganimede rappresenta l'aspirazione dell'anima umana a Dio e simboleggia il suo pari valore con il Divino. Il gruppo Ganimede è stato creato sulla base di una storia tratta dal poema greco Metamorfosi, scritto da Publio Ovidio Nasone.

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OdisseoBrano di storia

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Nel XII secolo Odisseo superò facilmente la popolarità di alcune divinità, incarnando le caratteristiche di un coraggioso viaggiatore, marito fedele ed esperto marinaio. È la prima immagine di un eroe romantico che parte per la guerra e torna dalla sua bella. L'immagine di Odisseo si riferisce all'epoca in cui i greci viaggiavano per mare per molti anni, perdendo i legami con i loro parenti. La sua importanza è tale che la parola comune "Odissea" viene usata per descrivere un viaggio in mare lungo, pericoloso e pieno di difficoltà.

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AugustoBrano di storia

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Un ritratto in marmo di Ottaviano Augusto è un omaggio all'imperatore, sostenitore dell'istituzione della monarchia nell'impero romano. Durante il regno di Ottaviano il culto imperiale emerse principalmente a Roma. Lo dimostra il fatto che uno dei mesi fu ribattezzato agosto.

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09La Galleria delle Carte Geografiche3 · dei reperti
La carta della SiciliaBrano di storia

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Italia anticaBrano di storia

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Vicino all'ingresso della Galleria si trova la mappa "Italia antica".

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Italia modernaBrano di storia

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Di fronte all'"Italia antica" si trova la mappa dell'"Italia moderna".

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10Appartamenti Pius 51 · dei reperti
Ultima cenaBrano di storia

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L'Ultima Cena è una scena della Bibbia che non ha bisogno di presentazioni. Questo è l'ultimo pasto della vita mortale di Gesù Cristo. Egli riunì i suoi dodici discepoli.

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Questa storia nel percorso
11La Galleria degli Arazzi4 · dei reperti
RisurrezioneBrano di storia

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In qualsiasi punto della stanza lo spettatore si trovi, è sorpreso di scoprire che Cristo sembra farsi avanti. È questo che rende l'arazzo così unico. La particolarità è la sua "prospettiva mobile", basata su calcoli matematici.

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Questa storia nel percorso
L'Assassinio di Giulio CesareBrano di storia

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Nel 44 a.C. l'imperatore romano Cesare viene pugnalato nell'aula del Senato. L'arazzo mostra il momento in cui quattro assassini attaccano Cesare. Allo stesso tempo, i senatori presenti, consapevoli dell'imminente omicidio, non intervengono e cercano un'altra strada. Secondo la storia, circa 80 persone erano a conoscenza della cospirazione.

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Cornelio che si converteBrano di storia

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In primo piano nell'arazzo c'è il centurione romano Cornelio che si converte al cristianesimo. Un militare giusto e gentile divenne il primo pagano ad accettare Cristo.

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Adorazione dei MagiBrano di storia

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Al centro della composizione c'è la Sacra Famiglia con Gesù Bambino. I Magi, ovvero i saggi orientali, viaggiarono a lungo dall'Oriente per portare doni al Figlio di Dio. L'oro, l'incenso e la mirra simboleggiano che il neonato Gesù è stato riconosciuto e venerato come un re.

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12Le Stanze di Raffaello20 · dei reperti
Battesimo di CostantinoLa Sala di CostantinoBrano di storia

Gianfrancesco Penni

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Costantino il Grande fu un imperatore romano che proclamò il cristianesimo religione principale dell'antica Roma e trasferì la capitale dell'impero a Costantinopoli. Nonostante la sua grandezza e la sua potenza come sovrano, Costantino si inginocchia obbediente davanti al pontefice.

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Battaglia di Costantino contro MassenzioLa Sala di CostantinoBrano di storia

Giulio Romano

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Il Ponte Milvio si trovava vicino a Roma, sulla costa adriatica. Lì, nel 312, si svolse la battaglia tra Massenzio e Costantino. I due si contendevano il potere assoluto nella parte occidentale dell'Impero romano. Questa battaglia fu una pietra miliare nella trasformazione di Roma in impero cristiano. Questa tela è caratterizzata dal massimo livello di immensità, solennità ed epicità tipiche dell'opera di Raffaello.

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Donazione di RomaLa Sala di CostantinoBrano di storia

Giulio Romano

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L'imperatore Costantino consegna a Papa Silvestro un simbolo del potere statale, la statua d'oro della dea di Roma. L'evento si svolse nella Basilica di San Pietro, poi distrutta. C'è una lunga preistoria. Costantino non dà il simbolo del potere supremo per niente, ma per la guarigione. Una volta l'imperatore aveva la lebbra e i sacerdoti pagani gli proposero una cura per la malattia. A questo scopo, doveva uccidere alcune decine di neonati in un tempio pagano e fare un bagno nel loro sangue.

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La grandezza della religione cristianaLa Sala di CostantinoBrano di storia

Tommaso Laureti

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Il soffitto illustra la grandezza della religione cristiana rappresentata dal dipinto. Il soffitto ligneo è dipinto con molti affreschi. Ma il trionfo della religione cristiana sul paganesimo è raffigurato al centro del soffitto.

