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Catálogo · Museos Vaticanos

Elige una obra, lee su historia y localízala en el recorrido.

186 piezas expuestas, 91 relatos completos. En la web están disponibles íntegramente los relatos sobre las piezas del Museo Egipcio, el Pio-Clementino, la Galería de los Candelabros y la Pinacoteca, así como relatos seleccionados sobre las obras de Rafael y la Capilla Sixtina. El resto de los relatos se presentan en forma de fragmentos.

01Museo Gregoriano Egipcio15 · de las piezas expuestas
Cuando uno entra en el Museo Gregoriano Egipcio, comprende con emoción que se trata de la mayor exposición de artefactos egipcios del mundo. Aquí se puede aprender sobre la cultura egipcia a partir de los objetos expuestos en Mesopotamia y Siria hace muchos siglos. El Museo Gregoriano Egipcio se inauguró en 1839. Con nueve salas, fue creado por el Papa Gregorio XVI para ser la mayor colección de patrimonio cultural del Antiguo Egipto. Hoy se pueden ver esculturas, papiros, sarcófagos y fragmentos de momias. El Papa Pío VII comenzó a reunir la colección con los artefactos del siglo III, el período de la invasión romana en Egipto, que fueron descubiertos durante la excavación. No pase por alto la escultura de Ramsés II sentado en el trono y la estatua de Udjaḥorresnet que se exhiben en la primera sala entre otros numerosos objetos expuestos. La segunda sala alberga sarcófagos egipcios de madera pintada, momias, tarros canopos y figurillas ushabti. En la cuarta sala llama especialmente la atención una estatua de Anubis; en la quinta, las estatuas de Ptolomeo II y Tiye. La séptima sala alberga la colección de esculturas helenísticas y romanas de bronce y arcilla, cerámica islámica y cristiana. En las salas octava y novena hay objetos de Mesopotamia y la antigua Siria.

Texto original del autor, conservado sin modificaciones.

Naóforo del VaticanoHistoria completa

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Udjaḥorresnet fue un antiguo representante religioso y público egipcio, noble honorable y sacerdote de Neith, la diosa de la guerra y la caza.Udjaḥorresnet ocupó los cargos de primer ministro, diplomático, tesorero real, médico jefe, jefe de copistas de los Grandes Textos y comandante de la flota egipcia.Era una persona poderosa y participó en el gobierno de Egipto. Cuando era comandante de la flota egipcia, Egipto fue conquistado por el ejército persa, lo que puso fin a la dinastía XXVI.Durante la excavación se encontraron las estatuillas ushabti con el nombre de Udjaḥorresnet en su estatua Naophorous. La estatua estaba en un sarcófago de piedra caliza colocado en la tumba. El segundo sarcófago hecho de basalto, en forma de cuerpo humano, fue colocado en el primer sarcófago. La estatua de Naophorus contiene las inscripciones de los títulos y actos honorables cometidos por Udjaḥorresnet en la corte de los faraones.

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Esta historia en la ruta
RamsessHistoria completa

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Ramsés el Grande gobernó Egipto en el siglo XIII a.C. Fue uno de los representantes más destacados de la XIX Dinastía de faraones egipcios. Ramsés fue un estadista sensato. Gobernó el reino de forma que Egipto pudiera desarrollarse en todos los ámbitos. Al mismo tiempo reforzó su poder militar. Ramsés puso fin a la devastadora lucha entre egipcios e hititas y estableció la paz fortaleciéndola con lazos familiares personales. El faraón se casó con la hija del rey de los hititas y persuadió al pueblo de que la guerra podía borrar a Egipto de la faz de la Tierra. Ramsés aseguró la paz y estableció relaciones comerciales favorables entre Egipto y Asia durante cien años. Además de sus asuntos políticos, desarrolló y llevó a cabo proyectos culturales. Ramsés construyó la columnata de Karnak y los templos de Osiris y de su padre Seti I. Los reyes egipcios que gobernaron tras la muerte de Ramsés intentaron imitarle, pues querían conseguir el mismo tipo de gloria y el afecto de la gente. Pero fue en vano. Ramsés II fue inmortalizado en piedra. Su estatua se alza en medio de la arena de Luxor. Esto dice más que cualquier palabra sobre la actitud del pueblo hacia su gobernante.

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Estatua del dios AnubisHistoria completa

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En el antiguo Egipto, Anubis era el dios del embalsamamiento y los ritos funerarios. Según los mitos egipcios, Anubis era hijo de Osiris, dios de la agricultura y de los muertos. Cuando Osiris fue asesinado, Anubis se dispuso a enterrarlo. Envolvió el cuerpo en una tela impregnada con una solución especial. Así se hizo la primera momia. Luego se consideró que había inventado la momificación y los ritos funerarios. Se creía que las almas de los muertos se encontraban con Anubis, que las llevaba de la mano hasta Osiris, el rey del Inframundo. Tenía cabeza de chacal y cuerpo humano. Entre sus orejas hay un pequeño disco solar sobre una luna creciente. Este es el símbolo que hace referencia al dios Mercurio, al que Anubis estaba asimilado. Era un barquero de los muertos al Inframundo, por eso lleva el caduceo en la mano como atributo del señor de los muertos.

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CaccoHistoria completa

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El nombre de Santo Stefano del Cacco hace referencia precisamente a esta estatua. Ya que «cacco» es una palabra romana que significa «mono». La estatua lleva la inscripción en latín que autoriza a colocarla en el templo construido en el año 159 d.C.Una escultura con cabeza de perro representa al dios egipcio Thot.Thot era el dios de la luna, el cálculo, la escritura y la ciencia. Se consideraba que el dios Thot había creado el calendario.

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Momias y embalsamamientoHistoria completa

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La conservación del cuerpo mediante el embalsamamiento desempeñó un papel fundamental en la cultura egipcia. Se trata de una etapa tradicional del entierro. Los antiguos egipcios creían que así era como el alma del difunto se reunía con su cuerpo tras la muerte.El embalsamamiento se realizó por primera vez en el III milenio a.C., y tras la conquista árabe de Egipto en el 641 a.C. la tradición desapareció.Los sacerdotes tardaban unos 70 días en completar todo el proceso de embalsamamiento. Lavaban el cuerpo, le extraían los órganos internos y lo cubrían con la llamada sal divina para eliminar la humedad de los tejidos. La cavidad torácica se llenaba de resina para que el cuerpo pesara más. La piel se frotaba y aromatizaba con aceite aromático. Luego se envolvía el cuerpo en vendas de lino. Antes de colocarlo en un ataúd se ponía una máscara en la cara de la momia para protegerla y conservarla.Para la mejor conservación de la momia, los egipcios empezaron a extraer el cerebro. Pero más tarde dejaron de hacerlo ya que se consideraba que el cerebro era el núcleo físico, emocional e intelectual, el centro del ser humano.

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Ushabti del faraón SetiHistoria completa

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El grupo de veintidós ushabti se encontró en el Valle de los Reyes, la tumba del faraón Seti 1, padre de Ramsés 2. El Valle de los Reyes es conocido por ser el mejor lugar de enterramiento jamás descubierto. Allí se encontraron 700 ushabtis en la tumba del faraón Seti 1.En la cultura egipcia, los ushabti son figurillas funerarias de madera o piedra que representan a seres humanos con los brazos cruzados sobre el pecho. Se colocaban en las tumbas con el difunto. Según la creencia del pueblo egipcio, estas figurillas sustituían al amo fallecido y actuaban como sus sirvientes. Servían de apoyo al difunto, le proporcionaban comida y ocupaban su lugar para realizar trabajos manuales.Este ushabti se fabricaba con varias especies de madera. El ushabti se cubría con una resina negra brillante de origen vegetal. Este barniz negro era un símbolo de supervivencia más allá de la muerte.

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Sábana Santa de la Dama del VaticanoHistoria completa

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El lienzo de la Dama del Vaticano pertenece a un tipo particular de sudarios funerarios femeninos. Sólo existen seis ejemplares, dispersos en varios museos. El vestido y las preciosas joyas doradas, así como el peinado de la mujer retratada, son típicos de la moda y la cultura romanas. El retrato representa la figura de la mujer a tamaño natural. La mujer, ricamente vestida, está recostada sobre un cubrecama bordado. Tiene los brazos cruzados sobre el pecho, los pies apoyados en un cojín, los ojos muy abiertos y joyas en el cuello, las orejas y los dedos. El panel figurativo está enmarcado por una serie de ilustraciones rectangulares. El sudario contiene dos ilustraciones conservadas fragmentariamente. Una de ellas muestra al maestro pronunciando un discurso filosófico a un joven alumno. La segunda representa una cruel lucha entre un joven y un león. El tiempo no perdonó a la Señora del Vaticano. En cuanto al resto de las ilustraciones, los historiadores no tienen otra alternativa que intentar adivinar qué se representó en el sudario.

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Sarcófago de DjedmutHistoria completa

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El sarcófago pertenece a Djedmut, una sacerdotisa egipcia del dios Amón. Glorificaba al dios, cantaba canciones en su honor y fue muy respetada en vida.El sarcófago data de la dinastía XXII. En aquella época Egipto sufrió la crisis económica. Entonces los sarcófagos se convirtieron en el elemento más importante de los ritos funerarios.El sarcófago de madera de Djedmut pertenece a la categoría de los llamados «ataúdes amarillos». Estos sarcófagos estaban decorados con pinturas sobre fondo amarillo. El color amarillo era símbolo de vida eterna, y la diversidad de dibujos en el sarcófago mostraba el estatus de la difunta, su grandeza y riqueza en vida.La cubierta de madera del sarcófago está decorada con las imágenes de Djedmut y su esposo, a quienes los sumos sacerdotes entregaban las ofrendas.

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Relieve con Genio aladoHistoria completa

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Ashur-Nasir-pal II fue el rey de Asiria que gobernó en el IX a.C. El gobernante fue un exitoso conquistador y diplomático de talento. Dirigió 14 campañas militares crueles y despiadadas. Debido a esto, fue llamado el bárbaro más cruel de Asiria. Desarrolló una estrategia militar de avance rápido que incluía un ataque de precisión del enemigo y la creación inmediata de puestos defensivos en el territorio tomado por la fuerza. Si se producía alguna revuelta, los rebeldes eran masivamente asesinados y el territorio quedaba totalmente devastado. A pesar de la crueldad mostrada durante las campañas militares, el rey contribuyó al florecimiento del arte figurativo asirio. Uno de los ejemplos de dicho arte fue la decoración del monumental Palacio Real de Ashur-Nasir-pal. El relieve mural de piedra caliza se encontraba en la Sala I del palacio y pertenecía al tema mítico de la adoración del Árbol Sagrado. El árbol era símbolo de fecundidad, vida y energía vital.

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Estatua de Osiris AntinooHistoria completa

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Antinoo, un joven griego, era el favorito del emperador romano Adriano. Tras su trágica muerte en el Nilo, Antinoo fue venerado como Osiris, Apolo, Hermes y Hércules.Su culto era extremadamente popular. En la actualidad, hay más imágenes de Antinoo que de muchos otros romanos más poderosos y famosos.El culto a Antinoo estaba firmemente asociado a Osiris, que se había ahogado en el Nilo y resucitado más tarde para hacer fértil la tierra. Los antiguos egipcios creían que Osiris inventó el arado, se lo dio a la gente y les enseñó a cultivar la tierra. Era el rey del Inframundo, su juez y al mismo tiempo el poder que devolvía la vida a las orillas del Nilo.A Osiris se le llamaba «Maestro del Amor», «Eterna Juventud» y «Maestro del Silencio». Según las leyendas, tras la muerte los faraones egipcios se asociaban a Osiris y, como él, podían resucitar.

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IncensarioHistoria completa

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El incensario egipcio «brazo de Horus» recuerda a un tallo de papiro y consta de tres símbolos claros.Este artefacto es un tributo y símbolo del culto a Horus. Se creía que era un protector de los faraones, y éstos eran considerados la encarnación de Horus. La larga asa está hecha en forma de brazo humano que sirve de platillo colocado sobre la mano abierta. En este receptáculo se colocaba y quemaba el incienso en polvo. El incensario termina con la cabeza de halcón del dios Horus. Entre la mano y el halcón hay una figura del faraón arrodillado. Parece que apoya las manos sobre un receptáculo, en el que se depositaba el incienso sobrante. Durante los rituales de honra a las divinidades, la quema de incienso formaba parte de la purificación del aire. Porque los santuarios, en los que se colocaban las estatuas de los dioses, estaban cerrados y no había posibilidad de intercambio de aire. Así, el incienso quemado purificaba el ambiente en los santuarios firmemente cerrados, donde se colocaban las reliquias sagradas. En el antiguo Egipto, el incienso era tan valioso como el oro. Se utilizaba para iluminar y obtener sabiduría ralentizando la respiración y dando sensación de paz interior.

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Estatua de la reina TuyaHistoria completa

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Tuya fue esposa del faraón egipcio Amenhotep III. Se la llamaba «Gran Esposa Real», que a menudo influía en las decisiones tomadas por el faraón. Tuya vivió en el siglo XIV a.C. y desempeñó un papel importante en el establecimiento del culto a Atón como religión estatal del Antiguo Egipto. Ella y Amenhotep tuvieron seis hijos. Tras convertirse en faraón, Akenatón, uno de sus hijos, instauró el culto al dios del sol Atón. De la mano del faraón, la reina participaba en ceremonias oficiales y visitas diplomáticas. Para mostrar su poder y grandeza, construyó un templo dedicado a ella en Nubia, en el actual Sudán. Así, Tuya consiguió celebrar aún más el poder de su marido, el faraón Amenhotep.

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Estatua de la diosa leona SekhmetHistoria completa

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Los antiguos egipcios adoraban a Sekhmet como poderosa diosa de la guerra, del sol ardiente, hija del dios solar Ra y señora del desierto. Sekhmet respiraba fuego y se la representaba como una leona, animal de culto.La diosa encarnaba el sol abrasador y se la representaba con el disco solar en la cabeza.Las leyendas cuentan que Sekhmet defendía a los faraones de sus enemigos dirigiéndolos en la guerra y derrocando a sus rivales. La diosa, severa y de temperamento rápido, podía matar a las personas enviándoles enfermedades. Según los mitos, Sekhmet castigó a Egipto con una plaga. El faraón Amenhotep III ordenó hacer setecientas estatuas de la diosa para propiciarle. A pesar de todo, Sekhmet era venerada como diosa de la curación y pacificadora.

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Estatua del dios BesHistoria completa

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En la mitología egipcia bes es una palabra común para designar a los enanos, a los que se veneraba como protectores de los hogares, la familia y defensores de los malos espíritus. Eran protectores de los niños y las mujeres embarazadas.El nombre «bes» procede de la palabra nubia besa, que significa «gato». Los historiadores creen que el culto a bes es un culto al gato como protector del hogar frente a plagas y animales salvajes.Bes era representado como un enano de cuerpo fornido, rostro similar a una máscara, frente baja y ojos tragones. Parece estar sentado sobre una roca, con las manos apoyadas en las rodillas y la lengua fuera. Sus hombros y caderas están cubiertos con una piel de león, y lleva un gran adorno alrededor del cuello.En la cabeza hay un orificio para un atributo metálico que sostiene otro tocado de piedra. Tradicionalmente, bes llevaba un magnífico tocado de plumas.

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Grupo con Ptolomeo 2Historia completa

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Las estatuas representan a Ptolomeo II y a su hermana Arsinoe II, que se convirtió en su esposa. Ptolomeo II fue rey de Egipto en el siglo III a.C. Además de por sus asuntos políticos, es famoso por casarse con su hermana Arsinoe.Al ocupar el trono, Ptolomeo pretendía extender su influencia política más allá de las fronteras de Egipto y hacerse con el control del territorio que se extendía hasta Asia. Para ello reforzó sus posiciones en el mar. Por aquel entonces, su hermana Arsinoe huyó de su marido en Macedonia a Egipto para convertirse en reina. Era una intrigante pérfida y astuta en Macedonia. Y se casó con su hermano para hacerse con el poder.Según antiguas leyendas griegas, estas dos estatuas fueron llevadas a Roma por el emperador Calígula. En Roma embellecieron un edificio dedicado a su hermana-esposa Drusila. La deificaron cuando Ptolomeo desafió a Arsinoe II.

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Esta historia en la ruta
02Pio Clementino museo30 · de las piezas expuestas
El Museo Pio-Clementino sigue mostrando las mejores exposiciones clásicas. Situado en el Palacio del Belvedere, el Museo inmortalizó los nombres de sus fundadores: los papas Clemente XIV y Pío VI. Los pontífices tenían todas las razones para crear el Museo. En aquella época, en la segunda mitad del siglo XVIII, el tesoro vaticano no albergaba la mayor colección de obras de arte que sus predecesores habían reunido durante algunos siglos. Entonces se reconstruyeron el tesoro y el palacio Belvedere. Desde entonces, el Museo Pio-Clementino comenzó a colocar piezas antiguas. Se pueden ver esculturas y sarcófagos por todas partes, en las salas y en el patio interior octogonal con columnatas.

