Votre itinéraire.

Lorsque l'on entre dans le Musée égyptien grégorien, on comprend avec excitation qu'il s'agit de la plus grande exposition d'objets égyptiens au monde. On peut y découvrir la culture égyptienne à partir des objets exposés en Mésopotamie et en Syrie il y a plusieurs siècles. Le Musée égyptien grégorien a été inauguré en 1839. Avec ses neuf salles, il a été créé par le pape Grégoire XVI pour constituer la plus grande collection du patrimoine culturel de l'Égypte ancienne. Aujourd'hui, on peut y voir des sculptures, des papyrus, des sarcophages et des fragments de momies. Le pape Pie VII a commencé à rassembler la collection avec les objets du IIIe siècle, période de l'invasion romaine en Égypte, qui ont été découverts lors des fouilles. Ne passez pas à côté de la sculpture de Ramsès II assis sur le trône et de la statue d'Udjaḥorresnet qui sont exposées dans la première salle parmi d'autres nombreuses pièces. La deuxième salle abrite des sarcophages égyptiens en bois peint, des momies, des jarres canopes et des figurines d'ushabti. Dans la quatrième salle, une statue d'Anubis attire l'attention, dans la cinquième salle, les statues de Ptolémée II et de Tiye. La septième salle abrite la collection de sculptures hellénistiques et romaines en bronze et en argile, ainsi que des céramiques islamiques et chrétiennes. Dans les huitième et neuvième salles, on trouve des objets de Mésopotamie et de Syrie ancienne.

Udjaḥorresnet était un représentant religieux et public de l'Égypte ancienne, un noble honorable et un prêtre de Neith, la déesse de la guerre et de la chasse. Udjaḥorresnet a occupé les fonctions de premier ministre, diplomate, trésorier royal, médecin en chef, chef des copistes des Grands Textes et commandant de la flotte égyptienne. C'était un personnage puissant qui participait à la direction de l'Égypte. Alors qu'il était commandant de la flotte égyptienne, l'Égypte a été conquise par l'armée perse, ce qui a mis fin à la XXVIe dynastie. Lors des fouilles, des figurines ushabti portant le nom d'Udjaorresnet ont été trouvées dans la statue de Naophorous. La statue se trouvait dans un sarcophage en pierre calcaire placé dans la tombe. Le second sarcophage en basalte, en forme de corps humain, a été placé dans le premier sarcophage. La statue de Naophore contient les inscriptions des titres et des actes honorables commis par Udjaorresnet à la cour des pharaons.

La conservation du corps par embaumement a joué un rôle majeur dans la culture égyptienne. Il s'agit d'une étape traditionnelle de l'enterrement. Les anciens Égyptiens pensaient que c'était ainsi que l'âme du défunt retrouvait son corps après la mort.L'embaumement a été pratiqué pour la première fois au IIIe millénaire avant J.-C., et la tradition a disparu après la conquête arabe de l'Égypte en 641 avant J.-C. Le processus d'embaumement se déroulait en deux phases : l'embaumement et l'inhumation.L'ensemble du processus d'embaumement prenait environ 70 jours aux prêtres. Ils lavaient le corps, en retiraient les organes internes et le recouvraient de ce que l'on appelle le sel divin pour éliminer l'humidité des tissus. La cage thoracique était remplie de résine pour alourdir le corps. La peau était frottée et aromatisée avec de l'huile aromatique. Le corps est ensuite enveloppé dans des bandages de lin. Avant d'être placée dans un cercueil, un masque était placé sur le visage de la momie pour la protéger et la préserver.Pour une meilleure conservation de la momie, les Égyptiens ont commencé à retirer le cerveau. Mais plus tard, ils ont cessé de le faire car le cerveau était considéré comme le centre physique, émotionnel et intellectuel de l'être humain.

