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Catalogue · Les musées du Vatican

Choisissez une œuvre, lisez son histoire et retrouvez-la sur le parcours.

186 œuvres exposées, 91 récits complets. Le site propose l’intégralité des récits consacrés aux œuvres du Musée égyptien, du Pio-Clementino, de la Galerie des candélabres et de la Pinacothèque, ainsi qu’une sélection de récits sur les œuvres de Raphaël et de la chapelle Sixtine. Les autres récits sont présentés sous forme d’extraits.

01Musée grégorien de l'Egypte15 · des œuvres exposées

Lorsque l'on entre dans le Musée égyptien grégorien, on comprend avec excitation qu'il s'agit de la plus grande exposition d'objets égyptiens au monde. On peut y découvrir la culture égyptienne à partir des objets exposés en Mésopotamie et en Syrie il y a plusieurs siècles. Le Musée égyptien grégorien a été inauguré en 1839. Avec ses neuf salles, il a été créé par le pape Grégoire XVI pour constituer la plus grande collection du patrimoine culturel de l'Égypte ancienne. Aujourd'hui, on peut y voir des sculptures, des papyrus, des sarcophages et des fragments de momies. Le pape Pie VII a commencé à rassembler la collection avec les objets du IIIe siècle, période de l'invasion romaine en Égypte, qui ont été découverts lors des fouilles. Ne passez pas à côté de la sculpture de Ramsès II assis sur le trône et de la statue d'Udjaḥorresnet qui sont exposées dans la première salle parmi d'autres nombreuses pièces. La deuxième salle abrite des sarcophages égyptiens en bois peint, des momies, des jarres canopes et des figurines d'ushabti. Dans la quatrième salle, une statue d'Anubis attire l'attention, dans la cinquième salle, les statues de Ptolémée II et de Tiye. La septième salle abrite la collection de sculptures hellénistiques et romaines en bronze et en argile, ainsi que des céramiques islamiques et chrétiennes. Dans les huitième et neuvième salles, on trouve des objets de Mésopotamie et de Syrie ancienne.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Vatican NaophorousL'histoire complète

Vatican Naophorous

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Udjaḥorresnet était un représentant religieux et public de l'Égypte ancienne, un noble honorable et un prêtre de Neith, la déesse de la guerre et de la chasse. Udjaḥorresnet a occupé les fonctions de premier ministre, diplomate, trésorier royal, médecin en chef, chef des copistes des Grands Textes et commandant de la flotte égyptienne. C'était un personnage puissant qui participait à la direction de l'Égypte. Alors qu'il était commandant de la flotte égyptienne, l'Égypte a été conquise par l'armée perse, ce qui a mis fin à la XXVIe dynastie. Lors des fouilles, des figurines ushabti portant le nom d'Udjaorresnet ont été trouvées dans la statue de Naophorous. La statue se trouvait dans un sarcophage en pierre calcaire placé dans la tombe. Le second sarcophage en basalte, en forme de corps humain, a été placé dans le premier sarcophage. La statue de Naophore contient les inscriptions des titres et des actes honorables commis par Udjaorresnet à la cour des pharaons.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Cette histoire dans l'itinéraire

RamsessL'histoire complète

Ramsess

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Ramsès le Grand a régné sur l'Égypte au 13e siècle avant J.-C. Il était l'un des représentants les plus éminents de la 19e dynastie des pharaons égyptiens. Ramsès était un homme d'État sensé. Il a dirigé le royaume de manière à ce que l'Égypte puisse se développer dans tous les domaines. Dans le même temps, il a renforcé sa puissance militaire. Ramsès a mis fin à la lutte dévastatrice entre les Égyptiens et les Hittites et a établi la paix en la renforçant par des liens familiaux personnels. Le pharaon a épousé la fille du roi des Hittites et a persuadé le peuple que la guerre pourrait effacer l'Égypte de la surface de la Terre. Ramsès assura la paix et établit des relations commerciales favorables entre l'Égypte et l'Asie pendant cent ans. Outre ses affaires politiques, il a élaboré et mis en œuvre des projets culturels. Ramsès a construit la Colonnade de Karnak et les temples d'Osiris et de son père Séti Ier. Les rois égyptiens qui ont régné après la mort de Ramsès ont essayé de l'imiter pour obtenir la même gloire et l'affection du peuple. Mais ce fut en vain. Ramsès II a été immortalisé dans la pierre. Sa statue se dresse au milieu du sable de Louxor. Cela en dit plus que tout sur l'attitude du peuple à l'égard de son souverain.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Statue du dieu AnubisL'histoire complète

Statue du dieu Anubis

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Dans l'Égypte ancienne, Anubis était le dieu de l'embaumement et des rites funéraires. Selon les mythes égyptiens, Anubis était le fils d'Osiris, le dieu de l'agriculture et le dieu des morts. Lorsqu'Osiris fut tué, Anubis entreprit de l'enterrer. Il a enveloppé le corps dans un tissu imprégné d'une solution spéciale. C'est ainsi que fut fabriquée la première momie. On considère alors qu'il a inventé la momification et les rites funéraires. Les âmes des défunts rencontraient Anubis qui les conduisait par la main à Osiris, le roi des Enfers. Il avait une tête de chacal et un corps humain. Entre ses oreilles se trouve un petit disque solaire sur un croissant de lune. C'est le symbole faisant référence au dieu Mercure, auquel Anubis était assimilé. Il était le passeur des morts vers les Enfers, c'est pourquoi il tient le caducée dans sa main comme attribut du seigneur des morts.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

CaccoL'histoire complète

Cacco

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Le nom de Santo Stefano del Cacco fait précisément référence à cette statue. En effet, « cacco » est un mot romain qui signifie « singe ». La statue porte l'inscription latine autorisant à la placer dans le temple construit en 159 après Jésus-Christ.Une sculpture à tête de chien représente le dieu égyptien Thot.Thot était le dieu de la lune, du calcul, de l'écriture et de la science. Le dieu Thot était considéré comme le créateur du calendrier.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Momies et embaumementL'histoire complète

Momies et embaumement

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La conservation du corps par embaumement a joué un rôle majeur dans la culture égyptienne. Il s'agit d'une étape traditionnelle de l'enterrement. Les anciens Égyptiens pensaient que c'était ainsi que l'âme du défunt retrouvait son corps après la mort.L'embaumement a été pratiqué pour la première fois au IIIe millénaire avant J.-C., et la tradition a disparu après la conquête arabe de l'Égypte en 641 avant J.-C. Le processus d'embaumement se déroulait en deux phases : l'embaumement et l'inhumation.L'ensemble du processus d'embaumement prenait environ 70 jours aux prêtres. Ils lavaient le corps, en retiraient les organes internes et le recouvraient de ce que l'on appelle le sel divin pour éliminer l'humidité des tissus. La cage thoracique était remplie de résine pour alourdir le corps. La peau était frottée et aromatisée avec de l'huile aromatique. Le corps est ensuite enveloppé dans des bandages de lin. Avant d'être placée dans un cercueil, un masque était placé sur le visage de la momie pour la protéger et la préserver.Pour une meilleure conservation de la momie, les Égyptiens ont commencé à retirer le cerveau. Mais plus tard, ils ont cessé de le faire car le cerveau était considéré comme le centre physique, émotionnel et intellectuel de l'être humain.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Cette histoire dans l'itinéraire

Ushabti du pharaon SetiL'histoire complète

Ushabti du pharaon Seti

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Le groupe de vingt-deux ushabti a été trouvé dans la Vallée des Rois, la tombe du pharaon Seti 1, père de Ramsès 2. La Vallée des Rois est connue pour être le meilleur site funéraire jamais découvert. On y a trouvé 700 ushabtis dans la tombe du pharaon Seti 1.Dans la culture égyptienne, les ushabtis sont des figurines funéraires en bois ou en pierre, représentant des humains avec les bras croisés sur la poitrine. Elles étaient placées dans les tombes avec le défunt. Selon la croyance du peuple égyptien, ces figurines remplaçaient le maître défunt et agissaient comme ses serviteurs. Elles soutenaient le défunt, lui fournissaient de la nourriture et le remplaçaient pour les travaux manuels.Cet ushabti a été fabriqué à partir de plusieurs essences de bois. L'ushabti était recouvert d'une résine noire brillante d'origine végétale. Ce vernis noir était un symbole de survie au-delà de la mort.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Suaire de la Dame du VaticanL'histoire complète

Suaire de la Dame du Vatican

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La toile de la Dame du Vatican appartient à un type particulier de linceuls funéraires féminins. Il n'en existe que six exemplaires, dispersés dans différents musées. La robe, les bijoux précieux en or et la coiffure de la femme représentée sont typiques de la mode et de la culture romaines. Le portrait représente la femme grandeur nature. La femme richement vêtue est allongée sur une couverture de lit brodée. Ses bras sont croisés sur la poitrine, ses pieds reposent sur un coussin, ses yeux sont largement ouverts, elle porte des bijoux au cou, aux oreilles et aux doigts. Le panneau figuratif est encadré par une série d'illustrations rectangulaires. Le linceul contient deux illustrations conservées de manière fragmentaire. L'une d'entre elles montre le maître prononçant un discours philosophique à un jeune élève. La seconde illustre un combat cruel entre un jeune homme et un lion. L'époque n'a pas épargné la Dame du Vatican. Pour le reste des illustrations, les historiens n'ont d'autre choix que d'essayer de deviner ce qui était représenté sur le linceul.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Sarcophage de DjedmutL'histoire complète

Sarcophage de Djedmut — 1 / 2

Sarcophage de Djedmut — 2 / 2

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Le sarcophage appartient à Djedmut, une prêtresse égyptienne du dieu Amon. Elle glorifiait le dieu, chantait des chansons en son honneur et était très respectée dans la vie.Le sarcophage date de la XXIIe dynastie. À cette époque, l'Égypte subit une crise économique. Les sarcophages sont alors devenus l'élément le plus important des rites funéraires.Le sarcophage en bois de Djedmut appartient à la catégorie des « cercueils jaunes ». Ces sarcophages étaient décorés de peintures sur fond jaune. La couleur jaune était un symbole de vie éternelle, et la diversité des dessins sur le sarcophage montrait le statut de la défunte, sa grandeur et sa richesse dans la vie.Le couvercle en bois du sarcophage est décoré des images de Djedmut et de son mari, à qui les grands prêtres donnaient les offrandes.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Relief avec Génie ailéL'histoire complète

Relief avec Génie ailé

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Assur-Nasir-Pal II était le roi d'Assyrie qui a régné au IXe siècle avant J.-C. Ce souverain était un conquérant prospère et un diplomate talentueux. Il a mené 14 campagnes militaires cruelles et impitoyables. C'est pour cette raison qu'on l'a appelé le barbare le plus cruel d'Assyrie. Il développa une stratégie militaire de progression rapide qui comprenait une attaque précise de l'ennemi et la création immédiate de postes défensifs sur le territoire pris par la force. En cas de révolte, les rebelles sont massivement tués et le territoire est entièrement dévasté. Malgré la cruauté dont il faisait preuve lors des campagnes militaires, le roi contribua à l'épanouissement de l'art figuratif assyrien. L'un des exemples de cet art est la décoration du monumental palais royal d'Assur-Nasir-pal. Le relief mural en calcaire se trouvait dans la salle I du palais et appartenait au thème mythique de l'adoration de l'arbre sacré. L'arbre était un symbole de fécondité, de vie et d'énergie vitale.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Statue d'Osiris AntinousL'histoire complète

Statue d'Osiris Antinous

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Antinoüs, un jeune Grec, était le favori de l'empereur romain Hadrien. Après sa mort tragique dans le Nil, Antinoüs a été vénéré comme Osiris, Apollon, Hermès et Hercule.Son culte était extrêmement populaire. À l'heure actuelle, les images d'Antinoüs sont plus nombreuses que celles de nombreux autres Romains plus puissants et plus célèbres.Le culte d'Antinoüs était étroitement associé à celui d'Osiris, noyé dans le Nil et ressuscité plus tard pour rendre la terre fertile. Les anciens Égyptiens croyaient qu'Osiris avait inventé la charrue et l'avait donnée aux hommes pour qu'ils apprennent à cultiver la terre. Il était le roi des Enfers, leur juge et en même temps le pouvoir qui ramenait la vie sur les rives du Nil.Osiris était appelé « maître de l'amour », « jeunesse éternelle » et « maître du silence ». Selon les légendes, après la mort, les pharaons égyptiens étaient associés à Osiris et, comme lui, pouvaient ressusciter.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

EncensoirL'histoire complète

Encensoir

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L'encensoir égyptien « bras d'Horus » rappelle une tige de papyrus et se compose de trois symboles clairs.Cet objet est un hommage et un symbole du culte d'Horus. Il était considéré comme le protecteur des pharaons, et ceux-ci étaient considérés comme l'incarnation d'Horus. Le long manche est constitué d'un bras humain servant de soucoupe placée sur la main ouverte. La poudre d'encens était placée et brûlée dans ce réceptacle. L'encensoir se termine par la tête de faucon du dieu Horus. La figure du pharaon agenouillé se trouve entre la main et le faucon. Il semble poser ses mains sur un réceptacle, dans lequel était placé l'encens de réserve. Lors des rituels d'hommage aux divinités, la combustion de l'encens faisait partie de la purification de l'air. En effet, les sanctuaires dans lesquels étaient placées les statues des dieux étaient fermés et il n'y avait pas de possibilité d'échange d'air. Ainsi, l'encens brûlant purifiait l'environnement dans les sanctuaires solidement fermés, où les reliques sacrées étaient placées. Dans l'Égypte ancienne, l'encens était aussi précieux que l'or. Il était utilisé pour éclairer et obtenir la sagesse en ralentissant la respiration et en donnant un sentiment de paix intérieure.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Statue de la reine TuyaL'histoire complète

Statue de la reine Tuya

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Tuya était l'épouse du pharaon égyptien Amenhotep III. Elle était appelée « grande épouse royale » et influençait souvent les décisions prises par le pharaon. Tuya a vécu au 14e siècle avant J.-C. et a joué un rôle important dans l'établissement du culte d'Aton en tant que religion d'État de l'Égypte ancienne. Elle et Amenhotep ont eu six enfants. Après être devenu pharaon, Akhenaton, l'un de ses fils, a instauré le culte du dieu du soleil Aton. Aux côtés du pharaon, la reine participe aux cérémonies officielles et aux visites diplomatiques. Afin de montrer sa puissance et sa grandeur, elle fait construire un temple qui lui est dédié en Nubie, dans l'actuel Soudan. Tuya réussit ainsi à célébrer encore plus le pouvoir de son époux, le pharaon Amenhotep.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Statue de la déesse lionne SekhmetL'histoire complète

Statue de la déesse lionne Sekhmet

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Les anciens Égyptiens vénéraient Sekhmet comme une puissante déesse de la guerre, du soleil brûlant, fille du dieu soleil Râ et maîtresse du désert. Sekhmet avait un souffle de feu et était représentée sous la forme d'une lionne, un animal de culte.La déesse incarnait le soleil ardent et était représentée avec le disque solaire sur la tête.Les légendes racontent que Sekhmet a défendu les pharaons contre leurs ennemis en les menant à la guerre et en renversant leurs rivaux. Cette déesse sévère et colérique pouvait tuer les gens en leur envoyant des maladies. Selon les mythes, Sekhmet a puni l'Égypte par une épidémie. Le pharaon Amenhotep III ordonna la fabrication de sept cents statues de la déesse pour lui rendre hommage. Malgré tout, Sekhmet était vénérée comme la déesse de la guérison et la gardienne de la paix.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Statue du dieu BèsL'histoire complète

Statue du dieu Bès

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Dans la mythologie égyptienne, bes est un terme courant pour désigner les nains qui étaient vénérés en tant que protecteurs des foyers, de la famille et défenseurs des mauvais esprits. Ils étaient les protecteurs des nourrissons et des futures mères.Le nom « bes » vient du mot nubien besa, qui signifie « chat ». Les historiens pensent que le culte du bes est une adoration du chat en tant que protecteur de la maison contre les parasites et les animaux sauvages.Bes était représenté comme un nain au corps trapu, au visage semblable à un masque, au front bas et aux yeux bridés. Il semble assis sur un rocher, les mains posées sur les genoux et la langue proéminente. Ses épaules et ses hanches sont recouvertes d'une peau de lion et il porte une grande parure autour du cou.Sur la tête, il y a un trou pour un attribut en métal destiné à soutenir une autre coiffe en pierre. Traditionnellement, bes portait une magnifique coiffe de plumes.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Groupe avec Ptolémée 2L'histoire complète

Groupe avec Ptolémée 2 — 1 / 2

Groupe avec Ptolémée 2 — 2 / 2

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Les statues représentent Ptolémée II et sa sœur Arsinoé II qui devint son épouse. Ptolémée II était le roi d'Égypte au IIIe siècle avant J.-C. Outre les affaires politiques, il est célèbre pour avoir épousé sa sœur Arsinoé.En accédant au trône, Ptolémée cherche à étendre son influence politique au-delà des frontières de l'Égypte et à prendre le contrôle du territoire qui s'étend jusqu'à l'Asie. Pour ce faire, il renforce ses positions en mer. À cette époque, sa sœur Arsinoé quitte son mari en Macédoine et s'enfuit en Égypte pour devenir reine. En Macédoine, elle était une intrigante perfide et rusée. Elle s'est mariée avec son frère pour prendre le pouvoir.Selon d'anciennes légendes grecques, ces deux statues ont été amenées à Rome par l'empereur Caligula. À Rome, elles ont embelli un édifice dédié à sa sœur-épouse Drusilla. Elle fut divinisée lorsque Ptolémée défia Arsinoé II.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Cette histoire dans l'itinéraire

02Le musée Pio-Clementino30 · des œuvres exposées

Le musée Pio-Clementino continue de présenter les meilleures expositions classiques. Situé dans le palais du Belvédère, le musée a immortalisé les noms de ses fondateurs, les papes Clément XIV et Pie VI. Les pontifes avaient toutes les raisons de créer le musée. À cette époque, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le trésor du Vatican n'abritait pas la plus grande collection d'œuvres d'art que leurs prédécesseurs avaient réunie pendant plusieurs siècles. Le trésor et le palais du Belvédère ont donc été reconstruits. Depuis lors, le musée Pio-Clementino a commencé à exposer des objets antiques. Vous pouvez voir une variété de sculptures et de sarcophages partout, dans les salles et dans la cour intérieure octogonale avec des colonnades.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Le Cabinet des masques

Le Cabinet des masques est un pavillon d'été reconstruit au XVIIIe siècle qui était relié aux salles du palais d'Innocent VIII. Le sol du Cabinet est recouvert d'une mosaïque très ancienne qui est restée magnifique pendant des siècles. Les quatre mosaïques représentant des masques ont été découvertes en 1780 dans la villa d'Hadrien à Tivoli. Il est intéressant de noter que les masques sont datés de 50 ans avant Jésus-Christ. Des statues antiques en marbre sont conservées dans la galerie des masques. Les plus importantes d'entre elles sont une sculpture romaine des Trois Grâces, une statue de la Satire, une sculpture de la Femme qui danse et la pièce maîtresse - une statue de l'Aphrodite de Knidos. Il est à noter que cette statue est considérée à juste titre comme la meilleure copie de la sculpture en bronze de Praxitèle.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

La salle de la Croix grecque

La salle de la Croix grecque a été conçue par Michelangelo Simonetti. Regardez à l'entrée de la salle et vous verrez que le sol est recouvert d'une précieuse mosaïque datant du IIIe siècle avant J.-C. Cette mosaïque a d'abord recouvert le sol de la villa de Tusculum, près de Rome. Il est intéressant de noter que la salle est construite en forme de croix grecque. La croix grecque est une croix dont les bras rectangulaires de même longueur sont perpendiculaires l'un à l'autre. C'est cette particularité qui a donné son nom à la salle. Un visiteur attentif remarquera des éléments décoratifs égyptiens dans cette salle. Ainsi, on peut voir des sarcophages en porphyre. L'un des sarcophages a été réalisé pour Constantia, la fille de l'empereur Constantin, et le second pour sa mère Hélène. Regardez la décoration du sarcophage d'Hélène. Le cercueil est sculpté de cavaliers romains qui ont vaincu les barbares. Le sarcophage de Constantia est décoré de cupidons sculptés cueillant des raisins. Ne passez pas à côté de l'exposition unique - la silhouette d'une femme en mouvement. Vous pouvez la voir derrière le sarcophage de Sainte-Hélène. Les historiens pensent qu'il s'agit d'une seule statue de Cléopâtre qui ait survécu. Dans la salle de la Croix grecque, vous pourrez notamment admirer les sculptures d'Octave Auguste et de Jules César, ainsi que des mosaïques.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Galerie des Statues