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Gabinete de mascaras
El Gabinete de Máscaras es un pabellón de verano reconstruido en el siglo XVIII que había estado unido a los salones del palacio de Inocencio VIII. El suelo del Gabinete está cubierto de un antiquísimo mosaico que ha conservado su esplendor durante siglos. Los cuatro mosaicos que muestran máscaras se encontraron en 1780 en la Villa Adriana de Tívoli. Curiosamente, las máscaras están datadas en el año 50 a.C. En la Galería de las Máscaras se conservan estatuas antiguas de mármol. Las más significativas son una escultura romana de las Tres Gracias, una estatua de la Sátira, una escultura de la Mujer Bailarina y la principal, una estatua de Afrodita de Knidos. Tenga en cuenta que esta estatua está justamente considerada como la mejor copia de la escultura en bronce de Praxíteles.

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La Sala de la Cruz Griega
La Sala de la Cruz Griega fue diseñada por Michelangelo Simonetti. Mire a la entrada de la sala y verá que el suelo está cubierto con el precioso mosaico datado en el siglo III a.C. En primer lugar, este mosaico cubría el suelo de la villa de Tusculum, cerca de Roma. Curiosamente, el vestíbulo está construido en forma de cruz griega. La cruz griega es una cruz con brazos rectangulares de igual longitud perpendiculares entre sí. Esta particularidad dio nombre al vestíbulo. Un visitante atento observará elementos decorativos egipcios en esta sala. Así, podrá ver sarcófagos de pórfido. Un sarcófago fue hecho para Constantia, la hija del emperador Constantino, y el segundo - para su madre Helena. Fíjate en la decoración del sarcófago de Helena. El ataúd está esculpido con jinetes romanos que derrotaron a los bárbaros. El sarcófago de Constancia está decorado con cupidos esculpidos recogiendo uvas. No pase por alto la singular exhibición de la figura de la mujer en movimiento. Puede verla detrás del Sarcófago de Santa Elena. Los historiadores creen que se trata de la única estatua de Cleopatra que se conserva. Entre otras cosas, en la Sala de la Cruz Griega podrá admirar las esculturas de Octavio Augusto y Julio César y mosaicos.

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Galería de estatuas
La Galería de las Estatuas era originalmente un ala de verano del palacio de Inocencio VIII. Visitando este lugar, podrá contemplar los frescos pintados por los pintores italianos Andrea Mantegna y Pinturicchio. Estas fueron las primeras imágenes que decoraron la Galería a finales del siglo XV. En la segunda mitad del siglo XVIII, esta sala se convirtió en galería de estatuas, y adquirió el aspecto que puedes ver ahora. Aquí encontrará esculturas clásicas. Se trata de copias romanas de obras maestras como la estatua de Apolo Sauroktonos, la Ariadna dormida, Narciso, el Sátiro borracho, París sentado, bajorrelieves de Marte, Minerva, Venus.

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La Sala de los Animales
Se encuentra usted en la Sala de los Animales. Se trata de la mayor colección mundial de estatuas antiguas de animales salvajes. Le rodean casi 150 estatuas de alabastro, mármol de colores y mármol blanco. Casi todos los objetos expuestos que se pueden ver son copias de originales griegos realizadas por orden del Papa Pío VI. El escultor Francesco Antonio Franzoni trabajó en las estatuas. Y las estatuas de animales y aves fueron restauradas a finales del siglo XIX. En la Sala de los Animales verás la estatua de Meleagro con perro y la cabeza del jabalí de Calydon, el torso del Minotauro, sarcófagos romanos pertenecientes a los representantes de los Escipiones.

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La Sala de las Musas
Ahora se encuentra en el vestíbulo diseñado por el pintor italiano Michelangelo Simonetti en 1782. La Sala de las Musas está decorada con dieciséis columnas de mármol. Mire hacia arriba y verá los frescos del techo, obra de Tommaso Conca. Representan a Apolo y nueve Musas rodeados de los famosos poetas del mundo antiguo: Homero, Esquilo, Píndaro, Virgilio, Tasso y Ariosto. En la Sala de las Musas hay estatuas de mármol de Apolo y nueve musas, las protectoras griegas del arte. De hecho, estas esculturas son copias de las estatuas originales griegas realizadas en bronce en el siglo III a.C. Si se fija en el centro de la sala, verá el Torso del Belvedere, un modelo de cuerpo ideal y bellamente proporcionado, según Miguel Ángel.

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Pista octagonal
Ahora se encuentra en el patio interior que es el núcleo de todos los Museos Vaticanos. Aquí se exhibe la exposición de magníficos sarcófagos romanos con bajorrelieves. Antes de que este patio se convirtiera en una atracción imprescindible incluida en una guía de los Museos Vaticanos, el patio interior era un jardín de naranjos. Pero el Papa Julio II lo mejoró colocando estatuas antiguas a la sombra de los árboles aquí y allá. Más tarde, en 1775, el Papa Pío VI ordenó cercar la zona ajardinada con un pórtico octogonal que enmarcaba la entrada al palacio. Al cabo de treinta años se construyeron cuatro nichos separados por arcadas en las cuatro esquinas. Se trata del Nicho de Laocoonte, el Nicho de Perseo, el Nicho de Apolo y el Nicho de Hermes. De este modo, el jardín adquirió el aspecto que puedes ver.

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La Sala Redonda
La Sala Redonda tiene casi 250 años. Se diseñó y construyó en estilo clásico en su apogeo, en 1780. Michelangelo Simonetti fue el encargado del proyecto. Mira hacia abajo y verás que el suelo está cubierto de mosaicos romanos del siglo III, que representan las batallas de guerreros griegos con tritones y centauros. En el centro de la Sala Redonda se puede ver una enorme pila de pórfido que tiene una circunferencia de 13 metros. Anteriormente embellecía la Casa Holden del emperador Nerón. En los nichos hay 18 estatuas y bustos de mármol de dioses y héroes mitológicos romanos y griegos. Eche un vistazo a la escultura de Antinoo. También encontrará el retrato del emperador Adriano representado como Dionisio y la estatua del poderoso Hércules. Se trata de la única estatua dorada que ha sobrevivido inalterada desde la Antigüedad.

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Venus CnidusGabinete de mascarasHistoria completa

Praxiteles

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La Afrodita de Cnido es la primera representación en piedra de la mujer desnuda. Esta escultura es la estatua femenina que más se ha duplicado. Curiosamente, Praxíteles, el creador de la estatua, realizó dos esculturas similares de Afrodita. Una de ellas estaba cubierta con un manto y otra estaba absolutamente desnuda. La segunda estatua fue comprada por los habitantes de Cnidus, la colonia griega, y ganó fama mundial. Algunas personas iban a Cnido sólo para ver la estatua de la diosa. Praxíteles utilizó como modelo a su amante Phryne, una mujer muy bella. Pero en la Antigüedad era una blasfemia crear estatuas de dioses utilizando el cuerpo humano como modelo. Phryne fue acusada de impiedad y llevada a los tribunales. El orador Hipereides fue el encargado de defenderla. Pronunció un discurso y le quitó la túnica a Friné para mostrar la belleza de su cuerpo. En aquella época la gente creía en un alma ideal en un cuerpo perfecto. Una persona bella y bondadosa se equiparaba a los dioses. Los jueces quedaron tan prendados de la belleza de Phryne que la absolvieron por unanimidad. La estatua de Afrodita de Cnido es la copia más exacta de la escultura realizada por Praxíteles en 340 a.C. La escultura griega original ya no existe, pero se conservan muchas copias.

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Sarcofagus de ConstantiaLa Sala de la Cruz GriegaHistoria completa

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Un magnífico sarcófago es un símbolo de vida eterna que alude al más allá. El sarcófago de pórfido rojo guarda los restos de Constancia, hija del emperador Constantino. El sarcófago descansa sobre cuatro soportes de leonas. El ataúd está decorado por los cuatro lados con cupidos recogiendo uvas. Los laterales del sarcófago están decorados con tres niños alados pisando uvas. ¿Por qué se representa esta escena en la última morada de la hija del emperador? El hecho es que los sarcófagos romanos imitaban la forma de los lagares de vino. Y eso tenía un profundo significado. Las bayas se exprimían, pero tras la fermentación se convertían en vino elaborado. Así, las uvas exprimidas se convertían en vino, teniendo una nueva vida. Teniendo en cuenta las antiguas creencias, el concepto del bajorrelieve del sarcófago cobra sentido. Los cupidos inmortales dan una nueva vida a la Constancia enterrada. Su alma, como las uvas, alcanza la inmortalidad. Constancia murió en 354, y algunos siglos después los romanos la canonizaron. Fue enterrada en la iglesia de Santa Costanza.

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Sarcofagus St HelenaLa Sala de la Cruz GriegaHistoria completa

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El sarcófago de Helena es símbolo de éxito militar y último respeto al talento y poderío de un comandante. Y en verdad, no fue enterrada allí una gloriosa guerrera, sino Helena, la madre del emperador romano Constantino el Grande. Los historiadores creen que la magnífica tumba se hizo originalmente para el emperador Constantino. Por este motivo, está decorado con dinámicas escenas militares que no son adecuadas para un enterramiento femenino. Ya que las gloriosas victorias militares eran el principal orgullo de los gobernantes romanos. El monumental sarcófago de pórfido rojo está decorado con escenas de batallas. El bajorrelieve de la tumba está esculpido con soldados romanos a caballo, matando bárbaros. En la tapa del sarcófago, cupidos sostienen espléndidas guirnaldas como símbolo de honor y saludo a los vencedores.

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Apolo SauroktonosGalería de estatuasHistoria completa

Praxiteles

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Apolo Sauroktonos (Apolo Mata Lagartos) simboliza la victoria de la luz sobre las tinieblas. En la antigüedad se hicieron muchas copias de la escultura de Apolo Sauroktonos. Esto significa que la estatua era bastante popular entre los romanos y que su concepto era bastante claro. El mensaje de la escena puede resultar evidente si consideramos los mitos romanos de Apolo. Apolo, el dios del sol, la luz y la vida, tiene dos caras opuestas. Uno de ellos es oscuro. Simboliza un largo sueño, el olvido, la muerte. En los mitos, un lagarto representa el lado oscuro del dios. Al matar al lagarto con su propia mano, Apolo se ha librado de su lado oscuro y se ha convertido sólo en un dios de la luz. La segunda parte del título de la estatua, "sauroktonos", procede de dos palabras griegas: saura (lagarto) y kteinen (matar). El joven dios solar Apolo está a punto de matar a un lagarto. En unos segundos, el joven matará a un lagarto subido a un árbol con una pequeña flecha.

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MeleagroLa Sala de los AnimalesHistoria completa

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La estatua representa a Meleagro de Belvedere tras la matanza del jabalí de Calidonia. Se trata de una conocida historia mitológica griega. La escena esculpida se asocia a una leyenda trágica. Meleagro es hijo del rey Oeneo de Calidón y de su esposa Althaea. Se le menciona en los poemas de la "Ilíada" y entre los argonautas y los cazadores calidonios. Según los mitos griegos, cuando Meleagro nació, su madre, Althaea, escuchó una amenazadora predicción según la cual su hijo moriría en cuanto uno de los palos de la chimenea se quemara por completo. En cuanto Althaea oyó la terrible noticia, sacó el palo del fuego, lo apagó y lo escondió en un baúl. Al parecer, la madre había salvado a su hijo de un mal destino. Una vez el padre de Meleagro olvidó dar una ofrenda a Artemisa, la diosa de la caza, y ella decidió castigarle. La diosa soltó un enorme jabalí en Calydon, devastando campos y bosques. El valiente Meleagro y sus amigos mataron a la bestia, pero Artemisa no dejó en paz a los vencedores. Provocó la disputa por la cabeza del jabalí entre ellos. Durante la pelea murieron los parientes maternos de Meleagro. Cuando su madre Althaea se enteró, se enfureció y quemó el palo escondido. Meleagro murió inmediatamente. Se representa a Meleagro sosteniendo la cabeza del jabalí tras la cacería calidonia. Su fiel perro de caza, que probablemente le ayudó durante la cacería, está sentado junto al vencedor.

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JaguarLa Sala de los AnimalesHistoria completa

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En la antigüedad se denominaba al leopardo "el animal de dios", que se conservaba con frecuencia en las sagradas casas de fieras imperiales. La imagen mítica del leopardo representa la intrepidez, el coraje, el valor, la fidelidad, la agresividad y la ferocidad en la batalla. El animal se parece a la vez a un jaguar, un irbis, un guepardo y un leopardo. Pero no se trata de una estatua de jaguar. Como este animal es originario de América del Sur que no fue descubierto en ese momento. No es tan importante qué animal fue tallado en una piedra. Todos los felinos representan un culto noble carácter beligerante. Esta estatua de leopardo es inusual, ya que está parcialmente coloreada. Los diferentes fragmentos de alabastro negro y ámbar crean los colores naturales del animal.

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ClioLa Sala de las MusasHistoria completa

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Clío es la musa griega de la historia destinada a glorificar las hazañas heroicas de personas y dioses. Clío lleva una corona de laurel en la cabeza. El laurel es símbolo de gloria, victoria y paz. Se entregaba a los héroes. La musa de la historia está coronada con la corona. Significa que siempre está dispuesta a escribir los nombres de los héroes. Sostiene un tallo de pergamino en la mano. Contiene la crónica de las hazañas realizadas. Clío también escribe en el tallo los nombres de nobles y dioses.

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Del Torso del BelvedereLa Sala de las MusasHistoria completa

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Los historiadores han debatido sobre el origen del Torso del Belvedere. Pero a pesar de la falta de información sobre la estatua, se sabe que el propio Miguel Ángel admiraba las líneas refinadas y realistas de la musculatura. Mientras pintaba el techo de la Capilla Sixtina con frescos, utilizó la imagen de la estatua cuidadosamente esculpida. Pero cuando se le pidió al pintor que restaurara las partes que faltaban del torso, se negó a hacerlo por considerar que la estatua era ideal. El teórico neoático Johann Winckelmann comparó el torso con "un poderoso roble talado y despojado de sus ramitas y ramas". Los historiadores suponen que la estatua puede representar a Heracles, Polifemo, Prometeo, Ares o Filoctetes. Pero la versión más popular habla de que se trata del griego Áyax, sentado en la piedra y pensando en el suicidio. Los expertos en arte establecieron que la cabeza estaba inclinada hacia la mano derecha. Y empuñaba la espada con la que el héroe se quitaría la vida. Supuestamente, durante la guerra de Troya Odiseo fue nombrado comandante y no Áyax, y estaba tan furioso que se suicidó.

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Esta historia en la ruta
CalliopeLa Sala de las MusasHistoria completa

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Calíope es la musa más elocuente, patrona de la poesía épica, la filosofía y la ciencia. En griego, su nombre significa "voz bella". Por eso Dionisio llamó a la poesía "grito de Calíope". Calíope es la hija mayor de Zeus y la madre del famoso héroe legendario Orfeo. De su madre heredó la musicalidad y la poesía. Calíope sostiene una tablilla de cera y un estilete de madera, un instrumento de escritura. De ahí la frase "escribir con estilo", es decir, con estilo elocuente y sonoro.

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UraniaLa Sala de las MusasHistoria completa

Audioguía de los Museos Vaticanos

Urania es la musa de la astronomía. Cuando la mitología griega desarrollaba los conceptos de las musas, la astronomía no era una ciencia exacta complicada. Era más bien un conjunto de hipótesis sobre el cielo y las estrellas. Por eso a Urania se la llamaba a menudo musa "celeste". La severa Urania aparece retratada sosteniendo un globo terráqueo y un puntero en las manos, como una maestra erudita.

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ApoloLa Sala de las MusasHistoria completa

Audioguía de los Museos Vaticanos

Apolo es el patrón de las artes, la poesía y la música, y dirige a nueve musas. Primero, los antiguos griegos creían que Apolo protegía el ganado. Después se le consideró adivino y, por último, padre del sol y la luz. El joven dios sostiene una cítara en la mano. Parece como si tocara y cantara al mismo tiempo. En la cítara está tallada la figura del antiguo héroe griego Marsyas. Según la leyenda, Marsias era un músico de talento y compitió con Apolo tocando la cítara. Las musas juzgaron el concurso y prefirieron a Marsyas. Entonces Apolo empezó a tocar la cítara y a cantar simultáneamente. Marsias no pudo hacerlo y perdió. Como castigo por su arrogancia, Apolo colgó a Marsias de un pino y lo desolló vivo.

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TersiconeLa Sala de las MusasHistoria completa

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Terpsícore es la musa de la danza ejecutada en armonía con los dictados del corazón. Según una versión, es la madre de las sirenas. Una lira en la mano simboliza la música, que formaba parte inextricable de la vida de Terpsícore. Era una hábil bailarina, y su maestría en la danza representa el equilibrio de la naturaleza, los movimientos del cuerpo humano y las emociones.

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PolimniaLa Sala de las MusasHistoria completa

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Polimnia es la musa de la poesía sagrada, del himno sagrado y del arte oratorio. Simboliza la fe glorificada en la música. Los antiguos griegos creían que el éxito de un orador dependía de la misericordia de Polimnia. Un orador debía propiciar a la Musa y entonces ella le dotaba de una elocuencia fantástica. Si el orador no se dirigía a Polyhymnia, su discurso no tenía éxito.

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MelpomeneLa Sala de las MusasHistoria completa

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Melpómene es la musa de la tragedia, el coro y la armonía musical. Al principio fue nombrada patrona de los cantos sagrados, después patrona de los cantos tristes y, por último, musa del arte dramático y del teatro. Representa el principio trágico del teatro. Melpómene viste un manto teatral, sostiene una máscara trágica en la mano derecha y un cuchillo en la izquierda. Tradicionalmente, la máscara simboliza el teatro, y el cuchillo, la inevitabilidad del castigo de quienes desobedecen a los dioses. Según las leyendas, fue Melpómene quien dio a luz a las pérfidas sirenas que atraían a los marineros con sus voces cantarinas.