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Visione della croceLa Sala di CostantinoBrano di storia

Giulio Romano

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Il bellicoso Massenzio provocò una guerra con il fedele Costantino, nel corso della quale ebbe luogo la battaglia di Ponte Milvio nel 312. È lì che Costantino chiese aiuto al Dio alla vigilia della battaglia, vedendo la superiorità delle forze nemiche. Egli credeva che la fede cristiana potesse fare miracoli e chiese a Dio un esito positivo della battaglia. La sera Costantino e il suo esercito videro un'enorme croce fiammeggiante nel cielo, sopra il sole. Sembrava fatta di stelle e recava l'iscrizione: "Con questo simbolo conquisterete!".

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Questa storia nel percorso
Incontro di Leone il Grande con AttilaStanza di EliodoroBrano di storia

Raphael

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Secondo la leggenda, Papa Leone I arginò l'avanzata delle truppe unne guidate dal conquistatore Attila sulla via di Roma. Leone I, vestito con un ricco abito, su un cavallo bianco e circondato dai cardinali, si presentò davanti ad Attila.

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Questa storia nel percorso
Espulsione di Eliodoro dal tempioStanza di EliodoroBrano di storia

Raphael

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Il romano Eliodoro riceve l'ordine da Seleuco IV Filopatore, re di Siria, di impadronirsi del tesoro riservato alle vedove e agli orfani poveri e conservato nel Tempio di Gerusalemme. Ma Eliodoro viene catturato. Allora il Dio lo punì apparendo come angelo in armatura d'oro a cavallo. L'affresco simboleggia la vittoria di Papa Giulio II sull'esercito francese e la sua ritirata dagli Stati della Chiesa, nell'Italia centrale.

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Liberazione di St PeterStanza di EliodoroBrano di storia

Raphael

Audioguida dei Musei Vaticani

San Pietro fu messo in prigione per ordine di Erode. Un angelo sotto le sembianze di un ragazzo apparve a Pietro e lo liberò. Il carcere sembra essere diviso in tre sezioni, sia in base al concetto che al soggetto.

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Massa di BolsenaStanza di EliodoroBrano di storia

Raphael

Audioguida dei Musei Vaticani

La Messa di Bolsena illustra un episodio in cui il sacerdote dubbioso accettò il Dio per vera fede. Secondo gli esperti d'arte, l'evento ebbe luogo nel XIII secolo. Una volta un sacerdote che dava la comunione dubitò dell'offerta, il pane e il vino si trasformarono nel corpo e nel sangue di Cristo. In quel momento cinque rivoli di sangue uscirono dai santi sacramenti.

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SoffittoStanza di EliodoroBrano di storia

Raphael

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Questa sala era utilizzata per udienze private, incontri e conversazioni, dove Papa Giulio II invitava i massimi rappresentanti politici e religiosi. Per questo motivo la decorazione deve essere ideale e creare un ambiente speciale e servire allo scopo.

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Virtù cardinali e teologiche e dirittoStanza della SegnaturaBrano di storia

Raphael

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Le Virtù Teologali è un dipinto allegorico che raffigura la figura della Giustizia. Il dipinto mostra gli episodi che raccontano le tappe dell'istituzione della Legge e la sua storia.

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Disputa sul Massimo SacramentoStanza della SegnaturaBrano di storia

Raphael

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L'affresco mostra un'ampia discussione sulla tradizione più importante della liturgia - il sacramento della comunione. Ma è più probabile che si tratti di una forma utilizzata da Raffaello per trasmettere il messaggio principale dell'opera.

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La Scuola di AteneStanza della SegnaturaStoria completa

Raphael

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La Scuola di Atene è il più famoso capolavoro di Raffaello. Tra le numerose opere d'arte del Rinascimento è unanimemente riconosciuta come la migliore. Al centro, i grandi pensatori Aristotele e Platone. Platone indossa un mantello rosso e assomiglia a Leonardo da Vinci. Alza le mani. Si riferisce alla sua visione e alle sue idee scientifiche, secondo le quali le idee si sviluppano in cielo. Aristotele, in abito blu, punta verso il basso, affermando che le idee sono inestricabilmente legate alla vita terrestre. L'affresco mostra i grandi pensatori del passato: Socrate affiancato da Platone e Diogene sdraiato sulle scale. In primo piano, in basso, Pitagora circondato da allievi. Al centro c'è Eracleito pensieroso, Euclide con in mano un compasso, affiancato da Zoroastro e Tolomeo che parlano con i loro allievi. Raffaello colloca magistralmente una cinquantina di personaggi nell'affresco, prestando la dovuta attenzione a ogni figura e assegnando a tutte un ruolo considerevole. Inoltre, dispone i suoi personaggi seguendo la logica, ma conservando le loro caratteristiche individuali. Si dice che Michelangelo abbia visitato la sala degli affreschi e si sia riconosciuto nel ritratto di Eracleito. Era molto soddisfatto che Raffaello lo avesse ritratto lontano dalla folla dei litiganti.

Testo originale dell’autore, conservato senza modifiche.