La Galerie des statues était à l'origine une aile d'été du palais d'Innocent VIII. En visitant ce lieu, vous verrez les fresques peintes par les peintres italiens Andrea Mantegna et Pinturicchio. Ce sont les premières images qui ont décoré la galerie à la fin du XVe siècle. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, cette salle a été transformée en galerie de statues et a pris l'aspect que vous lui connaissez aujourd'hui. Vous y trouverez des sculptures classiques. Il s'agit de copies romaines de chefs-d'œuvre tels que la statue d'Apollon Sauroktonos, l'Ariane endormie, Narcisse, le Satyre ivre, Pâris assis, les bas-reliefs de Mars, Minerve, Vénus.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Salle des animaux

Vous êtes dans la salle des animaux. Il s'agit de la plus grande collection mondiale de statues antiques d'animaux sauvages. Vous êtes entouré de près de 150 statues en albâtre, en marbre coloré et en marbre blanc. Presque toutes les pièces exposées sont des copies d'originaux grecs réalisées sur ordre du pape Pie VI. Le sculpteur Francesco Antonio Franzoni a travaillé sur les statues. Les statues d'animaux et d'oiseaux ont été restaurées à la fin du XIXe siècle. Dans la salle des animaux, on peut voir la statue de Meleager avec un chien et la tête du sanglier de Calydon, le torse du Minotaure, des sarcophages romains ayant appartenu aux représentants des Scipions.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Salle des Muses

Vous vous trouvez maintenant dans la salle conçue par le peintre italien Michelangelo Simonetti en 1782. La salle des Muses est décorée de seize colonnes de marbre. Levez les yeux et vous verrez les fresques du plafond réalisées par Tommaso Conca. Elles représentent Apollon et neuf Muses entourés des célèbres poètes de l'Antiquité : Homère, Eschyle, Pindare, Virgile, Tasso et Arioste. Dans la salle des Muses se trouvent des statues en marbre d'Apollon et de neuf muses, les protectrices grecques de l'art. En fait, ces sculptures sont des copies des statues grecques originales en bronze du IIIe siècle avant J.-C. Si vous regardez au centre de la salle, vous verrez le torse du Belvédère, un modèle de corps idéalement et magnifiquement proportionné, selon Michel-Ange.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

La Cou octogonale

Vous vous trouvez maintenant dans la cour intérieure qui est le noyau de tous les musées du Vatican. C'est ici que sont exposés les magnifiques sarcophages romains avec leurs bas-reliefs. Avant que cette cour ne devienne une attraction incontournable incluse dans un guide des musées du Vatican, la cour intérieure était un jardin d'orangers. Mais le pape Jules II l'a améliorée en plaçant ici et là des statues antiques à l'ombre des arbres. Plus tard, en 1775, le pape Pie VI ordonna de clôturer le jardin avec un portique octogonal qui encadrait l'entrée du palais. Trente ans plus tard, quatre niches séparées par des arcades ont été construites aux quatre coins. Il s'agit de la niche de Laocoön, de la niche de Persée, de la niche d'Apollon et de la niche d'Hermès. C'est ainsi que le jardin a pris l'aspect que l'on peut voir.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

La salle ronde

La salle ronde a près de 250 ans. Elle a été conçue et construite dans un style classique à son apogée, en 1780. Le projet a été confié à Michelangelo Simonetti. En regardant vers le bas, vous verrez que le sol est recouvert de mosaïques romaines du IIIe siècle, représentant des batailles de guerriers grecs contre des tritons et des centaures. Au centre de la salle ronde se trouve un énorme bassin de porphyre d'une circonférence de 13 mètres. Il ornait auparavant la maison Holden de l'empereur Néron. Les niches abritent 18 statues et bustes en marbre de dieux romains et grecs et de héros mythologiques. Jetez un coup d'œil à la sculpture d'Antinoüs. Vous trouverez également le portrait de l'empereur Hadrien en Dionysos et la statue du puissant Hercule. Il s'agit de la seule statue dorée qui soit restée inchangée depuis l'Antiquité.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Venus CnidusLe Cabinet des masquesL'histoire complète

Venus Cnidus

Praxiteles

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L'Aphrodite de Cnide est la première représentation en pierre d'une femme nue. Cette sculpture est la statue féminine la plus reproduite. Il est intéressant de noter que Praxitèle, le créateur de la statue, a réalisé deux sculptures similaires d'Aphrodite. L'une d'entre elles était recouverte d'un manteau et l'autre était absolument nue. La seconde statue a été achetée par les habitants de Cnide, la colonie grecque, et elle a acquis une renommée mondiale. Certaines personnes se rendaient à Cnide uniquement pour voir la statue de la déesse. Praxitèle a pris pour modèle son amante Phryné, une très belle femme. Mais dans l'Antiquité, il était blasphématoire de créer des statues de dieux en utilisant un corps humain comme modèle. Phryné fut donc accusée d'impiété et traînée devant les tribunaux. L'orateur Hypéride est chargé de la défendre. Il prononce un discours et enlève la robe de Phryné pour montrer la beauté de son corps. À l'époque, les gens croyaient en une âme idéale dans un corps parfait. Une personne belle et gentille était assimilée aux dieux. Les juges, séduits par la beauté de Phryné, l'acquittent à l'unanimité. La statue de l'Aphrodite de Cnide est la copie la plus exacte de la sculpture réalisée par Praxitèle en 340 avant J.-C. La sculpture grecque originale n'existe plus, mais de nombreuses copies ont survécu.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Sarcofagus of ConstantiaLa salle de la Croix grecqueL'histoire complète

Sarcofagus of Constantia

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Un magnifique sarcophage est un symbole de vie éternelle qui fait allusion à l'au-delà. Le sarcophage en porphyre rouge contient les restes de Constantia, une fille de l'empereur Constantin. Le sarcophage repose sur quatre supports de lionnes. Le cercueil est décoré sur les quatre côtés de cupidons cueillant des raisins. Les côtés du sarcophage sont décorés de trois garçons ailés foulant des raisins. Pourquoi cette scène est-elle représentée sur la dernière demeure de la fille de l'empereur ? Le fait est que les sarcophages romains imitaient la forme des pressoirs à vin. Et cela avait une signification profonde. Les baies étaient pressées, mais après la fermentation, elles se transformaient en vin de race. Ainsi, les raisins pressés deviennent du vin, ayant une nouvelle vie. Compte tenu des anciennes croyances, le concept du bas-relief du sarcophage prend tout son sens. Les cupidons immortels donnent une nouvelle vie à Constantia enterrée. Son âme, comme les raisins, atteint l'immortalité. Constantia mourut en 354, et quelques siècles plus tard, les Romains la canonisèrent. Elle fut enterrée dans l'église de Saint-Costanza.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Sarcofagus St HelenaLa salle de la Croix grecqueL'histoire complète

Sarcofagus St Helena

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Le sarcophage d'Hélène est un symbole de réussite militaire et un dernier hommage au talent et à la puissance d'un commandant. Et en vérité, ce n'est pas un glorieux guerrier, mais Hélène, la mère de l'empereur romain Constantin le Grand, qui y fut enterrée. Les historiens pensent que ce magnifique tombeau a été conçu à l'origine pour l'empereur Constantin. C'est pourquoi elle est décorée de scènes militaires dynamiques qui ne conviennent pas à une sépulture féminine. Les victoires militaires glorieuses étaient la principale fierté des dirigeants romains. Le sarcophage monumental en porphyre rouge est décoré de scènes de bataille. Le bas-relief de la tombe est sculpté de soldats romains à cheval, tuant des barbares. Sur le couvercle du sarcophage, des cupidons tiennent de splendides guirlandes, symbole d'honneur et de salutations aux vainqueurs.

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Apollon SavroctonGalerie des StatuesL'histoire complète

Apollon Savrocton

Praxiteles

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Apollo Sauroktonos (Apollon tueur de lézards) symbolise la victoire de la lumière sur les ténèbres. Dans l'Antiquité, de nombreuses copies de la sculpture d'Apollon Sauroktonos ont été réalisées. Cela signifie que la statue était très populaire chez les Romains et que son concept était très clair. Le message de la scène devient évident si l'on considère les mythes romains d'Apollon. Apollon, le dieu du soleil, de la lumière et de la vie, a deux faces opposées. L'une d'elles est sombre. Elle symbolise un long sommeil, l'oubli, la mort. Dans les mythes, un lézard représente le côté sombre du dieu. En tuant le lézard de sa propre main, Apollon s'est débarrassé de son côté obscur et est devenu un dieu de lumière. La deuxième partie du titre de la statue, "sauroktonos", vient de deux mots grecs : saura (lézard) et kteinen (tuer). Le jeune dieu du soleil Apollon est sur le point de tuer un lézard. Dans quelques secondes, le jeune garçon tuera un lézard grimpant à un arbre à l'aide d'une petite flèche.

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MeleaerSalle des animauxL'histoire complète

Meleaer

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La statue représente Méléagre du Belvédère après avoir tué le sanglier de Calydon. Il s'agit d'une histoire mythologique grecque bien connue. La scène sculptée est associée à une légende tragique. Méléagre est le fils du roi Oeneus de Calydon et de sa femme Althaea. Il est mentionné dans les poèmes de l'Iliade et parmi les Argonautes et les chasseurs calydoniens. Selon les mythes grecs, à la naissance de Méléagre, sa mère Althéa entendit une prédiction menaçante selon laquelle son fils mourrait dès qu'un des bâtons de la cheminée brûlerait complètement. Dès qu'Althaea entendit la terrible nouvelle, elle retira le bâton du feu, l'éteignit et le cacha dans un coffre. Il semblerait que la mère ait sauvé son fils d'un mauvais sort. Un jour, le père de Méléagre oublia de faire une offrande à Artémis, la déesse de la chasse, et celle-ci décida de le punir. La déesse lâcha un énorme sanglier sur Calydon, dévastant champs et forêts. Le brave Méléagre et ses amis tuèrent la bête, mais Artémis ne laissa pas les vainqueurs tranquilles. Elle provoqua entre eux une querelle au sujet de la tête du sanglier. Au cours de la bataille, les parents maternels de Méléagre furent tués. Lorsque sa mère Althaea l'apprit, elle se mit en colère et brûla le bâton caché. Méléagre mourut immédiatement. Meleager est représenté tenant la tête du sanglier après la chasse calydonienne. Son fidèle chien de chasse, qui l'a probablement aidé pendant la chasse, est assis à côté du vainqueur.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

JaguarSalle des animauxL'histoire complète

Jaguar

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Dans l'Antiquité, le léopard était appelé "l'animal des dieux" et était souvent conservé dans les ménageries impériales sacrées. L'image mythique du léopard représente l'intrépidité, le courage, la vaillance, la fidélité, l'agressivité et la férocité au combat. L'animal ressemble à la fois à un jaguar, un irbis, un guépard et un léopard. Mais il ne s'agit pas d'une statue de jaguar. Cet animal est originaire d'Amérique du Sud, qui n'a pas été découverte à l'époque. Il importe peu de savoir quel animal a été sculpté dans la pierre. Tous les félins représentent un culte du caractère noble et belliqueux. Cette statue de léopard est inhabituelle car elle est partiellement colorée. Les différents fragments d'albâtre noir et ambré reproduisent les couleurs naturelles de l'animal.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

ClioSalle des MusesL'histoire complète

Clio

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Clio est la muse grecque de l'histoire, destinée à glorifier les actes héroïques des hommes et des dieux. Clio porte une couronne de laurier sur la tête. Le laurier est un symbole de gloire, de victoire et de paix. Il était offert aux héros. La muse de l'histoire est couronnée d'une couronne de laurier. Cela signifie qu'elle est toujours prête à inscrire les noms des héros. Elle tient à la main une tige de parchemin. Il contient la chronique des exploits accomplis. Clio y inscrit également les noms des nobles et des dieux.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Le torse du BelvédèreSalle des MusesL'histoire complète

Le torse du Belvédère

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Les historiens ont débattu de l'origine du Torse du Belvédère. Malgré le manque d'informations sur la statue, on sait que Michel-Ange lui-même admirait les lignes raffinées et réalistes de la musculature. En peignant le plafond de la chapelle Sixtine avec des fresques, il a utilisé l'image de la statue soigneusement gravée. Mais lorsqu'on lui demanda de restaurer les parties manquantes du torse, le peintre refusa de le faire car il considérait la statue comme idéale. Le théoricien du néo-atticisme Johann Winckelmann comparait le torse à "un chêne puissant qui a été abattu et dépouillé de ses rameaux et de ses branches". Les historiens supposent que la statue pourrait représenter Héraclès, Polyphème, Prométhée, Arès ou Philoctète. Mais la version la plus populaire dit qu'il s'agit du Grec Ajax, assis sur la pierre et pensant au suicide. Les experts en art ont établi que la tête était penchée vers la main droite. Elle tenait l'épée avec laquelle le héros allait se suicider. On suppose qu'au cours de la guerre de Troie, c'est Ulysse qui a été nommé commandant et non Ajax, et ce dernier était tellement furieux qu'il s'est suicidé.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

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CalliopeSalle des MusesL'histoire complète

Calliope

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Calliope est la muse la plus éloquente, patronne de la poésie épique, de la philosophie et de la science. En grec, son nom signifie "belle voix". C'est pourquoi Dionysos appelait la poésie "le cri de Calliope". Calliope est la fille aînée de Zeus et la mère du célèbre héros légendaire Orphée. C'est de sa mère qu'il tient sa musicalité et sa poésie. Calliope tient une tablette de cire et un stylet de bois, un outil d'écriture. Cela donne l'expression "écrire dans un style élevé", c'est-à-dire dans un style éloquent et sonore.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

UraniaSalle des MusesL'histoire complète

Urania

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Urania est la muse de l'astronomie. Lorsque la mythologie grecque développait les concepts de muses, l'astronomie n'était pas une science exacte et compliquée. Il s'agissait plutôt d'un ensemble d'hypothèses sur le ciel et les étoiles. C'est pourquoi Uranie était souvent appelée muse "céleste". La sévère Uranie est représentée tenant un globe et un pointeur dans ses mains, telle une enseignante érudite.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

ApolloSalle des MusesL'histoire complète

Apollo

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Apollon est le protecteur des arts, de la poésie, de la musique et le chef des neuf muses. Les Grecs de l'Antiquité pensaient d'abord qu'Apollon protégeait le bétail. Ensuite, il était considéré comme un prédicateur et, enfin, comme le père du soleil et de la lumière. Le jeune dieu tient une cithare dans sa main. On dirait qu'il joue et chante en même temps. La figure du héros de la Grèce antique, Marsyas, est sculptée sur la cithare. Selon les légendes, Marsyas était un musicien talentueux et s'est mesuré à Apollon en jouant de la cithare. Les muses jugèrent le concours et préférèrent Marsyas. Apollon se mit alors à jouer de la cithare et à chanter simultanément. Marsyas n'y parvint pas et perdit. Pour le punir de son orgueil, Apollon le suspendit à un pin et l'écorcha vif.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

TersiconeSalle des MusesL'histoire complète

Tersicone

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Terpsichore est la muse de la danse exécutée en harmonie avec les impératifs du cœur. Selon une version, elle est la mère des sirènes. La lyre qu'elle tient à la main symbolise la musique qui faisait partie intégrante de la vie de Terpsichore. Elle était une danseuse émérite, et sa maîtrise de la danse représente l'équilibre entre la nature, les mouvements du corps humain et les émotions.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

PolimniaSalle des MusesL'histoire complète

Polimnia

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Polyhymnia est la muse de la poésie sacrée, de l'hymne sacré et de l'art oratoire. Elle symbolise la foi glorifiée en musique. Les Grecs de l'Antiquité pensaient que le succès d'un orateur dépendait de la clémence de Polyhymnie. L'orateur devait avoir fait l'apologie de la muse et celle-ci le dotait alors d'une éloquence fantastique. Si l'orateur ne s'adressait pas à Polyhymnie, son discours n'était pas couronné de succès.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

MelpomeneSalle des MusesL'histoire complète

Melpomene

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Melpomène est la muse de la tragédie, du chœur et de l'harmonie musicale. Elle a d'abord été nommée patronne des chants sacrés, puis patronne des chants tristes et enfin muse de l'art dramatique et du théâtre. Elle représente le principe tragique du théâtre. Melpomène porte un manteau de théâtre, tient un masque tragique dans sa main droite et un couteau dans sa main gauche. Traditionnellement, le masque symbolise un théâtre, et le couteau est un symbole de l'inévitabilité du châtiment de ceux qui ont désobéi aux dieux. Selon les légendes, c'est Melpomène qui a donné naissance aux perfides sirènes qui attiraient les marins avec leurs voix chantantes.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

TaliaSalle des MusesL'histoire complète

Talia

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Thalia est la muse grecque de la comédie et de la poésie idyllique. Elle est représentée tenant une houlette de berger, un masque comique et un tambourin. Sa tête est couronnée d'une couronne de fleurs des champs. Il s'agit de poèmes joyeux et pleins de vie sur le mode de vie des bergers et des paysans qui travaillent et vivent en pleine campagne.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Dieu du fleuve (Arno)La Cou octogonaleL'histoire complète

Dieu du fleuve (Arno)

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Le dieu de la rivière Arno à Florence est un titan puissant et fort avec un visage barbu froncé, sérieux et parlant. La figure du dieu représente la puissance et la force du fleuve qui donne naissance. À l'origine, la sculpture du dieu faisait partie d'une fontaine dont le bassin est un sarcophage décoré de scènes de batailles entre Grecs et Amazones. Cette statue représente le dieu de la rivière dans une pose traditionnelle, allongé, une jarre à la main. Une petite tête de lion est sculptée sur la jarre. Les éléments du chat prouvent que le fleuve Arno peut être identifié au fleuve Tigre de l'ancienne Mésopotamie.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Apollo BelvedereLa Cou octogonaleL'histoire complète

Apollo Belvedere

Leochares

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Apollon, le dieu du soleil et de la lumière, était appelé "splendide" ou "rayonnant". Pendant plusieurs siècles, il a été l'idole de la beauté masculine. Juste après sa création, la statue d'Apollon du Belvédère a été admirée à la fois par des gens ordinaires et par des sculpteurs éminents. L'expert en art Johann Joachim Winckelmann considérait la statue comme une référence de l'art grec. Il a déclaré que "de toutes les œuvres de l'Antiquité qui ont échappé à la destruction, la statue d'Apollon représente l'idéal le plus élevé de l'art". Dès que la statue de marbre a été découverte non loin de Rome au milieu du XVe siècle, elle a été placée dans le jardin du Belvédère au Vatican. C'est ainsi qu'Apollon fut appelé l'Apollon du Belvédère. La sculpture du Belvédère d'Apollon représente le dieu sous les traits d'un archer puissant et séduisant. Ses mouvements sont dynamiques, décisifs et courageux. Selon les historiens, Apollon est censé tenir un arc dans sa main gauche et une flèche dans sa main droite. Il semble qu'il vienne de lâcher une flèche, attendant de savoir quelle cible elle va atteindre. Les flèches et l'arc dans ses mains représentent son droit de punir les pécheurs et de purifier les personnes repenties de leurs péchés. La tête d'Apollon est couronnée d'une couronne de laurier, symbole de victoire. Près du jeune, un tronc d'arbre représente le dragon Python tué par Apollon à Delphes.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Cette histoire dans l'itinéraire