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TaliaLa Sala de las MusasHistoria completa

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Talía es la musa griega de la comedia y la poesía idílica. Se la representa con un cayado de pastor, una máscara cómica y una pandereta. Su cabeza está coronada con una corona de flores del campo. Hace referencia a poemas alegres y vivaces sobre el estilo de vida de pastores y campesinos que trabajan y viven en el campo abierto.

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El dios del río ArnoPista octagonalHistoria completa

Audioguía de los Museos Vaticanos

El dios del río Arno en Florencia es un titán poderoso y fuerte con el ceño fruncido, rostro serio y barba parlante. La figura del dios representa el poder y la fuerza del río que da a luz. Originalmente, la escultura del dios formaba parte de una fuente, cuya pila es un sarcófago decorado con escenas de batallas entre griegos y amazonas. Esta estatua representa al dios del río en una pose tradicional, reclinado con una jarra en la mano. En la jarra hay tallada una pequeña cabeza de león. Los elementos felinos demuestran que el río Arno puede identificarse con el río Tigris de la antigua Mesopotamia.

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Apollo BelvederePista octagonalHistoria completa

Leochares

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Apolo, dios del sol y de la luz, era llamado "espléndido" o "radiante". Durante varios siglos fue un ídolo de la belleza masculina. Y justo después de su creación, la estatua de Apolo del Belvedere fue admirada tanto por gente corriente como por destacados escultores. El experto en arte Johann Joachim Winckelmann consideraba la estatua como un referente del arte griego. Decía que "de todas las obras de la antigüedad que han escapado a la destrucción, la estatua de Apolo representa el ideal más elevado del arte". En cuanto se descubrió la estatua de mármol no lejos de Roma, a mediados del siglo XV, se colocó en el jardín del Belvedere del Vaticano. Entonces Apolo pasó a llamarse Apolo Belvedere. La escultura del Belvedere de Apolo representa al dios como un poderoso y apuesto arquero. Sus movimientos son dinámicos, decididos y valientes. Según los historiadores, Apolo sostiene supuestamente un arco en la mano izquierda y una flecha en la derecha. Parece que acaba de soltar una flecha, esperando qué blanco va a clavar. Las flechas y el arco en sus manos representan su derecho a castigar a los pecadores y purificar de sus pecados a los arrepentidos. La cabeza de Apolo está coronada con una corona de laurel, símbolo de vencedor. Cerca del joven hay un tronco de árbol con el dragón Pitón matado por Apolo en Delfos.

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Esta historia en la ruta
Belvedere HermesPista octagonalHistoria completa

Praxiteles

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Hermes era el emisario de los dioses y el conductor de las almas de los muertos al Inframundo. Su otro nombre era Psicopompo, que literalmente significa "guía de almas". Hermes era también el patrón de los pastores, embajadores, viajeros, magos, alquimistas y astrónomos. Además, lo veneraban mercaderes, comerciantes y atletas. Según las leyendas, Hermes inventó las unidades de medida, los números y el alfabeto y se lo enseñó a la gente. La estatua representa al joven, fuerte y apuesto Hermes en tranquila expectación. El joven dios mira al frente con tranquilidad. Está melancólico; su mirada está baja, mientras un manto echado sobre su hombro se enrolla alrededor del antebrazo. Hermes apoya suavemente el pie derecho en el tronco de una palmera. El autor plasmó en la escultura ese especial encanto onírico con el que se cumple Hermes. El mármol transmite asombrosamente la suavidad y tersura de los movimientos de Hermes, al tiempo que muestra la juventud y fuerza de su figura.

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Esta historia en la ruta
PerseoPista octagonalHistoria completa

Antonio Canova

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La escultura representa una famosa historia griega sobre la victoria de Perseo sobre la gorgona Medusa. La historia comenzó cuando el rey Polidectes quiso casarse con la bella Dánae. Ella era la madre de Perseo, que se oponía a este matrimonio. Entonces, Polidectes engañó a Perseo y le hizo prometer que mataría a la Gorgona Medusa. El rey esperaba que Perseo muriera en la lucha contra la Gorgona, pero ocurrieron otras cosas. Tras muchas penurias, el joven Perseo llegó a la isla donde vivían las Gorgonas. Sabía que todo aquel que mirara a Medusa se convertiría en piedra, así que decapitó a la Gorgona mirando su reflejo en su escudo de cobre. La escultura de Perseo lo representa tras la derrota de la Gorgona. Lleva una espada en las manos y calza las sandalias de Mercurio. Estos atributos le sirvieron para volar hasta la isla de las Gorgonas y derrotar a Medusa.

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Venus FelicsPista octagonalHistoria completa

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Venus es una antigua diosa romana del amor, la belleza, la fertilidad y la prosperidad. En la cultura griega se la llamaba la señora de la esperanza y el símbolo de la victoria. Se organizaban fastuosos banquetes en su honor y se la encarnaba en decenas de esculturas. Venus es considerada la madre de Eneas, que huyó de la sitiada Troya a Italia. Allí sus descendientes fundaron Roma, y Venus fue venerada como genetrix de los romanos. Los atributos de la eternamente joven belleza Venus son una amapola, una rosa, una paloma y una liebre como símbolos de fertilidad. Los romanos creían que Venus era capaz de controlar la voluntad de los animales salvajes y encantarlos. Según los historiadores, la escultura de Venus Felics es un regalo sacrificial a Venus de la emperatriz Sallustia y su hijo Helperid. Los expertos en arte suponen que la mano izquierda que falta podría haber sostenido una manzana o un espejo. Los historiadores también aseguran que Venus se parece a Faustina la Joven, esposa del emperador romano Marco Aurelio.

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LaocoontePista octagonalHistoria completa

Polydorus

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El grupo de estatuas de Laocoonte y sus hijos muestra a Laocoonte y sus hijos siendo atacados por serpientes marinas. En plena guerra de Troya, Laocoonte advirtió a los troyanos de la astucia y las artimañas de los griegos. Pidió a los ciudadanos que no tomaran el caballo de Troya. Pero la gente no escuchó a Laocoonte, y entonces éste decidió arrojar una lanza para demostrar lo que era. Pero el poderoso Poseidón quería que Troya se arruinara, así que tuvo que impedir que Laocoonte lo revelara. Poseidón envió dos enormes serpientes para atacar a Laocoonte y a sus hijos. Las serpientes marinas subieron del mar, enroscaron los cuellos de sus víctimas y las mataron. El grupo de estatuas expresa el teatralismo melodramático. El escultor utilizó magistralmente su conocimiento del cuerpo humano para grabar la figura de Laocoön en el momento más tenso. Los músculos de su cuerpo estaban tensos por el dolor, y su boca estaba distorsionada por el grito de muerte. No está de luto por sí mismo, sino por sus hijos. No sólo la descripción de la batalla a muerte refleja la tragedia. La desesperación es que el sufrimiento de Laocoön y sus hijos es desesperante, ya que morirán en pocos minutos. Pero incluso sabiéndolo bien, Laocoön aún tiene la esperanza de empujar a las serpientes marinas y deshacerse de ellas. La escultura sorprende por el realismo y los detalles de los músculos del cuerpo humano, tensos y resistentes.

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ApoxyomenosCabinet of ApoxyomenosHistoria completa

Lysippos

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Apoxyomenos es un símbolo de los deportes antiguos y una demostración elocuente del esbelto cuerpo atlético de los atletas griegos. La palabra "Apoxyomenos" procede del verbo griego que significa limpiarse. Antes de las competiciones, los antiguos atletas griegos se untaban el cuerpo con aceite que se cubría con arena durante un torneo. Después de las competiciones, los atletas raspaban la mezcla de arena y aceites con una cuchara especial llamada strigil. La estatua de Apoxyomenos muestra a un deportista grácil, un poco relajado, pero serio. Su esbelta figura plástica sirve como prueba silenciosa de la popularidad de los deportes en la Antigüedad. Se trata de una copia de la estatua de bronce de Apoxyomenos realizada por el escultor griego Lisipo en el año 320 a.C.

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HeraclesLa Sala RedondaHistoria completa

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Se trata de la única estatua de bronce del mundo recubierta del antiguo dorado original. Heracles sostiene en sus manos un pesado garrote, la piel del león y las manzanas de las Hespérides. Recuerdan al primero y al último de los doce Trabajos de Heracles. La piel del león de Nemea es un símbolo del primer trabajo de Heracles. El atleta debía matar a un enorme león que aterrorizaba las colinas de los alrededores de Nemea. Cuando Heracles encontró una cueva donde vivía la bestia, bloqueó la entrada con una piedra. Luego aturdió al león con su garrote y lo estranguló hasta la muerte. Las manzanas de las Hespérides simbolizan la duodécima, la tarea más difícil realizada por Heracles. Según las leyendas, debía ir a ver al titán Atlas y coger tres manzanas de oro de su jardín. Atlas sostenía el cielo sobre sus hombros y el jardín estaba custodiado por las Hespérides, sus hijas. Antes de que Heracles consiguiera coger tres manzanas, encontró el camino al jardín, engañó al dragón que defendía los árboles y al propio Atlas.

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AntinooLa Sala RedondaHistoria completa

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Antinoo, un joven y apuesto griego, era el favorito del emperador romano Adriano. Se conocieron en 124 d.C., y desde entonces Antinoo siempre acompañó al soberano. Su alianza duró 6 años, y en 130 d.C. el joven murió en las aguas del Nilo. Hasta ahora las causas de su muerte han permanecido confusas. Los historiadores barajan varias hipótesis, entre ellas el suicidio, un trágico accidente y un sacrificio humano ritual. Tras su muerte, Antinoo fue divinizado y su culto se extendió por Grecia y Egipto. Allí se identificó al joven con Osiris, un dios de la resurrección que también se había ahogado en el río Nilo, pero luego resucitó e hizo fértil la tierra. La escultura plasmaba los rasgos reales de Antinoo: su cuerpo fuerte, hombros anchos, rostro llamativo. Se le retrata fuerte como un atleta y apuesto como un dios. Su belleza es voluptuosa y suave, como si estuviera rodeada de tristeza. La estatua representa a Antinoo como Dioniso, dios del vino y la vegetación. Su cabeza está adornada con los símbolos del dios del vino: una corona de hiedra y una diadema.

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DemeterLa Sala RedondaHistoria completa

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Deméter era la diosa de la fertilidad y la agricultura. Su segundo nombre es "madre tierra", que enseñaba a cultivar. La leyenda más famosa de Deméter habla de su búsqueda de Perséfone, que fue llevada por Hades al Inframundo. Deméter recorrió la tierra a lo largo y ancho para encontrar a su hija, mientras tanto la tierra se volvía estéril. La gente se moría de hambre y no tenían regalos para los dioses. Los dioses imploraron a Deméter que volviera al Olimpo, pero ella se negó. Entonces Zeus ordenó a su hermano Hades que liberara a Perséfone. Cuando la hija regresó, Deméter dejó de lamentarse y se puso una corona de acianos en la cabeza. Celebrando, la diosa dio a la gente maíces, y empezaron a crecer trigo. La escultura retrata a Deméter tranquila, digna, con una mirada franca. Pero no todos los historiadores creen que esta estatua sea Deméter. Existen algunas dudas, ya que no hay atributos específicos de la diosa. Se la llama Deméter porque sostiene en su mano derecha una cabeza de amapola, símbolo de fertilidad. Pero un cetro en su mano izquierda puede aludir a Hera.

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AugustoLa Sala RedondaHistoria completa

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En latín togatus significa persona vestida con toga. Se trata de una prenda nacional de un ciudadano romano de pleno derecho. La toga fue popularizada por el emperador Augusto. Ordenó a los romanos que se pusieran la toga antes de ir al Foro, el centro de negocios de una ciudad. Así, la toga se convirtió en un símbolo de la Antigua Roma, un atributo que la gente estaba obligada a ponerse tanto si iba al mercado como al templo o a una reunión. La toga se drapeaba, y era creencia común que sólo los romanos eran capaces de aprender "la gran habilidad del drapeado". El emperador Genio Augusto ataviado con la toga encarna a un romano libre y respetado por la sociedad. La cabeza de Augusto está cubierta con la toga. Significa que el emperador está preparado para la consagración, para ofrecer los sacrificios. En su mano izquierda, Augusto sostiene el cuerno de la abundancia como símbolo de fertilidad y saciedad de su pueblo. En la cultura romana, el genio es el abuelo, un guardián espiritual del destino del hombre. Se le rendía culto y se esperaba de él. Paso a paso la gente empezó a asociar este culto con el respeto al emperador. Augusto fue llamado Genio por su mérito a la Patria, grandeza y protección del pueblo romano.

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GalbaLa Sala RedondaHistoria completa

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Servio Galba gobernó el Imperio Romano sólo durante seis meses, de junio del 68 a enero del 69. Galba nació en el seno de una familia noble y realizó una notable carrera militar y política. Fue el primer emperador romano que se hizo con el poder tras la rebelión de los soldados. Este conflicto militar interno dio lugar a la constante lucha por el poder en el Imperio Romano. Nuevos disturbios invadieron Roma y, después de todo, Galba fue asesinado. Según las leyendas, Galba era un comandante severo. Al parecer, no concedía ningún permiso a sus soldados, los agotaba con ejercicios físicos y trabajo permanente. Según los historiadores, al final de su vida Servio Galba estaba débil y arruinado por las enfermedades. Pero la escultura lo muestra como un hombre envejecido, pero aún fuerte y poderoso, que sostiene en sus manos una vara, símbolo de poder.

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Claudio como JúpiterLa Sala RedondaHistoria completa

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Claudio, que se convirtió en emperador después de Julio César, gobernó el país de forma incompetente. Las leyendas cuentan que Claudio era corto de miras y estrecho de miras, incapaz de controlar un gran estado. Era tímido, tonto y poco delicado, lo que le privó de títulos y rangos. Pero en realidad Claudio era bueno en historia, arqueología y literatura griega y romana. Cuando era niño, Claudio solía enfermar, lo que repercutía en su desarrollo físico y mental. A pesar de lo poco atractivo de la figura de Claudio, su estatua lo retrata como Júpiter, un dios apuesto, fuerte y digno. Las proporciones ideales de su cuerpo desentonan con su rostro. El torso, las piernas, los brazos, las orejas prominentes, el rostro arrugado y los ojos hundidos no son armónicos. Sobre la cabeza de Claudio hay una corona de hojas de roble. Se trata de un símbolo de fertilidad, valor y poder. Las victorias militares marcaron el reinado del emperador. Un águila, eterna compañera de Júpiter, se sienta a los pies de Claudio. Simboliza la sabiduría y las victorias militares venideras.

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Hera BarberiniLa Sala RedondaHistoria completa

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Hera es la diosa del matrimonio y esposa de Zeus. Protegía a las parejas casadas y las bendecía con hijos. Hera respetaba mucho la santidad del matrimonio e intentaba proteger a su familia y ser una esposa fiel. Hizo bien su trabajo, pero no se puede decir lo mismo de Zeus. Tuvo numerosas amantes, y por eso Hera siempre montaba escenas, pero más tarde se reconciliaba con su marido. La diosa, vestida con un suntuoso atuendo, viajaba en un carro de plata con ruedas de oro tirado por caballos inmortales. Era la más fuerte de las diosas olímpicas y se sentaba junto a Zeus en el trono de oro. La escultura la retrata como una reina grácil y espléndida. Hera Barberini aparece representada sosteniendo una vara en la mano derecha con la cabeza un poco inclinada. De este modo, la diosa demuestra su poder y su afecto por las personas. La estatua está formada por numerosos fragmentos de mármol. Algunos fragmentos se utilizaron para crear el pie izquierdo y el pecho. Se trata de una tradición antigua que permite realizar una escultura completa con una cantidad mínima de piedras.

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Juno SospitaLa Sala RedondaHistoria completa

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Juno es una de las diosas más respetadas de la Antigua Roma. El mes de junio lleva su nombre y la diosa se llamaba Sospita, es decir, Salvadora. Era patrona de la Luna, las mujeres y el matrimonio, y miembro de la Tríada Capitolina, que incluía a Júpiter y Minerva. La diosa de la sabiduría Minerva y la patrona de la fertilidad Ceres eran sus consejeras. Se considera que cada mujer tiene su propia Juno, compañera y protectora. Juno es representada como una mujer severa que permanece inmóvil y mira a lo lejos. Sobre la cabeza de la diosa hay una diadema cubierta con una piel. Se trata de la piel de la cabra Amaltea, que alimentó a Zeus cuando era un niño. La diosa sostiene una lanza y un escudo en las manos. Hace referencia a otro título de Juno. Simboliza la victoria y la destreza militar. Los antiguos romanos solían invocarla cuando pedían el éxito de las campañas militares.