Les statues représentent Ptolémée II et sa sœur Arsinoé II qui devint son épouse. Ptolémée II était le roi d'Égypte au IIIe siècle avant J.-C. Outre les affaires politiques, il est célèbre pour avoir épousé sa sœur Arsinoé.En accédant au trône, Ptolémée cherche à étendre son influence politique au-delà des frontières de l'Égypte et à prendre le contrôle du territoire qui s'étend jusqu'à l'Asie. Pour ce faire, il renforce ses positions en mer. À cette époque, sa sœur Arsinoé quitte son mari en Macédoine et s'enfuit en Égypte pour devenir reine. En Macédoine, elle était une intrigante perfide et rusée. Elle s'est mariée avec son frère pour prendre le pouvoir.Selon d'anciennes légendes grecques, ces deux statues ont été amenées à Rome par l'empereur Caligula. À Rome, elles ont embelli un édifice dédié à sa sœur-épouse Drusilla. Elle fut divinisée lorsque Ptolémée défia Arsinoé II.

Le musée Pio-Clementino continue de présenter les meilleures expositions classiques. Situé dans le palais du Belvédère, le musée a immortalisé les noms de ses fondateurs, les papes Clément XIV et Pie VI. Les pontifes avaient toutes les raisons de créer le musée. À cette époque, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, le trésor du Vatican n'abritait pas la plus grande collection d'œuvres d'art que leurs prédécesseurs avaient réunie pendant plusieurs siècles. Le trésor et le palais du Belvédère ont donc été reconstruits. Depuis lors, le musée Pio-Clementino a commencé à exposer des objets antiques. Vous pouvez voir une variété de sculptures et de sarcophages partout, dans les salles et dans la cour intérieure octogonale avec des colonnades.

L'Apoxyomenos est un symbole des sports anciens et une démonstration éloquente du corps athlétique et svelte des athlètes grecs. Le mot "Apoxyomenos" vient du verbe grec signifiant "se nettoyer". Avant les compétitions, les athlètes de la Grèce antique s'oignaient le corps avec de l'huile qui était recouverte de sable pendant un tournoi. Après les compétitions, les athlètes enlevaient le mélange de sable et d'huile à l'aide d'une cuillère spéciale appelée strigil. La statue d'Apoxyomenos représente un sportif gracieux, un peu décontracté, mais sérieux. Sa silhouette en plastique maigre est une preuve silencieuse de la popularité des sports dans l'Antiquité. Il s'agit d'une copie de la statue en bronze d'Apoxyomène réalisée par le sculpteur grec Lysippe en 320 avant Jésus-Christ.

Vous vous trouvez maintenant dans la cour intérieure qui est le noyau de tous les musées du Vatican. C'est ici que sont exposés les magnifiques sarcophages romains avec leurs bas-reliefs. Avant que cette cour ne devienne une attraction incontournable incluse dans un guide des musées du Vatican, la cour intérieure était un jardin d'orangers. Mais le pape Jules II l'a améliorée en plaçant ici et là des statues antiques à l'ombre des arbres. Plus tard, en 1775, le pape Pie VI ordonna de clôturer le jardin avec un portique octogonal qui encadrait l'entrée du palais. Trente ans plus tard, quatre niches séparées par des arcades ont été construites aux quatre coins. Il s'agit de la niche de Laocoön, de la niche de Persée, de la niche d'Apollon et de la niche d'Hermès. C'est ainsi que le jardin a pris l'aspect que l'on peut voir.

Apollon, le dieu du soleil et de la lumière, était appelé "splendide" ou "rayonnant". Pendant plusieurs siècles, il a été l'idole de la beauté masculine. Juste après sa création, la statue d'Apollon du Belvédère a été admirée à la fois par des gens ordinaires et par des sculpteurs éminents. L'expert en art Johann Joachim Winckelmann considérait la statue comme une référence de l'art grec. Il a déclaré que "de toutes les œuvres de l'Antiquité qui ont échappé à la destruction, la statue d'Apollon représente l'idéal le plus élevé de l'art". Dès que la statue de marbre a été découverte non loin de Rome au milieu du XVe siècle, elle a été placée dans le jardin du Belvédère au Vatican. C'est ainsi qu'Apollon fut appelé l'Apollon du Belvédère. La sculpture du Belvédère d'Apollon représente le dieu sous les traits d'un archer puissant et séduisant. Ses mouvements sont dynamiques, décisifs et courageux. Selon les historiens, Apollon est censé tenir un arc dans sa main gauche et une flèche dans sa main droite. Il semble qu'il vienne de lâcher une flèche, attendant de savoir quelle cible elle va atteindre. Les flèches et l'arc dans ses mains représentent son droit de punir les pécheurs et de purifier les personnes repenties de leurs péchés. La tête d'Apollon est couronnée d'une couronne de laurier, symbole de victoire. Près du jeune, un tronc d'arbre représente le dragon Python tué par Apollon à Delphes.