Belvedere HermesLa Cou octogonaleL'histoire complète

Belvedere Hermes

Praxiteles

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Hermès était l'émissaire des dieux et le conducteur des âmes des morts vers les Enfers. Son autre nom était Psychopomp, ce qui signifie littéralement le "guide des âmes". Hermès était également le patron des bergers, des ambassadeurs, des voyageurs, des magiciens, des alchimistes et des astronomes. Il était également vénéré par les marchands, les commerçants et les athlètes. Selon les légendes, Hermès aurait inventé les unités de mesure, les nombres et l'alphabet et les aurait enseignés aux hommes. La statue représente un Hermès jeune, fort et beau, dans une attente tranquille. Le jeune dieu regarde tranquillement devant lui. Il est mélancolique ; son regard est baissé, tandis qu'un manteau jeté sur son épaule est enroulé autour de l'avant-bras. Hermès appuie doucement son pied droit sur le tronc d'un palmier. L'auteur a incarné dans la sculpture ce charme rêveur particulier dont Hermès est comblé. Le marbre transmet de manière étonnante la douceur des mouvements d'Hermès, tout en montrant la jeunesse et la force de sa silhouette.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

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PerseusLa Cou octogonaleL'histoire complète

Perseus

Antonio Canova

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La sculpture représente une célèbre histoire grecque qui raconte la victoire de Persée sur la Gorgone Méduse. L'histoire commence lorsque le roi Polydectès souhaite épouser la belle Danaé. Celle-ci était la mère de Persée, qui s'opposait à ce mariage. Polydectes trompa Persée et lui fit promettre de tuer la Gorgone Méduse. Le roi espérait que Persée mourrait en combattant la Gorgone, mais d'autres événements se produisirent. Après de nombreuses épreuves, le jeune Persée atteignit l'île où vivaient les Gorgones. Sachant que tous ceux qui regarderaient Méduse seraient transformés en pierre, il décapita la Gorgone en regardant son reflet dans son bouclier de cuivre. La sculpture de Persée le représente après la défaite de la Gorgone. Il tient une épée dans ses mains et porte les sandales de Mercure. Ces attributs lui ont été donnés pour voler jusqu'à l'île des Gorgones et vaincre Méduse.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Venus FelicsLa Cou octogonaleL'histoire complète

Venus Felics

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Vénus est une ancienne déesse romaine de l'amour, de la beauté, de la fertilité et de la prospérité. Dans la culture grecque, elle était appelée la maîtresse de l'espoir et le symbole de la victoire. Des fêtes somptueuses étaient organisées en son honneur et elle était incarnée dans des dizaines de sculptures. Vénus est considérée comme la mère d'Énée, qui s'est enfui de Troie assiégée vers l'Italie. C'est là que ses descendants ont fondé Rome, et Vénus était vénérée comme la génitrice des Romains. Les attributs de la beauté éternellement jeune de Vénus sont un coquelicot, une rose, un pigeon et un lièvre, symboles de fertilité. Les Romains croyaient que Vénus était capable de contrôler la volonté des animaux sauvages et de les charmer. Selon les historiens, la sculpture de Vénus Felics est un cadeau sacrificiel offert à Vénus par l'impératrice Sallustia et son fils Helperid. Les experts en art supposent que la main gauche manquante aurait pu tenir une pomme ou un miroir. Les historiens assurent également que Vénus ressemble à Faustine la Jeune, épouse de l'empereur romain Marc Aurèle.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

LaocoonLa Cou octogonaleL'histoire complète

Laocoon

Polydorus

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Le groupe de statues de Laocoon et ses fils montre Laocoon et ses fils attaqués par des serpents de mer. Au plus fort de la guerre de Troie, Laocoön met en garde les Troyens contre la ruse et l'habileté des Grecs. Il demande aux citoyens de ne pas prendre le cheval de Troie. Mais les gens n'ont pas écouté Laocoön, et il a alors décidé de lancer une lance pour montrer ce que c'était. Mais le puissant Poséidon voulait que Troie soit ruinée, il devait donc empêcher Laocoön de révéler la vérité. Poséidon envoya deux énormes serpents attaquer Laocoön et ses fils. Les serpents de mer surgirent de la mer, enroulèrent le cou de leurs victimes et les tuèrent. Le groupe de statues exprime le mélodrame théâtral. Le sculpteur a magistralement utilisé sa connaissance du corps humain pour graver la figure de Laocoön au moment le plus tendu. Les muscles de son corps sont tendus par la douleur et sa bouche est déformée par un cri de mort. Il ne pleure pas tant lui-même que ses fils. La description de la bataille à mort n'est pas la seule à refléter la tragédie. La souffrance de Laocoön et de ses fils est désespérée, car ils seront tués dans quelques minutes. Mais même s'il le sait parfaitement, Laocoön espère toujours repousser les serpents de mer et s'en débarrasser. La sculpture étonne par le réalisme et les détails des muscles du corps humain, tendus et résistants.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

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ApoxyomenosCabinet of ApoxyomenosL'histoire complète

Apoxyomenos

Lysippos

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L'Apoxyomenos est un symbole des sports anciens et une démonstration éloquente du corps athlétique et svelte des athlètes grecs. Le mot "Apoxyomenos" vient du verbe grec signifiant "se nettoyer". Avant les compétitions, les athlètes de la Grèce antique s'oignaient le corps avec de l'huile qui était recouverte de sable pendant un tournoi. Après les compétitions, les athlètes enlevaient le mélange de sable et d'huile à l'aide d'une cuillère spéciale appelée strigil. La statue d'Apoxyomenos représente un sportif gracieux, un peu décontracté, mais sérieux. Sa silhouette en plastique maigre est une preuve silencieuse de la popularité des sports dans l'Antiquité. Il s'agit d'une copie de la statue en bronze d'Apoxyomène réalisée par le sculpteur grec Lysippe en 320 avant Jésus-Christ.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

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HeraclesLa salle rondeL'histoire complète

Heracles

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Il s'agit de la seule statue de bronze au monde recouverte de la dorure originale antique. Héraclès tient dans ses mains une lourde massue, la peau du lion et les pommes des Hespérides. Ils rappellent le premier et le dernier des douze travaux d'Héraclès. La peau du lion de Némée est le symbole du premier travail d'Héraclès. L'athlète devait tuer un énorme lion qui terrorisait les collines autour de Némée. Lorsqu'Héraclès trouva une grotte où vivait le lion, il en bloqua l'entrée avec une pierre. Il assomma ensuite le lion avec sa massue et l'étrangla jusqu'à ce que mort s'ensuive. Les pommes des Hespérides symbolisent la douzième tâche, la plus difficile, accomplie par Héraclès. Selon les légendes, il devait aller chercher trois pommes d'or dans le jardin d'un titan, Atlas, qui tenait le ciel sur ses épaules. Atlas tenait le ciel sur ses épaules et le jardin était gardé par les Hespérides, ses filles. Avant qu'Héraclès ne parvienne à cueillir trois pommes, il trouva le chemin du jardin, trompa le dragon qui défendait les arbres et Atlas lui-même.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

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Le Braschi AntinousLa salle rondeL'histoire complète

Le Braschi Antinous

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Antinoüs, un jeune et beau Grec, était le favori de l'empereur romain Hadrien. Ils se rencontrèrent en 124 après J.-C., et depuis lors, Antinoüs accompagna toujours le souverain. Cette alliance dura six ans et, en 130, le jeune homme mourut dans les eaux du Nil. Jusqu'à présent, les causes de sa mort n'ont pas été élucidées. Les historiens ont émis plusieurs hypothèses, parmi lesquelles le suicide, l'accident tragique et le sacrifice humain rituel. Après sa mort, Antinoüs a été déifié et son culte s'est répandu en Grèce et en Égypte. Là, le jeune homme fut identifié à Osiris, un dieu de la résurrection qui s'était également noyé dans le Nil, mais qui ressuscita et rendit la terre fertile. La sculpture incarne les traits réels d'Antinoüs : son corps puissant, ses épaules larges, son visage qui attire l'attention. Il est représenté fort comme un athlète et beau comme un dieu. Sa beauté est voluptueuse et douce, comme si elle était entourée de tristesse. La statue représente Antinoüs sous les traits de Dionysos, dieu du vin et de la végétation. Sa tête est ornée des symboles du dieu du vin : une couronne de lierre et un diadème.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

DemeterLa salle rondeL'histoire complète

Demeter

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Déméter était la déesse de la fertilité et de l'agriculture. Son second nom est "mère terre" qui enseignait aux gens comment cultiver la terre. La légende la plus célèbre de Déméter raconte qu'elle est partie à la recherche de Perséphone, emmenée par Hadès aux Enfers. Déméter parcourut la terre de long en large pour retrouver sa fille, mais la terre devint stérile. Les gens mouraient de faim et n'avaient pas de cadeaux à offrir aux dieux. Les dieux implorèrent Déméter de revenir sur le mont Olympe, mais elle refusa. Zeus ordonna alors à son frère Hadès de libérer Perséphone. Lorsque la fille revint, Déméter cessa de s'affliger et se coiffa d'une couronne de bleuets. En guise de célébration, la déesse donna aux gens des épis de maïs, et ils se mirent à cultiver du blé. La sculpture représente une Déméter calme, digne, au regard franc. Mais tous les historiens ne croient pas que cette statue soit Déméter. Il y a des doutes car il n'y a pas d'attributs spécifiques à la déesse. Elle est appelée Déméter car elle tient dans sa main droite une tête de pavot, symbole de fertilité. Mais un sceptre dans sa main gauche pourrait faire allusion à Héra.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

AugustosLa salle rondeL'histoire complète

Augustos

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En latin, togatus signifie une personne vêtue d'une toge. Il s'agit du vêtement national d'un citoyen romain à part entière. La toge a été popularisée par l'empereur Auguste. Il ordonna aux Romains de porter la toge avant de se rendre au Forum, le centre d'affaires de la ville. C'est ainsi que la toge est devenue un symbole de la Rome antique, un attribut que les gens étaient obligés de revêtir pour se rendre au marché, au temple ou à une réunion. La toge était drapée, et l'on croyait généralement que seuls les Romains étaient capables d'apprendre "le grand art du drapé". L'empereur Génie Auguste drapé dans sa toge incarne un Romain libre et respecté par la société. La tête d'Auguste est couverte par la toge. Cela signifie que l'empereur est prêt pour la consécration - l'offrande des sacrifices. Dans sa main gauche, Auguste tient la corne d'abondance, symbole de la fertilité et de la satiété de son peuple. Dans la culture romaine, le génie est le grand-parent, le gardien spirituel du destin de l'homme. On le vénère et on l'espère. Peu à peu, les gens ont commencé à associer ce culte au respect de l'empereur. Auguste était appelé Génie pour ses mérites envers la patrie, sa grandeur et sa protection du peuple romain.

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GalbaLa salle rondeL'histoire complète

Galba

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Servius Galba n'a dirigé l'Empire romain que pendant six mois, de juin 68 à janvier 69. Galba est né dans une famille noble et a fait une carrière militaire et politique remarquable. Il fut le premier empereur romain à s'emparer du pouvoir à la suite de la rébellion de soldats. C'est ce conflit militaire interne qui est à l'origine de la lutte constante pour le pouvoir dans l'Empire romain. De nouvelles émeutes ont envahi Rome et, finalement, Galba a été tué. Selon les légendes, Galba était un commandant sévère. On raconte qu'il ne laissait aucun répit à ses soldats, qu'il les épuisait par des exercices physiques et des travaux permanents. Selon les historiens, à la fin de sa vie, Servius Galba était affaibli et ruiné par les maladies. La sculpture le montre comme un homme âgé, mais toujours fort et puissant, tenant dans ses mains un bâton, symbole de pouvoir.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Claudius as JupiterLa salle rondeL'histoire complète

Claudius as Jupiter

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Claudius, devenu empereur après Jules César, a gouverné le pays avec incompétence. Les légendes racontent que Claude était myope et étroit d'esprit, incapable de contrôler un grand État. Il était timide, stupide et indélicat, ce qui l'a privé de titres et de rangs. En réalité, Claudius était doué pour l'histoire, l'archéologie et la littérature grecque et romaine. Lorsqu'il était enfant, Claudius tombait souvent malade, ce qui avait des répercussions sur son développement physique et mental. Malgré la disgrâce de Claudius, sa statue le représente comme Jupiter, un dieu beau, fort et digne. Les proportions idéales de son corps ne sont pas en harmonie avec son visage. Le torse, les jambes, les bras, les oreilles décollées, le visage ridé et les yeux creux ne sont pas harmonieux. La tête de Claude est ornée d'une couronne de feuilles de chêne. C'est un symbole de fertilité, de courage et de puissance. Les victoires militaires ont marqué le règne de l'empereur. Un aigle, compagnon éternel de Jupiter, est assis aux pieds de Claude. Il symbolise la sagesse et les victoires militaires à venir.

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Hera BarberiniLa salle rondeL'histoire complète

Hera Barberini

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Héra est la déesse du mariage et l'épouse de Zeus. Elle protège les couples mariés et les bénit en leur donnant des enfants. Héra respectait beaucoup le caractère sacré du mariage et essayait de protéger sa famille et d'être une épouse fidèle. Elle a bien fait son travail, mais on ne peut pas en dire autant de Zeus. Il avait de nombreuses amantes, et c'est pourquoi Héra faisait toujours des scènes, mais plus tard, elle s'est réconciliée avec son mari. La déesse, vêtue d'une somptueuse tenue, se déplaçait sur un char d'argent aux roues d'or tiré par des chevaux immortels. Elle était la plus forte des déesses de l'Olympe et siégeait près de Zeus sur le trône d'or. La sculpture la représente comme une reine gracieuse et splendide. Hera Barberini est représentée tenant un bâton dans sa main droite, la tête légèrement inclinée. La déesse démontre ainsi son pouvoir et son affection pour les gens. La statue est composée de nombreux fragments de marbre. Certains fragments ont été utilisés pour créer le pied gauche et la poitrine. Il s'agit d'une tradition ancienne qui permet de réaliser une sculpture complète en utilisant un minimum de pierres.

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Juno SospitaLa salle rondeL'histoire complète

Juno Sospita

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Junon est l'une des déesses les plus respectées de la Rome antique. Le mois de juin porte son nom et la déesse était appelée Sospita, c'est-à-dire Sauveur. Elle était la patronne de la Lune, des femmes et du mariage et faisait partie de la triade capitoline qui comprenait Jupiter et Minerve. La déesse de la sagesse Minerve et la patronne de la fertilité Cérès étaient ses conseillères. Chaque femme est considérée comme ayant sa propre Junon, une compagne et une protectrice. Junon est représentée comme une femme sévère qui reste immobile et regarde au loin. Un diadème recouvert d'une peau est posé sur la tête de la déesse. Il s'agit de la peau de la chèvre Amalthée qui a nourri Zeus lorsqu'il était enfant. La déesse tient une lance et un bouclier dans ses mains. Cela fait référence à un autre titre de Junon. Elle symbolise la victoire et les prouesses militaires. Les Romains de l'Antiquité avaient l'habitude de l'invoquer lorsqu'ils demandaient le succès de leurs campagnes militaires.

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03La galerie des Candélabres8 · des œuvres exposées

La galerie des Candélabres a été aménagée en 1761. À l'origine, elle servait de loggia ouverte, mais elle a été rénovée à la demande du pape Pie VI. La galerie est extrêmement vaste, sa longueur est de 80 mètres et elle est divisée par des colonnes de marbre en six sections. On peut constater que cette division est très formelle et que les arcs soutenus par les colonnes déterminent la surface de chaque section. Chacune d'entre elles contient des vases, des éléments de sarcophages et d'autels, des fresques, des urnes funéraires, des mosaïques romaines. Enfin, le long des murs de la galerie se trouvent les pièces maîtresses : des candélabres en marbre du IIe siècle provenant d'Otricoli. Regardez sous vos pieds à l'entrée de la troisième salle de la galerie. À l'entrée même, une fresque représente les armoiries de la famille et les insignes papaux sous la forme de deux clés croisées sous un trigone. À la demande du pape Léon XIII, une série de fresques a été réalisée par le peintre italien Ludwig Seitz. Dans la galerie du Candélabre, vous pouvez voir des copies romaines d'œuvres d'art grecques datant du I-IIIe siècle avant J.-C. Regardez les pièces les plus importantes : "Ganymède et l'aigle", "Artémis d'Éphèse", "Garçon à l'oie", "Le guerrier perse".

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AppoloL'histoire complète

Appolo

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Une statue classique d'Apollon, divinité idéale, illustre la beauté et la puissance de l'un des dieux les plus vénérés du panthéon grec. Dans les mythes de la Grèce antique, Apollon est le dieu de la lumière et de la pureté. Plus tard, avec le changement de la vision du monde antique, il a commencé à incarner la moralité et l'humanité. Tous les principes moraux les plus forts de la Grèce antique étaient incarnés dans le culte du dieu Apollon. Il était adoré, les gens se repentaient de leurs péchés devant lui, les criminels et les pécheurs lui demandaient de pardonner, et il était fêté. Selon les croyances grecques, l'apparence d'Apollon était à l'image de cette statue. Il était insouciant, sans fard, élégant, gentil, mais un peu arrogant, plein d'un pouvoir qu'il ne fallait pas montrer. Lors de la restauration, le maître italien Giovanni Pierantoni a ajouté à la statue des bras, des jambes, une lyre et une partie de l'arbre avec un serpent. Il a copié la tête de la sculpture d'Apollon Belverde. Selon les historiens, la statue d'Apollon est une copie agrandie de la statue grecque antique d'Apollon Belverde créée au в Vème siècle avant Jésus-Christ.