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04Pinacoteca34 · de las piezas expuestas
La Pinacoteca Vaticana fue organizada por el Papa Pío VI en la segunda mitad del siglo XVIII. Originalmente, el pontífice colocó su colección de cuadros en una sala. Desde entonces, la colección fue creciendo y la sala se amplió. Finalmente, en 1908, dieciocho salas de la Pinacoteca abrieron sus puertas a los visitantes. Aquí podrá visitar más de 15 salas con mosaicos, tapices, iconos, esculturas y cuadros de gran belleza de pintores italianos de los siglos XII-XIX. No deje de admirar las pinturas religiosas de Caravaggio, Rafael, Tiziano y da Vinci. Un espectador atento observará que allí se exponen lienzos de diferentes escuelas pictóricas, como la escuela florentina, la barroca, la flamenca, la holandesa y la de Rafael Santi. Recorriendo las salas de la Pinacoteca Vaticana, verá los cuadros "Transfiguración" y "Virgen de Foligno", "Virgen de la Faja" de Benozzo Gozzoli, "Visión de Santa Elena" de Paolo Veronese, "Entierro de Cristo" de Miguel Ángel, "Virgen con el Niño" de Pietro Perugino, "San Jerónimo" de Leonardo da Vinci y "Lamento sobre Cristo muerto" de Giovanni Bellini. En la Octava Sala contemplará con detenimiento la colección de tapices realizados con cartones de Rafael Santi, entre los que se encuentran "Curación del cojo" y "Milagrosa calada de peces". La Sala XVIII reunió una gran colección de iconos realizados entre los siglos XV y XIX. Se considera con justicia que representan prácticas espirituales de los primeros siglos del cristianismo. La Pinacoteca alberga casi quinientos cuadros procedentes de todo el mundo. Lo único que importa es que usted necesitará fuerzas suficientes para no limitarse a ojearlos, sino comprender la particularidad, el rasgo distintivo que encarna el espíritu del tiempo y la fuerza de la idea artística.

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La Sala 18
Los iconos de los Museos Vaticanos constituyen una importante colección de imágenes sagradas. Son expresión de la teología, la fe y los cánones estéticos del cristianismo en Oriente.  Las pinturas que forman parte de la colección se incluyeron en las colecciones papales después de 1762 como parte del Santo Museo fundado por el Papa Benedicto XIV en la Biblioteca Vaticana. Los iconos que aquí se presentan representan los más significativos de la colección, seleccionados en función de sus tipos iconográficos y zonas culturales. Fechadas entre los siglos XV y XIX, proceden de la Grecia postbizantina, los países balcánicos y eslavos, Rusia, la región anteriormente bajo dominio veneciano, el Adriático y Oriente Próximo. Estos territorios siempre han estado asociados al mundo bizantino, en el que, desde los primeros siglos de la era cristiana, se desarrolló una peculiar simbiosis de doctrina teológica y arte que dio forma y contenido a las imágenes sagradas que hoy llamamos iconos. La forma más común en las colecciones de los Museos Vaticanos es un icono de servicio devocional. Se trata de imágenes, generalmente de pequeño formato, creadas para la oración personal y doméstica. Aunque difieren en tamaño de los grandes iconos para exponer en las iglesias, presentan temas iconográficos similares: imágenes de Cristo y de la Madre de Dios, santos y fiestas litúrgicas.

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El Juicio FinalesHistoria completa

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El Juicio Finales el cuadro más antiguo de la Pinacoteca. El argumento del Apocalipsis era uno de los más importantes para los cristianos medievales, que creían que la Tierra era un disco. Y la forma del cuadro, redonda con base rectangular, es un símbolo de la globalidad del Juicio Final. La pintura es tradicional del siglo XII, cuando los altares se decoraban con paneles de madera que mostraban escenas religiosas. Las figuras del panel son bidimensionales. Están desprovistas de vivacidad artística y emociones, y sus figuras están inmóviles. Sirven de ilustración del Juicio Final, de explicación de uno de los episodios más incomprensibles de la Biblia. El cuadro se divide en cinco fases o registros. Cada personaje ocupa un lugar en la jerarquía religiosa. En la parte superior de la composición se encuentra el Dios con las galas en las manos. Está rodeado de querubines. La segunda fase muestra a Cristo, de pie, entre dos ángeles y doce apóstoles ante un altar. La tercera fase contiene el mensaje más complicado. Está dividida en escenas. En la primera escena de la izquierda está San Pablo, que guía a los Elegidos. Luego se representa a la Virgen María y a Esteban, intercediendo por los inocentes. A la derecha, otras tres escenas, son Viste al desnudo, Visita al encarcelado, Da de beber al sediento. La cuarta fase muestra la tierra y el agua, aves, peces y animales feroces escupen los miembros de los cuerpos devorados, Y los ángeles tocan las trompetas apocalípticas y despiertan a los muertos. La quinta fase rectangular muestra la Jerusalén Celestial y el Infierno. Aquí se puede ver a los salvados que esperan en el paraíso y a los pecadores cuyo camino va al infierno.

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Madonna con Niño y SantosHistoria completa

Tiziano Vecellio

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El retablo Madonna con el Niño y los Santos tiene otro nombre, Madonna del Frari. Se trata de uno de los cuadros más impresionantes y coloridos del pintor veneciano Tiziano. El lienzo representa la aparición de la Virgen María con el Niño ante los santos Catalina, Nicolás, Pedro, Antonio, Francisco y Sebastián. La Virgen con el Niño de rodillas, rodeada de ángeles, se sienta en la nube y desciende hacia los santos que la vieron. Estaban en el templo cuando se les apareció la visión. El pintor muestra que cada testigo ocular de la visión la percibe a su manera. Algunos miran hacia arriba, otros hacia abajo, pero la alegría, el asombro, la solemnidad y la grandeza del momento están en el aire. Las figuras están pintadas de forma brillante, vívida, colorista y en perspectiva. La luz apenas visible y el rico color dorado hacen que el cuadro parezca un icono. La Virgen con el Niño y los Santos fue pintada para el altar de la iglesia de San Niccolò della Frari, en el Lido de Venecia.

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La visión de Santa ElenaHistoria completa

Paolo Veronese

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El cuadro La visión de Santa Elena es un brillante ejemplo de la imagen representada contra el interior secular. El cuadro representa a Santa Elena. Fue la madre de Constantino, el primer emperador romano que profesó el cristianismo. Según la leyenda, un ángel se le apareció a Helena para decirle que fuera a Jerusalén en busca de la cruz de Cristo. Aunque muchos expertos coinciden en que no es la madre de Constantino la representada en el cuadro, sino la esposa del pintor, también Helena. Porque la mujer retratada es joven, y Santa Elena se sentó en busca de la Cruz, cuando ya era anciana. Helena aparece sentada en el sillón, sumida en un suave sueño. La visión está ante ella. Un niño-ángel alado le muestra el camino hacia la Cruz sosteniéndola en sus manos. Helena está vestida con un rico y suntuoso atuendo con motivos florales. Con la cabeza apoyada en la mano, duerme con naturalidad y, en detalle, el pintor representó el brazo de Helena relajándose en el sueño. En unos minutos la muñeca se relajará por completo y caerá. Entonces Helena se despertará, comprenderá la visión y partirá hacia Tierra Santa en busca de la Cruz.

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Descanso camino de EgiptoHistoria completa

BAROCCI Federico

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El cuadro La Sagrada Familia destaca por su interpretación de un famoso episodio de la Biblia. Esta escena iconográfica constituye un ejemplo espectacular del lienzo de la pintura de la escuela de Umbría. El lienzo está impregnado de poesía y colores. Por eso su historia resonó entre los creyentes y fue extremadamente popular. Este cuadro también se llama Madonna de las cerezas o El descanso en la huida a Egipto. El cuadro muestra a la Virgen María, José y el Niño Jesús. La sagrada familia voló para salvar al niño de la masacre de los inocentes. Federico Barocci tradujo las difíciles creencias del cristianismo a formas comprensibles para la gente corriente. El pintor simplificó el tema del cuadro mostrando la rutina diaria de la familia. A pesar de ello, el lienzo está impregnado de símbolos cristianos. La cereza es un símbolo del sufrimiento de Cristo. Recuerda a los creyentes la peculiaridad de la vida del Hijo. El color rojo simboliza la sangre derramada por él por los pecados de la gente. La pureza de los colores con la fluidez de las líneas y el equilibrio entre lo humano y la naturaleza. Sin pretensiones ni patetismo religioso, las figuras no posan a propósito. Son gente corriente, y el cuadro es como una escena de su vida cotidiana.

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La Resurrección de LázaroHistoria completa

Girolamo Muziano

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La Resurrección de Lázaro muestra uno de los episodios clave de la Biblia, que demuestra la misericordia y el poder ilimitado de Cristo. Este lienzo es uno de los más significativos entre todas las escenas religiosas. En el cristianismo primitivo, a principios del siglo I, la resurrección de Lázaro hacía referencia a la resurrección de todos los muertos durante el Juicio Final y de Cristo tras la crucifixión. El milagro de la resurrección de Lázaro representa no sólo la resurrección de su cuerpo, sino también la renovación espiritual. El pintor representó con maestría las particularidades del medio, la profundidad y la altura de una tumba y las emociones en los rostros de los testigos presenciales. Lázaro, enterrado en la tumba, ha resucitado. Y todo el mundo habla sólo de él. En el cuadro, cada persona está representada en una perspectiva determinada, en movimiento. Esto es lo que hace que te sientas absorbido por un torbellino de acontecimientos. Cristo ocupa el centro de la composición. Su figura es luminosa y pintoresca. El cuerpo de Lázaro no es tan brillante como el de su salvador. Esto es lo que da a entender el episodio bíblico. Porque no es importante quién fue resucitado por el Hijo de Dios. Pero importa el milagro realizado por su bondad y compasión.

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Crucifixión de San PedroHistoria completa

Guido Reni

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La Crucifixión de San Pedro muestra la simetría con la que un pintor puede construir una composición. Este cuadro es un brillante ejemplo de cómo un pintor controla el medio y juega hábilmente con diferentes tonos de un mismo color. El cuadro muestra claramente el contraste entre los tonos de la piel de Pedro y sus verdugos. El color de sus pieles es el mismo, pero sus matices son diferentes. El cuerpo de Pedro está mortalmente pálido. Parece sin sangre y rígido ante el inevitable martirio. Tres verdugos están a punto de crucificar a Pedro. Mientras lo colocan en la cruz, se han calentado, y sus cuerpos se tiñen del tono de la cera amarilla. El pintor consiguió que las figuras fueran tridimensionales y asombrosamente realistas gracias al juego con la luz. La parte más luminosa está en el centro del lienzo. Es la figura de Pedro. La cruz apenas se ve, pero crea la línea central del cuadro y lo divide en partes simétricas. Mientras trabajaba en el cuadro, Guido Reni tomó como modelo el lienzo de Miguel Ángel da Caravaggio para la iglesia de S. Maria del Popolo. Reni consiguió representar magistralmente la escena y hacerla única. Por ejemplo, el cuadro original muestra el rostro de Pedro dibujado con dolor, y Reni, respetando el martirio del santo, optó por no mostrar su rostro.

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de La Última Comunión de San JerónimoHistoria completa

Domenichino

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El tema de La Última Comunión de San Jerónimo no era popular entre los pintores debido a su complejidad e inmensidad. El pintor utilizó colores limpios y brillantes que hacen que el soporte del cuadro parezca lleno de aire y luz. Las figuras representadas son realistas, y sus gestos y movimientos son lentos y precisos. Los discípulos se inclinan sobre un Jerónimo débil, delgado y de rostro delgado. San Girolamo le da la comunión y Santa Paola le besa la mano. Sus rostros son ordinarios, pero llenos de compasión y misericordia. Los discípulos de Jerónimo visten ricas y suntuosas ropas, y el mayor va ataviado con un manto escarlata. Un triste león descansa a sus pies. Se trata de un animal legendario de las historias sobre Jerónimo. Una vez que el anciano le había quitado una espina de la pata, la bestia le seguía a todas partes. Una vela arde detrás de Jerónimo como símbolo de su estilo de vida religioso y recluido. Y el alto arco de una iglesia enmarca el paisaje discernible y el cielo despejado dispuesto a llevarse el alma de Jerónimo.

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El martirio de san ErasmoHistoria completa

Nicolas Poussin

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Esta pintura se convirtió en un prototipo para retratar los martirios de los santos y sorprende por la descripción detallada de los sufrimientos humanos. Su éxito inmediato puede compararse al de las modernas exposiciones individuales de pintores famosos. El lienzo El martirio de san Erasmo fue el primer encargo que la basílica de San Pedro hizo a Poussin. Erasmo era obispo-marino y fue asesinado durante las persecuciones religiosas del año 303 d.C. Según la leyenda, los paganos, sus verdugos, obligaron a Erasmo a abjurar de su religión. Como protector de los marineros, el atributo de Erasmo era un cabrestante. Cuando se negó, le extrajeron los intestinos enrollándolos alrededor de su cabrestante. El pintor captó ese horrible momento. El rostro de Erasmo expresa dolor y sufrimiento, pero es tranquilo y humilde. La composición está llena de tensión, dramatismo y desesperación. Está llena de movimiento y dinamismo. Las figuras se agrupan en una plaza abierta. El pintor muestra con maestría el aire y la luz brillante que ilumina a las personas. Los cinco asesinos están furiosos, pero siguen haciendo profesionalmente su trabajo. Un sacerdote furioso se inclina sobre Erasmo y le indica la estatua de Hércules, héroe e ídolo de los paganos. Así, el sacerdote parece mostrar, lo que por Erasmo sufre. Los ángeles vuelan sobre él sosteniendo la palma y la corona de laurel, símbolos del martirio.

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El entierroHistoria completa

Michelangelo

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El Entierro de Cristo es el cuadro más monumental y notable de Miguel Ángel Caravaggio. Curiosamente, una pincelada bastante ordinaria y una escena tradicional no fueron bien acogidas por los contemporáneos de Caravaggio. Al ver el Entierro, muchos pintores y coleccionistas se indignaron. El cuadro está impregnado de tragedia humana y miseria sin fin, lo que no era propio de los cánones reconocidos del arte de la época. Se muestran seis figuras sobre un fondo oscuro. Podemos verlas dobladas y giradas. El tiempo parece haberse detenido. No hay gritos, ni lamentos, ni lágrimas. Pero el lienzo conserva claras huellas de duelo. Cada personaje encarna el intenso dolor de la despedida de Cristo. El ojo del espectador puede ver el rostro triste de María, que alza los brazos al cielo, María Magdalena que inclina la cabeza, la Virgen María que tiende silenciosamente el brazo. Mientras que el fariseo Nicodemo y Juan el Evangelista se esfuerzan por enterrar a Cristo, pero también se sienten abrumados por el mismo dolor. Es difícil para Juan y Nicodemo cargar con el cuerpo de Cristo, mortalmente pálido. Nicodemo siente las piernas vencidas por la pesadez. Parece mirar al espectador e intentar pasar su carga. En opinión de los expertos en arte, la figura de Nicodemo representa al mismísimo Miguel Ángel. A pesar del dolor y la tristeza, el lienzo alude al gozoso acontecimiento que se avecina, la Resurrección de Cristo. El cuadro es un símbolo de cómo Cristo, que se sacrificó por el bien de todos los hombres, vencerá a la Oscuridad.

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AngelesHistoria completa

Gian Lorenzo Bernini

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Los cuatro ángeles de Gian Bernini sirvieron de modelos preparatorios para las figuras de bronce de los ángeles de la Cátedra de San Pedro de la Basílica de San Pedro. El trono de bronce de la Cátedra estaba decorado con la silueta de los ángeles contra las nubes. Las esculturas de los ángeles están hechas sobre un armazón de hierro. Están hechas de arcilla mezclada con paja. Cada ángel encarnado en arcilla es excepcional y realista. Los querubines alados, con atuendos largos y elegantes, están representados a cámara lenta. La posición de la cabeza, los gestos faciales, las perspectivas, la posición de los brazos y las alas hacen que las figuras sean pintorescas y grandes. Los rostros de los ángeles están llenos de dinamismo. Los ángeles sonríen, observan y están dispuestos a volar en cualquier momento. El creador de los ángeles, el escultor italiano Gian Bernini, está considerado el fundador y principal maestro del barroco. En los círculos de arquitectos se le conoce sobre todo como creador de los ángeles. Sus obras decoran no sólo la Silla de San Pedro de la Basílica del mismo nombre, sino también un arco monumental el .

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El tríptico StefaneschiHistoria completa

Giotto di Bondone

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El tríptico Stefaneschi es un altar de madera pintado por ambas caras, que muestra escenas bíblicas. Estaba pintada por ambos lados, ya que debía ser vista tanto por el sacerdote como por los fieles. Las pinturas del tríptico parecen frescos y su estilo recuerda al arte bizantino. Las figuras de los santos están pintadas con colores limpios y brillantes sobre un fondo dorado. Esto produce un efecto de resplandor interior de la pintura. El pliegue delantero izquierdo del tríptico muestra la crucifixión de San Pedro. El pliegue delantero derecho representa la decapitación de San Pablo. En el centro aparece Cristo entronizado, levantando el brazo para bendecir y sosteniendo el Apocalipsis en la mano izquierda. La predela inferior muestra a la Virgen con el Niño, ángeles y apóstoles. En el reverso del panel está San Pedro. Sostiene las llaves del Reino de los Cielos en su mano izquierda. El cardenal Stefaneschi y el papa Celestino V se arrodillan ante él. Los paneles traseros muestran a cuatro apóstoles: Santiago, Pablo, Andrés y Juan Evangelista. Se han perdido dos paneles traseros del tríptico.