Le groupe de statues de Laocoon et ses fils montre Laocoon et ses fils attaqués par des serpents de mer. Au plus fort de la guerre de Troie, Laocoön met en garde les Troyens contre la ruse et l'habileté des Grecs. Il demande aux citoyens de ne pas prendre le cheval de Troie. Mais les gens n'ont pas écouté Laocoön, et il a alors décidé de lancer une lance pour montrer ce que c'était. Mais le puissant Poséidon voulait que Troie soit ruinée, il devait donc empêcher Laocoön de révéler la vérité. Poséidon envoya deux énormes serpents attaquer Laocoön et ses fils. Les serpents de mer surgirent de la mer, enroulèrent le cou de leurs victimes et les tuèrent. Le groupe de statues exprime le mélodrame théâtral. Le sculpteur a magistralement utilisé sa connaissance du corps humain pour graver la figure de Laocoön au moment le plus tendu. Les muscles de son corps sont tendus par la douleur et sa bouche est déformée par un cri de mort. Il ne pleure pas tant lui-même que ses fils. La description de la bataille à mort n'est pas la seule à refléter la tragédie. La souffrance de Laocoön et de ses fils est désespérée, car ils seront tués dans quelques minutes. Mais même s'il le sait parfaitement, Laocoön espère toujours repousser les serpents de mer et s'en débarrasser. La sculpture étonne par le réalisme et les détails des muscles du corps humain, tendus et résistants.

Hermès était l'émissaire des dieux et le conducteur des âmes des morts vers les Enfers. Son autre nom était Psychopomp, ce qui signifie littéralement le "guide des âmes". Hermès était également le patron des bergers, des ambassadeurs, des voyageurs, des magiciens, des alchimistes et des astronomes. Il était également vénéré par les marchands, les commerçants et les athlètes. Selon les légendes, Hermès aurait inventé les unités de mesure, les nombres et l'alphabet et les aurait enseignés aux hommes. La statue représente un Hermès jeune, fort et beau, dans une attente tranquille. Le jeune dieu regarde tranquillement devant lui. Il est mélancolique ; son regard est baissé, tandis qu'un manteau jeté sur son épaule est enroulé autour de l'avant-bras. Hermès appuie doucement son pied droit sur le tronc d'un palmier. L'auteur a incarné dans la sculpture ce charme rêveur particulier dont Hermès est comblé. Le marbre transmet de manière étonnante la douceur des mouvements d'Hermès, tout en montrant la jeunesse et la force de sa silhouette.

Vous êtes dans la salle des animaux. Il s'agit de la plus grande collection mondiale de statues antiques d'animaux sauvages. Vous êtes entouré de près de 150 statues en albâtre, en marbre coloré et en marbre blanc. Presque toutes les pièces exposées sont des copies d'originaux grecs réalisées sur ordre du pape Pie VI. Le sculpteur Francesco Antonio Franzoni a travaillé sur les statues. Les statues d'animaux et d'oiseaux ont été restaurées à la fin du XIXe siècle. Dans la salle des animaux, on peut voir la statue de Meleager avec un chien et la tête du sanglier de Calydon, le torse du Minotaure, des sarcophages romains ayant appartenu aux représentants des Scipions.