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DiscobolusL'histoire complète

Discobolus

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La statue Discobolus est remarquable car il s'agit de la première sculpture représentant un être humain en mouvement. En la créant, l'artiste a remis en question sa maîtrise et les traditions sculpturales reconnues. En effet, les artistes ne sculptaient pas de figures en mouvement dans la pierre au Ve siècle av. La statue Discobolus représente un vainqueur du concours de lancer du disque. Les Jeux olympiques et tous les événements qui s'y rapportent étaient extrêmement populaires dans l'Antiquité. La statue d'un lanceur de disque est un symbole du prestigieux sport antique et l'un des chefs-d'œuvre classiques les plus importants du monde antique. L'athlète est sur le point de lâcher son lancer. D'un point de vue technique, il était extrêmement difficile de représenter cette torsion du corps. Mais le sculpteur y est parvenu à la perfection. Tous les mouvements sont étonnamment réels. La statue de Discobolus est une copie romaine réalisée au IIe siècle. L'original a été créé par Myron au Ve siècle avant J.-C., à l'âge d'or des Jeux olympiques. Depuis lors, de nombreuses copies de la sculpture de Discobolus ont été réalisées et la statue elle-même est devenue un symbole du mouvement olympique moderne.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

GanimedL'histoire complète

Ganimed

Leochares

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Un aigle soulève un jeune et beau Grec, Ganymède, dans les airs et l'emporte sur le mont Olympe, la montagne de tous les dieux. Selon les légendes, Zeus fut tellement séduit par la beauté exceptionnelle de Ganymède qu'il enleva le jeune garçon. On ne sait pas si le dieu suprême a envoyé l'oiseau ou s'il s'est lui-même transformé en aigle pour amener le jeune garçon sur l'Olympe. Zeus accorda au père du Ganymède volé une vigne d'or, une paire de chevaux et la promesse que son fils serait à jamais jeune et immortel. Après l'enlèvement, Ganymède devint échanson dans l'Olympe et servit les dieux avec du nectar et de l'ambroisie. La sculpture ne représente pas un vol, mais seulement le moment où l'aigle rattrape Ganymède avec précaution et l'enlève du sol. Le corps de l'oiseau est placé strictement à la verticale et les ailes sont déployées à l'horizontale. Ainsi, les figures de Ganymède et de l'aigle, qui se croisent, représentent une sorte de calvaire. Le chien de Ganymède lève la tête et regarde son maître s'élever dans le ciel.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

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ArtemidaL'histoire complète

Artemida

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Artémis, déesse de la chasse de la Grèce antique, représente la virginité, la pureté et la fertilité. En outre, elle était considérée comme la protectrice du mariage, des couples mariés et de l'accouchement. Artémis se comportait souvent comme une chasseresse, portant un carquois, une lance et des flèches. Elle était également représentée entourée de nymphes pendant le bain dans la rivière. Les animaux de culte d'Artémis, protectrice des animaux sauvages, étaient l'ours et le cerf. Artémis d'Éphèse est l'une des images de la déesse aux multiples visages. Elle symbolise la fertilité. Les historiens débattent des objets sphériques sur la figure. Les avis divergent. Certains experts affirment qu'il s'agit d'un sein féminin, d'autres spécialistes pensent qu'il s'agit d'une grappe de raisin. Sa coiffe et sa somptueuse tenue sont ornées de nombreuses têtes de taureaux et d'abeilles symbolisant la nature et ses fruits.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

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Le guerrier perseL'histoire complète

Le guerrier perse

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Le guerrier perse sans nom est représenté au moment de la retraite. Son visage exprime l'horreur et la peur, et son corps est extrêmement tendu. Il porte un béret phrygien et brandit une épée de la main droite. Le Perse recule. Et ce mouvement ainsi que tout le corps du guerrier exprimant la panique montrent la défaite des troupes perses. Cette sculpture était l'une des quatre statues représentant la victoire grecque à la bataille de Marathon en 490 av. La victoire dans l'une des batailles les plus importantes des guerres gréco-persanes est la première victoire grecque. En même temps, la défaite n'a pas eu de conséquences dévastatrices pour les Perses.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Jeune garçon étranglant une oieL'histoire complète

Jeune garçon étranglant une oie

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La sculpture "Un jeune garçon étranglant une oie" ne fait l'objet d'aucune légende antique. Selon les historiens, de telles statues étaient placées dans les temples d'Asclapius, le dieu de la médecine. Les sculptures symbolisaient le sacrifice pour la santé d'un enfant malade qui ne pouvait pas se rendre au temple par ses propres moyens. Un coq ou une oie était généralement offert au dieu guérisseur en guise de cadeau pour la santé. Il semble donc qu'un garçon avec une oie ait remplacé l'enfant demandant la guérison. La valeur historique de la sculpture réside dans le fait qu'il s'agit de l'une des premières statues représentant les proportions correctes du corps de l'enfant. Les sculpteurs ont d'abord représenté les enfants comme des copies réduites des adultes. Dans l'Empire romain, de nombreuses répliques de la sculpture ont été réalisées et placées dans différents endroits - des temples aux cours des maisons riches.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

PanL'histoire complète

Pan

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La statue Pan arrachant une épine du pied d'un satyre représente deux personnages de la mythologie grecque antique. Pan était l'esprit des bois, des champs et des pâturages. Il protégeait le bétail, les chèvres et les moutons. Avec ses cornes de chèvre et ses sabots, il ressemblait lui-même à une chèvre. Le satyre était reconnu comme l'une des divinités en bois. Il ressemblait à une casserole avec des cornes et des sabots. Le satyre était un esprit des bois et un démon de la fertilité, paresseux, dissolu, aimant les divertissements et les banquets. Selon les légendes, les satyres suivaient toujours Dionysos, le dieu du vin. C'étaient des satyres qui avaient préparé du vin pour la première fois. Après l'avoir bu, ils faisaient la fête pendant longtemps. Dans la hiérarchie des esprits et des divinités, le satyre était placé au-dessus de Pan. C'est pourquoi nous voyons Pan, plus bas et plus petit, faire de son mieux pour extraire une épine du pied d'un satyre.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Les deux chevauxL'histoire complète

Les deux chevaux

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La sculpture Le char à deux chevaux est un symbole de pouvoir et de reconnaissance du commandant. Un char militaire est un véhicule solide, rapide, léger et luxueux. Ces chars tirés par des chevaux étaient conduits par les centurions, hauts gradés de l'armée romaine. Ils démontraient ainsi leur appartenance à l'élite de l'armée. Au XVIe siècle, un char, appelé biga par les Romains, servait de trône épiscopal dans l'église Saint-Marc à Rome. La composition dynamique que nous voyons est constituée des pièces assemblées lors de la restauration de 1788. Le sculpteur italien Francesco Antonio Franzoni était chargé de la restauration du char. Il a restauré les roues du char et l'un des chevaux, puis il a sculpté lui-même le second.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

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04La Pinacothèque34 · des œuvres exposées

La Pinacothèque du Vatican a été aménagée par le pape Pie VI dans la seconde moitié du XVIIIe siècle. À l'origine, le pontife avait placé sa collection de peintures dans une seule salle. Depuis, la collection s'est agrandie et la salle a été agrandie. Enfin, en 1908, dix-huit salles de la Pinacothèque ouvrent leurs portes aux visiteurs. Vous y visiterez plus de 15 salles présentant des mosaïques, des tapisseries, des icônes, des sculptures et des peintures italiennes des XIIe-XIXe siècles d'une beauté époustouflante. Vous devriez vous arrêter pour admirer les peintures religieuses du Caravage, de Raphaël, du Titien et de Vinci. Un spectateur attentif remarquera que les toiles de différentes écoles de peinture y sont exposées, notamment l'école florentine, l'école baroque, l'école flamande, l'école hollandaise et l'école de Raphaël Santi. En parcourant les salles de la Pinacothèque du Vatican, vous verrez les tableaux "Transfiguration" et "Madone de Foligno", "Madone à la ceinture" de Benozzo Gozzoli, "Vision de Sainte-Hélène" de Paolo Veronese, "Mise au tombeau du Christ" de Michel-Ange, "Madone à l'enfant" de Pietro Perugino, "Saint Jérôme" de Léonard de Vinci et "Lamentation sur le Christ mort" de Giovanni Bellini. Dans la huitième salle, vous pourrez admirer la collection de tapisseries réalisées à partir de cartons de Raphaël Santi, parmi lesquelles figurent la "Guérison du boiteux" et le "Miraculeux courant d'air des poissons". La dix-huitième salle a rassemblé une grande collection d'icônes réalisées entre le 15 et le 19ème siècle. Elles sont considérées à juste titre comme représentant les pratiques spirituelles des premiers siècles du christianisme. La Pinacothèque conserve près de cinq cents tableaux provenant du monde entier. La seule chose qui compte, c'est qu'il vous faudra suffisamment de forces pour ne pas vous contenter de les regarder, mais pour en comprendre la particularité, la caractéristique distinctive qui incarne l'esprit du temps et la puissance de l'idée artistique.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

room18

Les icônes des musées du Vatican constituent une importante collection d'images sacrées. Elles sont l'expression de la théologie, de la foi et des canons esthétiques du christianisme en Orient. Les peintures qui font partie de la collection ont été incluses dans les collections papales après 1762, dans le cadre du Saint Musée fondé par le pape Benoît XIV dans la bibliothèque du Vatican. Les icônes présentées ici représentent les plus significatives de la collection, sélectionnées sur la base de leurs types iconographiques et de leurs zones culturelles. Datant du XVe au XIXe siècle, elles proviennent de la Grèce post-byzantine, des pays balkaniques et slaves, de la Russie, de l'ancienne région vénitienne, de l'Adriatique et du Moyen-Orient. Ces territoires ont toujours été associés au monde byzantin, dans lequel, dès les premiers siècles de l'ère chrétienne, une symbiose particulière entre la doctrine théologique et l'art s'est développée, donnant forme et contenu aux images sacrées que nous appelons aujourd'hui icônes. La forme la plus courante dans les collections des Musées du Vatican est l'icône de dévotion. Il s'agit d'images, généralement de petit format, créées pour la prière personnelle et domestique. Bien que leur taille diffère de celle des grandes icônes exposées dans les églises, elles présentent des thèmes iconographiques similaires : images du Christ et de la Mère de Dieu, des saints et des fêtes liturgiques.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Dernier jugementL'histoire complète

Dernier jugement

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Le Jugement dernier est le tableau le plus ancien de la Pinacothèque. L'intrigue de l'Apocalypse était l'une des plus importantes pour les chrétiens du Moyen Âge qui croyaient que la Terre était un disque. La forme du tableau, qui est un rond avec une base rectangulaire, est un symbole de l'exhaustivité du Jugement dernier. Cette peinture est traditionnelle du XIIe siècle, époque à laquelle les autels étaient décorés de panneaux de bois représentant des scènes religieuses. Les figures du panneau sont bidimensionnelles. Les personnages sont dépourvus de vivacité artistique et d'émotions, et leurs figures sont immobiles. Elles servent à illustrer le Jugement dernier, à expliquer l'un des épisodes les plus incompréhensibles de la Bible. Le tableau est divisé en cinq phases ou registres. Chaque personnage prend place dans la hiérarchie religieuse. Au sommet de la composition se trouve le Dieu qui tient les insignes dans ses mains. Il est entouré de chérubins. La deuxième phase montre le Christ, debout entre deux anges et douze apôtres devant un autel. La troisième phase contient le message le plus complexe. Elle est divisée en scènes. Sur la première scène à gauche se trouve saint Paul qui guide les élus. La Vierge Marie et Étienne, intercédant pour les innocents, sont ensuite représentés. À droite, trois autres scènes : Habillez les nus, Visitez les prisonniers, Donnez à boire à ceux qui ont soif. La quatrième phase montre la terre et l'eau, les oiseaux, les poissons et les animaux féroces crachent les membres des corps dévorés, et les anges sonnent les trompettes de l'apocalypse et réveillent les morts. La cinquième phase rectangulaire montre la Jérusalem céleste et l'enfer. On y voit les sauvés qui attendent au paradis et les pécheurs dont le chemin mène à l'enfer.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Madonna avec l'enfant et les saintsL'histoire complète

Madonna avec l'enfant et les saints

Tiziano Vecellio

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Le retable de la Vierge à l'enfant et aux saints porte un autre nom : la Vierge des Frari. Il s'agit de l'un des tableaux les plus impressionnants et les plus colorés de Tiziano, le peintre de Venise. La toile représente l'apparition de la Vierge Marie avec l'Enfant devant les saints Catherine, Nicolas, Pierre, Antoine, François et Sébastien. La Vierge avec l'Enfant sur les genoux, entourée d'anges, est assise sur la nuée et descend vers les saints qui l'ont vue. Ils se trouvaient dans le temple lorsque la vision leur est apparue. Le peintre montre que chaque témoin de la vision la perçoit à sa manière. Certains regardent vers le haut, d'autres vers le bas, mais la joie, la crainte, la solennité et la grandeur de l'instant sont dans l'air. Les personnages sont peints de manière lumineuse, vive, colorée et en perspective. La lumière à peine visible et la riche couleur dorée font ressembler le tableau à une icône. La Madone à l'enfant et aux saints a été peinte pour l'autel de l'église Saint Niccolò della Frari au Lido de Venise.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Vision de St HelenL'histoire complète

Vision de St Helen

Paolo Veronese

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Le tableau La Vision de Sainte-Hélène est un exemple éclatant de l'image représentée contre l'intérieur séculier. Le tableau représente Sainte-Hélène. Elle fut la mère de Constantin, le premier empereur romain à avoir professé le christianisme. Selon la légende, un ange serait apparu à Hélène pour lui dire de se rendre à Jérusalem à la recherche de la croix du Christ. De nombreux experts s'accordent à dire qu'il ne s'agit pas de la mère de Constantin représentée sur le tableau, mais de l'épouse du peintre, Sainte-Hélène. En effet, la femme représentée est jeune, alors que Sainte-Hélène s'est assise à la recherche de la Croix lorsqu'elle était âgée. Helena est représentée assise dans le fauteuil, enveloppée dans un doux sommeil. La vision est devant elle. Un garçon-ange ailé lui montre le chemin de la Croix en la tenant dans ses mains. Helena est vêtue d'une riche et somptueuse robe aux motifs floraux. La tête reposant sur sa main, elle dort naturellement. En détail, le peintre a représenté le bras d'Helena se détendant dans le sommeil. Dans quelques minutes, le poignet se détendra complètement et tombera. Helena se réveillera alors, comprendra la vision et partira pour la Terre Sainte à la recherche de la Croix.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Repos sur le chemin de l'ÉgypteL'histoire complète

Repos sur le chemin de l'Égypte

BAROCCI Federico

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Le tableau La Sainte Famille est remarquable pour son interprétation d'un épisode célèbre de la Bible. Cette scène iconographique est un exemple spectaculaire de la toile de l'école ombrienne. La toile est imprégnée de poésie et de couleurs. C'est pourquoi son histoire a trouvé un écho auprès des croyants et a été extrêmement populaire. Ce tableau est également appelé Madone aux cerises ou Le repos lors de la fuite en Égypte. Le tableau représente la Vierge Marie, Joseph et l'enfant Jésus. La sainte famille s'est envolée pour sauver le fils du massacre des innocents. Federico Barocci a traduit les croyances difficiles du christianisme dans des formes compréhensibles pour les gens ordinaires. Le peintre a rendu le sujet de la peinture simple en montrant la routine quotidienne de la famille. Malgré cela, la toile est imprégnée des symboles chrétiens. La cerise est le symbole de la souffrance du Christ. Elle rappelle aux croyants la particularité de la vie du Fils. La couleur rouge symbolise le sang qu'il a versé pour les péchés des hommes. La pureté des couleurs, la fluidité des lignes et l'équilibre entre l'homme et la nature. Sans prétention ni pathos religieux, les personnages ne posent pas exprès. Ce sont des gens ordinaires, et la peinture est comme une scène de leur vie quotidienne.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Résurrection de LazareL'histoire complète

Résurrection de Lazare

Girolamo Muziano

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La résurrection de Lazare est l'un des épisodes clés de la Bible, qui démontre la miséricorde et le pouvoir illimité du Christ. Cette toile est l'une des plus significatives de toutes les scènes religieuses. Dans le christianisme primitif, au début du premier siècle, la résurrection de Lazare faisait référence à la résurrection de tous les morts lors du jugement dernier et du Christ après la crucifixion. Le miracle de la résurrection de Lazare représente non seulement la résurrection de son corps, mais aussi un renouveau spirituel. Le peintre a représenté avec habileté les spécificités du support, la profondeur et la hauteur d'une tombe et les émotions sur les visages des témoins oculaires. Lazare enterré dans le tombeau est ressuscité. Et tout le monde ne parle que de cela. Dans le tableau, chaque personne est représentée dans une certaine perspective, en mouvement. C'est ce qui donne l'impression d'être aspiré dans un tourbillon d'événements. Le Christ est au centre de la composition. Sa figure est lumineuse et pittoresque. Le corps de Lazare n'est pas aussi lumineux que celui de son sauveur. C'est ce que laisse entendre l'épisode biblique. En effet, il importe peu de savoir qui a été ressuscité par le Fils de Dieu. Mais le miracle accompli grâce à sa bonté et à sa compassion est important.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Crucifixion de Saint PierreL'histoire complète

Crucifixion de Saint Pierre

Guido Reni

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La Crucifixion de saint Pierre montre comment un peintre peut construire une composition de manière symétrique. Ce tableau est un exemple éclatant de la manière dont un peintre maîtrise le médium et joue habilement avec les différentes nuances d'une même couleur. Le tableau montre clairement le contraste entre les teintes de la peau de Pierre et de ses bourreaux. La couleur de leur peau est la même, mais les nuances sont différentes. Le corps de Pierre est d'une pâleur mortelle. Il semble exsangue et rigide avant l'inévitable martyre. Trois bourreaux s'apprêtent à crucifier Pierre. En le mettant en croix, ils se sont échauffés, et leurs corps sont teintés de la nuance de la cire jaune. Le peintre a rendu les figures tridimensionnelles et étonnamment réalistes grâce au jeu de la lumière. La partie la plus lumineuse se trouve au centre de la toile. Il s'agit de la figure de Pierre. La croix est à peine visible, mais elle crée la ligne centrale du tableau et le divise en parties symétriques. En travaillant sur le tableau, Guido Reni a pris pour modèle la toile de Michelangelo da Caravaggio pour l'église de S. Maria del Popolo. Reni a réussi à représenter magistralement la scène et à la rendre unique. Par exemple, le tableau original montre le visage de Pierre dessiné par la douleur, et Reni, respectant le martyre du saint, a choisi de ne pas montrer son visage.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Communion de St JérômeL'histoire complète

Communion de St Jérôme

Domenichino

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Le sujet de La dernière communion de saint Jérôme n'était pas populaire parmi les peintres en raison de sa complexité et de son immensité. Le peintre a utilisé des couleurs claires et nettes qui donnent l'impression que le support de la peinture est plein d'air et de lumière. Les personnages représentés sont réalistes et leurs gestes et mouvements sont lents et précis. Les disciples se penchent sur un Jérôme faible, mince et au visage maigre. Saint Girolamo lui donne la communion et Sainte Paola lui baise la main. Leurs visages sont ordinaires, mais pleins de compassion et de miséricorde. Les disciples de Jérôme portent des vêtements riches et somptueux, et l'aîné est vêtu d'un manteau écarlate. Un lion triste repose à ses pieds. Il s'agit d'un animal légendaire des histoires de Jérôme. Une fois que le vieillard lui a retiré une épine de la patte, la bête le suit partout. Une bougie brûle derrière Jérôme, symbole de sa vie religieuse et recluse. La haute voûte d'une église encadre le paysage visible et le ciel clair prêt à prendre l'âme de Jérôme.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Martyre de St ErasmeL'histoire complète

Martyre de St Erasme

Nicolas Poussin

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Cette peinture est devenue un prototype pour la représentation des martyres des saints et des frappes par la description détaillée des souffrances humaines. Son succès immédiat peut être comparé aux expositions individuelles modernes qui font la renommée des peintres. La toile du martyre de saint Érasme est la première commande passée à Poussin par la basilique Saint-Pierre. Erasme était un évêque-marin et a été tué pendant les persécutions religieuses de l'ère chrétienne. Selon la légende, des païens, ses bourreaux, auraient forcé Érasme à abjurer sa religion. En tant que protecteur des marins, Érasme avait pour attribut un cabestan. Devant son refus, ils lui extraient les intestins en les faisant rouler autour de son cabestan. Le peintre a capturé ce moment horrible. Le visage d'Érasme exprime la douleur et la souffrance, mais il est calme et humble. La composition est pleine de tension, de dramatisme et de désespoir. Elle est pleine de mouvement et de dynamisme. Les personnages sont regroupés sur une place ouverte. Le peintre montre magistralement l'air et la lumière vive qui éclairent les personnages. Les cinq tueurs sont en furie, mais ils continuent à faire leur travail de manière professionnelle. Un prêtre en colère se penche sur Érasme et lui indique la statue d'Hercule, héros et idole des païens. Le prêtre semble ainsi montrer ce dont souffre Érasme. Les anges volent au-dessus de lui en tenant la palme et la couronne de laurier, symboles du martyre.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Position dans le cercueilL'histoire complète

Position dans le cercueil

Michelangelo

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La mise au tombeau du Christ est le tableau le plus monumental et le plus remarquable de Michelangelo Caravaggio. Curieusement, un coup de pinceau tout à fait ordinaire et une scène traditionnelle n'ont pas été bien accueillis par les contemporains du Caravage. Après avoir vu la Mise au tombeau, de nombreux peintres et collectionneurs ont été scandalisés. Le tableau est imprégné de tragédie humaine et de misère sans fin, ce qui ne correspondait pas aux canons reconnus de l'art de l'époque. Six personnages sont représentés sur un fond sombre. On les voit se plier et se retourner. Le temps semble s'être arrêté. Pas de cris, pas de lamentations, pas de larmes. Mais la toile garde des traces claires du deuil. Chaque personnage incarne le chagrin intense de l'adieu au Christ. L'œil du spectateur peut voir le visage triste de Marie, qui lève les bras au ciel, Marie-Madeleine qui baisse la tête, la Vierge Marie qui tend silencieusement le bras. Alors que le pharisien Nicodème et Jean l'Évangéliste s'efforcent d'ensevelir le Christ, ils sont également accablés par le même chagrin. Jean et Nicodème ont du mal à porter le corps du Christ, d'une pâleur mortelle. Nicodème sent ses jambes se déformer sous l'effet de la lourdeur. Il semble regarder un spectateur et essayer de lui faire passer son fardeau. Selon les experts en art, la figure de Nicodème représente Michel-Ange lui-même. Malgré la douleur et le chagrin, la toile fait allusion à l'événement joyeux à venir, la résurrection du Christ. La peinture symbolise la façon dont le Christ, qui s'est sacrifié pour le bien de tous les hommes, vaincra les ténèbres.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

AngesL'histoire complète

Anges

Gian Lorenzo Bernini

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Les quatre anges de Gian Bernini ont servi de modèles préparatoires pour les figures en bronze des anges de la Chaire de Saint-Pierre dans la basilique Saint-Pierre. Le trône de bronze de la présidence était orné de silhouettes d'anges sur les nuages. Les sculptures des anges sont réalisées sur une armature en fer. Elles sont faites d'argile mélangée à de la paille. Chaque ange incarné dans l'argile est exceptionnel et réaliste. Les chérubins ailés, vêtus de longues et élégantes tenues, sont représentés au ralenti. La position de la tête, les gestes du visage, les perspectives, la position des bras et des ailes rendent les personnages pittoresques et grands. Les visages des anges sont pleins de dynamisme. Les anges sourient, observent et sont prêts à s'envoler à tout moment. Le créateur des anges, le sculpteur italien Gian Bernini, est considéré comme le fondateur et le principal maître du baroque. Dans les cercles d'architectes, il est surtout connu comme créateur des anges. Ses œuvres d'art décorent non seulement la chaire de Saint-Pierre dans la basilique du même nom, mais aussi une arcade monumentale, le .