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Il monte ParnasoStanza della SegnaturaBrano di storia

Raphael

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Un boschetto verdeggiante sul monte Parnaso e la spensierata società laica raffigurata nell'affresco rappresentano un'armoniosa combinazione di uomo, natura e arte poetica. Il monte Parnaso, dove dimorano Apollo e le muse, occupa il posto centrale dell'affresco. È un simbolo della poesia mondiale. È il monte Parnaso dove inizia il viaggio della Fonte Castale, fonte di ispirazione per i più grandi poeti di tutti i tempi.

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Il soffittoStanza della SegnaturaBrano di storia

Raphael

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Il soffitto decorato è diviso in quattro sezioni. Ognuna di esse è dedicata agli aspetti della saggezza: Filosofia, Teologia, Giustizia e Poesia. Lo stesso Papa Giulio II scelse queste quattro discipline.

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Battaglia di OstiaStanza dell'incendio nel BorgoBrano di storia

Raphael

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L'affresco mostra la battaglia navale nei pressi del porto di Ostia, sul fiume Tevere. La battaglia si svolse a metà del IX secolo. La flotta musulmana attaccò quella cristiana.

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Coronazione di CharlemagneStanza dell'incendio nel BorgoBrano di storia

Raphael

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Nell'800 Papa Leone III incoronò solennemente Carlo Magno nella chiesa di San Pietro a Roma. In seguito l'imperatore Carlo passò alla storia come uno dei più potenti statisti del mondo. In realtà, non si trattava solo di un atto tradizionale di incoronazione, ma di un sigillo simbolico specifico su un accordo amichevole tra Vaticano e Francia.

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SoffittoStanza dell'incendio nel BorgoBrano di storia

Perugino

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Papa Giulio II incaricò Pietro Perugino, maestro di Raffaello, di dipingere il soffitto.

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Ustificazione del Leo 3Stanza dell'incendio nel BorgoBrano di storia

Raphael

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Il Giuramento di Leone III o Giustificazione di Leone III è l'ultima quarta opera delle Stanze di Raffaello. Si affianca agli affreschi L'incendio di Borgo, L'incoronazione di Carlo Magno, La battaglia di Ostia. Alcuni storici sostengono che Raffaello affidò il lavoro del dipinto ai suoi apprendisti e che si occupò di dipingere solo elementi specifici.

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Fuoco nel BorgoStanza dell'incendio nel BorgoStoria completa

Raphael

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Il Borgo è un territorio adiacente al Palazzo dei Papi in Vaticano. Nell'847 ci fu un grande incendio. Gli sforzi per spegnere le fiamme ebbero successo solo quando Papa Leone IV uscì sulla loggia. La sua presenza fu sufficiente a spegnere l'incendio. In sostanza, questo fatto è l'elemento principale dell'affresco, anche se il Palazzo Vaticano e il pontefice sono raffigurati sullo sfondo. Papa Leone IV indossa la tiara, una tonaca bianca e un mantello scarlatto. Pronuncia ai romani il suo discorso benedicente. Raffaello non si concentra sul miracolo compiuto dal Papa, ma sulle persone spaventate e colte alla sprovvista. In primo piano c'è una giovane madre con un bambino che cerca un rifugio. Le donne disperate si inginocchiano e pregano per essere salvate. Raffaello dipinse i personaggi del leggendario poema "Eneide" che riuscirono a sfuggire all'incendio di Troia. Enea ha portato via il vecchio padre Anchise. A sinistra, vicino a Enea, c'è sua moglie, la giovane Creusa, e a destra il loro figlio Ascanio.

Testo originale dell’autore, conservato senza modifiche.

Questa storia nel percorso
13Collezione di arte contemporanea12 · dei reperti
La crocifissione di CristoRoom of the SibylsBrano di storia

Gerardo Dottori

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La crocifissione di Cristo è rappresentata in modo inaspettato: il Futurismo. Il Futurismo mostra l'arte del futuro, dove la città, le automobili e la società impersonalizzata occupano il posto centrale.

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Le PenseurRoom of the SibylsBrano di storia

Auguste Rodin

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Inizialmente, Auguste Rodin chiamò la sua scultura più importante il Poeta. La statua è stata scolpita come parte della composizione dedicata alla Divina Commedia e raffigura Dante che guarda le sofferenze dei peccatori.

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Questa storia nel percorso
Monaci lettoriBrano di storia

Ernst Barlach

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La statuetta ricorda la statuaria monumentale italiana del Trecento. I monaci sono piuttosto ossessionati, sembrano impassibili e immersi nella lettura.

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MadonnaBrano di storia

Lucio Fontana

Audioguida dei Musei Vaticani

A prima vista, la scultura della Madonna sembra una massa informe di argilla e sabbia. Un giovane volto serio della Vergine Maria sembra emergere dalla pesante massa di gesso come una bella nuvola. Dal punto di vista compositivo, la scultura è incompiuta, come uno schizzo su una tela. Le sue forme sono angolari, aspre e ruvide, prive di plasticità e dinamismo.

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CristoRoom of religious art in France from the 1920 to the 1951Brano di storia

Georges Rouault

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Il dipinto è ricco di elementi tragici e cupi e combina Romanticismo, Gotico ed Espressionismo. Georges Rouault era una persona religiosa, quindi i personaggi e i soggetti biblici hanno influenzato molto la sua opera.