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Las historias de San NicolásHistoria completa

Gentile da Fabriano

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El panel Las historias de San Nicolás de Bari es la mejor obra del pintor italiano Gentile da Fabriano. En su trabajo utilizó colores vivos y limpios, supuestamente brillantes, y las figuras se muestran en movimiento. El panel demuestra el poder, la bondad y la misericordia de uno de los santos cristianos más destacados, San Nicolás. El primer tema del retablo es un nacimiento de Nicolás a finales del siglo III en la ciudad de Patara, actual Turquía. La segunda escena muestra cómo Nicolás se prodigaba en donar monedas de oro a muchachas pobres. Según la leyenda, un mercader arruinado no podía casar a sus tres hijas y optó por prostituirlas. Nicolás arrojó tres monederos llenos de monedas de oro para salvar a las muchachas de caer en el pecado. A partir de entonces se convirtió en el protector de las muchachas solteras. La tercera escena habla de cómo Nicolás resucitó a tres niños. Durante una terrible hambruna, un carnicero los sacrificó y colocó sus restos en un barril, y San Nicolás los resucitó. La cuarta escena representa el milagro realizado por San Nicolás tras su muerte. Unos viajeros iban por mar a venerar sus reliquias, pero las tormentas y las enfermedades les asolaban durante todo el tiempo. Nicolás se les apareció y les dijo que el demonio había escondido un barril de aceite santo en el barco. Ese era el problema. Si derramaban el aceite, llegarían al lugar de destino. Y eso sucedió.

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Los milagros de San Vicente FerrerLa Sala 5Historia completa

Ercole de Roberti

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Las escenas del cuadro Los milagros de San Vicente Ferrer están representadas con claridad y detalle. La imagen también se conoce como el Políptico Griffoni. Un políptico es un panel bajo de madera pintada colocado sobre el altar en las iglesias católicas del siglo XV. El panel está pintado en un magnífico estilo clásico del Renacimiento. El pintor utilizó tonos fuertes para representar figuras elevadas y serias. Sus ropas brillantes y fluidas están pintadas con detalle. De este modo, las figuras parecen etéreas y el cuadro parece un icono. La predela ilustra los Milagros de San Vicente Ferrer, santo español, al que se rendía culto comúnmente en . Los paneles del cuadro muestran los episodios que se suceden en rápida sucesión: la curación de la parturienta, la resurrección de un judío rico, la curación de un cojo, la salvación de un niño del incendio de una casa, la resurrección de un niño asesinado por su madre, que había perdido la razón.

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Platina Prefecto de la Biblioteca VaticanaHistoria completa

Melozzo da Forli

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El fresco Sixto IV nombra a Bartolomeo Platina Prefecto de la Biblioteca Vaticana ilustra el acontecimiento más importante para la Biblioteca Vaticana. Su valor reside no sólo en el hecho de que el acontecimiento histórico tuvo lugar, sino también en la exactitud del Vatical La arcada con pilastras, las columnas con molduras, un trono papal decorado con borlas y flecos dorados demuestran elocuentemente el esplendor de la arquitectura renacentista. El fresco muestra el nombramiento por Sixto IV del humanista italiano Bartolomeo Sacchi, llamado el Platina, como primer prefecto de la Biblioteca Apostólica Vaticana. Este acontecimiento histórico que tuvo lugar en 1475 está representado en el interior de la Biblioteca Vaticana. La composición del fresco es grande, y el medio es profundo y realista. El pintor hizo que las figuras vestidas con ricas ropas parecieran solemnes y plegadas a una luz vaga. Esta luz atenúa las sombras e ilumina los colores. Además del Papa y Platina, hay otros cuatro personajes. Platina se arrodilla ante Sixto IV. Señala con el dedo índice de su mano derecha una inscripción latina que exalta las empresas de Sixto IV en la ciudad. Sixto IV está en el trono. Es descendiente y amable, pero severo y serio. Se puede reconocer a los parientes de Sixto a su alrededor. A la derecha del Papa está su sobrino Raffaele Riario, delante de él está el futuro Julio II. Girolamo Riario y Giovanni della Rovere están detrás de Platina.

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Los ángeles músicosHistoria completa

Melozzo da Forli

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Los ángeles músicos es un destacado fresco religioso, que se convirtió en un hito. Se trata de una de las imágenes de ángeles más reconocibles. Además de su valor artístico absoluto, este fresco es una de las pocas obras que se conservan del pintor italiano Melozzo da Forlì. En el siglo XV el fresco representaba la orquesta de ángeles, glorificando a Dios, era un símbolo de la belleza del cielo para las almas que vivían allí. El pintor representó cada figura con todo detalle. Basta echar un vistazo a los ángeles para tener la sensación de que flotan en el aire. El fresco muestra a los ángeles tocando y glorificando la Ascensión de Cristo. En el fresco, cada figura está representada desde una perspectiva diferente. A pesar de la complejidad de las perspectivas, los ángeles son ligeros y refinados. Están representados según todas las reglas de la perspectiva. Sus movimientos son fluidos y gráciles. Un ángel tocando el laúd es uno de los fragmentos más famosos del fresco. Un ángel joven con laúd, en tres cuartos, encarna la armonía de la música divina. El fresco que muestra la orquesta de ángeles y la figura de Cristo formaba parte de la decoración del ábside de la iglesia de los SS. Apostoli.

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Virgen con el NiñoHistoria completa

Perugino

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El retablo de la Virgen con el Niño es una de las mejores imágenes de la Virgen, Cristo y los Santos, frecuentemente llamada La Santa Conversación. El lienzo está pintado de forma refinada y sencilla. Los colores vivos de los suntuosos atuendos armonizan con la arquitectura. Las principales características del cuadro de Pietro Perugino son la elevación del estilo, la luz y el aire. En el centro de la composición está la Virgen sentada en un suntuoso trono decorado con bajorrelieves antiguos. El Niño está de rodillas y los santos, a su lado. Sus vestidos y atuendos son ricos en símbolos que muestran la importancia de los santos para la Iglesia. Las figuras están enmarcadas por una magnífica arquitectura renacentista. Las figuras son realistas y grandes, sus rostros expresan el respeto a la Virgen María. A la izquierda, San Luis, arzobispo de Toulouse, con un báculo en la mano. A la derecha de la Virgen, San Lorenzo vestido de arcediano. Al fondo, San Ercolano y Santa Constanza. Son los protectores de la ciudad.

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La TransfiguraciónRoom VIII. 16th cent.Historia completa

Raphael

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La Transfiguración de Cristo es un acontecimiento clave en la Historia del Cristianismo. Y se representa en el lienzo como el punto crucial de la percepción del Hijo de Dios por la gente corriente. Rafael pintó el lienzo él solo, sin la participación de sus aprendices, y lo terminó justo antes de su muerte. Algunos historiadores suponen que había terminado de pintar la cabeza de Cristo pocas horas antes de su muerte. Esta es la prehistoria de la escena representada por Rafael. En primer lugar, Cristo pidió a los apóstoles Pedro, Santiago y Juan que fueran al monte Tabor, donde se transfiguró mostrando su divinidad. Al mismo tiempo, una voz del cielo dijo que era el Hijo único de Dios. Más tarde, el maestro y los apóstoles bajaron del monte y se encontraron con la gente, entre la que había un hombre y su hijo obsesionado. A continuación se desarrolla la escena del cuadro de Rafael. Moisés y Elías, los profetas del Antiguo Testamento, se sitúan a ambos lados de Cristo. Aparecen ante los presentes como símbolo de la unión del Antiguo y el Nuevo Testamento. Moisés es un hombre que transmitió al pueblo las leyes de Dios, y Elías es el profeta más grande, a través del cual la voz de Dios se dirigía al pueblo. Los emocionantes apóstoles cayeron al suelo, al darse cuenta del poder y la gloria del Hijo de Dios. Cristo es representado ligero como una pluma, irradiando gloria. El padre del niño obsesionado se quedó helado, esperando la curación de su hijo. Cristo regresa del monte y expulsa a los demonios. Los presentes están conmocionados, señalan a Cristo, sus rostros expresan excitación y profundas emociones. El cuadro muestra que sólo Cristo es capaz de curar el cuerpo y el alma humanos. Por eso la parte superior del lienzo parece iluminada con la luz que irradia su figura, y la parte inferior, donde están pintadas las personas, está oscura.

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Madonna de FolignoRoom VIII. 16th cent.Historia completa

Raphael

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El retablo de la Madonna de Foligno es una notable pintura del Alto Renacimiento. Sirve como la primera versión de la composición Madonna Sixtina y otro nombreMadonna in Glory. Rafael lo pintó por encargo. El secretario del papa, Sigismondo de' Conti, encargó el cuadro de la Madonna para expresarle su agradecimiento por haberle salvado. El día anterior su casa de Foligno había sido alcanzada por un rayo. Otras versiones de la historia sobre la caída de meteorito o proyectil durante el asedio de la ciudad. La historia del cuadro explica por qué los ojos del salvado Sigismondo están llenos de gratitud y obediencia. El secretario vestido con un manto escarlata está a la derecha. Detrás de él está vestido con un manto azul. A la izquierda están el Bautista y San Francisco de . Las figuras principales del cuadro la Virgen con , están sobre la nube. La Virgen está representada contra la gloria dorada, símbolo de su gloria divina, respondiendo a la mirada de Sigismondo. En el cielo está rodeada de ángeles apenas visibles. En el centro del cuadro hay un pequeño ángel que sostiene una placa. No se conserva ninguna inscripción, pero los historiadores creen que allí estaban las palabras de agradecimiento hacia la Virgen por haber salvado en nombre de Sigismondo. Las figuras se representan sobre el paisaje urbano de Foligno. Los expertos en arte suponen que el paisaje urbano fue pintado por su ayudante, Giovanni Luteri.

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Lamentación por Cristo muertoRoom IX. 15th-16th cent.Historia completa

Giovanni Bellini

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El Lamento sobre Cristo muerto era el elemento del altar mayor de la iglesia de San Francisco. El pintoresco cuadro muestra una famosa historia bíblica después de que el cuerpo de Cristo fuera retirado de la cruz. El pintor veneciano Giovanni Bellini vivió en la época del Alto Renacimiento. Fue uno de los primeros de sus contemporáneos que empezó a utilizar la pintura al óleo. Por eso el cuadro es tan vistoso, contrastado y lleno de colores vibrantes. Los expertos en arte afirman que el pintor la creó utilizando su estilo individual. Así lo demuestra el intento de expresar las emociones y sentimientos de las figuras representadas. El amor incondicional a Cristo expresado por sus seguidores y su misericordia hacia las personas es un mensaje clave del cuadro. El rostro de Cristo expresa la profunda fatiga como consecuencia de los sufrimientos. María Magdalena, Nicodemo y José de Arimatea se reúnen en torno al cuerpo de Cristo muerto. Su tristeza y dolor se suavizan al ver el gran sacrificio de Cristo por el bien de los hombres. José de Arimatea apoya cuidadosamente el cuerpo de Cristo, María Magdalena unge su palma con mirra, sosteniéndola en la mano. Nicodemo sostiene un recipiente que contiene la preciosa mirra.

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San JerónimoRoom IX. 15th-16th cent.Historia completa

Leonardo da Vinci

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El cuadro San Jerónimo está dibujado en un trozo de madera a modo de boceto y coloreado fragmentariamente. La obra fue encargada por la iglesia de Florencia, pero nunca se terminó. Su historia es bastante interesante. Se encontró por primera vez en el siglo XVIII entre las obras expuestas de la pintora Angelica Kauffmann. Después de su muerte la pintura se perdió y al azar fue encontrado muchos años tarder. Pero durante ese periodo se dividió en dos partes. La parte inferior servía de tapa de una caja en una chamarilería. La superior era la cubierta de un taburete utilizado por un zapatero. Según las leyendas, San Jerónimo se hizo ermitaño para traducir la Biblia al latín. Curiosamente, Leonardo no representó a Jerónimo como un científico, sino como un anciano desesperado y hambriento. Un Jerónimo delgado, casi exhausto, reza pidiendo perdón. Se le representa de rodillas en medio de acantilados, en el desierto de Calcis. Vemos a Jerónimo preparándose para golpearse el pecho con una piedra en la mano derecha. Un león descansa a sus pies. Según la leyenda, el anciano le extrajo una espina de la pata. Entonces el león se encariñó con su salvador y le siguió a todas partes.

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Adoración del MagiHistoria completa

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La Adoración de los Magos muestra una de las escenas más famosas del Nuevo Testamento. A pesar de la gran solemnidad de la escena, el cuadro es sombrío. Parece estar cubierto por la niebla o el crepúsculo. Los personajes tienen un aspecto un poco sombrío, pero al mismo tiempo alegre y emocionado. A pesar de la oscuridad, el pintor se centra en la parte central del lienzo. La acción es muy dinámica. El pintor las figuras en movimiento, ellos sus ojos en el recién nacido, el Hijo de Dios, que se encuentra en el centro de la composición. El Niño con calma y favorablemente Este es un emocional de la pinturaidea y sentido antes de que el Hijo de Dios, y él acepta no sólo sus dones, sino también la devoción de corazón. Los que acudieron a adorar al Niño vestían ropas caras y suntuosas. Sus mantos contrastan con el vestido ordinario e informal de la Virgen María. Este es un brillante ejemplo cuando los bienes terrenales y las riquezas incalculables pierden completamente su significado ante lo Divino.

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La Coronación de MarsuppiniLa Sala 3Historia completa

Filippo Lippi

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El altar pintado La Coronación de Marsuppini fue creado para la capilla de San Bernardo, en la italiana Arezzo. El altar es único por una interesante interpretación de la coronación de la Virgen María. El pintor dividió la composición en tres partes iguales para resaltar la importancia de la escena central. A pesar de la división, su tema y su idea forman un todo. El valor artístico del altar reside en la increíble limpieza de los tonos utilizados por el pintor. El brillo y el resplandor de los colores revelan la solemnidad, la alteza y la espiritualidad de las figuras representadas. Este estilo es propio de los lienzos religiosos renacentistas. La coronación de María es el tema principal del cuadro. Esta escena se representa en la parte central. La Reina del Cielo, subida al cielo, junta las manos en oración y se arrodilla a los pies de Cristo. Él puso la corona sobre la cabeza de María. Se les representa sobre un estrado de mármol con escalones. Detrás de Cristo hay una pared con un nicho en forma de concha. Es el símbolo de la Virgen María y del milagro de la Resurrección. En las partes izquierda y derecha del tríptico hay ángeles y santos. Curiosamente, el canciller de la , Carlo Marsuppini, que encargó el tríptico, y su padre Gregorio están representados a su lado.

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Madonna de la fajaLa Sala 3Historia completa

Benozzo Gozzoli

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La Virgen de la Faja es un brillante ejemplo de iconografía, famosa por la escena más conocida de la Virgen. Según la Biblia, el apóstol Tomás no estuvo en la muerte, sepultura y asunción de la Virgen María, por lo que no creyó en ella. La Virgen descendió del cielo y entregó la faja de su vestido como prueba de la veracidad del suceso. Desde entonces, la faja se ha convertido en una reliquia sagrada. Hoy en día, las partes de la faja se conservan en los monasterios de todo el mundo. El pintor glorifica el momento de la entrega de la faja. Realiza su alabanza utilizando un estilo pictórico lírico y tranquilo. Las figuras son plásticas y están pintadas con colores vivos, semitransparentes y brillantes. El fondo dorado y brillante está por todas partes, acentuando la dignidad de la escena. La Virgen María está en la nube. Está rodeada de ángeles, y Santo Tomás, conmocionado, acepta el cinturón de sus manos. En la predela se ilustran seis acontecimientos clave de la vida de la Virgen. Se trata del Nacimiento, el Matrimonio con José, la Anunciación, el Nacimiento de Cristo, la Circuncisión de Jesús y la Muerte de la Virgen.

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Las historias de San NicolásLa Sala 3Historia completa

Fra Angelico

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El retablo Las historias de San Nicolás de Bari destaca por una estructura especial de la composición y el estilo de la pintura. Las escenas representadas están impregnadas de luz, son brillantes y coloridas. Las figuras no son tan realistas como pintorescas. Están pintadas al estilo tradicional de la pintura medieval, por lo que son especialmente nobles. Con la superficie limitada, el pintor consiguió crear el medio profundo, incluyendo el primer plano, el plano medio y el fondo. A la izquierda de la portada hay un nacimiento de Nicolás, en el centro está Nicolás escuchando atentamente una invocación del sacerdote, y a la derecha está el regalo a las tres niñas pobres. Esta es una de las buenas acciones más conocidas de Nicolás. Según la leyenda, Nicolás se enteró de que un pobre hombre había decidido ganar dinero prostituyendo a sus hijas. Por la noche, Nicolás llevaba en secreto un monedero lleno de monedas para las chicas, de modo que la familia no necesitara dinero. En el reverso del cuadro se representan dos episodios. El primero muestra cómo Nicolás recibe del correo imperial un cargamento de grano para la hambrienta ciudad de Myra. El segundo episodio muestra cómo San Nicolás salvó milagrosamente un barco del naufragio.