Vous vous trouvez maintenant dans la salle conçue par le peintre italien Michelangelo Simonetti en 1782. La salle des Muses est décorée de seize colonnes de marbre. Levez les yeux et vous verrez les fresques du plafond réalisées par Tommaso Conca. Elles représentent Apollon et neuf Muses entourés des célèbres poètes de l'Antiquité : Homère, Eschyle, Pindare, Virgile, Tasso et Arioste. Dans la salle des Muses se trouvent des statues en marbre d'Apollon et de neuf muses, les protectrices grecques de l'art. En fait, ces sculptures sont des copies des statues grecques originales en bronze du IIIe siècle avant J.-C. Si vous regardez au centre de la salle, vous verrez le torse du Belvédère, un modèle de corps idéalement et magnifiquement proportionné, selon Michel-Ange.

Les historiens ont débattu de l'origine du Torse du Belvédère. Malgré le manque d'informations sur la statue, on sait que Michel-Ange lui-même admirait les lignes raffinées et réalistes de la musculature. En peignant le plafond de la chapelle Sixtine avec des fresques, il a utilisé l'image de la statue soigneusement gravée. Mais lorsqu'on lui demanda de restaurer les parties manquantes du torse, le peintre refusa de le faire car il considérait la statue comme idéale. Le théoricien du néo-atticisme Johann Winckelmann comparait le torse à "un chêne puissant qui a été abattu et dépouillé de ses rameaux et de ses branches". Les historiens supposent que la statue pourrait représenter Héraclès, Polyphème, Prométhée, Arès ou Philoctète. Mais la version la plus populaire dit qu'il s'agit du Grec Ajax, assis sur la pierre et pensant au suicide. Les experts en art ont établi que la tête était penchée vers la main droite. Elle tenait l'épée avec laquelle le héros allait se suicider. On suppose qu'au cours de la guerre de Troie, c'est Ulysse qui a été nommé commandant et non Ajax, et ce dernier était tellement furieux qu'il s'est suicidé.

La salle ronde a près de 250 ans. Elle a été conçue et construite dans un style classique à son apogée, en 1780. Le projet a été confié à Michelangelo Simonetti. En regardant vers le bas, vous verrez que le sol est recouvert de mosaïques romaines du IIIe siècle, représentant des batailles de guerriers grecs contre des tritons et des centaures. Au centre de la salle ronde se trouve un énorme bassin de porphyre d'une circonférence de 13 mètres. Il ornait auparavant la maison Holden de l'empereur Néron. Les niches abritent 18 statues et bustes en marbre de dieux romains et grecs et de héros mythologiques. Jetez un coup d'œil à la sculpture d'Antinoüs. Vous trouverez également le portrait de l'empereur Hadrien en Dionysos et la statue du puissant Hercule. Il s'agit de la seule statue dorée qui soit restée inchangée depuis l'Antiquité.

Il s'agit de la seule statue de bronze au monde recouverte de la dorure originale antique. Héraclès tient dans ses mains une lourde massue, la peau du lion et les pommes des Hespérides. Ils rappellent le premier et le dernier des douze travaux d'Héraclès. La peau du lion de Némée est le symbole du premier travail d'Héraclès. L'athlète devait tuer un énorme lion qui terrorisait les collines autour de Némée. Lorsqu'Héraclès trouva une grotte où vivait le lion, il en bloqua l'entrée avec une pierre. Il assomma ensuite le lion avec sa massue et l'étrangla jusqu'à ce que mort s'ensuive. Les pommes des Hespérides symbolisent la douzième tâche, la plus difficile, accomplie par Héraclès. Selon les légendes, il devait aller chercher trois pommes d'or dans le jardin d'un titan, Atlas, qui tenait le ciel sur ses épaules. Atlas tenait le ciel sur ses épaules et le jardin était gardé par les Hespérides, ses filles. Avant qu'Héraclès ne parvienne à cueillir trois pommes, il trouva le chemin du jardin, trompa le dragon qui défendait les arbres et Atlas lui-même.