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Piazza CavalliRooms of the painting in Italy between the warsBrano di storia

Filippo de Pisis

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Il paesaggio urbano sembra essere formato da pennellate dinamiche, selvagge e veloci. Grazie alla mancanza di colori e all'abbondanza di tonalità di azzurro, lo spazio sembra pieno di aria e di vento.

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PietaRoom of Van Gogh, Medardo RossoBrano di storia

Vincent van Gogh

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Pietà è un'interpretazione d'autore di Vincent van Gogh ispirata al dipinto del pittore francese Eugène Delacroix. L'ironia è che, se non fosse stato per questo fastidioso incidente, la Pietà non sarebbe stata dipinta.

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Aetas AureaRoom of Van Gogh, Medardo RossoBrano di storia

Medardo Rosso

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La scultura in cera raffigura un ritratto della moglie dell'artista, Giuditta Pozzi, e del loro figlio Francesco. La scultura è dinamica e plastica, anche se priva di forme distinte. Si tratta di un brillante esempio di scultura impressionista.

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Questa storia nel percorso
Pio 11Room of the CreedBrano di storia

Adolfo Wildt

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La statua è stata scolpita sotto la nuova influenza dell'arte del XX secolo. Qualcosa di impalpabile, freddo e grande differisce la statua di Papa Pio XI dalle sculture realizzate nel XVII o XX secolo. La statua rappresenta uno sguardo nuovo sul marmo come materiale e sulle sue proprietà.

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Studio per Velazquez Papa 2Room of Great BritainBrano di storia

Francis Bacon

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L'esperimento pittorico di Francis Bacon si basa sul ritratto di Papa II dipinto da Diego Velásquez. Bacon fu talmente ispirato dai dipinti del grande ritrattista che realizzò una serie di quaranta quadri intitolata I papi urlanti.

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Il cavaliereRoom of PontiffsBrano di storia

Marino Marini

Audioguida dei Musei Vaticani

Il cavaliere è un motivo centrale dell'opera dello scultore Marino Marini. L'artista ha dichiarato che il legame tra l'uomo e il cavallo era per lui molto più interessante del tema dell'uomo e dell'automobile, diventato sempre più popolare nel XX secolo. Il cavaliere è l'idea principale che si è trasformata nel corso degli anni a causa delle guerre e delle tragedie e dei cambiamenti della visione del mondo dello scultore.

Estratto del testo originale. La storia completa è disponibile nell’audioguida.

Paesaggio angelicoSalvador Dalì roomBrano di storia

Salvador Dali

Audioguida dei Musei Vaticani

Il paesaggio è parte integrante dei dipinti di Dalì. Molti elementi di questa tela - un deserto infinito, sottili figure pallide, magnifiche nuvole e ombre distinte degli oggetti - sono presenti in altri dipinti di Dalì. La tela raffigura dieci figure: cinque angeli, quattro uomini e un unicorno bianco.

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Questa storia nel percorso
14La Cappella Sistina41 · dei reperti
La Resurrezione di CristoBrano di storia

Ghirlandaio

Audioguida dei Musei Vaticani

L'affresco mostra il momento in cui Cristo risorge dalla morte. Con una bandiera bianca in mano, esce dal sepolcro.

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Discussione sul corpo di MosesBrano di storia

Signorelli

Audioguida dei Musei Vaticani

L'affresco mostra l'arcangelo Michele che lotta con Satana per il corpo di Mosè. Molti storici contestano la vera origine di questo soggetto. Non è certo il motivo per cui Michele stesse litigando con il diavolo per il corpo del profeta.

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L'Ultimo GiudizioStoria completa

Michelangelo

Audioguida dei Musei Vaticani

Si tratta di uno degli affreschi più complessi e possenti per concezione e livello di complessità. In alto, a sinistra, ci sono angeli in volo. Essi tengono in mano i simboli della Passione: la Croce, i Chiodi, la Corona di spine. A destra gli angeli reggono la colonna della flagellazione e la lancia con la spugna imbevuta di aceto. Va notato che gli angeli sono dipinti senza ali, il che li fa sembrare persone comuni. Al centro dell'affresco si trovano la Madre di Dio e Cristo circondati dai santi, in attesa della sentenza. La figura di Cristo è la più grande, in un gesto dinamico e ampio, colto nel momento in cui viene pronunciato il verdetto del Giudizio Universale. Gli storici hanno discusso sui sentimenti associati al gesto di Cristo. Gli uni sostengono che è il modo in cui placa l'agitazione circostante, gli altri affermano che si tratta di un gesto di maledizione. La Vergine gira la testa, in attesa dell'esito del Giudizio. Cristo e la Vergine sono circondati dai santi martiri. Tengono in mano gli oggetti che hanno causato la loro morte in un modo o nell'altro. A destra di Cristo c'è San Pietro con la barba grigia e le due chiavi del cielo. In basso si vede San Bartolomeo con la sua pelle scorticata dai pagani. Il volto del martire è un autoritratto di Michelangelo. Di fronte a lui c'è San Lorenzo con la graticola su cui fu bruciato vivo dai pagani romani. A destra, su una delle nuvole, vediamo Santa Caterina d'Alessandria in abito verde. Tiene in mano la ruota dentata che servì come strumento per la sua esecuzione. Sopra Santa Caterina c'è San Paolo con un mantello rosso. Accanto a lei San Sebastiano si inginocchia tenendo le frecce in mano. I soldati romani gli hanno scagliato contro delle frecce. Proprio sopra Sebastiano, Sant'Andrea sembra scendere su una nuvola, tenendo la croce nella mano alzata. In basso a sinistra ci sono giovani vergini, sibille e personaggi dell'Antico Testamento. Al centro della sezione inferiore si trovano gli angeli dell'Apocalisse che stanno risvegliando i morti suonando le loro trombe. A destra, in basso, angeli e diavoli fanno cadere i dannati all'inferno. In fondo c'è Caronte che con la sua barca traghettava le anime per condurle davanti al giudice Minosse, il cui corpo è avvolto nelle spire del serpente. Poiché l'affresco raffigura figure nude, Michelangelo fu coinvolto nel conflitto con i moralisti. Il Maestro di Cerimonie Biagio da Cesena lo richiamò all'osservanza delle regole. Si lamentò che non era permesso dipingere figure nude in un luogo così sacro. Michelangelo non poté contraddirlo direttamente, ma rispose in un altro modo. A destra, in basso, tra i morti che venivano condotti all'Inferno, dipinse un uomo ridicolo con orecchie d'asino e coperto da un serpente arrotolato. La figura e il volto dell'uomo assomigliavano al volto del cardinale. Quando il cerimoniere vide il suo volto sull'affresco, si lamentò con il Papa Paolo III. La risposta del Papa fu brillante: "Posso dare ordini sulla terra, o per lo meno avrei un certo impatto, se si tratta del limbo. Ma in tutte le questioni che riguardano l'Inferno, sono impotente. Dovreste parlarne con Michelangelo...".