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Retrato de Jorge IV de InglaterraHistoria completa

Thomas Lawrence

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El retrato del Príncipe Regente, el futuro rey de Inglaterra Jorge IV, es un brillante ejemplo del arte de la Regencia y uno de los más destacados de cuerpo entero del monarca. La regencia era un fenómeno bastante extendido en , cuando una persona autorizada designaba para gobernar el país al monarca un menor o . El príncipe Jorge IV fue un regente así. Le gustaba un estilo de vida disoluto con juegos de azar, mujeres y vino. Su extravagancia se convirtió en un símbolo y un rasgo distintivo de la Era de la Regencia. Una broma histórica dice que tuvo que utilizar la corona prestada por un joyero. Debido a sus enormes deudas, supuestamente no pudo comprarla. Pero incluso después de su ascenso al trono, Jorge IV no se ganó el afecto de sus . Se convirtió en el gobernante más impopular del reino y objeto de sátira. No está claro por qué De hecho, no sólo era un dandi, sino también un benefactor muy generoso que apoyaba a los pintores. El retrato histórico de Jorge IV pintado de una manera especial del Arte de la Regencia. Esta técnica se caracteriza por la mezcla de diferentes estilos el estilo Imperio, y la pintura Inglés. El retrato del rey es brillante, pintoresco y colorista. Los suntuosos ropajes de Jorge están decorados con las insignias de las más altas órdenes de caballería, ligas y ricas borlas. El rey junto a una mesa que le regaló el rey de Francia Luis XVIII. Sobre la mesa está su corona y una carta del Papa Pío VII.

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El Retrato de Benedicto 14Historia completa

Giuseppe Maria Crespi

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El Retrato de Benedicto XIV, el cuadro que representa al cardenal Próspero Lambertini, está lleno de grandeza teatral y aduladora. Al crear el cuadro, el pintor empleó el estilo de artistas italianos y formó su propia manera de pintar. En la búsqueda de un estilo propio, Crespi contribuyó al desarrollo de la pintura italiana aportando originalidad, novedad y nuevas perspectivas. Eso es lo que esta pintura - nuevas tendencias en la pintura del siglo 18. El Retrato de Benedicto XIV, conocido como Cardenal Próspero Lambertini, fue encargado oficialmente por éste en 1739. Al cabo de un año, el cardenal fue elegido , por lo que se pidió al pintor que modificara el retrato. La revisión de los expertos reveló las diferentes etapas de la composición hasta su versión final. El pintor aumentó considerablemente el tamaño de la figura del Papa, cambió su atuendo y añadió la tiara papal como atributos del poder papal y de la importancia excepcional del personaje. De hecho, el Papa Benedicto XIV no tuvo ninguna influencia especial en la Iglesia católica y no destacó por sus buenas obras ni por sus planteamientos progresistas. El retrato encargado fue más bien un intento de parecer más influyente y significativo de lo que era.

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Retrato de Pio 6Historia completa

Pompeo Batoni

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El retrato de Pío VI es uno de los pocos retratos del clero prominente como hombre corriente. Tras su elección como pontífice en 1775, Pío VI contactó con Pompeo Batoni y le encargó un retrato. Muchos personajes poderosos XVIII quisieron ser retratados por Batoni. Parece que el hecho está en su ligereza y naturalidad para representar a sus personajes. Por ejemplo, la imagen del Papa está desprovista de arrogancia, patetismo barroco y pomposidad. Y eso lo hace muy real. La composición del lienzo es bastante sencilla. Vemos al Papa Pío VI serio, pero tranquilo, sabio, humilde e inteligente. Se le ve en un sillón tapizado de terciopelo, sosteniendo una hoja de papel en la mano izquierda. Sólo lleva un anillo con una pequeña joya en el dedo. Es probable que el Papa esté absorto en sus pensamientos, y los suyos en un objeto en primer plano. Este retrato informal de Pío VI, convertido en oficial, revela sin palabras que el valor de una persona no viene determinado por la magnificencia y el esplendor de sus joyas, sino por sus rasgos, sus logros y su piedad.

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Retrato de Clemente IXHistoria completa

Carlo Maratta

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Retrato de Clemente IX es el mejor y más glamuroso retrato de Carlo Maratta. Antes de su elección como pontífice, Clemente IX se llamaba Giulio Rospigliosi. Fue un intelectual culto y muy leído. Estudió filosofía y teología, escribió prosa y libretos para óperas. Estos son los rasgos de una persona refinada e inteligente que el pintor representó hábilmente. El rostro de Clemente está rígido, es evidente que está un poco cansado, pero su ingenio no duerme, y sus ojos se centran en el espectador. Parece inspeccionar algo o esperar algo. Clemente sostiene un libro en la mano derecha, puede que sea la Sagrada Escritura. Lleva un vestido llamativo, pero no demasiado rico. La suave luz ilumina la figura de Clemente como si estuviera sentado en la parte iluminada de la habitación. El Retrato de Clemente IX está compuesto por vibrantes colores nobles de marrón oscuro, dorado, blanco y tonos rosados. Estas son las características del arte barroco, su moderado esplendor y solemnidad.

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El milagro de Santa Turibiya de LimaHistoria completa

Sebastiano Conca

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El pintor ilustra uno de los dos milagros realizados, según las leyendas, por el arzobispo limeño Turibiy, canonizado en el siglo XVIII. Los siguientes acontecimientos precedieron al milagro representado en el cuadro. Turibiy estaba sirviendo cuando oyó gritos. Los sedientos gritaban que el río se había secado, que no tenían agua potable y que se veían obligados a abandonar sus tierras en busca de cualquier fuente de agua. San Turibiy terminó el servicio y se acercó al lecho seco del río. Golpeó la roca tres veces con su bastón, y el río se llenó de agua formando la cruz. El cuadro muestra el momento en que el cauce del río se llenaba milagrosamente. La gente que rodea al Santo está conmocionada por el milagro. No sólo la gente, sino también los animales, se quedaron helados al ver lo rápido que el agua llenaba el cauce del río.

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Adán y Eva en el Jardín de EdenHistoria completa

Wenzel Peter

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Peter Wenzel pintaba a menudo pájaros y animales, por eso el estilo del cuadro Adán y Eva en el Jardín del Edén difiere de las pinturas religiosas por su ligereza y luminosidad. Este es un ejemplo de pintura laica brillante y realista en colores cálidos. El cuadro no se parece en nada a los lienzos iconográficos del Renacimiento. El pintor muestra hábilmente la ligereza del medio, una ligera neblina en el horizonte y alrededor de Adán y Eva. Adán y Eva están representados en el centro de la composición, rodeados de casi doscientos pájaros y animales. La luz ilumina sus figuras. Esta técnica permite comprender que el objetivo del lienzo es mostrar al primer hombre y la primera mujer. Los movimientos de Adán y Eva están magistralmente representados, con realismo y precisión anatómica. Debido a su vivacidad, el lienzo se vuelve dinámico y expresivo. El Jardín del Edén se extiende alrededor de Adán y Eva. Hay mucha fruta madura, flores fragantes y árboles frondosos. Las montañas se ven a lo lejos, el río fluye cerca, y en primer plano hay un jardín, un espeso bosque, grandes rosas y la riqueza de especies de plantas. Este cuadro es un símbolo de la armonía, la paz y la alegría que reinan en el paraíso creado por Dios.

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El Retablo de San Antonio AbadHistoria completa

Antonio Vivarini

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El Retablo de San Antonio Abad, Piedad y Santos es un ejemplo de pintura luminosa, en la que los temas religiosos se mezclan magistralmente con los profanos. San Antonio es llamado el fundador del monacato solitario. Fue el primero que organizó la vida de los monjes ascetas en ermitas separadas, donde guardaban ayuno y rezaban. El retablo está pintado sobre tabla y recuerda a un grupo de iconos. La abundancia de oro y colores brillantes hace que el cuadro parezca un lienzo renacentista. El estilo de la pintura es solemne y elevado. En el centro está San Antonio, un anciano barbudo con el pelo blanco que lleva una capa oscura de monje y tocado. Sostiene una vara y está rodeado por ocho santos. Encima de la imagen de Antonio está la Piedad, Cristo con las llagas en las palmas de las manos y en el pecho. Curiosamente, cada santo posee un símbolo o atributo específico. En la parte superior izquierda aparece un cardenal vestido con un libro y una maqueta de iglesia en las manos. En el extremo derecho del cuadro tiene dos manzanas y una espada en las manos. Y en la mano derecha de Antonio está San Cristóbal llevando al Niño Jesús.

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La PiedadHistoria completa

Carlo Crivelli

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La Piedad es un tema religioso brillantemente expresado en gótico. La Piedad formaba parte de la parte superior de un políptico y fue adquirida en 1831 por Pío VII en la región de Las Marcas. El cuadro parece una ilustración magnífica y excesivamente decorativa del episodio bíblico. Se aprecian rasgos góticos y renacentistas. El estilo de la pintura revela que Carlo Crivelli no pintaba lienzos profanos, sino que tenía una vívida imaginación y sentido del color. El lienzo está mágicamente equilibrado en colores. ¡Cómo brillan y resplandecen las ropas de fiesta en el cuadro! El fondo es una gran parte separada de la obra del pintor. Incluye una gran cantidad de imágenes simbólicas de ángeles, motivos de alfombras cuidadosamente representados, alteza y delicadeza. La Piedad presenta detalles dorados y la delicadeza de los personajes, propia de los lienzos góticos. El cuadro muestra a Cristo bajado de la cruz y a Juan el Evangelista, José de Arimatea y María Magdalena, llorando por él. Sus rostros están rígidos, con un dolor, una tristeza y un dramatismo ligeramente teatrales. Parece que se trata de figuras de madera o de actores que actúan en una obra de teatro.

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Martirio de San Pietro ArbuesHistoria completa

Bartolome Esteban Murillo

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El cuadro muestra el asesinato de uno de los inquisidores españoles más crueles de la Baja Edad Media, Pedro de Arbués. Antes de ser inquisidor, Arbués había sido profesor de estudios filosóficos, doctor en teología y sacerdote. Daba sermones y se ocupaba de los pobres. Pero tras su nombramiento como inquisidor del reino de Aragón, Arbués quemó en la hoguera a miles de herejes: Judíos y moriscos. Debido a su crueldad, se organizó una conspiración secreta contra él. Según el plan, él y otros inquisidores debían ser asesinados. Por la noche, cuando Arbués estaba arrodillado y rezando ante el altar, los asesinos le atacaron e hirieron gravemente. La Iglesia Católica canonizó oficial y póstumamente a Pedro de Arbués declarándolo mártir y hombre santo. El lienzo fue pintado para su canonización, casi 200 años después del asesinato de Arbués. El lienzo capta el momento en que el Inquisidor estaba a punto de ser apuñalado. A pesar del ángel que vuela sobre él y sus asesinos, el cuadro está impregnado de pesadumbre. Los movimientos de los asesinos son certeros y rápidos. El pintor muestra el momento en que el puñal se cierne sobre la perdición de Arbués. En una fracción de segundo la punta del puñal se clavó en el corazón del Inquisidor.

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La Virgen y el NiñoHistoria completa

Sassoferrato

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La Virgen y el Niño con ángeles es una de las obras barrocas más notables. A pesar de su temática religiosa, está impregnada de la ligereza y el brillo de la pintura profana. El pintor es famoso por sus escenas. El estilo artístico del pintor está claramente influido por su contemporáneo Rafael. El cuadro revela rasgos clásicos del estilo barroco: ligereza y sencillez de la composición, delicadeza y suavidad de las figuras representadas, naturalidad y sencillez de sus rostros. Curiosamente, hay pocos cuadros que muestren el rostro de la Virgen tan tierno, joven, ligero, amable, casi infantil. Su aspecto muestra que está lejos, en pensamientos agradables y dulces. El pintor pintó escrupulosamente todos los detalles. Los volantes de la Virgen , un filete con un lazo en la cabeza, las cuentas, las espléndidas nubes parecen realistas. La aureola que rodea la cabeza subraya su grandeza y excepcional significado.

Texto original del autor, conservado sin modificaciones.

05La Sala Sobieski1 · de las piezas expuestas
El rey Sobieski liberando VienaFragmento de la historia

Jan Matejko

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Una vez decorada y abierta, esta habitación se convirtió en una de las estancias del Apartamento Papal del Papa Pío V. El nombre de la habitación procede del lienzo que cuelga de la pared norte. El cuadro "El rey Sobieski liberando Viena" fue creado por el pintor polaco Jan Matejko.

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06La Sala de la Inmaculada Concepción2 · de las piezas expuestas
Proclamación del dogmaFragmento de la historia

Francesco Podesti

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La Inmaculada Concepción proclama que la Virgen María fue elegida inicialmente para ser la Madre del Hijo de Dios. Por eso estaba libre del pecado original y no lo heredó en la concepción. A mediados del siglo XIX, el Papa Pío IX proclamó dogma la Inmaculada Concepción. Para conmemorar este acontecimiento, el pontífice decidió abrir una sala homónima y decorarla con frescos para mostrar el respeto de la gracia y la bendición de la Virgen María.

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Esta historia en la ruta
LibreríaFragmento de la historia

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La estantería contiene la traducción de la Bula Papal medieval. Este documento es un código de dogmas y reglas, basado en los discursos, alocuciones y declaraciones papales.

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07Braccio Nuovo3 · de las piezas expuestas
Agosto Prima PortaFragmento de la historia

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Augusto de Prima Porta es el primer gobernante romano que se convirtió en un emperador severo y autocrático. Según los historiadores, esta estatua se diferencia principalmente de otras imágenes del emperador Augusto por su parecido con un retrato. Se representa a un joven Octavio Augusto como comandante pronunciando un inspirador discurso en el Foro. Ante él se encuentran diez mil personas, a las que Octavio intenta persuadir para que inicien las hostilidades contra su adversario político Antonio.

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NiloFragmento de la historia

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La estatua del Nilo, antiguo dios de los ríos, representa el poder vivificador del antiguo río del mismo nombre. El codo izquierdo del Nilo descansa sobre la esfinge, símbolo de Egipto. Sobre su cabeza hay una corona de loto y espigas de trigo, y su mano sostiene un cuerno de la abundancia, lleno de frutos y flores. Estas alegorías dicen que todo Egipto es un gran regalo del Nilo.

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Los pavosFragmento de la historia

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En la cultura romana, el pavo real simboliza la inmortalidad, la ascensión del alma y la infinitud del mundo. Por eso sus estatuas rodeaban la tumba, cerca del Mausoleo de Adriano. Los pavos reales representan la idea del mausoleo, que significa conceder la inmortalidad al alma de Adriano.

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08Museo Chiaramonti5 · de las piezas expuestas
ErosFragmento de la historia

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La escultura de Eros representa el culto al dios griego del amor, venerado hace dos mil quinientos años. La imagen de Eros es importante para la cosmovisión de los antiguos griegos. Las estatuas de Eros, junto a las de Hermes y Hércules, se encontraban a menudo en los gimnasios griegos para niños. Los alumnos-atletas debían ser como el apuesto dios Eros.

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CiceroFragmento de la historia

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Marco Tulio Cicerón (106 - 43 a.C.) fue un orador, filósofo y político romano. La estatua de Cicerón representa la grandeza del filósofo y su austeridad, terrenalidad y modestia. Es un ejemplo de persona que se labró una reputación y una carrera de éxito gracias a su talento, disciplina y paciencia. El filósofo estaba seguro de que sólo la educación y la ciencia desarrollaban la personalidad.

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GanymedeFragmento de la historia

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La figura de Ganímedes representa la aspiración del alma humana por Dios y simboliza su igual valor con lo Divino. El grupo Ganímedes se creó a partir de la historia del poema griego Metamorfosis, escrito por Publio Ovidio Naso.

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OdysseusFragmento de la historia

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En el siglo XII, Odiseo superó fácilmente la popularidad de algunos dioses al encarnar los rasgos de un valiente viajero, marido fiel y marinero experimentado. Es la primera imagen de un héroe romántico que partió a la guerra y regresó con su bella dama. La imagen de Odiseo se relaciona con la época en que los griegos viajaban por mar durante muchos años, perdiendo el contacto con sus parientes. Es tan importante que se utiliza la palabra "Odisea" para describir un largo y peligroso viaje por mar plagado de penalidades.

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AugustFragmento de la historia

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Un retrato en mármol de Octavio Augusto es un homenaje al emperador, defensor de la institución de la monarquía en el imperio romano. Durante el reinado de Octavio, el culto imperial surgió principalmente en Roma. Prueba de ello es que uno de los meses pasó a llamarse agosto.

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09La Galerí ade los Mapas3 · de las piezas expuestas
El mapa de SiciliaFragmento de la historia

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La antigua ItaliaFragmento de la historia

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Cerca de la entrada a la Galería se encuentra el mapa "La antigua Italia".

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Italia modernaFragmento de la historia

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10Apartamentos Pius 51 · de las piezas expuestas
Última CenaFragmento de la historia

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La Última Cena es una escena de la Biblia que no necesita presentación. Esta es la última comida de la vida mortal de Jesucristo. Reunió a sus doce discípulos.

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11Galería de tapices4 · de las piezas expuestas
ResurrecciónFragmento de la historia

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En cualquier lugar de la sala en que se sitúe el espectador, se sorprenderá al descubrir que Cristo parece dar un paso al frente. Esto es lo que hace que este tapiz sea tan singular. La peculiaridad es su "perspectiva móvil", basada en cálculos matemáticos.

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El Asesinato de Julio CaesarFragmento de la historia

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En el año 44 a.C., el emperador romano César fue apuñalado en la cámara del Senado. El tapiz muestra el momento en que cuatro asesinos atacan a César. Al mismo tiempo, los senadores presentes, conscientes del inminente asesinato, no interfieren y buscan otros caminos. Según la historia, unas 80 personas sabían de la conspiración.

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La conversión del centurión CornelioFragmento de la historia

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En el primer plano del tapiz aparece el centurión romano Cornelio convirtiéndose al cristianismo. Un militar justo y bondadoso se convirtió en el primer pagano que aceptó a Cristo.