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Stefaneschi triptyqueL'histoire complète

Stefaneschi triptyque — 1 / 2

Stefaneschi triptyque — 2 / 2

Giotto di Bondone

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Le triptyque Stefaneschi est un autel en bois peint des deux côtés, représentant des scènes bibliques. Elle était peinte des deux côtés car elle devait être vue à la fois par le prêtre et par les fidèles. Les peintures du triptyque ressemblent à des fresques et leur style rappelle l'art byzantin. Les figures des saints sont peintes dans des couleurs claires et lumineuses sur un fond doré. Cela produit un effet d'éclat intérieur de la peinture. Le pli avant gauche du triptyque représente la crucifixion de saint Pierre. Le pli avant droit représente la décapitation de saint Paul. Au centre, le Christ trône, levant le bras pour bénir et tenant l'Apocalypse dans sa main gauche. La prédelle ci-dessous représente la Vierge à l'Enfant, des anges et des apôtres. Au dos du panneau se trouve saint Pierre. Il tient dans sa main gauche les clés du Royaume des cieux. Le cardinal Stefaneschi et le pape Célestin V sont agenouillés devant lui. Les panneaux latéraux arrière représentent quatre apôtres : Jacques, Paul, André et Jean l'Évangéliste. Deux panneaux arrière du triptyque sont perdus.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Histoires de St NicholasL'histoire complète

Histoires de St Nicholas — 1 / 4

Histoires de St Nicholas — 2 / 4

Histoires de St Nicholas — 3 / 4

Histoires de St Nicholas — 4 / 4

Gentile da Fabriano

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Le panneau Les histoires de saint Nicolas de Bari est la meilleure œuvre d'art du peintre italien Gentile da Fabriano. Dans son travail, il a utilisé des couleurs claires et nettes, supposées brillantes, et les figures sont représentées en mouvement. Le panneau démontre le pouvoir, la gentillesse et la miséricorde de l'un des saints chrétiens les plus importants, Saint-Nicolas. Le premier sujet du retable est une naissance de Nicolas à la fin du IIIe siècle dans la ville de Patara, dans l'actuelle Turquie. La deuxième scène montre la générosité de Nicolas qui donnait des pièces d'or à des jeunes filles pauvres. Selon la légende, un marchand ruiné ne pouvait marier ses trois filles et décida de les prostituer. Nicolas jeta trois bourses remplies de pièces d'or pour sauver les filles du péché. Il devint alors le protecteur des jeunes filles célibataires. La troisième scène raconte comment Nicolas a ressuscité trois enfants. Lors d'une terrible famine, un boucher les a abattus et a placé leurs restes dans un tonneau, et saint Nicolas les a ressuscités. La quatrième scène décrit le miracle accompli par saint Nicolas après sa mort. Des voyageurs sont partis en mer pour vénérer ses reliques, mais des tempêtes et des maladies les assaillent en permanence. Nicolas leur est apparu et leur a dit que le démon avait caché un baril d'huile sainte sur le bateau. C'était là le problème. S'ils versaient l'huile, ils atteindraient leur destination. Et c'est ce qui s'est passé.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Les miracles de St Vincent FerrerrLa Salle 5L'histoire complète

Les miracles de St Vincent Ferrerr — 1 / 3

Les miracles de St Vincent Ferrerr — 2 / 3

Les miracles de St Vincent Ferrerr — 3 / 3

Ercole de Roberti

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Les scènes du tableau Les miracles de saint Vincent Ferrer sont représentés clairement et en . L'image est également connue sous le nom de polyptyque de Griffoni. Un polyptyque est un panneau de bois peint de faible hauteur placé au-dessus de l'autel dans les églises catholiques au 15e siècle. Le panneau est peint dans le magnifique style classique de la Renaissance. Le peintre a utilisé des tons lourds pour représenter des personnages élevés et sérieux. Leurs vêtements fluides et brillants sont peints en détail. De ce fait, les personnages semblent éthérés et le tableau ressemble à une icône. La prédelle illustre les miracles de saint Vincent Ferrer, saint espagnol communément vénéré en Espagne. Les panneaux du tableau montrent les épisodes qui se succèdent rapidement : la guérison de la mère qui accouche, le relèvement d'un riche juif, la guérison d'un boiteux, le sauvetage d'un enfant dans l'incendie d'une maison, la résurrection d'un enfant tué par sa mère, qui avait perdu la raison.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Bibliothèque du VaticanL'histoire complète

Bibliothèque du Vatican

Melozzo da Forli

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La fresque Sixte IV nomme Bartolomeo Platina préfet de la Bibliothèque vaticane illustre l'événement le plus important pour la Bibliothèque vaticane. L'arcade à pilastres, les colonnes à moulures, le trône papal décoré de glands et de franges d'or témoignent de la splendeur de l'architecture de la Renaissance. La fresque montre la nomination par Sixte IV de l'humaniste italien Bartolomeo Sacchi, dit Platina, comme premier préfet de la Bibliothèque apostolique vaticane. Cet événement historique, qui s'est déroulé en 1475, est représenté à l'intérieur de la bibliothèque du Vatican. La composition de la fresque est large, et le support est profond et réaliste. Le peintre a fait en sorte que les personnages vêtus de riches vêtements aient l'air solennels et pliés dans une lumière vague. Cette lumière atténue les nuances et illumine les couleurs. Outre le pape et Platine, quatre autres personnages sont présents. Platine s'agenouille devant Sixte IV. Il pointe l'index de sa main droite vers une inscription latine qui exalte les entreprises de Sixte IV dans la ville. Sixte IV est sur un trône. Il est descendant et gentil, mais sévère et sérieux. On peut reconnaître les membres de la famille de Sixte autour de lui. À la droite du pape se trouve son neveu Raffaele Riario, devant lui le futur Jules II. Girolamo Riario et Giovanni della Rovere sont derrière Platina.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Angels MusiciensL'histoire complète

Angels Musiciens

Melozzo da Forli

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Les anges musiciens est une fresque religieuse de premier plan, qui est devenue un point de repère de la . Il s'agit de l'une des images d'anges les plus reconnaissables. Outre sa valeur artistique absolue, cette fresque est l'une des rares œuvres du peintre italien Melozzo da Forlì à avoir été conservées. Au XVe siècle, la fresque représentant l'orchestre des anges, glorifiant Dieu, était un symbole de la beauté du paradis pour les âmes qui y vivaient. Le peintre a représenté chaque figure en détail. Il suffit de regarder les anges pour avoir l'impression qu'ils sont légers et qu'ils flottent dans l'air. La fresque montre les anges jouant et glorifiant l'Ascension du Christ. Dans la fresque, chaque figure est représentée d'un point de vue différent. Malgré la complexité des perspectives, les anges sont légers et raffinés. Ils sont représentés selon toutes les règles de la perspective. Leurs mouvements sont fluides et gracieux. Un ange jouant du luth est l'un des fragments les plus célèbres de la fresque. Un jeune ange au luth, de trois quarts, incarne l'harmonie de la musique divine. La fresque représentant l'orchestre des anges et la figure du Christ faisait partie de la décoration de l'abside de l'église SS. Apostoli à .

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Madonna et l'enfantL'histoire complète

Madonna et l'enfant

Perugino

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Le retable de la Vierge à l'Enfant est l'une des meilleures images de la Vierge, du Christ et des saints, souvent appelée la Sainte Conversation. La toile est peinte de manière raffinée et facile. Les couleurs vives des somptueux vêtements s'harmonisent avec l'architecture. Les principales caractéristiques du tableau de Pietro Perugino sont l'élévation du style, la lumière et l'air. Au centre de la composition, la Madone est assise sur un somptueux trône décoré de bas-reliefs antiques. L'Enfant est sur ses genoux et les saints sont à ses côtés. Leurs robes et leurs costumes sont riches en symboles, ce qui montre l'importance des saints pour l'Église. Les personnages sont représentés sur fond d'une magnifique architecture de la Renaissance. Les personnages sont réalistes et de grande taille, leurs visages expriment le respect pour la Vierge Marie. À gauche, saint Louis, archevêque de Toulouse, tient une crosse à la main. À droite de la Madone se trouve saint Laurent, habillé en archidiacre. À l'arrière-plan se trouvent les saints Ercolanus et Constance. Ils sont les protecteurs de la ville.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

La TransfigurationRoom VIII. 16th cent.L'histoire complète

La Transfiguration

Raphael

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La Transfiguration du Christ est un événement clé dans l'histoire du christianisme. Elle est représentée sur la toile comme le point crucial de la perception du Fils de Dieu par les gens ordinaires. Raphaël a peint la toile seul, sans faire appel à ses apprentis, et l'a achevée juste avant sa mort. Certains historiens supposent qu'il avait fini de peindre la tête du Christ quelques heures avant sa mort. Voici la préhistoire de la scène représentée par Raphaël. Tout d'abord, le Christ demande aux apôtres Pierre, Jacques et Jean de se rendre sur le mont Thabor où il est transfiguré en montrant sa divinité. Au même moment, une voix venue du ciel dit qu'il est le Fils unique de Dieu. Plus tard, le maître et les apôtres descendirent de la montagne et rencontrèrent des gens, parmi lesquels se trouvaient un homme et son fils obsédé. La scène du tableau de Raphaël se développe ensuite. Moïse et Élie, les prophètes de l'Ancien Testament, se tiennent de part et d'autre du Christ. Ils sont apparus aux personnes présentes comme le symbole de l'union de l'Ancien et du Nouveau Testament. Moïse est un homme qui a transmis aux hommes les lois de Dieu, et Élie est le plus grand prophète, par lequel la voix de Dieu s'est adressée aux hommes. Les apôtres, enthousiasmés, tombent à terre, réalisant la puissance et la gloire du Fils de Dieu. Le Christ est représenté léger comme une plume, rayonnant de gloire. Le père du garçon obsédé se fige, attendant la guérison de son fils. Le Christ revient de la montagne et chasse les démons. Les personnes présentes sont choquées, elles montrent le Christ du doigt, leurs visages expriment l'excitation et de profondes émotions. La peinture montre que seul le Christ est capable de guérir le corps et l'âme de l'homme. C'est pourquoi la partie supérieure de la toile semble être éclairée par la lumière rayonnant de sa figure, tandis que la partie inférieure, où sont peints les gens, est obscure.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Madonna of FolignoRoom VIII. 16th cent.L'histoire complète

Madonna of Foligno

Raphael

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Le retable de la Madone de Foligno est une remarquable peinture de la Haute Renaissance. Il constitue la première version de la composition Madone Sixtine et porte un autre nom : Madone en gloire. Raphaël l'a peint sur commande. Le secrétaire du pape, Sigismondo de' Conti, a commandé le tableau de la Madone pour la remercier de l'avoir sauvé. La veille, sa maison de Foligno avait été frappée par la foudre. D'autres versions de l'histoire évoquent la chute d'une météorite ou d'un obus pendant le siège de la ville. L'histoire du tableau explique pourquoi les yeux du sauvé Sigismondo sont pleins de gratitude et d'obéissance. Le secrétaire vêtu d'un manteau écarlate se trouve à droite. Derrière lui se trouve un homme vêtu d'un manteau bleu. Sur la gauche se trouvent le Baptiste et Saint François de . Les figures principales du tableau, la Vierge avec , se trouvent sur le nuage. La Vierge est représentée sur fond de gloire dorée, symbole de sa gloire divine, répondant au regard de Sigismondo. Dans le ciel, elle est entourée d'anges à peine visibles. Au centre du tableau, un petit ange tient une plaque. Aucune inscription n'a été conservée, mais les historiens pensent qu'il s'agit de mots de remerciement à l'égard de la Madone pour avoir sauvé Sigismondo. Les personnages sont représentés dans un paysage urbain de Foligno. Les experts en art supposent que le paysage urbain a été peint par son assistant, Giovanni Luteri.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Lament sur le Christ mortRoom IX. 15th-16th cent.L'histoire complète

Lament sur le Christ mort

Giovanni Bellini

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La complainte sur le Christ mort était l'élément du maître-autel de l'église Saint-François. Cette peinture pittoresque illustre un célèbre récit biblique après que le corps du Christ a été retiré de la croix. Giovanni Bellini, peintre de Venise, a vécu à l'époque de la Haute Renaissance. Il fut l'un des premiers parmi ses contemporains à commencer à utiliser la peinture à l'huile. C'est la raison pour laquelle le tableau est si coloré, contrasté et plein de couleurs vives. Les experts en art affirment que le peintre l'a créée en utilisant son propre style. La preuve en est qu'il a tenté d'exprimer les émotions et les sentiments des personnages représentés. L'amour dévorant pour le Christ exprimé par ses disciples et sa miséricorde envers les gens est un message clé de la peinture. Le visage du Christ exprime la profonde fatigue due aux souffrances. Marie-Madeleine, Nicodème et Joseph d'Arimathie se rassemblent autour du corps du Christ mort. Leur tristesse et leur chagrin sont adoucis par le grand sacrifice du Christ pour le bien des hommes. Joseph d'Arimathie soutient avec précaution le corps du Christ, Marie-Madeleine oint sa paume de myrrhe, qu'elle tient dans sa main. Nicodème tient un récipient contenant de la myrrhe précieuse.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

St JeromeRoom IX. 15th-16th cent.L'histoire complète

St Jerome

Leonardo da Vinci

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Le tableau Saint Jérôme est dessiné sur un morceau de bois sous forme d'esquisse et de fragment coloré. L'œuvre a été commandée par l'église de Florence, mais elle n'a jamais été achevée. Son histoire est très intéressante. Il a été trouvé pour la première fois au 18e siècle parmi les objets exposés par la peintre Angelica Kauffmann. Après sa mort, la peinture a été perdue et retrouvée au hasard de nombreuses années. Mais pendant cette période, elle a été divisée en deux parties. La partie inférieure a servi de couvercle à une boîte dans un magasin de bric-à-brac. La partie supérieure était le couvercle d'un tabouret utilisé par un cordonnier. Selon les légendes, saint Jérôme s'est fait ermite pour traduire la Bible en latin. Il est intéressant de noter que Léonard n'a pas représenté Jérôme comme un scientifique, mais comme un vieil homme désespéré et affamé. Un Jérôme amaigri, presque épuisé, prie pour le pardon. Il est représenté à genoux au milieu des falaises, dans le désert de Chalcis. On voit Jérôme s'apprêtant à se frapper la poitrine avec une pierre dans sa main droite. Un lion se repose à ses pieds. Selon la légende, le vieil homme lui aurait retiré une épine de la patte. Le lion s'attacha alors à son sauveur et le suivit partout.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Adoration du MagiL'histoire complète

Adoration du Magi

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L'Adoration des Mages représente l'une des scènes les plus célèbres du Nouveau Testament. Malgré la grande solennité de la scène, le tableau est sombre. Elle semble recouverte de brouillard ou de crépuscule. Les personnages ont l'air un peu inquiets, mais en même temps ils sont joyeux et enthousiastes. Malgré l'obscurité, le peintre se concentre sur la partie centrale de la toile. L'action est très dynamique. Le peintre met les personnages en mouvement, ils ont les yeux rivés sur le nouveau-né, le Fils de Dieu, qui se trouve au centre de la composition. L'Enfant calmement et favorablement C'est un tableau émotionnel de l'idée et du sens devant le Fils de Dieu, et il accepte non seulement leurs dons, mais aussi une dévotion sincère. Ceux qui sont venus adorer l'Enfant portaient des vêtements coûteux et somptueux. Leurs manteaux contrastent avec la tenue ordinaire et décontractée de la Vierge Marie. Il s'agit d'un exemple éclatant où les biens terrestres et les richesses inouïes perdent toute signification face au Divin.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Marsuppini CoronationLa Salle 3L'histoire complète

Marsuppini Coronation

Filippo Lippi

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L'autel peint Le Couronnement de Marsuppini a été réalisé pour la chapelle Saint-Bernard, à Arezzo (Italie). L'autel est unique en raison de l'interprétation intéressante du couronnement de la Vierge Marie. Le peintre a divisé la composition en trois parties égales pour souligner l'importance de la scène centrale. Malgré la division, le thème et l'idée forment un tout. La valeur artistique de l'autel réside dans les teintes incroyablement claires utilisées par le peintre. La luminosité et l'éclat des couleurs révèlent la solennité, l'élévation et la spiritualité des personnages représentés. Ce style est propre aux toiles religieuses de la Renaissance. Le couronnement de Marie est le thème principal du tableau. Cette scène est représentée dans la partie centrale. La Reine des cieux, montée au ciel, joint les mains en prière et s'agenouille aux pieds du Christ. Celui-ci pose la couronne sur la tête de Marie. Ils sont représentés sur une estrade de marbre avec des marches. Derrière le Christ se trouve un mur avec une niche en forme de coquille. C'est le symbole de la Vierge Marie et du miracle de la résurrection. Les parties gauche et droite du triptyque sont occupées par des anges et des saints. Il est intéressant de noter que le chancelier du , Carlo Marsuppini, qui a commandé le triptyque, et son père Gregorio sont représentés à leurs côtés.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Madonna de la ceintureLa Salle 3L'histoire complète

Madonna de la ceinture

Benozzo Gozzoli

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La Madone à la ceinture est un brillant exemple d'iconographie, célèbre pour la scène la plus connue de la Vierge. Selon la Bible, l'apôtre Thomas n'a pas assisté à la mort, à l'enterrement et à l'assomption de la Vierge Marie, il n'y a donc pas cru. La Vierge est descendue du ciel et a remis la ceinture de sa robe comme preuve de la véracité de l'événement. Depuis lors, la ceinture est devenue une relique sacrée. Aujourd'hui, les parties de la ceinture sont conservées dans les monastères du monde entier. Le peintre glorifie le moment de la remise de la ceinture. Il utilise pour cela un style de peinture lyrique et calme. Les personnages sont en plastique et peints avec des couleurs vives, semi-transparentes et brillantes. Le fond doré et brillant est omniprésent, soulignant la dignité de la scène. La Vierge Marie est sur un nuage. Elle est entourée d'anges, et saint Thomas, choqué, accepte la ceinture de ses mains. Six événements clés de la vie de la Vierge sont illustrés sur la prédelle. Il s'agit de la naissance, du mariage avec Joseph, de l'Annonciation, de la naissance du Christ, de la circoncision de Jésus et de la mort de la Vierge.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Histoires de NicholasLa Salle 3L'histoire complète