Testo originale dell’autore, conservato senza modifiche.

Questa storia nel percorso
Battesimo di CristoBrano di storia

Perugino

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Per decorare le pareti con i motivi biblici, il Papa incaricò il Perugino, che era ormai un artista molto noto. Insieme al suo assistente Pinturicchio, il pittore decorò la parete con una rappresentazione canonica di un paesaggio umbro. Su un armonioso sfondo pastorale, egli collocò nobili vestiti in modo solenne mano nella mano con personaggi biblici.

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Chiamata dei primi apostoliBrano di storia

Ghirlandaio

Audioguida dei Musei Vaticani

L'affresco raffigura la chiamata di Pietro e Andrea a diventare apostoli e discepoli di Cristo. Un giorno, Gesù camminava lungo la riva della Galilea e vide due pescatori, i fratelli Pietro e Andrea. Gesù parlò loro mentre gettavano le reti.

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Tentazioni di CristoBrano di storia

Botticelli

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L'affresco mostra quattro episodi chiave. Tre di essi sono una rappresentazione della tentazione di Cristo da parte di Satana. Nel primo episodio a sinistra, il diavolo, sotto le spoglie di un eremita, cerca di convincere Cristo a rompere il digiuno, a trasformare le rocce in pane e a mangiarlo. In questo modo, gli chiede di dimostrare il potere del Figlio di Dio.

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Ultima cenaBrano di storia

Rosselli

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È l'ultima cena che Gesù condivide con i suoi dodici discepoli, durante la quale predice il suo tradimento da parte di uno degli apostoli presenti. Seduto a tavola, Cristo spezza il pane e lo passa ai presenti, dicendo: "Questo è il mio corpo dato per voi". Egli si riferisce al vino del calice come al suo sangue, che viene versato per gli uomini.

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Il sermone sulla montagnaBrano di storia

Rosselli

Audioguida dei Musei Vaticani

Dopo aver scelto i suoi discepoli, Gesù Cristo scese con loro dalla cima del monte e si fermò in piano. Nella prima scena dell'affresco, Cristo, circondato dagli Apostoli, sta predicando alla folla. Questo evento è noto come il Discorso della Montagna.

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Cristo porta le chiavi a San PietroBrano di storia

Perugino

Audioguida dei Musei Vaticani

Cristo consegna solennemente al discepolo le chiavi d'oro e d'argento, dandogli così il permesso di perdonare i peccati e di far entrare le anime in paradiso. Questo affresco illustra il sedicesimo capitolo del Vangelo di Matteo. Al centro è raffigurato il messaggio principale dell'affresco: la consegna all'apostolo Pietro delle chiavi del regno dei cieli.

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Questa storia nel percorso
Creazione del Sole e Luna e PianteBrano di storia

Michelangelo

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Secondo il Libro della Genesi, Dio creò i corpi celesti e le piante il quarto giorno. Le sue mani trasmettono volontariamente e con fiducia l'energia e il potere vivificante. Il Creatore non ha bisogno di toccare gli oggetti per trasmettere loro la sua volontà. È sufficiente che allunghi il braccio verso le sue creazioni perché queste obbediscano al suo messaggio.

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Separazione della Terra dalle acqueBrano di storia

Michelangelo

Audioguida dei Musei Vaticani

Il secondo giorno della creazione del mondo, Dio separò il firmamento dalle acque. L'affresco mostra l'Onnipotente che sorvola la sua creazione, osservando le acque separate e il firmamento sottostante.