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Adoración del MagiFragmento de la historia

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En el centro de la composición está la Sagrada Familia con el Niño Jesús. Los Magos, es decir, los sabios orientales, recorrieron una larga distancia desde Oriente para traer regalos para el Hijo de Dios. El oro, el incienso y la mirra simbolizan que el recién nacido Jesús fue reconocido y adorado como rey.

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12Las Stanze de Rafael20 · de las piezas expuestas
Bautizo de ConstantinoLa Sala de ConstantinoFragmento de la historia

Gianfrancesco Penni

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Constantino el Grande fue un emperador romano que proclamó el cristianismo religión principal de la Antigua Roma y trasladó la capital del imperio a Constantinopla. A pesar de su grandeza y poderío como gobernante, Constantino se arrodilla obedientemente ante el pontífice.

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Batalla de Constantino contra MajencioLa Sala de ConstantinoFragmento de la historia

Giulio Romano

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El Puente Milvio estaba situado cerca de Roma, en la costa adriática. Allí, en el año 312, tuvo lugar la batalla entre Majencio y Constantino. Ambos luchaban por el poder absoluto en el oeste del Imperio Romano. Esta batalla fue un hito en la transformación de Roma en imperio cristiano. Este lienzo se caracteriza por el máximo nivel de inmensidad, solemnidad y epicismo típico de la obra de Rafael.

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Donación de RomaLa Sala de ConstantinoFragmento de la historia

Giulio Romano

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El emperador Constantino entrega al papa Silvestre un símbolo del poder estatal, la estatua dorada de la diosa de Roma. Este acto tuvo lugar en la Basílica de San Pedro, que fue destruida posteriormente. Hay una larga prehistoria. Constantino no da el símbolo del poder supremo por nada, sino por la curación. Una vez que el emperador tenía lepra, y los sacerdotes paganos le propuso una cura para la enfermedad. Para ello, necesitaba matar a unas decenas de infantes en un templo pagano y bañarse en su sangre.

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Triunfo de la religión cristianaLa Sala de ConstantinoFragmento de la historia

Tommaso Laureti

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El techo ilustra la grandeza de la religión cristiana representada en la pintura. El techo de madera está pintado con muchos frescos. Pero el triunfo de la religión cristiana sobre el paganismo se representa en el centro del techo.

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Vision de la cruzLa Sala de ConstantinoFragmento de la historia

Giulio Romano

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El beligerante Majencio provocó una guerra con el leal Constantino, en el transcurso de la cual tuvo lugar la batalla del Puente Milvio en 312. Es allí donde Constantino pidió ayuda al Dios en la víspera de la batalla al ver la superioridad de las fuerzas hostiles.

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Encuentro de Leo el Gran con AttilaLa Sala de HeliodoroFragmento de la historia

Raphael

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Según la leyenda, el Papa León I frenó el avance de las tropas hunas dirigidas por el conquistador Atila en su camino hacia Roma. León I, vestido con un rico atuendo, montado en un caballo blanco y rodeado de cardenales, se presentó ante Atila.

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Expulsión de Heliodoro del temploLa Sala de HeliodoroFragmento de la historia

Raphael

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El romano Heliodoro recibe la orden de Seleuco IV Filopator, rey de Siria, de apoderarse del tesoro reservado a las viudas y huérfanos pobres y conservado en el Templo de Jerusalén. Pero Heliodoro fue capturado. Entonces el Dios lo castigó apareciéndose como ángel con armadura dorada a caballo. El fresco simboliza la victoria del Papa Julio II sobre el ejército francés y su retirada de los Estados de la Iglesia, en la Italia central.

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Liberación de San PedroLa Sala de HeliodoroFragmento de la historia

Raphael

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San Pedro fue encarcelado por orden de Herodes. Un ángel disfrazado de niño se presentó ante Pedro y lo liberó. La prisión parece dividirse en tres secciones, según el concepto y el tema.

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Misa de BolsenaLa Sala de HeliodoroFragmento de la historia

Raphael

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La Misa de Bolsena ilustra un episodio en el que el sacerdote dubitativo aceptó a Dios por verdadera fe. Según los expertos en arte, el acontecimiento tuvo lugar en el siglo XIII. Una vez un sacerdote que daba la comunión dudó de la ofrenda pan y vino se transformaron en el cuerpo y la sangre de Cristo. Y en ese momento cinco hilos de sangre corrieron de los santos sacramentos.

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Techo de HeliodoroLa Sala de HeliodoroFragmento de la historia

Raphael

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Esta sala se utilizaba para audiencias privadas, reuniones y conversaciones, a las que el Papa Julio II invitaba a los principales representantes políticos y religiosos. Por eso la decoración debe ser ideal y crear un ambiente especial y servir a su propósito.

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Virtudes cardenales y teologales y la leyHabitación de la SegnaturaFragmento de la historia

Raphael

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Las Virtudes Teologales es un cuadro alegórico que representa la figura de la Justicia. El cuadro muestra los episodios que relatan las etapas de la instauración del Derecho y su historia.

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Disputa sobre el Santísimo SacramentoHabitación de la SegnaturaFragmento de la historia

Raphael

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El fresco muestra una extensa discusión sobre la tradición más importante de la liturgia: el sacramento de la comunión. Pero es más probable que se trate de una forma utilizada por Rafael para transmitir el mensaje principal de la obra de arte. En primer lugar, este fresco es para glorificar el cristianismo. Es un himno específico a la Iglesia. Es una imagen colectiva del cristianismo como religión, de sus símbolos, dogmas y leyes.

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La Escuela de AtenasHabitación de la SegnaturaHistoria completa

Raphael

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La Escuela de Atenas es la obra maestra más famosa de Rafael. Entre las numerosas obras de arte del Renacimiento, es unánimemente reconocida como la mejor. En el centro están los grandes pensadores Aristóteles y Platón. Platón lleva una capa roja y se parece a Leonardo da Vinci. Levanta las manos. Hace referencia a su visión y puntos de vista científicos, según los cuales las ideas se desarrollan en el cielo. Aristóteles, vestido de azul, señala hacia abajo, afirmando que las ideas están inextricablemente unidas a la vida terrestre. El fresco muestra a los grandes pensadores del pasado: Sócrates flanqueado por Platón y Diógenes tumbado en la escalera. En primer plano, al fondo, está Pitágoras rodeado de alumnos. El pensativo Heráclito está en el centro, Euclides con una brújula en la mano está flanqueado por Zoroastro y Ptolomeo hablando con sus alumnos. Rafael coloca magistralmente a unos cincuenta personajes en el fresco, prestando la debida atención a cada figura y otorgando papeles considerables a todas ellas. Además, dispone a sus personajes siguiendo la lógica, pero conservando sus características individuales. Se dice que Miguel Ángel visitó la sala de los frescos y se reconoció en el retrato de Heráclito. Estaba muy satisfecho de que Rafael le retratara lejos de la multitud de charlatanes disputones.

Texto original del autor, conservado sin modificaciones.

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Elmonte ParnasoHabitación de la SegnaturaFragmento de la historia

Raphael

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Una arboleda bastante verde en el monte Parnaso y la despreocupada sociedad secular representada en el fresco representan una armoniosa combinación de lo humano, la naturaleza y el arte de la poesía. El monte Parnaso, donde habitan Apolo y las musas, ocupa el lugar central del fresco. Es un símbolo de la poesía mundial. Es el monte Parnaso donde comienza su viaje la Primavera Castaliana, fuente de inspiración de los más grandes poetas de todos los tiempos.

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Techo de la Sala de SegnaturaHabitación de la SegnaturaFragmento de la historia

Raphael

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El techo decorado está dividido en cuatro secciones. Cada una de ellas está dedicada a los aspectos de la sabiduría: Filosofía, Teología, Justicia y Poesía. El propio Papa Julio II eligió estas cuatro disciplinas.

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Batalla de OstiaEl incendio de la sala de BorgoFragmento de la historia

Raphael

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El fresco muestra la batalla naval cerca del puerto de Ostia, a orillas del río Tíber. La batalla tuvo lugar a mediados del siglo IX. La flota musulmana atacó a la cristiana.

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Coronación de CharlemagneEl incendio de la sala de BorgoFragmento de la historia

Raphael

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En el año 800, el Papa León III coronó solemnemente a Carlomagno en la iglesia de San Pedro de Roma. Más tarde, el emperador Carlos pasó a la historia como uno de los estadistas más poderosos del mundo. De hecho, no se trataba sólo de un acto tradicional de coronación, sino de un sello simbólico específico de un acuerdo amistoso entre el Vaticano y Francia.

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Techo Rooom del Incendio en el BorgoEl incendio de la sala de BorgoFragmento de la historia

Perugino

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El Papa Julio II encargó a Pietro Perugino, maestro de Rafael, que pintara el techo.

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Ustificación de Leo 3El incendio de la sala de BorgoFragmento de la historia

Raphael

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El Juramento de León III o Justificación de León III es la última cuarta obra de arte de las Estancias de Rafael. Linda con los frescos El incendio del Borgo, La coronación de Carlomagno, La batalla de Ostia. Algunos historiadores afirman que Rafael confió el trabajo del cuadro a sus aprendices, y que sólo se implicó en la pintura de elementos concretos.

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Incendio en el BorgoEl incendio de la sala de BorgoHistoria completa

Raphael

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Borgo es un territorio adyacente al Palacio de los Papas en el Vaticano. En 847 se produjo un gran incendio. Los esfuerzos por sofocar las llamas sólo tuvieron éxito cuando el Papa León IV salió a la logia. Su presencia bastó para apagar el fuego. Básicamente, este hecho es el elemento principal del fresco, aunque el Palacio Vaticano y el pontífice están representados en segundo plano. El Papa León IV lleva la tiara, una sotana blanca y un manto escarlata. Pronuncia ante los romanos su discurso bendecido. Rafael no se centró en el milagro realizado por el Papa, sino en la gente asustada que se vio sorprendida. En primer plano, una joven madre con su hijo busca refugio. Las mujeres desesperadas se arrodillan y rezan por el rescate. Rafael pintó a los personajes del legendario poema "Eneida" que lograron escapar del incendio de Troya. Eneas arrebató a su anciano padre Anquises. A la izquierda, cerca de Eneas, está su esposa, la joven Creusa, y a la derecha su hijo Ascanio.

Texto original del autor, conservado sin modificaciones.

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13Colección de Arte contemporáneo12 · de las piezas expuestas
La crucifixión de CristoRoom of the SibylsFragmento de la historia

Gerardo Dottori

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La crucifixión de Cristo se representa de una manera inesperada: el futurismo. El futurismo muestra el arte del futuro, donde la ciudad, los coches y la sociedad impersonalizada ocupan el lugar central. El lienzo de Dottori mezcla el rigor geométrico del futurismo y el psicologismo del tema bíblico clásico. Por definición, el futurismo rechaza todo lo humano y glorifica todo lo impersonalizado. Pero este lienzo es una excepción. No hay glorificación de la industrialización.

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Le PenseurRoom of the SibylsFragmento de la historia

Auguste Rodin

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En un principio, Auguste Rodin bautizó su escultura más destacada con el nombre de El Poeta. La estatua está esculpida como parte de la composición dedicada a la Divina Comedia, y representa a Dante contemplando los sufrimientos de los pecadores.

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Monjes lectoresFragmento de la historia

Ernst Barlach

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La estatuilla recuerda la estatuaria monumental italiana del siglo XIV. Los monjes están bastante obsesionados, parecen impasibles y sumidos en la lectura.

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MadonaFragmento de la historia

Lucio Fontana

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A primera vista, la escultura de la Virgen parece una masa informe de arcilla y arena. Un rostro joven y serio de la Virgen María parece surgir de la pesada masa de yeso como una hermosa nube. Compositivamente, la escultura está inacabada, como un boceto en un lienzo. Sus formas son angulosas, rugosas y ásperas, sin plasticidad ni dinamismo.

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CristoRoom of religious art in France from the 1920 to the 1952Fragmento de la historia

Georges Rouault

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El cuadro está lleno de sombríos elementos trágicos y combina romanticismo, gótico y expresionismo. Georges Rouault era una persona religiosa, por lo que los personajes y temas bíblicos influyeron enormemente en su obra.

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Piazza CavalliRooms of the painting in Italy between the warsFragmento de la historia

Filippo de Pisis

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El paisaje urbano parece formado con pinceladas dinámicas, salvajes y rápidas. Debido a la falta de colores y a la abundancia de tonos azul claro, el espacio parece estar lleno de aire y viento.

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PietaRoom of Van Gogh, Medardo RossoFragmento de la historia

Vincent van Gogh

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Piedad es una interpretación del autor de Vincent van Gogh inspirada en el cuadro del pintor francés Eugène Delacroix. La ironía es que, de no haber sido por el molesto incidente, la Piedad no se habría pintado.

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Aetas AureaRoom of Van Gogh, Medardo RossoFragmento de la historia

Medardo Rosso

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La escultura de cera representa un retrato de la esposa del artista, Giuditta Pozzi, y su hijo Francesco. La escultura es dinámica y plástica, aunque no tiene formas definidas. Se trata de un brillante ejemplo de escultura impresionista.

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Pio 11Room of the CreedFragmento de la historia

Adolfo Wildt

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La estatua está esculpida bajo la nueva influencia del arte del siglo XX. Algo intangible, frío y grandioso diferencia la estatua del Papa Pío XI de las esculturas realizadas en los siglos XVII o XX. La estatua representa una nueva mirada al mármol como material y a sus propiedades.

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Estudio para Velazquez Pope 2Room of Great BritainFragmento de la historia

Francis Bacon

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El experimento pictórico de Francis Bacon se basa en el retrato del Papa II pintado por Diego Velásquez. Bacon se sintió tan inspirado por los cuadros del gran retratista que pintó una serie de cuarenta cuadros titulada Los Papas Gritones.

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El jineteRoom of PontiffsFragmento de la historia

Marino Marini

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El jinete es un motivo central de la obra del escultor Marino Marini. El artista decía que la relación entre el hombre y el caballo le resultaba mucho más interesante que el tema del hombre y el coche, cada vez más popular en el siglo XX. El jinete es la idea principal que se fue transformando a lo largo de los años debido a las guerras y tragedias y a los cambios de la visión del mundo del escultor.

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Paisaje angelicaSalvador Dalì roomFragmento de la historia

Salvador Dali

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El paisaje es parte integrante de los cuadros de Dalí. Muchos elementos de este lienzo -un desierto interminable, figuras delgadas y pálidas, nubes magníficas y sombras definidas de los objetos- aparecen en otros cuadros de Dalí. El lienzo representa diez figuras: cinco ángeles, cuatro humanos y un unicornio blanco.

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14Capilla Sistina41 · de las piezas expuestas
La Resurrección de CristoFragmento de la historia

Ghirlandaio

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El fresco muestra el momento en que Cristo resucitó de la muerte. Con una bandera blanca en la mano, sale de la tumba.

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Discusión sobre el cuerpo de MoisésFragmento de la historia

Signorelli

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El fresco muestra al arcángel Miguel luchando con Satanás por el cuerpo de Moisés. Muchos historiadores discuten sobre el verdadero origen de este tema. No se sabe con certeza por qué Miguel se disputaba con el diablo el cuerpo del profeta.

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El Último JuicioHistoria completa

Michelangelo

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Se trata de uno de los frescos más complejos y poderosos por su diseño y nivel de complejidad. En la parte superior, a la izquierda, hay ángeles en vuelo. Sostienen en sus manos los símbolos de la Pasión: la Cruz, los Clavos, la Corona de Espinas. A la derecha, los ángeles sostienen la columna de la flagelación y la lanza con la esponja empapada en vinagre. Cabe señalar que los ángeles están pintados sin alas, lo que les hace parecer personas corrientes. En el centro del fresco aparecen la Madre de Dios y Cristo rodeado de los santos, esperando la sentencia. La figura de Cristo es la más grande, en un dinámico gesto amplio, plasmado en el momento en que se pronuncia el veredicto del Juicio Final. Los historiadores han debatido sobre los sentimientos asociados al gesto de Cristo. Unos dicen que así aplaca la agitación circundante, los otros afirman que se trata de un gesto de maldición. La Virgen vuelve la cabeza, esperando el resultado del Juicio. Cristo y la Virgen están rodeados de los santos mártires. Sostienen las cosas que causaron su muerte de un modo u otro. A la derecha de Cristo está San Pedro, de barba gris, con las dos llaves del cielo. Abajo se ve a San Bartolomé con su propia piel desollada por los paganos. El rostro del mártir es un autorretrato de Miguel Ángel. Frente a él, San Lorenzo con la parrilla en la que fue quemado vivo por los paganos romanos. A la derecha, sobre una de las nubes, vemos a Santa Catalina de Alejandría con un vestido verde. Sostiene la rueda dentada que sirvió de instrumento para su ejecución. Sobre Santa Catalina aparece San Pablo con una capa roja. A su lado, San Sebastián se arrodilla con las flechas en la mano. Los soldados romanos le disparan flechas. Justo encima de Sebastián parece descender San Andrés sobre una nube, sosteniendo la cruz en su mano alzada. En la parte inferior izquierda aparecen jóvenes vírgenes, sibilas y personajes del Antiguo Testamento. En el centro de la parte inferior están los ángeles del Apocalipsis que despiertan a los muertos tocando las trompetas. A la derecha, en la parte inferior, ángeles y demonios hacen caer a los condenados al infierno. En el fondo está Caronte, que transportaba almas en su barca para conducirlas ante el juez Minos, cuyo cuerpo está envuelto en los ovillos de la serpiente. Como el fresco representa figuras desnudas, Miguel Ángel se vio envuelto en el conflicto con los moralistas. El maestro de ceremonias Biagio da Cesena le llamó para que observara las formalidades. Se quejó de que no estaba permitido pintar figuras desnudas en un lugar tan sagrado. Miguel Ángel no pudo contradecirle directamente, pero respondió de otra manera. A la derecha, en la parte inferior, entre los muertos que eran conducidos al Infierno pintó a un hombre ridículo con orejas de burro y cubierto por una serpiente enroscada. La figura y el rostro del hombre se parecían a los del cardenal. Cuando el maestro de ceremonias vio su cara en el fresco, se quejó al Papa Pablo III. La respuesta del Papa fue brillante: "Puedo dar órdenes en la Tierra, o al menos tendría algún impacto, si se trata del limbo. Pero en todo lo relacionado con el Infierno, soy impotente. Deberías discutirlo con Miguel Ángel..."