Histoires de Nicholas — 1 / 3

Histoires de Nicholas — 2 / 3

Histoires de Nicholas — 3 / 3

Fra Angelico

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Le retable Les histoires de saint Nicolas de Bari se distingue par une structure particulière de la composition et du style de la peinture. Les scènes représentées sont imprégnées de lumière, elles sont lumineuses et colorées. Les personnages ne sont pas aussi réalistes que pittoresques. Elles sont peintes dans le style traditionnel de la peinture médiévale, ce qui leur confère une grande noblesse. Avec une surface limitée, le peintre a réussi à créer un milieu profond, comprenant le premier plan, le milieu et l'arrière-plan. Sur la gauche du recto, on voit la naissance de Nicolas, au centre, Nicolas écoutant attentivement une convocation du prêtre, et sur la droite, le don aux trois pauvres filles. C'est l'une des bonnes actions les plus connues de Nicolas. Selon la légende, Nicolas a appris qu'un pauvre homme avait décidé de gagner de l'argent en faisant de ses filles des prostituées. La nuit, Nicolas apportait secrètement une bourse remplie de pièces de monnaie pour les filles, de sorte que la famille n'avait pas besoin d'argent. Deux épisodes sont décrits au dos de l'image. Le premier épisode montre comment Nicolas reçoit du courrier impérial une cargaison de céréales pour la ville affamée de Myre. Le second épisode montre comment saint Nicolas a miraculeusement sauvé un navire du naufrage.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Portrait de George 4 de l'AngleterreL'histoire complète

Portrait de George 4 de l'Angleterre

Thomas Lawrence

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Le portrait du prince régent, le futur roi d'Angleterre George IV, est un brillant exemple de l'art de la Régence et l'un des plus grands portraits en pied de monarque. La régence était un phénomène assez répandu en , lorsqu'une personne autorisée était nommée pour gouverner le pays, le monarque, un mineur ou un . Le prince George IV était un tel régent. Il aimait mener une vie dissolue en jouant aux jeux d'argent, en fréquentant les femmes et en buvant du vin. Son extravagance est devenue un symbole et un trait distinctif de l'ère de la Régence. Une plaisanterie historique raconte qu'il a dû utiliser la couronne prêtée par un bijoutier. En raison de ses énormes dettes, il n'aurait pas pu la racheter. Mais même après son accession au trône, George IV n'a pas gagné l'affection de son . Il est devenu le souverain le plus impopulaire du royaume et l'objet de la satire. En fait, il n'était pas seulement un dandy, mais aussi un bienfaiteur très généreux qui soutenait les peintres. Le portrait historique de George IV a été peint selon une technique particulière de l'art de la Régence. Cette technique se caractérise par le mélange de différents styles : le style Empire, et la peinture anglaise. Le portrait du roi est lumineux, pittoresque et coloré. Les somptueux vêtements de Georges sont ornés des insignes des plus hauts ordres de chevaliers, de jarretières et de riches glands. Le roi se trouve à côté d'une table qui lui a été offerte par le roi de France Louis XVIII. Sur la table se trouvent sa couronne et une lettre du pape Pie VII.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Portrait de Benoît 14L'histoire complète

Portrait de Benoît 14

Giuseppe Maria Crespi

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Le Portrait de Benoît XIV, tableau représentant le cardinal Prospero Lambertini, est empreint d'une grandeur théâtrale et flatteuse. Lors de la création du tableau, le peintre s'est inspiré du style des artistes italiens et a créé sa propre manière de peindre. À la recherche d'un style individuel, Crespi a apporté sa contribution au développement de la peinture italienne en y ajoutant de l'originalité, de la nouveauté et de nouvelles perspectives. C'est ce que montre ce tableau - les nouvelles tendances de la peinture du 18e siècle. Le Portrait de Benoît XIV, connu sous le nom de Cardinal Prospero Lambertini, a été officiellement commandé par lui en 1739. Un an plus tard, le cardinal a été élu, et il a donc été demandé au peintre de modifier le portrait. L'examen des experts a révélé les différentes étapes de la composition jusqu'à la version finale. Le peintre a considérablement augmenté la taille de la figure du pape, modifié sa tenue vestimentaire et ajouté la tiare papale comme attributs du pouvoir papal et de l'importance exceptionnelle du personnage. En fait, le pape Benoît XIV n'a pas eu d'influence particulière sur l'Église catholique et ne s'est pas distingué par ses bonnes actions ou ses approches progressistes. Le portrait commandé était plutôt une tentative de paraître plus influent et plus important qu'il ne l'était.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Portrait de Pie 6L'histoire complète

Portrait de Pie 6

Pompeo Batoni

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Le portrait de Pie VI est l'un des rares portraits du clergé en homme ordinaire. Après son élection au pontificat en 1775, Pie VI prend contact avec Pompeo Batoni et lui commande un portrait. De nombreux personnages puissants du XVIIIe siècle ont voulu se faire portraiturer par Batoni. Il semble que le fait est dans sa manière légère et naturelle de dépeindre ses personnages. Par exemple, l'image du pape est dépourvue d'arrogance, de pathos, de baroque et de pompe. C'est ce qui le rend si réel. La composition de la toile est assez simple. On y voit le pape Pie VI, sérieux mais calme, sage, humble et intelligent. Il est représenté dans un fauteuil recouvert de velours, tenant une feuille de papier dans sa main gauche. Il n'a qu'une bague avec un petit bijou au doigt. Le pape est vraisemblablement absorbé dans ses pensées, et son regard se pose sur un objet au premier plan. Ce portrait informel de Pie VI, devenu officiel, révèle sans ambages que la valeur d'une personne n'est pas déterminée par la magnificence et la splendeur de ses bijoux, mais par ses traits, ses réalisations et sa piété.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Portrait de Clément 9L'histoire complète

Portrait de Clément 9

Carlo Maratta

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Le Portrait de Clément IX est le meilleur et le plus glamour des portraits de Carlo Maratta. Avant son élection au pontificat, Clément IX s'appelait Giulio Rospigliosi. C'était un intellectuel instruit et très cultivé. Il étudia la philosophie et la théologie, écrivit de la prose et des livrets d'opéra. Ce sont les caractéristiques d'une personne raffinée et intelligente que le peintre a habilement représentées. Le visage de Clément est raide, il est évident qu'il est un peu fatigué, mais son esprit ne dort pas, et ses yeux se concentrent sur le spectateur. Il semble inspecter quelque chose ou attendre quelque chose. Clément tient un livre dans sa main droite, peut-être la Sainte Écriture. Il porte une robe voyante, mais pas trop riche. La lumière douce éclaire la silhouette de Clément comme s'il était assis dans la partie éclairée de la pièce. Le Portrait de Clément IX est composé de couleurs nobles et vibrantes : brun foncé, doré, blanc et nuances de rose. Ce sont les caractéristiques de l'art baroque, sa splendeur modérée et sa solennité.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Saint Turibiya's miracle from LimaL'histoire complète

Saint Turibiya's miracle from Lima

Sebastiano Conca

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Le peintre illustre l'un des deux miracles accomplis, selon les légendes, par l'archevêque Turibiy de Lima, canonisé au 18e siècle. Les événements suivants ont précédé le miracle représenté dans le tableau. Turibiy était en train de servir lorsqu'il entendit des cris. Les gens assoiffés criaient que la rivière s'était asséchée, qu'ils n'avaient plus d'eau potable et qu'ils étaient obligés de quitter leur terre à la recherche de n'importe quelle source d'eau. Saint Turibiy termina l'office et s'approcha du lit de la rivière asséchée. Il frappa trois fois le rocher avec son bâton et la rivière se remplit d'eau formant la croix. Le tableau montre le moment où le lit de la rivière a été miraculeusement comblé. Les personnes entourant le saint sont choquées par le miracle. Non seulement les gens, mais aussi les animaux, se sont figés en voyant la vitesse à laquelle l'eau remplissait le lit de la rivière.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Adam et Eve dans le jardin d'EdenL'histoire complète

Adam et Eve dans le jardin d'Eden

Wenzel Peter

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Peter Wenzel peignait souvent des oiseaux et des animaux, c'est pourquoi le style du tableau Adam et Ève dans le jardin d'Éden diffère des peintures religieuses par sa légèreté et sa luminosité. Il s'agit d'un exemple de peinture séculaire lumineuse et réaliste aux couleurs chaudes. Cette peinture n'a rien à voir avec les toiles iconographiques de la Renaissance. Le peintre montre habilement la légèreté du support, une légère brume à l'horizon et autour d'Adam et Ève. Adam et Ève sont représentés au centre de la composition, entourés de près de deux cents oiseaux et animaux. La lumière éclaire leurs silhouettes. Cette technique permet de comprendre que le but de la toile est de montrer le premier homme et la première femme. Les mouvements d'Adam et d'Ève sont magistralement représentés, avec réalisme et précision anatomique. Grâce à leur vivacité, la toile devient dynamique et expressive. Le jardin d'Eden s'étend autour d'Adam et Eve. Il y a beaucoup de fruits mûrs, de fleurs odorantes et d'arbres luxuriants. Les montagnes sont visibles au loin, la rivière coule tout près, et au premier plan se trouve un jardin, une forêt épaisse, de grandes roses et la richesse des espèces végétales. Cette peinture est un symbole d'harmonie, de paix et de joie régnant dans le paradis créé par Dieu.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Altarpiece of St Anthony AbbotL'histoire complète

Altarpiece of St Anthony Abbot

Antonio Vivarini

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Le Retable de Saint Antoine Abbé, Piéta et Saints est un exemple de peinture lumineuse, où les thèmes religieux sont magistralement mélangés à des sujets profanes. Saint Antoine est considéré comme le fondateur du monachisme solitaire. Il fut le premier à organiser la vie de moines ascétiques dans des ermitages séparés, où ils observaient un jeûne et priaient. Le retable est peint sur panneau et rappelle un groupe d'icônes. L'abondance d'or et de couleurs vives donne à la peinture des allures de toile de la Renaissance. Le style de la peinture est solennel et élevé. Au centre se trouve saint Antoine, un vieil homme barbu aux cheveux blancs portant un manteau sombre de moine et un couvre-chef. Il tient un bâton et est entouré de huit saints. Au-dessus de l'image d'Antoine se trouve la Pieta, le Christ avec les plaies sur ses paumes et sa poitrine. Il est intéressant de noter que chaque saint possède un symbole ou un attribut spécifique. En haut à gauche, il est habillé en cardinal et tient dans ses mains un livre et une maquette d'église. En bas à gauche, un saint tient une flèche et une épée. En bas à gauche, le saint tient une flèche et une épée. À l'extrême droite du tableau, il tient deux pommes et une épée. À la droite d'Antoine se trouve saint Christophe portant l'Enfant Jésus.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

PietaL'histoire complète

Pieta

Carlo Crivelli

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La Pieta est un sujet religieux brillamment exprimé en gothique. La Pieta faisait partie de la partie supérieure d'un polyptyque et a été achetée en 1831 par Pie VII dans la région des Marches. La peinture ressemble à une illustration magnifique et extrêmement décorative d'un épisode de la Bible. Les caractéristiques du gothique et de la Renaissance sont perceptibles. Le style de la peinture révèle que Carlo Crivelli ne peignait pas des toiles profanes, mais qu'il avait une imagination débordante et un sens de la couleur. La toile est magiquement équilibrée en couleurs. Comme les vêtements de vacances brillent et scintillent dans le tableau ! L'arrière-plan est une partie importante et distincte de l'œuvre du peintre. Il comprend de nombreuses images symboliques d'anges, des motifs de tapis soigneusement représentés, de la grandeur et de la délicatesse. La Pieta présente des détails dorés et la délicatesse des personnages, propres aux toiles gothiques. Le tableau montre le Christ détaché de la croix et Jean l'Évangéliste, Joseph d'Arimathie et Marie-Madeleine, pleurant pour lui. Leurs visages sont figés par un chagrin, une tristesse et un dramatisme légèrement théâtraux. On a l'impression qu'il s'agit de personnages en bois ou d'acteurs jouant dans une pièce de théâtre.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Saint Pietro Arbues's martyrdomL'histoire complète

Saint Pietro Arbues's martyrdom

Bartolome Esteban Murillo

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Le tableau représente le meurtre de l'un des inquisiteurs espagnols les plus cruels de la fin du Moyen Âge, Pedro de Arbués. Avant de devenir inquisiteur, Arbués a été professeur d'études philosophiques, docteur en théologie et prêtre. Il prononçait des sermons et s'occupait des pauvres. Mais après avoir été nommé inquisiteur du royaume d'Aragon, Arbués a brûlé sur le bûcher des milliers d'hérétiques : Juifs et Maures. En raison de son caractère impitoyable, une collusion secrète a été organisée contre lui. Selon le plan, lui et d'autres inquisiteurs devaient être tués. La nuit, alors qu'Arbués était agenouillé et priait devant l'autel, les tueurs l'attaquèrent et le blessèrent gravement. L'Église catholique a canonisé Pedro de Arbués officiellement et à titre posthume en le déclarant martyr et saint homme. La toile a été peinte pour sa canonisation, près de 200 ans après le meurtre d'Arbués. La toile capture le moment où l'inquisiteur est sur le point d'être poignardé. Malgré l'ange qui vole au-dessus de lui et de ses assassins, le tableau est empreint de morosité. Les mouvements des tueurs sont bien ciblés et rapides. Le peintre montre le moment où le poignard a été suspendu au-dessus de la condamnation d'Arbués. En une fraction de seconde, la pointe du poignard se plante dans le cœur de l'inquisiteur.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

Madonna et les enfantsL'histoire complète

Madonna et les enfants

Sassoferrato

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La Madone et l'enfant aux anges est l'un des tableaux baroques les plus remarquables. Malgré le thème religieux, elle est imprégnée de la légèreté et de l'éclat de la peinture profane. Le peintre est réputé pour ses scènes. Le style artistique du peintre est clairement influencé par son contemporain, Raphaël. Le tableau présente les caractéristiques classiques du style baroque : légèreté et simplicité de la composition, délicatesse et douceur des personnages représentés, naturel et simplicité de leurs visages. Il est intéressant de noter que peu de peintures montrent le visage de la Madone si tendre, jeune, léger, doux, presque enfantin. Son apparence montre qu'elle est loin dans des pensées agréables et douces. Le peintre a peint scrupuleusement tous les détails. Les froufrous de la Vierge, un filet avec un nœud sur la tête, des perles, de splendides nuages semblent réalistes. L'auréole autour de sa tête souligne sa grandeur et sa signification exceptionnelle.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

05Chambre Sobeski1 · des œuvres exposées

Roi Sobieski libérant VienneExtrait d'histoire

Roi Sobieski libérant Vienne

Jan Matejko

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Dès que cette pièce fut décorée et ouverte, elle devint l'une des pièces de l'appartement papal du pape Pie V. Le nom de la pièce provient de la toile accrochée au mur nord. Le tableau "Le roi Sobieski libérant Vienne" a été réalisé par le peintre polonais Jan Matejko. La toile montre l'armée polonaise dirigée par le roi Jean III Sobieski qui a vaincu l'armée turque. La bataille s'est déroulée près des murs fortifiés de Vienne en 1683.

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06Chambre de la conception immaculée2 · des œuvres exposées

Proclamation du dogmeExtrait d'histoire

Proclamation du dogme

Francesco Podesti

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L'Immaculée Conception proclame que la Vierge Marie a été initialement choisie pour être la Mère du Fils de Dieu. C'est pourquoi elle était exempte du péché originel et n'en a pas hérité lors de la conception.

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Cette histoire dans l'itinéraire

PenderieExtrait d'histoire

Penderie

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La bibliothèque contient la traduction de la bulle papale médiévale. Ce document est un code de dogmes et de règles, basé sur les discours, allocutions et déclarations du pape.

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07Braccio Nuovo3 · des œuvres exposées

August Prima PortaExtrait d'histoire

August Prima Porta

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Auguste de Prima Porta est le premier souverain romain qui devint un empereur sévère et autocratique. Selon les historiens, cette statue se distingue principalement des autres images de l'empereur Auguste par sa ressemblance avec un portrait. Le jeune Octave Auguste est représenté comme un commandant prononçant un discours inspirant au Forum. Il y avait alors dix mille personnes devant lui, et Octavien essayait de les persuader d'engager les hostilités contre son adversaire politique Antonius.

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NileExtrait d'histoire

Nile

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La statue du Nil, le dieu antique des rivières, représente le pouvoir vivifiant de l'ancien fleuve du même nom. Le coude gauche du Nil repose sur le sphinx, symbolisant l'Égypte. Une couronne de lotus et d'épis de blé est posée sur sa tête, et sa main tient une corne d'abondance, pleine de fruits et de fleurs. Ces allégories en disent long sur le fait que l'Égypte tout entière est un grand cadeau du Nil.

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PaonsExtrait d'histoire

Paons

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Dans la culture romaine, le paon symbolise l'immortalité, l'ascension de l'âme et l'infinité du monde. C'est pourquoi leurs statues entouraient la tombe, près du Mausolée d'Hadrien. Les paons représentent l'idée du mausolée, qui consiste à accorder l'immortalité à l'âme d'Hadrien.

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08Chiaramonti musée5 · des œuvres exposées

ErosExtrait d'histoire

Eros

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La sculpture d'Eros représente le culte du dieu grec de l'amour qui était vénéré il y a deux mille cinq cents ans. L'image d'Éros est importante pour la vision du monde des Grecs de l'Antiquité. Les statues d'Éros, situées à proximité des statues d'Hermès et d'Hercule, se trouvaient souvent dans les gymnases grecs destinés aux garçons. Les élèves-athlètes étaient censés ressembler au beau dieu Eros.

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CiceroExtrait d'histoire

Cicero

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Marcus Tullius Cicero (106 - 43 av. J.-C.) était un orateur, philosophe et homme politique romain. La statue de Cicéron représente la grandeur du philosophe et son austérité, sa terreur et sa modestie. Il est l'exemple d'une personne qui a créé sa réputation et réussi sa carrière grâce à son talent, sa discipline et sa patience. Le philosophe était convaincu que seules l'éducation et la science permettaient de développer une personnalité.

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GanymedeExtrait d'histoire

Ganymede

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La figure de Ganymède représente l'aspiration de l'âme humaine à Dieu et symbolise son égalité de valeur avec le Divin. Le groupe Ganymède a été créé à partir d'un poème grec intitulé Métamorphoses, écrit par Publius Ovidius Naso.

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OdysseusExtrait d'histoire

Odysseus

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Au XIIe siècle, Ulysse a facilement dépassé la popularité de certains dieux en incarnant les caractéristiques d'un voyageur courageux, d'un mari fidèle et d'un marin expérimenté. C'est la première image d'un héros romantique qui part à la guerre et revient auprès de sa belle. L'image d'Ulysse renvoie à l'époque où les Grecs voyageaient en mer pendant de nombreuses années, perdant ainsi le contact avec leurs proches. Il est si important que le mot "Odyssée" est utilisé pour décrire un long et dangereux voyage en mer, semé d'embûches.

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AugustExtrait d'histoire

August

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Un portrait en marbre d'Octave Auguste rend hommage à l'empereur, partisan de l'institution de la monarchie dans l'empire romain. C'est sous le règne d'Octave que le culte impérial s'est surtout développé à Rome. Le fait que l'un des mois ait été rebaptisé août en est la preuve.

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09La Galerie de cartes3 · des œuvres exposées

SiciliaExtrait d'histoire

Sicilia

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Antic ItalieExtrait d'histoire

Antic Italie

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Près de l'entrée de la galerie se trouve la carte "Italie ancienne".

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Nova ItalyExtrait d'histoire

Nova Italy

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10Appartements Pius 51 · des œuvres exposées

La CèneExtrait d'histoire

La Cène

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La Cène est une scène de la Bible qui n'a pas besoin d'être présentée. C'est le dernier repas de la vie mortelle de Jésus-Christ. Il a réuni ses douze disciples.

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11Tapisserie galeries4 · des œuvres exposées

RessuageExtrait d'histoire

Ressuage

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Quel que soit l'endroit de la pièce où le spectateur se trouve, il est surpris de découvrir que le Christ semble s'avancer. C'est ce qui rend cette tapisserie si unique. Sa particularité est sa "perspective mobile", basée sur des calculs mathématiques.