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Creazione di AdamoStoria completa

Michelangelo

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Adamo, il primo uomo sulla Terra, riceve la vita dalla mano dell'Onnipotente. La mente e la volontà di un giovane bello e forte sono ancora addormentate; egli allunga zoppicando la mano verso Dio, che trasmette con l'indice l'energia vitale alla sua creazione. La figura di Adamo racchiude il potere e la forza ricevuti da Dio. Il suo sguardo, rivolto a Dio, è pieno di attesa. È questa breve distanza tra le dita di Dio e quelle di Adamo che nasconde l'essenza e l'attrazione magnetica dell'intera opera. Sembra che il Creatore invii all'uomo una corrente elettrica, la scintilla della vita. Dio è raffigurato mentre vola nello spazio sconfinato dell'universo. Un mantello fluttua dietro di lui, come una vela. Unisce gli angeli che circondano il Creatore. Un angelo guarda alle spalle di Dio, colpito dalla bellezza del primo uomo. Gli esperti d'arte suggeriscono che i contorni del mantello ricordano i contorni del cervello umano. Questo simbolo mostra Dio come mente suprema, origine dei pensieri e della volontà dell'uomo.

Testo originale dell’autore, conservato senza modifiche.

Questa storia nel percorso
Creazione di EveBrano di storia

Michelangelo

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La figura principale dell'affresco è Eva, creata da Dio dalla costola di Adamo. È una ragazza giovane, femminile, timida e indifesa. Proprio come un cerbiatto che è saltato in piedi, guarda Dio con riverenza e soggezione, tenendo i palmi delle mani uniti in preghiera. Il suo volto mostra lo stupore iniziale, la consapevolezza della propria esistenza e la gratitudine verso il Creatore.

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La caduta e l'espulsione dal giardino di EdenBrano di storia

Michelangelo

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La composizione è concettualmente divisa in due parti. A sinistra si trova la scena della caduta. Qui Adamo ed Eva sono una coppia armoniosa che ricorda gli antichi dei, giovani, pacifici e spensierati. Nella parte destra dell'affresco, i primi uomini vengono espulsi dal giardino dell'Eden. Sono raffigurati come sofferenti e scacciati dagli angeli.

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Urbriachezza di NoèBrano di storia

Michelangelo

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L'affresco è composto da due episodi consecutivi. A sinistra, Noè sta scavando la sua vigna. Al centro e a destra, nella seconda parte dell'affresco, Noè dorme, ubriaco e nudo, con i figli Shem, Japheth e Ham, che punta il dito contro il padre. Il vino, che inebriò Noè, è un simbolo della fertilità risvegliata nella terra dopo il grande diluvio. Al settimo cielo per la resurrezione della terra e dei suoi doni, Noè bevve troppo e rimase inebriato.

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Il diluvioBrano di storia

Michelangelo

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L'affresco "Il diluvio" è stato il primo dipinto di Michelangelo sul soffitto della Cappella Sistina. L'affresco mostra le persone di fronte alla morte imminente e rivela il loro comportamento a seconda del loro carattere. Il diluvio furioso è rappresentato solo a grandi linee.

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Sacrificio di NoèBrano di storia

Michelangelo

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Quando la pioggia cessò e le acque del diluvio si ritirarono, l'arca di Noè fu portata a riva. Quando la gente mise piede sulla terraferma, fu colpita dall'entità della catastrofe e dal numero di vittime.

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DavidBrano di storia

Michelangelo

Audioguida dei Musei Vaticani

L'affresco cattura il momento in cui il gigante Golia, sconfitto da Davide, cade a terra.

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Giuditta e OloferneBrano di storia

Michelangelo

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L'affresco raffigura una donna ebrea, Giuditta, e la sua ancella, che portano la testa del comandante assiro Oloferne. Giuditta divenne un simbolo della lotta degli ebrei contro i conquistatori del Medio Oriente. Uccise Oloferne da sola e liberò gli ebrei dall'oppressione assira.

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Punizione di HamanBrano di storia

Michelangelo

Audioguida dei Musei Vaticani

Il nome di Haman è citato nell'Antico Testamento e associato alla festa ebraica di Purim. Haman era un visir del re persiano Assuero. Tutti i funzionari reali si inginocchiarono ad Haman, tranne Mardocheo, un ebreo, che affermò che gli ebrei si inchinavano solo a Dio. Haman, infuriato, concepì un piano per uccidere tutti gli ebrei che vivevano in Persia e scelse la data: il tredicesimo giorno del mese di Adar.

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GioeleBrano di storia

Michelangelo

Audioguida dei Musei Vaticani

Il profeta biblico Gioele fu il primo ad annotare i suoi sermoni e a compilare una raccolta di profezie. Egli avvertì la gente dell'imminente Giorno di Dio, quando tutti i miscredenti sarebbero stati giudicati.

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Il Serpente BrasilianoBrano di storia

Michelangelo

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Durante il viaggio del popolo ebraico dall'Egitto a Canaan, Mosè costruì un serpente di bronzo. Questo serpente guarì le persone morse da serpenti velenosi e divenne una sorta di simbolo della loro peregrinazione attraverso il deserto arabo.

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EzechieleBrano di storia

Michelangelo

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Ezechiele è un grande profeta dell'Antico Testamento vissuto a Gerusalemme nel VII secolo a.C..