Texto original del autor, conservado sin modificaciones.

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Bautismo de CristoFragmento de la historia

Perugino

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Para decorar las paredes con los motivos bíblicos, el Papa encargó a Perugino, que por entonces era un artista muy conocido. Junto con su ayudante Pinturicchio, el pintor decoró la pared con una representación canónica de un paisaje umbro. Sobre un armonioso fondo pastoral, colocó a nobles solemnemente vestidos mano a mano con personajes bíblicos.

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Llamamiento de los primeros ApóstolesFragmento de la historia

Ghirlandaio

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El fresco representa la llamada de Pedro y Andrés a convertirse en apóstoles y discípulos de Cristo. Un día, Jesús paseaba por la costa de Galilea y vio a dos pescadores, los hermanos Pedro y Andrés. Jesús les habló mientras echaban las redes.

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Tentaciones de CristoFragmento de la historia

Botticelli

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El fresco muestra cuatro episodios clave. Tres de ellos representan la tentación de Cristo por Satanás. En el primer episodio de la izquierda, el Diablo, disfrazado de ermitaño, intenta persuadir a Cristo para que rompa su ayuno, convierta las piedras en pan y se lo coma. Así, le pide que pruebe el poder del Hijo de Dios.

Fragmento del texto original. La historia completa está disponible en la audioguía.

Última CenaFragmento de la historia

Rosselli

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Se trata de la última cena que Jesús comparte con sus doce discípulos, durante la cual predice su traición por uno de los Apóstoles presentes. Sentado a la mesa, Cristo parte el pan y lo pasa a los presentes, diciendo: "Esto es mi cuerpo entregado por vosotros". Se refiere al vino de su copa como su sangre, que se derrama por los hombres.

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El Sermón del MonteFragmento de la historia

Rosselli

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Después de elegir a sus discípulos, Jesucristo descendió con ellos de la cima del monte y se detuvo en un terreno llano. En la primera escena del fresco, Cristo, rodeado de los Apóstoles, predica a una multitud. Este acto se conoce como el Sermón de la Montaña.

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Cristo entregando las llaves a San PedroFragmento de la historia

Perugino

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Cristo entrega solemnemente a su discípulo las llaves de oro y plata, dándole así el permiso para perdonar los pecados y permitir que las almas entren en el cielo. Este fresco ilustra el capítulo XVI del Evangelio de Mateo. En el centro se representa el mensaje principal del fresco: la entrega al apóstol Pedro de las llaves del reino de los cielos.

Fragmento del texto original. La historia completa está disponible en la audioguía.

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Creación del Sol de la Luna y de las PlantasFragmento de la historia

Michelangelo

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Según el libro del Génesis, Dios creó los cuerpos celestes y las plantas el cuarto día. Sus manos transmiten voluntaria y confiadamente la energía y el poder que dan vida. El Creador no necesita tocar los objetos para transmitirles su voluntad. Basta con que extienda su brazo hacia sus creaciones para que éstas obedezcan su mensaje.

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Separación de la Tierra de las AguasFragmento de la historia

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El segundo día de la creación del mundo, Dios separó el firmamento de las aguas. El fresco muestra al Todopoderoso sobrevolando su creación, observando abajo las aguas y el firmamento separados.

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Creación de AdánHistoria completa

Michelangelo

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Adán, el primer hombre de la Tierra, recibió la vida de la mano del Todopoderoso. La mente y la voluntad de un joven apuesto y fuerte están aún dormidas; tiende sin fuerzas la mano a Dios, que transmite con su dedo índice la energía vital a su creación. La figura de Adán sostiene el poder y la fuerza recibidos de Dios. Su mirada, vuelta hacia Dios, está llena de expectación. Es esta corta distancia entre los dedos de Dios y Adán lo que oculta la esencia y la atracción magnética de toda la obra. Parece que el Creador envía al hombre una corriente eléctrica, la chispa de la vida. Se representa a Dios volando por el espacio ilimitado del Universo. Un manto flota detrás de él, como una vela. Une a los ángeles que rodean al Creador. Un ángel mira por encima del hombro de Dios, impresionado por la belleza del primer hombre. Los expertos en arte sugieren que los contornos de la capa se asemejan a los del cerebro humano. Este símbolo muestra a Dios como la mente suprema, el origen de los pensamientos y la voluntad del hombre.

Texto original del autor, conservado sin modificaciones.

Esta historia en la ruta
Creación de EveFragmento de la historia

Michelangelo

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La figura principal del fresco es Eva, creada por Dios a partir de la costilla de Adán. Es una muchacha joven, femenina, tímida e indefensa. Como un cervatillo que ha saltado, mira a Dios con reverencia y asombro, juntando las palmas de las manos en señal de oración. Su rostro muestra el asombro inicial, la conciencia de su propia existencia y la gratitud al Creador.

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Caída y expulsión del Jardín del EdenFragmento de la historia

Michelangelo

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La composición se divide conceptualmente en dos partes. A la izquierda está la escena de la caída. Aquí, Adán y Eva son una pareja armoniosa que se asemeja a dioses antiguos, jóvenes, pacíficos y despreocupados. En la parte derecha del fresco, los primeros hombres son expulsados del Jardín del Edén. Se les representa sufriendo y desterrados por ángeles.

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Embriaguez de NoéFragmento de la historia

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El fresco consta de dos episodios consecutivos. A la izquierda, Noé cava su viña. En el centro y a la derecha, en la segunda parte del fresco, Noé duerme, borracho y desnudo, con sus hijos Sem, Jafet y Cam, que señala con el dedo a su padre. El vino, que embriagó a Noé, es un símbolo de la fertilidad despertada en la tierra tras el Gran Diluvio. Alborozado por la resurrección de la tierra y sus dones, Noé bebió demasiado y se embriagó.

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El DiluvioFragmento de la historia

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El fresco "El diluvio" fue la primera pintura de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina. El fresco muestra a personas ante la inminencia de la muerte y revela su comportamiento en función de su carácter. La furiosa inundación sólo se representa a grandes rasgos.

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Sacrificio o NoahFragmento de la historia

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Cuando dejó de llover y las aguas se retiraron, el arca de Noé fue arrastrada hasta la orilla. Cuando la gente pisó tierra firme, se sorprendió de la magnitud de la catástrofe y del número de víctimas.

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DavidFragmento de la historia

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El fresco capta el momento en que el gigante Goliat, derrotado por David, cae abatido.

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Judith y HolofernesFragmento de la historia

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El fresco representa a una mujer hebrea, Judit, y a su doncella, portando la cabeza del comandante asirio Holofernes. Judit se convirtió en un símbolo de la lucha judía contra los conquistadores de Oriente Próximo. Ella sola mató a Holofernes y liberó a los judíos de la opresión asiria.

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Castigo de HamanFragmento de la historia

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El nombre de Amán se menciona en el Antiguo Testamento y se asocia a la fiesta judía de Purim. Amán era visir del rey persa Asuero. Todos los funcionarios reales se arrodillaron ante Amán, excepto Mardoqueo, un judío, que declaró que los judíos sólo se arrodillaban ante Dios. El enfurecido Amán concibió un plan para matar a todos los judíos que vivían en Persia y eligió la fecha: el decimotercer día del mes de Adar.

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JoelFragmento de la historia

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El profeta bíblico Joel fue el primero que anotó sus sermones y recopiló una colección de profecías. Advirtió a la gente sobre la llegada del Día de Dios, cuando todos los incrédulos serían juzgados.

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La Serpiente descaradaFragmento de la historia

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Durante el viaje del pueblo judío de Egipto a Canaán, Moisés fabricó una serpiente de bronce. Curó a las personas mordidas por serpientes venenosas y se convirtió en una especie de símbolo de su peregrinaje por el desierto de Arabia.

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EzekielFragmento de la historia

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Ezequiel es un gran profeta del Antiguo Testamento que vivió en Jerusalén en el siglo VII a.C.

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Separación de la luz de la oscuridad nuevoFragmento de la historia

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En el centro del fresco "Separación de la luz de las tinieblas" hay un anciano de barba gris, Dios Creador, Sabaoth por uno de sus nombres. Su figura parece abarcarlo todo y ser todopoderoso. Es el nombre Sabaoth, que a veces se utiliza para referirse al Creador, el que combina la fuerza y el poder protector de Dios.

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JeremiahFragmento de la historia

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El profeta Jeremías del Antiguo Testamento vivió ya en el año 600 a.C. Se convirtió en profeta a los 15 años y profetizó durante 23 años. Advirtió a los judíos, que abandonaron al Dios de su ira. Jeremías predijo el castigo de los pecadores, pero el pueblo se rió de él y pretendió matarlo.

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La Sibila LibiaFragmento de la historia

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Esta Sibila recibió el nombre de Lybica debido a su origen libio. Vemos sus tiernos hombros estatuarios, su cuello, sus rasgos cincelados y sus gráciles movimientos.

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DanielFragmento de la historia

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El gran profeta bíblico Daniel nació en una familia rica. Cuando tenía quince años, fue llevado al cautiverio tras la toma de Jerusalén. El muchacho fue entrenado para servir al rey. Y tan pronto como se graduó fue llevado a la corte de Nabucodonosor.

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La Sibila de CumasFragmento de la historia

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La Sibila de Cumas es la profetisa más famosa cuyo nombre se asocia a la predicción de acontecimientos apocalípticos. La Sibila está sentada en un trono de mármol y se dedica a leer e interpretar textos. Se la muestra como una anciana severa y gorda.

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Lasibila de DelfosFragmento de la historia

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La sibila de Delfos o Délfica era una sacerdotisa del dios solar Apolo. Nació antes de la guerra de Troya, en la ciudad de Delfos, donde floreció el culto a Apolo y se erigió un templo dedicado a él. Su nombre secular era Artemia. Y fue la primera entre las profetisas que fue llamada Sibila. Es la más joven y la más bella entre las Sibilas.

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ZechariahFragmento de la historia

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El profeta Zacarías nació en el siglo VI a.C. Predijo con detalle muchos acontecimientos del Nuevo Testamento.

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JonahFragmento de la historia

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El profeta Jonás vivió en el siglo VIII a.C. Cuando era niño, se sintió enfermo y murió. Pero su madre rezó tan ardientemente al Dios para que rescatara a su hijo que el Dios lo resucitó de entre los muertos.

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EspadasFragmento de la historia

Michelangelo

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El Evangelio de Mateo dice que Jesús tenía una gran genealogía. Antes de su venida a la tierra hubo casi cuarenta generaciones de sus antepasados. Los grupos familiares que vemos en los lunetos son los antepasados de Cristo. Hay tablillas que contienen los nombres de las personas representadas cerca de cada familia aproximadamente dividida.

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IsaiahFragmento de la historia

Michelangelo

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Ya en el año 700 a.C. el profeta Isaías predijo la venida del Hijo de Dios, su vida y su muerte. El Libro de Isaías revela la deslealtad del pueblo judío a Dios. El profeta advirtió a los judíos sobre el próximo cautiverio y la posterior liberación. Habló de la devastación de Jerusalén y de su posterior restauración.

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La Sibila persaFragmento de la historia

Michelangelo

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En el siglo XIII a.C., la sibila persa predijo la gloria de Alejandro Magno y la venida de Jesucristo.

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La sibila eritreaFragmento de la historia

Michelangelo

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La sibila eritrea predijo la destrucción de Roma, la caída de Troya, las guerras y el Apocalipsis. Se dice que el dios del Sol Apolo y la bruja Lamia son sus padres.

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El Castigo de KorahFragmento de la historia

Botticelli

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El fresco representa la historia del Antiguo Testamento de Coré al frente de una rebelión de 250 personas contra Moisés y su hermano Aarón. Coré había reunido a la gente y la había convencido de que Moisés era reverenciado inmerecidamente como líder de los israelitas. A la derecha, vemos al airado grupo de Coré con piedras en las manos. Están listos para atacar y golpear a Moisés.

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Entrega de las Tabletas de la LeyFragmento de la historia

Rosselli

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El fresco muestra una de las historias clave del Antiguo Testamento: Moisés recibiendo las Tablas con los Diez Mandamientos. El fresco ilustra una serie de acontecimientos que van desde la ascensión de Moisés al monte Sinaí hasta la quema del becerro de oro. Este acontecimiento tuvo lugar en el monte Sinaí, adonde Dios había conducido al profeta.

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Los juicios y la llamada de MoisésFragmento de la historia

Botticelli

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El fresco muestra varios de los acontecimientos más importantes de la vida de Moisés. A la derecha, Moisés intercede por un judío que trabaja en la construcción y es golpeado por un capataz. Moisés mata accidentalmente al egipcio y huye de la ciudad.

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Esta historia en la ruta
Viaje de Moisés a EgiptoFragmento de la historia

Perugino

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El fresco muestra cinco episodios de la estancia de Moisés en Egipto. El trasfondo de la historia es el siguiente: Mientras vivía en Egipto, Moisés presenció cómo un capataz egipcio golpeaba a unos hebreos. Mató al egipcio y escapó a Madián. Allí se casó con Séfora, hija del sacerdote Jetro, y se hizo pastor.

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Cruce del Mar RojoFragmento de la historia

Rosselli

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El fresco ilustra las diez plagas que Moisés envió sobre el pueblo egipcio al exigirle que dejara marchar a los israelitas esclavizados. En nombre de Dios, Moisés exigió al faraón que liberara a los israelitas. Para convencer al gobernante de Egipto, el profeta castigó a los egipcios con plagas, que fueron calamidades para ellos. Al ver el horror entre su pueblo, el faraón envió a los israelitas por su camino.

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Testamento y Muerte de MoisésFragmento de la historia

Signorelli

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El profeta Moisés tenía 120 años cuando murió poco antes de entrar en la Tierra Prometida. Para entonces, había vagado con los israelitas por el desierto del Sinaí durante cuarenta años. Presintiendo su muerte, el profeta reunió a su pueblo para despedirse. Son estos últimos momentos de la vida del profeta los que se representan en el fresco en cuatro escenas.

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15Museo Gregoriano Etrusco7 · de las piezas expuestas
Urna urna funeraria del Maestro de OenomausFragmento de la historia

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La urna cineraria representa a Oenomaus arrodillado a punto de ser infligido por Pélope. Hipodamia, la hija de Oenomaus, huye asustada. Los caballos tropezaron y cayeron. Este es el último momento de la vida de Oenomaus - el sol de Ares, el dios de la guerra.

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Pectoral de oroFragmento de la historia

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Este pectoral está hecho de una sola lámina de oro y repujado con diseños en relieve que contienen significados ocultos. El pectoral está cubierto de pequeños ornamentos complejos estructurados en tiras alrededor de un emblema central. Por lo general, la coraza está repujada con motivos seriados.

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Pareja de leonesFragmento de la historia

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Los dos animales están representados en pose agresiva, con la boca abierta, a punto de atacar. Aunque realistas, sus figuras carecen de detalles anatómicos. La técnica escultórica se transmitió desde el norte de Siria.

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Amphora con cabeza de caballoFragmento de la historia

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La parte frontal del vaso está decorada con la cabeza de un caballo con crin dorada. Esta ánfora es un brillante ejemplo de la pintura etrusca de figuras negras. Se caracteriza por la claridad, simetría y precisión de las líneas, siluetas y figuras.

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Marte de TodiFragmento de la historia

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La estatua de Marte de Todi, de fundición hueca, representa a un guerrero etrusco vestido con coraza. El cuerpo, la cabeza, los brazos, las piernas y las inserciones del traje militar se realizaron por separado en bronce. A juzgar por la posición de las manos, el guerrero sostenía una copa en la derecha y una lanza en la izquierda.

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Par de manosFragmento de la historia

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El Par de Manos es una composición etrusca temprana, el primer intento de plasmar el cuerpo humano en el arte. Las manos parecen estar formadas sólo por dedos, ya que son muy largas y finas.

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Urna en forma de cabañaFragmento de la historia

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Esta urna contenía los restos incinerados de una persona de unos 16 años. Los historiadores creen que podría tratarse de una joven. Sus restos se introdujeron en la urna para recordar su esencia como persona y su posición dentro de un grupo social concreto.

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Fuentes de las imágenes

Las imágenes de los museos han sido cedidas por el proyecto Waguide. Foto del Louvre: Diego López Sebastián (Dieglop), CC BY-SA 4.0. Foto de Nika de Samotracia: Mbzt, Wikimedia Commons. Las reproducciones de los cuadros son de dominio público. Las imágenes pueden recortarse para su visualización.

El Louvre — Diego Lopez Sebastian · Nike de Samotracia — Mbzt · CC BY-SA 4.0