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L'assassinat de Julius CaesarExtrait d'histoire

L'assassinat de Julius Caesar

Audioguide des musées du Vatican

En 44 avant J.-C., l'empereur romain César est poignardé dans la salle du Sénat. La tapisserie montre le moment où quatre tueurs attaquent César. Au même moment, les sénateurs présents, conscients de l'imminence du meurtre, n'interviennent pas et cherchent une autre voie. Selon l'histoire, environ 80 personnes étaient au courant de la conspiration.

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La conversion du centurion CorneilleExtrait d'histoire

La conversion du centurion Corneille

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Au premier plan de la tapisserie, on voit le centurion romain Corneille se convertir au christianisme. Un militaire juste et gentil est devenu le premier païen à accepter le Christ.

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Adoration du MagiExtrait d'histoire

Adoration du Magi

Audioguide des musées du Vatican

Au centre de la composition se trouve la Sainte Famille avec l'Enfant Jésus. Les Mages, c'est-à-dire les sages orientaux, ont parcouru une longue distance depuis l'Orient pour apporter des cadeaux au Fils de Dieu. L'or, l'encens et la myrrhe symbolisent le fait que le nouveau-né Jésus a été reconnu et adoré comme un roi.

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12Les Stanze de Raphaël20 · des œuvres exposées

Baptême de ConstantineChambre de ConstantineExtrait d'histoire

Baptême de Constantine

Gianfrancesco Penni

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Constantin le Grand était un empereur romain qui a proclamé le christianisme comme religion principale de la Rome antique et a transféré la capitale de l'empire à Constantinople. Malgré sa grandeur et sa puissance en tant que souverain, Constantin s'agenouille docilement devant le souverain pontife.

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Bataille de Constantin contre MaxenceChambre de ConstantineExtrait d'histoire

Bataille de Constantin contre Maxence

Giulio Romano

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Le pont Milvius était situé près de Rome, sur la côte adriatique. C'est là qu'eut lieu, en 312, la bataille entre Maxence et Constantin. Ils se battaient pour le pouvoir absolu dans l'ouest de l'Empire romain. Cette bataille a marqué un tournant dans la transformation de Rome en empire chrétien. Cette toile se caractérise par le plus haut degré d'immensité, de solennité et d'épopée qui caractérise l'œuvre de Raphaël.

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Donation de RomeChambre de ConstantineExtrait d'histoire

Donation de Rome

Giulio Romano

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L'empereur Constantin remet au pape Sylvestre un symbole du pouvoir de l'État, la statue en or de la déesse de Rome. Cet événement a lieu dans la basilique Saint-Pierre, qui sera détruite par la suite. Il y a une longue préhistoire. Constantin ne donne pas le symbole du pouvoir suprême pour rien, mais pour la guérison. Un jour, l'empereur a eu la lèpre et des prêtres païens lui ont proposé un remède contre la maladie. Pour ce faire, il devait tuer quelques dizaines de nourrissons dans un temple païen et se baigner dans leur sang.

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Triomphe de la religion chrétienneChambre de ConstantineExtrait d'histoire

Triomphe de la religion chrétienne

Tommaso Laureti

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Le plafond illustre la grandeur de la religion chrétienne représentée par la peinture. Le plafond en bois est orné de nombreuses fresques. Mais le triomphe de la religion chrétienne sur le paganisme est représenté au centre du plafond.

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Vision de la croixChambre de ConstantineExtrait d'histoire

Vision de la croix

Giulio Romano

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Le belligérant Maxence provoque une guerre avec le fidèle Constantin, au cours de laquelle se déroule la bataille du pont Milvius en 312. C'est là que Constantin demanda l'aide du Dieu à la veille de la bataille car il voyait la supériorité des forces hostiles.

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Contre de Léo le grand avec AttilaChambre de HeliodorusExtrait d'histoire

Contre de Léo le grand avec Attila

Raphael

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Selon la légende, le pape Léon Ier aurait endigué l'avancée des troupes boches menées par le conquérant Attila sur le chemin de Rome. Léon Ier, vêtu d'un riche costume, monté sur un cheval blanc et entouré des cardinaux, se présenta devant Attila.

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Expulsion d'Héliodore du templeChambre de HeliodorusExtrait d'histoire

Expulsion d'Héliodore du temple

Raphael

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Le roi de Syrie Séleucus IV Philopator ordonne à Héliodore, un Romain, de s'emparer du trésor réservé aux veuves et aux orphelins pauvres et conservé dans le temple de Jérusalem. Mais Héliodore est pris. Alors le Dieu le punit en apparaissant sous la forme d'un ange en armure d'or à cheval. La fresque symbolise la victoire du pape Jules II sur l'armée française et sa retraite des États de l'Église, en Italie centrale.

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Libération de StPierreChambre de HeliodorusExtrait d'histoire

Libération de StPierre

Raphael

Audioguide des musées du Vatican

Saint Pierre est mis en prison sur ordre d'Hérode. Un ange, sous l'apparence d'un jeune garçon, est apparu devant Pierre et l'a libéré. La prison semble être divisée en trois sections, selon le concept et le sujet.

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Messe de BolsenaChambre de HeliodorusExtrait d'histoire

Messe de Bolsena

Raphael

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La messe de Bolsena illustre un épisode où le prêtre sceptique a accepté le Dieu par une foi réelle. Selon les experts en art, l'événement s'est déroulé au XIIIe siècle. Un jour, un prêtre qui donnait la communion a douté de l'offrande. Le pain et le vin ont été transformés en corps et en sang du Christ. À ce moment-là, cinq gouttes de sang ont coulé des saints sacrements.

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Salle du plafond d'HéliodoreChambre de HeliodorusExtrait d'histoire

Salle du plafond d'Héliodore

Raphael

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Cette salle était utilisée pour des audiences privées, des réunions et des conversations, où le pape Jules II invitait les principaux représentants politiques et religieux. C'est pourquoi la décoration doit être idéale, créer un environnement spécial et servir son objectif.

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Les vertus cardinales et théologales et la loiChambre de la SegnaturaExtrait d'histoire

Les vertus cardinales et théologales et la loi

Raphael

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Les vertus théologales est une peinture allégorique qui représente la figure de la Justice. Le tableau montre les épisodes racontant les étapes de l'établissement du droit et de son histoire.

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Dispute sur le très saint sacrementChambre de la SegnaturaExtrait d'histoire

Dispute sur le très saint sacrement

Raphael

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La fresque montre une discussion approfondie sur la tradition la plus importante de la liturgie - le sacrement de la communion. Mais il est plus probable qu'il s'agisse d'une forme utilisée par Raphaël pour transmettre le message principal de l'œuvre d'art. Tout d'abord, cette fresque a pour but de glorifier le christianisme. C'est un hymne spécifique à l'église. C'est une image collective du christianisme en tant que religion, de ses symboles, de ses dogmes et de ses lois.

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École AthènesChambre de la SegnaturaL'histoire complète

École Athènes

Raphael

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L'École d'Athènes est le chef-d'œuvre le plus célèbre de Raphaël. Parmi les nombreuses œuvres d'art de la Renaissance, elle est unanimement reconnue comme la meilleure. Au centre se trouvent les grands penseurs Aristote et Platon. Platon porte une cape rouge et ressemble à Léonard de Vinci. Il lève les mains. Cela fait référence à sa vision et à ses opinions scientifiques, selon lesquelles les idées se développent au ciel. Aristote, en robe bleue, pointe le doigt vers le bas, affirmant que les idées sont inextricablement liées à la vie terrestre. La fresque représente les grands penseurs du passé - Socrate flanqué de Platon et Diogène allongé sur les marches. Au premier plan, en bas, se trouve Pythagore entouré d'élèves. Au centre, Héraclite réfléchi, Euclide tenant un compas, Zoroastre et Ptolémée s'adressant à leurs élèves. Raphaël a magistralement placé une cinquantaine de personnages dans la fresque, en accordant l'attention nécessaire à chacun d'entre eux et en leur donnant à tous un rôle considérable. En outre, il dispose ses personnages en suivant la logique, tout en préservant leurs caractéristiques individuelles. Michel-Ange aurait visité la salle des fresques et se serait reconnu dans le portrait d'Héraclite. Il était très satisfait que Raphaël l'ait représenté loin de la foule des contestataires.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

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ParnasseChambre de la SegnaturaExtrait d'histoire

Parnasse

Raphael

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Un bosquet verdoyant sur le mont Parnasse et une société laïque insouciante dépeinte sur la fresque représentent une combinaison harmonieuse de l'homme, de la nature et de l'art de la poésie. Le mont Parnasse où résident Apollon et les muses occupe la place centrale de la fresque. C'est un symbole de la poésie mondiale. C'est sur le mont Parnasse que la source Castalienne commence son voyage, source d'inspiration pour les plus grands poètes de tous les temps.

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Plafond de la chambre de SegnaturaChambre de la SegnaturaExtrait d'histoire

Plafond de la chambre de Segnatura

Raphael

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Le plafond décoré est divisé en quatre sections. Chacune d'entre elles est consacrée aux aspects de la sagesse : Philosophie, Théologie, Justice et Poésie. Ces quatre disciplines ont été choisies par le pape Jules II lui-même.

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Bataille d'OstieChambre de l'incendie du BorgoExtrait d'histoire

Bataille d'Ostie

Raphael

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La fresque montre la bataille navale près du port d'Ostie, sur le Tibre. La bataille a eu lieu au milieu du IXe siècle. La flotte musulmane attaque la flotte chrétienne.

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Couronnement de CharlemagneChambre de l'incendie du BorgoExtrait d'histoire

Couronnement de Charlemagne

Raphael

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En 800, le pape Léon III a couronné Charlemagne solennellement dans l'église Saint-Pierre de Rome. Plus tard, l'empereur Charles est entré dans l'histoire comme l'un des hommes d'État les plus puissants du monde. En fait, il ne s'agissait pas seulement d'un acte traditionnel de couronnement, mais d'un sceau symbolique spécifique sur un accord à l'amiable entre le Vatican et la France.

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Plafond de l'incendie du BorgoChambre de l'incendie du BorgoExtrait d'histoire

Plafond de l'incendie du Borgo

Perugino

Audioguide des musées du Vatican

Le pape Jules II chargea Pietro Perugino, professeur de Raphaël, de peindre le plafond.

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Justification de Leo 3Chambre de l'incendie du BorgoExtrait d'histoire

Justification de Leo 3

Raphael

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Le Serment de Léon III ou Justification de Léon III est la dernière quatrième œuvre des Chambres de Raphaël. Elle jouxte les fresques L'incendie du Borgo, Le couronnement de Charlemagne, La bataille d'Ostie. Certains historiens affirment que Raphaël a confié le travail de peinture à ses apprentis et qu'il ne s'est occupé que d'éléments spécifiques.

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Incendie dans le BorgoChambre de l'incendie du BorgoL'histoire complète

Incendie dans le Borgo

Raphael

Audioguide des musées du Vatican

Le Borgo est un territoire adjacent au Palais des Papes au Vatican. En 847, un grand incendie s'est déclaré. Les efforts pour éteindre les flammes ne furent couronnés de succès que lorsque le pape Léon IV sortit sur la loggia. Sa présence suffit à éteindre le feu. En fait, ce fait est l'élément principal de la fresque, bien que le palais du Vatican et le pontife soient représentés à l'arrière-plan. Le pape Léon IV porte la tiare, une soutane blanche et un manteau écarlate. Il prononce son discours de bénédiction aux Romains. Raphaël n'a pas mis l'accent sur le miracle accompli par le pape, mais sur les personnes effrayées qui ont été prises au dépourvu. Au premier plan, une jeune mère et son enfant cherchent un abri. Les femmes désespérées s'agenouillent et prient pour qu'on les sauve. Raphaël a peint les personnages du poème légendaire "L'Énéide" qui ont réussi à échapper à l'incendie de Troie. Énée a arraché son vieux père Anchise. À gauche, près d'Énée, se trouve sa femme, la jeune Creusa, et à droite, leur fils Ascagne.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

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13Collection d'art contemporain12 · des œuvres exposées

CrocifissioneRoom of the SibylsExtrait d'histoire

Crocifissione

Gerardo Dottori

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La crucifixion du Christ est représentée d'une manière inattendue - le futurisme. Le futurisme montre l'art de l'avenir où la ville, les voitures et la société impersonnelle occupent une place centrale. La toile de Dottori mêle la rigueur géométrique du futurisme et le psychologisme du sujet biblique classique. Par définition, le futurisme rejette tout ce qui est humain et glorifie tout ce qui est impersonnalisé. Mais cette toile est une exception. Il n'y a pas de glorification de l'industrialisation.

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Le PenseurRoom of the SibylsExtrait d'histoire

Le Penseur

Auguste Rodin

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À l'origine, Auguste Rodin avait baptisé sa sculpture la plus importante le Poète. La statue fait partie de la composition dédiée à la Divine Comédie et représente Dante regardant les souffrances des pécheurs.

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Monks de lectureExtrait d'histoire

Monks de lecture

Ernst Barlach

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La figurine rappelle la statuaire monumentale italienne du XIVe siècle. Les moines sont assez obsédés, ils semblent imperturbables et plongés dans la lecture. Leurs visages expriment la concentration et un peu de tension.

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MadonnaExtrait d'histoire

Madonna

Lucio Fontana

Audioguide des musées du Vatican

À première vue, la sculpture de la Madone semble être une masse informe d'argile et de sable. Un jeune visage sérieux de la Vierge Marie semble émerger de la lourde masse de plâtre comme un beau nuage. Sur le plan de la composition, la sculpture est inachevée, comme une esquisse sur une toile. Ses formes sont anguleuses, rudes et rugueuses, sans plasticité ni dynamisme.

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ChristRoom of religious art in France from the 1920 to the 1953Extrait d'histoire

Christ

Georges Rouault

Audioguide des musées du Vatican

Le tableau est rempli d'éléments sombres et tragiques et combine le romantisme, le gothique et l'expressionnisme. Georges Rouault était un religieux, les personnages et les sujets bibliques ont donc beaucoup influencé son œuvre.

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Piazza Cavalli in PiacenzaRooms of the painting in Italy between the warsExtrait d'histoire

Piazza Cavalli in Piacenza

Filippo de Pisis

Audioguide des musées du Vatican

Le paysage urbain semble être formé par des coups de pinceau dynamiques, sauvages et rapides. En raison de l'absence de couleurs et de l'abondance de nuances de bleu clair, l'espace semble rempli d'air et de vent.

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PietaRoom of Van Gogh, Medardo RossoExtrait d'histoire

Pieta

Vincent van Gogh

Audioguide des musées du Vatican

Pieta est une interprétation de Vincent van Gogh inspirée par le tableau du peintre français Eugène Delacroix. L'ironie est que, sans cet incident gênant, la Pieta n'aurait pas été peinte.

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Aetas AureaRoom of Van Gogh, Medardo RossoExtrait d'histoire

Aetas Aurea

Medardo Rosso

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La sculpture en cire représente un portrait de la femme de l'artiste, Giuditta Pozzi, et de leur fils Francesco. La sculpture est dynamique et plastique, bien qu'elle n'ait pas de formes distinctes. Il s'agit d'un bel exemple de sculpture impressionniste.

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Pio 11Room of the CreedExtrait d'histoire

Pio 11

Adolfo Wildt

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La statue a été sculptée sous la nouvelle influence de l'art du XXème siècle. Quelque chose d'intangible, de froid et de grand différencie la statue du Pape Pie XI des sculptures réalisées au XVIIe ou au XXe siècle. La statue représente un regard nouveau sur le marbre en tant que matériau et sur ses propriétés.

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Studyfor Velazquez Pope 2Room of Great BritainExtrait d'histoire

Studyfor Velazquez Pope 2

Francis Bacon

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L'expérience picturale de Francis Bacon est basée sur le portrait du pape II peint par Diego Velásquez. Bacon a été tellement inspiré par les peintures du grand portraitiste qu'il a peint une série de quarante tableaux intitulée The Screaming Popes (Les papes hurlants).

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CavalierRoom of PontiffsExtrait d'histoire

Cavalier

Marino Marini

Audioguide des musées du Vatican

Le cavalier est un motif central de l'œuvre du sculpteur Marino Marini. L'artiste a déclaré que le lien entre l'homme et le cheval était beaucoup plus intéressant pour lui que le thème de l'homme et de la voiture, qui est devenu de plus en plus populaire au XXe siècle. Le cavalier est l'idée principale qui s'est transformée au cours des années en raison des guerres et des tragédies et des changements de la vision du monde du sculpteur.

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Paysage anglaisSalvador Dalì roomExtrait d'histoire

Paysage anglais

Salvador Dali

Audioguide des musées du Vatican

Le paysage fait partie intégrante des peintures de Dali. De nombreux éléments de cette toile - un désert sans fin, de minces silhouettes pâles, de magnifiques nuages et des ombres distinctes des objets - sont présents dans d'autres tableaux de Dali. La toile représente dix personnages : cinq anges, quatre humains et une licorne blanche.

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14Sistine Chapel41 · des œuvres exposées

La Résurrection du ChristExtrait d'histoire

La Résurrection du Christ

Ghirlandaio

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La fresque montre le moment où le Christ est ressuscité. Il sort du tombeau, un drapeau blanc à la main.

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Discussion sur le corps de MosesExtrait d'histoire

Discussion sur le corps de Moses

Signorelli

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La fresque montre l'archange Michel luttant avec Satan pour le corps de Moïse. De nombreux historiens s'opposent sur l'origine réelle de ce sujet. On ne sait pas exactement pourquoi Michel se disputait le corps du prophète avec le diable.

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Le dernier jugementL'histoire complète

Le dernier jugement

Michelangelo

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Il s'agit de l'une des fresques les plus complexes et les plus puissantes par sa conception et son niveau de complexité. En haut, à gauche, des anges en vol. Ils tiennent dans leurs mains les symboles de la Passion : la Croix, les Clous, la Couronne d'épines. À droite, les anges brandissent la colonne de la flagellation et la lance avec l'éponge imbibée de vinaigre. Il est à noter que les anges sont peints sans ailes, ce qui les fait ressembler à des personnes ordinaires. Au centre de la fresque, la Mère de Dieu et le Christ, entourés des saints, attendent la sentence. La figure du Christ est la plus grande, dans un geste large et dynamique, saisi au moment où le verdict du Jugement dernier est prononcé. Les historiens ont débattu des sentiments associés au geste du Christ. Les uns disent qu'il s'agit d'une manière d'apaiser l'agitation ambiante, les autres affirment qu'il s'agit d'un geste de malédiction. La Vierge tourne la tête, attendant le résultat du jugement. Le Christ et la Vierge sont entourés des saints martyrs. Ils tiennent les objets qui ont causé leur mort d'une manière ou d'une autre. À la droite du Christ se trouve saint Pierre à la barbe grise, avec les deux clés du ciel. En dessous, on peut voir saint Barthélemy avec sa propre peau, écorchée par les païens. Le visage du martyr est un autoportrait de Michel-Ange. En face de lui se trouve saint Laurent avec le gril sur lequel il a été brûlé vif par des païens romains. A droite, sur l'un des nuages, on voit Sainte Catherine d'Alexandrie en robe verte. Elle tient la roue dentée qui a servi d'instrument à son exécution. Au-dessus de sainte Catherine se trouve saint Paul, vêtu d'une cape rouge. À côté d'elle, saint Sébastien est agenouillé et tient les flèches dans sa main. Les soldats romains ont tiré des flèches sur lui. Juste au-dessus de Sébastien, saint André semble descendre sur un nuage, tenant la croix dans sa main levée. En bas, à gauche, se trouvent de jeunes vierges, des sibylles et des personnages de l'Ancien Testament. Au centre de la partie inférieure se trouvent les anges de l'Apocalypse qui réveillent les morts en soufflant dans leurs trompettes. À droite, en bas, des anges et des diables font tomber les damnés en enfer. Au fond se trouve Charon, qui transportait les âmes sur sa barque pour les conduire devant le juge Minos, dont le corps est enroulé dans les spires du serpent. Comme la fresque représente des personnages nus, Michel-Ange est entré en conflit avec les moralistes. Le maître de cérémonie Biagio da Cesena l'appelle à respecter les convenances. Il se plaint que des figures nues n'ont pas le droit d'être peintes dans un lieu aussi sacré. Michel-Ange ne peut le contredire directement, mais il répond d'une autre manière. Sur la droite, en bas, parmi les morts qui ont été conduits en enfer, il a peint un homme ridicule avec des oreilles d'âne et recouvert d'un serpent enroulé. La figure et le visage de cet homme ressemblaient au visage du cardinal. Lorsque le maître de cérémonie vit son visage sur la fresque, il se plaignit au pape Paul III. La réponse du pape fut brillante : "Je peux donner des ordres sur la terre, ou du moins j'aurais un certain impact, s'il s'agit des limbes. Mais pour tout ce qui concerne l'Enfer, je suis impuissant. Vous devriez en parler à Michel-Ange..."