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Separazione della Luce dal Buio nuovoBrano di storia

Michelangelo

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Al centro dell'affresco "Separazione della luce dalle tenebre" c'è un vecchio dalla barba grigia, Dio Creatore, Sabaoth da uno dei suoi nomi. La sua figura sembra essere onnicomprensiva e onnipotente. Il nome Sabaoth, che a volte viene usato per indicare il Creatore, unisce la potenza e il potere protettivo di Dio. Questo nome non è menzionato nella Bibbia, ma si trova spesso nei Salmi.

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GeremiaBrano di storia

Michelangelo

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Il profeta Geremia, dell'Antico Testamento, visse già nel 600 a.C. Diventò preveggente all'età di 15 anni e profetizzò per 23 anni. Mise in guardia i Giudei, che avevano abbandonato il Dio, dalla sua ira. Geremia aveva predetto il castigo dei peccatori, ma il popolo lo derideva e intendeva ucciderlo.

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La Sibilla LibicaBrano di storia

Michelangelo

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Questa Sibilla è stata chiamata Lybica per la sua origine libica. Vediamo le sue tenere spalle statuarie, il collo, i lineamenti cesellati e i movimenti aggraziati. Ovviamente, la Lybica incarna saggezza, bellezza e grandezza.

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DanieleBrano di storia

Michelangelo

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Il grande profeta biblico Daniele nacque in una famiglia ricca. A quindici anni fu portato in cattività dopo la presa di Gerusalemme. Il ragazzo fu addestrato a servire il re. Appena diplomato, fu portato alla corte di Nabucodonosor.

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La Sibilla CumanaBrano di storia

Michelangelo

Audioguida dei Musei Vaticani

La Sibilla Cumana è la più famosa profetessa il cui nome è associato alla predizione di eventi apocalittici. La Sibilla è seduta su un trono di marmo e impegnata a leggere e interpretare testi. È raffigurata come una vecchia severa e grassa.

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La Sibilla delficaBrano di storia

Michelangelo

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La Sibilla delfica o Delfica era una sacerdotessa del Dio Sole Apollo. Nacque prima della guerra di Troia, nella città di Delfi, dove fiorì il culto di Apollo e fu eretto un tempio a lui dedicato. Il suo nome secolare era Artemia. E fu la prima tra le profetesse a essere chiamata Sibilla. È la più giovane e la più bella tra le Sibille.

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ZaccariaBrano di storia

Michelangelo

Audioguida dei Musei Vaticani

Il profeta Zaccaria, nato nel VI secolo a.C., ha predetto nei dettagli molti eventi del Nuovo Testamento.

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JonahBrano di storia

Michelangelo

Audioguida dei Musei Vaticani

Il profeta Giona visse nell'VIII secolo a.C. Quando era bambino, si sentì male e morì. Ma sua madre pregò così ardentemente il Dio per salvare suo figlio che il Dio lo resuscitò.

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Antenati di CristoBrano di storia

Michelangelo

Audioguida dei Musei Vaticani

Il Vangelo di Matteo dice che Gesù aveva una grande genealogia. Prima della sua venuta sulla terra c'erano quasi quaranta generazioni di suoi antenati. I gruppi familiari che vediamo nelle lunette sono gli antenati di Cristo. Vicino a ogni famiglia suddivisa in modo approssimativo ci sono delle tavolette con i nomi delle persone raffigurate.

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IsaiaBrano di storia

Michelangelo

Audioguida dei Musei Vaticani

Già nel 700 a.C. il profeta Isaia aveva predetto la venuta del Figlio di Dio, la sua vita e la sua morte. Il Libro di Isaia rivela l'infedeltà del popolo ebraico a Dio. Il profeta avvertì gli ebrei della prossima cattività e della successiva liberazione. Parlò della devastazione di Gerusalemme e della sua successiva restaurazione.

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La Sibilla PersianaBrano di storia

Michelangelo

Audioguida dei Musei Vaticani

Nel XIII secolo a.C. la Sibilla persiana predisse la gloria di Alessandro Magno e la venuta di Gesù Cristo.

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La Sibilla EritreaBrano di storia

Michelangelo

Audioguida dei Musei Vaticani

La Sibilla Eritrea predisse la distruzione di Roma, la caduta di Troia, le guerre e l'Apocalisse. Il dio del sole Apollo e la strega Lamia sarebbero stati i suoi genitori.

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La punizione di KorahBrano di storia

Botticelli

Audioguida dei Musei Vaticani

L'affresco raffigura la storia dell'Antico Testamento di Korah, a capo di una ribellione di 250 persone contro Mosè e suo fratello Aronne. Korah aveva radunato le persone e le aveva convinte che Mosè fosse venerato immeritatamente come leader degli israeliti. A destra, vediamo il gruppo arrabbiato di Korah con le pietre in mano. Sono pronti ad attaccare e a picchiare Mosè.

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La consegna dei 10 comandamenti a MosèBrano di storia

Rosselli

Audioguida dei Musei Vaticani

L'affresco mostra una delle storie chiave dell'Antico Testamento: Mosè riceve le Tavole con i Dieci Comandamenti. L'affresco illustra una serie di eventi che vanno dall'ascesa di Mosè sul Monte Sinai al rogo del vitello d'oro. Questo evento avvenne sul Monte Sinai, dove Dio aveva condotto il profeta.

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Il processo e la chiamata di MosèBrano di storia

Botticelli

Audioguida dei Musei Vaticani

L'affresco mostra alcuni degli eventi più importanti della vita di Mosè. A destra, Mosè intercede per un ebreo che lavora nell'edilizia e viene picchiato da un sorvegliante. Mosè uccide accidentalmente l'egiziano e fugge dalla città.

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Questa storia nel percorso
Viaggio di Mosè in EgittoBrano di storia

Perugino

Audioguida dei Musei Vaticani

L'affresco mostra cinque episodi del soggiorno di Mosè in Egitto. Lo sfondo della storia è il seguente: Mentre viveva in Egitto, Mosè assistette al pestaggio degli ebrei da parte di un sorvegliante egiziano. Uccise l'egiziano e fuggì a Madian. Lì Mosè sposò Zipporah, la figlia del sacerdote Jethro, e divenne un pastore.

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Attraversamento del mare rossoBrano di storia

Rosselli

Audioguida dei Musei Vaticani

L'affresco illustra le dieci piaghe che Mosè inviò al popolo egiziano per chiedere di lasciare andare gli israeliti schiavizzati. In nome di Dio, Mosè chiese al Faraone di liberare gli israeliti. Per convincere il sovrano d'Egitto, il profeta punì gli egiziani con piaghe, che furono per loro delle calamità. Vedendo l'orrore del suo popolo, il Faraone rimandò gli israeliti per la loro strada.

Estratto del testo originale. La storia completa è disponibile nell’audioguida.

Testamento di Mosè e MorteBrano di storia

Signorelli

Audioguida dei Musei Vaticani

Il profeta Mosè aveva 120 anni quando morì poco prima di entrare nella Terra Promessa. A quel punto, aveva vagato con gli israeliti nel deserto del Sinai per quarant'anni. Avvertendo la sua morte, il profeta si riunì intorno al popolo per un addio. Questi ultimi momenti della vita del profeta sono rappresentati nell'affresco in quattro scene.

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15Museo Etrusco Gregoriano7 · dei reperti
Cinerario del Maestro di EnomaoBrano di storia

Audioguida dei Musei Vaticani

L'urna cineraria raffigura Enomao che cade in ginocchio in procinto di essere inflitto da Pelope. Ippodamia, figlia di Enomao, fugge spaventata. I cavalli inciamparono e caddero. Questo è l'ultimo momento della vita di Enomao - il sole di Ares, il dio della guerra.

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Pettorale d'oroBrano di storia

Audioguida dei Musei Vaticani

Questa corazza è costituita da un'unica lastra d'oro, con disegni in rilievo che contengono significati nascosti. Il pettorale è ricoperto da piccoli ornamenti complessi, strutturati in strisce intorno a un emblema centrale. In genere, la corazza è impressa con motivi seriali.

Estratto del testo originale. La storia completa è disponibile nell’audioguida.

Coppia di leoniBrano di storia

Audioguida dei Musei Vaticani

I due animali sono raffigurati in una posa aggressiva con la bocca aperta come se stessero per attaccare. Pur essendo realistiche, le loro figure mancano di dettagli anatomici. La tecnica di scultura è stata trasmessa dalla Siria settentrionale.

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Amphora con testa di cavalloBrano di storia

Audioguida dei Musei Vaticani

La parte anteriore del vaso è decorata con la testa di un cavallo dalla testa d'oro. Quest'anfora è un brillante esempio di pittura etrusca a figure nere. È caratterizzata da chiarezza, simmetria e accuratezza delle linee, delle sagome e delle figure.

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Marte di TodiBrano di storia

Audioguida dei Musei Vaticani

La statua di Marte in fusione cava proveniente da Todi raffigura un guerriero etrusco vestito con una corazza. Il corpo, la testa, le braccia, le gambe e gli inserti dell'abito militare erano realizzati separatamente in bronzo. A giudicare dalla posizione delle mani, il guerriero tiene una coppa nella mano destra e una lancia nella mano sinistra.

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La Coppia di maniBrano di storia

Audioguida dei Musei Vaticani

La Coppia di mani è una composizione etrusca, il primo tentativo di rappresentare il corpo umano nell'arte. Le mani sembrano essere costituite dalle sole dita, tanto sono lunghe e sottili.

Estratto del testo originale. La storia completa è disponibile nell’audioguida.

Urna a form di capannaBrano di storia

Audioguida dei Musei Vaticani

L'urna conteneva i resti cremati di un individuo di circa 16 anni. Gli storici ritengono che possa trattarsi di una ragazza. I suoi resti sono stati messi nell'urna per ricordare la sua essenza come persona e la sua posizione all'interno di uno specifico gruppo sociale.

Estratto del testo originale. La storia completa è disponibile nell’audioguida.

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Fonti delle immagini

Le immagini dei musei sono fornite dal progetto Waguide. Foto del Louvre: Diego Lopez Sebastian (Dieglop), CC BY-SA 4.0. Foto di Nike di Samotracia: Mbzt, Wikimedia Commons. Le riproduzioni dei dipinti sono di dominio pubblico. Le immagini possono essere ritagliate per la visualizzazione.

Il Louvre — Diego Lopez Sebastian · Nike di Samotracia — Mbzt · CC BY-SA 4.0