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

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Baptême du ChristExtrait d'histoire

Baptême du Christ

Perugino

Audioguide des musées du Vatican

Pour décorer les murs avec des motifs bibliques, le pape a chargé le Pérugin, qui était alors un artiste renommé. Avec son assistant Pinturicchio, le peintre décora le mur d'une représentation canonique d'un paysage ombrien. Sur un fond pastoral harmonieux, il a placé des nobles solennellement vêtus, main dans la main avec des personnages bibliques.

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Appel des premiers ApostlesExtrait d'histoire

Appel des premiers Apostles

Ghirlandaio

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La fresque représente l'appel de Pierre et d'André à devenir apôtres et disciples du Christ. Un jour, Jésus marchait sur le rivage de Galilée et vit deux pêcheurs, les frères Pierre et André. Jésus leur parla pendant qu'ils jetaient leurs filets.

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Tentations du ChristExtrait d'histoire

Tentations du Christ

Botticelli

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La fresque présente quatre épisodes clés. Trois d'entre eux représentent la tentation du Christ par Satan. Dans le premier épisode à gauche, le Diable, sous les traits d'un ermite, tente de persuader le Christ de rompre son jeûne, de transformer des pierres en pain et de le manger. Il lui demande ainsi de prouver la puissance du Fils de Dieu.

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La CèneExtrait d'histoire

La Cène

Rosselli

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Il s'agit du dernier repas que Jésus a partagé avec ses douze disciples, au cours duquel il prédit sa trahison par l'un des apôtres présents. Assis à table, le Christ rompt le pain et le distribue aux personnes présentes en disant : "Ceci est mon corps, donné pour vous" : "Ceci est mon corps donné pour vous". Il désigne le vin de sa coupe comme son sang, versé pour les hommes.

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Le Sermon sur le montExtrait d'histoire

Le Sermon sur le mont

Rosselli

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Après avoir choisi ses disciples, Jésus-Christ descend avec eux du sommet de la montagne et se tient de plain-pied. Dans la première scène de la fresque, le Christ, entouré des apôtres, prêche à une foule. Cet événement est connu sous le nom de Sermon sur la montagne.

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Christ Mise en place des clés de St PierreExtrait d'histoire

Christ Mise en place des clés de St Pierre

Perugino

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Le Christ remet solennellement à son disciple les clés d'or et d'argent, lui donnant ainsi la permission de pardonner les péchés et de faire entrer les âmes au paradis. Cette fresque illustre le seizième chapitre de l'Évangile de Matthieu. Le message principal de la fresque est représenté au centre : la remise des clés du royaume des cieux à l'apôtre Pierre.

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Création du Soleil de la Lune et des plantesExtrait d'histoire

Création du Soleil de la Lune et des plantes

Michelangelo

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Selon le livre de la Genèse, Dieu a créé les corps célestes et les plantes le quatrième jour. Ses mains transmettent volontairement et avec confiance l'énergie et la puissance vitales. Le Créateur n'a pas besoin de toucher les objets pour leur transmettre sa volonté. Il suffit qu'il tende le bras vers ses créations pour qu'elles obéissent à son message.

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Séparation de la terre et des eauxExtrait d'histoire

Séparation de la terre et des eaux

Michelangelo

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Le deuxième jour de la création du monde, Dieu a séparé le firmament des eaux. La fresque montre le Tout-Puissant survolant sa création, observant les eaux séparées et le firmament en contrebas.

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Création d'AdamL'histoire complète

Création d'Adam

Michelangelo

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Adam, le premier homme sur terre, a reçu la vie de la main du Tout-Puissant. L'esprit et la volonté d'un jeune homme beau et fort sont encore endormis ; il tend mollement la main vers Dieu, qui transmet de son index l'énergie vitale à sa création. La figure d'Adam détient le pouvoir et la force reçus de Dieu. Son regard, tourné vers Dieu, est plein d'attente. C'est cette courte distance entre les doigts de Dieu et d'Adam qui recèle l'essence et l'attraction magnétique de toute l'œuvre. Il semble que le Créateur envoie à l'homme un courant électrique, l'étincelle de la vie. Dieu est représenté en train de voler dans l'espace illimité de l'univers. Un manteau flotte derrière lui, comme une voile. Elle réunit les anges qui entourent le Créateur. Un ange regarde par-dessus l'épaule de Dieu, frappé par la beauté du premier homme. Les experts en art suggèrent que les contours de la cape ressemblent aux contours du cerveau humain. Ce symbole montre Dieu comme l'esprit suprême, à l'origine des pensées et de la volonté de l'homme.

Texte original de l'auteur, conservé tel quel.

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Creation de la veeExtrait d'histoire

Creation de la vee

Michelangelo

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La figure principale de la fresque est Eve, créée par Dieu à partir de la côte d'Adam. C'est une jeune fille féminine, timide et sans défense. Comme un fauve qui a sauté, elle regarde Dieu avec respect et crainte, en joignant les paumes de ses mains pour prier. Son visage exprime l'étonnement initial, la prise de conscience de sa propre existence et la gratitude envers le Créateur.

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La chute et l'expulsion du jardin d'EdenExtrait d'histoire

La chute et l'expulsion du jardin d'Eden

Michelangelo

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La composition est conceptuellement divisée en deux parties. À gauche se trouve la scène de la chute. Ici, Adam et Ève forment un couple harmonieux ressemblant à des dieux anciens, jeunes, paisibles et insouciants. Dans la partie droite de la fresque, les premiers hommes sont expulsés du jardin d'Éden. Ils sont représentés souffrants et bannis par des anges.

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L'ivresse de NoéExtrait d'histoire

L'ivresse de Noé

Michelangelo

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La fresque se compose de deux épisodes consécutifs. À gauche, Noé est en train de bêcher sa vigne. Au centre et à droite, dans la deuxième partie de la fresque, Noé dort, ivre et nu, avec ses fils Sem, Japhet et Cham, qui montre son père du doigt. Le vin, qui a enivré Noé, est un symbole de la fertilité réveillée sur la terre après le grand déluge. Ravi de la résurrection de la terre et de ses dons, Noé a trop bu et s'est enivré.

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Le DélugeExtrait d'histoire

Le Déluge

Michelangelo

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La fresque "Le Déluge" est la première peinture de Michel-Ange sur le plafond de la chapelle Sixtine. La fresque montre des personnes confrontées à une mort imminente et révèle leur comportement en fonction de leur caractère. L'inondation qui fait rage n'est représentée que par des traits généraux.

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Sacrifice o NoahExtrait d'histoire

Sacrifice o Noah

Michelangelo

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Lorsque la pluie a cessé et que les eaux du déluge se sont retirées, l'arche de Noé a été rejetée sur le rivage. Lorsque les gens ont mis pied à terre, ils ont été frappés par l'ampleur de la catastrophe et par le nombre de victimes.

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DavidExtrait d'histoire

David

Michelangelo

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La fresque capture le moment où le géant Goliath vaincu par David s'écroule.

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Judith et HolofernesExtrait d'histoire

Judith et Holofernes

Michelangelo

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La fresque représente une femme hébraïque, Judith, et sa servante, portant la tête du commandant assyrien Holopherne. Judith est devenue le symbole de la lutte des Juifs contre les conquérants du Moyen-Orient. Elle tua elle-même Holopherne et libéra les Juifs de l'oppression assyrienne.

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Punition de HamanExtrait d'histoire

Punition de Haman

Michelangelo

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Le nom d'Haman est mentionné dans l'Ancien Testament et associé à la fête juive de Pourim. Haman était vizir du roi perse Assuérus. Tous les fonctionnaires royaux s'agenouillent devant Haman, à l'exception de Mardochée, un juif, qui déclare que les juifs se prosternent devant Dieu seul. Furieux, Haman conçoit un plan pour tuer tous les Juifs vivant en Perse et choisit la date : le treizième jour du mois d'Adar.

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JoelExtrait d'histoire

Joel

Michelangelo

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Le prophète biblique Joël a été le premier à noter ses sermons et à compiler un recueil de prophéties. Il a mis en garde les gens contre la venue du jour de Dieu, où tous les incroyants seraient jugés.

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Le serpent d'airainExtrait d'histoire

Le serpent d'airain

Michelangelo

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Au cours du voyage du peuple juif d'Égypte à Canaan, Moïse a fabriqué un serpent de bronze. Il a guéri les personnes mordues par des serpents venimeux et est devenu une sorte de symbole de leur errance dans le désert d'Arabie.

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EzekielExtrait d'histoire

Ezekiel

Michelangelo

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Ezéchiel est un grand prophète de l'Ancien Testament qui a vécu à Jérusalem au 7e siècle avant Jésus-Christ.

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Separation de la lumiere de l'obscurite nouvelleExtrait d'histoire

Separation de la lumiere de l'obscurite nouvelle

Michelangelo

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Au centre de la fresque "Séparation de la lumière et des ténèbres" se trouve un vieil homme à barbe grise, Dieu Créateur, Sabaoth de son nom. Sa figure semble englober tout le monde et être toute puissante. Le nom Sabaoth, parfois utilisé pour désigner le Créateur, combine la puissance et le pouvoir protecteur de Dieu. Ce nom n'est pas mentionné dans la Bible, mais on le retrouve fréquemment dans les Psaumes.

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JeremiahExtrait d'histoire

Jeremiah

Michelangelo

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Le prophète Jérémie de l'Ancien Testament a vécu 600 ans avant Jésus-Christ. Il est devenu prophète à l'âge de 15 ans et a prophétisé pendant 23 ans. Il avertit les Juifs, qui ont abandonné le Dieu, de sa colère. Jérémie prédit le châtiment des pécheurs, mais le peuple se moque de lui et veut le tuer.

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La sibylle libyenneExtrait d'histoire

La sibylle libyenne

Michelangelo

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Cette sibylle a été nommée Lybica en raison de son origine libyenne. Nous voyons ses tendres épaules statuaires, son cou, ses traits ciselés et ses mouvements gracieux. Lybica incarne évidemment la sagesse, la beauté et la grandeur.

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DanielExtrait d'histoire

Daniel

Michelangelo

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Le grand prophète biblique Daniel est né dans une famille riche. À l'âge de quinze ans, il est emmené en captivité après la prise de Jérusalem. Le garçon a été formé pour servir le roi. Dès qu'il a obtenu son diplôme, il a été emmené à la cour de Nabuchodonosor.

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La sibylle cuméenneExtrait d'histoire

La sibylle cuméenne

Michelangelo

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La sibylle de Cumes est la plus célèbre des prophétesses dont le nom est associé à la prédiction d'événements apocalyptiques. La Sibylle est assise sur un trône de marbre et se consacre à la lecture et à l'interprétation de textes. Elle est représentée comme une vieille femme sévère et grasse.

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La sibylle delphiqueExtrait d'histoire

La sibylle delphique

Michelangelo

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La sibylle delphique ou Delphica était une prêtresse du dieu soleil Apollon. Elle est née avant la guerre de Troie, dans la ville de Delphes, où le culte d'Apollon était florissant et où un temple lui était dédié. Son nom séculier était Artémia. Elle fut la première des prophétesses à être appelée Sibylle. Elle est la plus jeune et la plus belle des sibylles.

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ZechariahExtrait d'histoire

Zechariah

Michelangelo

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Le prophète Zacharie est né au 6e siècle avant Jésus-Christ. Il a prédit en détail de nombreux événements du Nouveau Testament.

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JonahExtrait d'histoire

Jonah

Michelangelo

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Le prophète Jonas vivait au 8e siècle avant J.-C. Lorsqu'il était enfant, il s'est senti malade et est mort. Mais sa mère pria Dieu avec tant d'ardeur pour sauver son fils que Dieu le ressuscita.

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Ancêtres du ChristExtrait d'histoire

Ancêtres du Christ — 1 / 8

Ancêtres du Christ — 2 / 8

Ancêtres du Christ — 3 / 8

Ancêtres du Christ — 4 / 8

Ancêtres du Christ — 5 / 8

Ancêtres du Christ — 6 / 8

Ancêtres du Christ — 7 / 8

Ancêtres du Christ — 8 / 8

Michelangelo

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L'Évangile de Matthieu dit que Jésus avait une grande généalogie. Avant sa venue sur terre, il y avait près de quarante générations de ses ancêtres. Les groupes familiaux que nous voyons dans les lunettes sont les ancêtres du Christ. Des tablettes contiennent les noms des personnes représentées à proximité de chaque famille grossièrement divisée.

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IsaiahExtrait d'histoire

Isaiah

Michelangelo

Audioguide des musées du Vatican

Dès 700 ans avant Jésus-Christ, le prophète Isaïe a prédit la venue du Fils de Dieu, sa vie et sa mort. Le livre d'Isaïe révèle la déloyauté du peuple juif envers Dieu. Le prophète a averti les Juifs de la captivité à venir et de la libération ultérieure. Il parle de la dévastation de Jérusalem et de sa restauration ultérieure.

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La sibylle persaneExtrait d'histoire

La sibylle persane

Michelangelo

Audioguide des musées du Vatican

Au 13e siècle avant J.-C., la Sibylle persane a prédit la gloire d'Alexandre le Grand et la venue de Jésus-Christ.

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La sibylle érythréenneExtrait d'histoire

La sibylle érythréenne

Michelangelo

Audioguide des musées du Vatican

La sibylle érythréenne a prédit la destruction de Rome, la chute de Troie, les guerres et l'Apocalypse. Le dieu du soleil Apollon et la sorcière Lamia seraient ses parents.

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Le punition de KorahExtrait d'histoire

Le punition de Korah

Botticelli

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La fresque illustre l'histoire de Koré, dans l'Ancien Testament, à la tête d'une rébellion de 250 personnes contre Moïse et son frère Aaron. Koré avait rassemblé des gens et les avait convaincus que Moïse était vénéré de manière imméritée en tant que chef des Israélites. À droite, nous voyons le groupe de Koré en colère, avec des pierres à la main. Ils sont prêts à attaquer et à frapper Moïse.

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Remise des Tables de la LoiExtrait d'histoire

Remise des Tables de la Loi

Rosselli

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La fresque représente l'un des récits clés de l'Ancien Testament : Moïse recevant les tablettes contenant les dix commandements. La fresque illustre une série d'événements allant de l'ascension du mont Sinaï par Moïse à la combustion du veau d'or. Cet événement s'est produit sur le mont Sinaï, où Dieu avait conduit le prophète.

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Les procès et l'appel de MoïseExtrait d'histoire

Les procès et l'appel de Moïse

Botticelli

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La fresque représente plusieurs événements importants de la vie de Moïse. À droite, Moïse intercède en faveur d'un Juif qui travaille dans le bâtiment et qui est battu par un contremaître. Moïse tue accidentellement l'Égyptien et s'enfuit de la ville.

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Cette histoire dans l'itinéraire

Le voyage de Moïse en EgypteExtrait d'histoire

Le voyage de Moïse en Egypte

Perugino

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La fresque présente cinq épisodes du séjour de Moïse en Égypte. Le contexte de l'histoire est le suivant : Alors qu'il vit en Égypte, Moïse est témoin du passage à tabac d'Hébreux par un surveillant égyptien. Il tue l'Égyptien et s'enfuit à Madian. Là, Moïse épouse Zipporah, la fille du prêtre Jethro, et devient berger.

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Traversée de la mer RougeExtrait d'histoire

Traversée de la mer Rouge

Rosselli

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La fresque illustre les dix plaies que Moïse a envoyées sur le peuple égyptien pour exiger qu'il laisse partir les Israélites réduits en esclavage. Au nom de Dieu, Moïse demande au Pharaon de libérer les Israélites. Pour convaincre le chef de l'Égypte, le prophète punit les Égyptiens de plaies, qui sont autant de calamités pour eux. Voyant l'effroi de son peuple, le pharaon renvoie les Israélites.

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Testament et mort de MoïseExtrait d'histoire

Testament et mort de Moïse

Signorelli

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Le prophète Moïse avait 120 ans lorsqu'il est mort peu avant d'entrer dans la Terre promise. Il avait alors erré avec les Israélites dans le désert du Sinaï pendant quarante ans. Pressentant sa mort, le prophète a rassemblé les gens autour de lui pour leur faire ses adieux. Ce sont ces derniers moments de la vie du prophète qui sont représentés sur la fresque en quatre scènes.

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15Musée étrusque grégorien7 · des œuvres exposées

Urne urne cinéraire du Maître d'OenomausExtrait d'histoire

Urne urne cinéraire du Maître d'Oenomaus

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L'urne cinéraire représente Oenomaus tombant à genoux sur le point d'être infligé par Pélopes. Hippodamie, la fille d'Oenomaus, s'enfuit effrayée. Les chevaux trébuchent et tombent. C'est le dernier moment de la vie d'Oenomaus - le soleil d'Arès, le dieu de la guerre.

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Pectoral doréExtrait d'histoire

Pectoral doré

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Ce plastron est constitué d'une seule feuille d'or et estampé de motifs en relief contenant des significations cachées. Le plastron est recouvert de petits ornements complexes structurés en bandes autour d'un emblème central. En général, le plastron est estampé de motifs en série.

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Pair de lionsExtrait d'histoire

Pair de lions

Audioguide des musées du Vatican

Les deux animaux sont représentés dans une pose agressive, la bouche ouverte, comme s'ils étaient sur le point d'attaquer. Bien que réalistes, leurs figures manquent de détails anatomiques. La technique de sculpture a été transmise par la Syrie du Nord. Elle peut être déduite de la tête carrée et de la bouche ouverte et courbée en train de rugir, ainsi que des surfaces légèrement arrondies du corps.

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Amphore avec tête de chevalExtrait d'histoire

Amphore avec tête de cheval

Audioguide des musées du Vatican

L'avant du vase est décoré d'une tête de cheval à crinière d'or. Cette amphore est un bel exemple de la peinture étrusque à figures noires. Elle se caractérise par la clarté, la symétrie et la précision des lignes, des silhouettes et des figures.

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Mars de TodiExtrait d'histoire

Mars de Todi

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La statue de Mars en fonte creuse de Todi représente un guerrier étrusque vêtu d'une cuirasse. Le corps, la tête, les bras, les jambes et les insertions du costume militaire ont été réalisés séparément en bronze. D'après la position des mains, le guerrier tenait une coupe dans la main droite et une lance dans la main gauche.

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Paire de mainsExtrait d'histoire

Paire de mains

Audioguide des musées du Vatican

La paire de mains est une composition étrusque précoce, la première tentative de représenter le corps humain dans l'art. Les mains semblent n'être constituées que de doigts tant elles sont longues et fines.

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Hutte en forme d'urneExtrait d'histoire

Hutte en forme d'urne

Audioguide des musées du Vatican

Cette urne contenait les restes incinérés d'un individu âgé d'environ 16 ans. Les historiens pensent qu'il pourrait s'agir d'une jeune fille. Ses restes ont été placés dans l'urne pour rappeler son essence en tant que personne et sa position au sein d'un groupe social spécifique.

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Sources des images

Les images des musées sont fournies par le projet Waguide. Photo du Louvre : Diego Lopez Sebastian (Dieglop), CC BY-SA 4.0. Photo de la Victoire de Samothrace : Mbzt, Wikimedia Commons. Les reproductions des tableaux sont dans le domaine public. Les images peuvent être recadrées à des fins d'affichage.

Le Louvre — Diego Lopez Sebastian · Nike de Samothrace — Mbzt · CC BY-SA 4.0