La salle de la Croix grecque a été conçue par Michelangelo Simonetti. Regardez à l'entrée de la salle et vous verrez que le sol est recouvert d'une précieuse mosaïque datant du IIIe siècle avant J.-C. Cette mosaïque a d'abord recouvert le sol de la villa de Tusculum, près de Rome. Il est intéressant de noter que la salle est construite en forme de croix grecque. La croix grecque est une croix dont les bras rectangulaires de même longueur sont perpendiculaires l'un à l'autre. C'est cette particularité qui a donné son nom à la salle. Un visiteur attentif remarquera des éléments décoratifs égyptiens dans cette salle. Ainsi, on peut voir des sarcophages en porphyre. L'un des sarcophages a été réalisé pour Constantia, la fille de l'empereur Constantin, et le second pour sa mère Hélène. Regardez la décoration du sarcophage d'Hélène. Le cercueil est sculpté de cavaliers romains qui ont vaincu les barbares. Le sarcophage de Constantia est décoré de cupidons sculptés cueillant des raisins. Ne passez pas à côté de l'exposition unique - la silhouette d'une femme en mouvement. Vous pouvez la voir derrière le sarcophage de Sainte-Hélène. Les historiens pensent qu'il s'agit d'une seule statue de Cléopâtre qui ait survécu. Dans la salle de la Croix grecque, vous pourrez notamment admirer les sculptures d'Octave Auguste et de Jules César, ainsi que des mosaïques.

La galerie des Candélabres a été aménagée en 1761. À l'origine, elle servait de loggia ouverte, mais elle a été rénovée à la demande du pape Pie VI. La galerie est extrêmement vaste, sa longueur est de 80 mètres et elle est divisée par des colonnes de marbre en six sections. On peut constater que cette division est très formelle et que les arcs soutenus par les colonnes déterminent la surface de chaque section. Chacune d'entre elles contient des vases, des éléments de sarcophages et d'autels, des fresques, des urnes funéraires, des mosaïques romaines. Enfin, le long des murs de la galerie se trouvent les pièces maîtresses : des candélabres en marbre du IIe siècle provenant d'Otricoli. Regardez sous vos pieds à l'entrée de la troisième salle de la galerie. À l'entrée même, une fresque représente les armoiries de la famille et les insignes papaux sous la forme de deux clés croisées sous un trigone. À la demande du pape Léon XIII, une série de fresques a été réalisée par le peintre italien Ludwig Seitz. Dans la galerie du Candélabre, vous pouvez voir des copies romaines d'œuvres d'art grecques datant du I-IIIe siècle avant J.-C. Regardez les pièces les plus importantes : "Ganymède et l'aigle", "Artémis d'Éphèse", "Garçon à l'oie", "Le guerrier perse".

La sculpture Le char à deux chevaux est un symbole de pouvoir et de reconnaissance du commandant. Un char militaire est un véhicule solide, rapide, léger et luxueux. Ces chars tirés par des chevaux étaient conduits par les centurions, hauts gradés de l'armée romaine. Ils démontraient ainsi leur appartenance à l'élite de l'armée. Au XVIe siècle, un char, appelé biga par les Romains, servait de trône épiscopal dans l'église Saint-Marc à Rome. La composition dynamique que nous voyons est constituée des pièces assemblées lors de la restauration de 1788. Le sculpteur italien Francesco Antonio Franzoni était chargé de la restauration du char. Il a restauré les roues du char et l'un des chevaux, puis il a sculpté lui-même le second.

Un aigle soulève un jeune et beau Grec, Ganymède, dans les airs et l'emporte sur le mont Olympe, la montagne de tous les dieux. Selon les légendes, Zeus fut tellement séduit par la beauté exceptionnelle de Ganymède qu'il enleva le jeune garçon. On ne sait pas si le dieu suprême a envoyé l'oiseau ou s'il s'est lui-même transformé en aigle pour amener le jeune garçon sur l'Olympe. Zeus accorda au père du Ganymède volé une vigne d'or, une paire de chevaux et la promesse que son fils serait à jamais jeune et immortel. Après l'enlèvement, Ganymède devint échanson dans l'Olympe et servit les dieux avec du nectar et de l'ambroisie. La sculpture ne représente pas un vol, mais seulement le moment où l'aigle rattrape Ganymède avec précaution et l'enlève du sol. Le corps de l'oiseau est placé strictement à la verticale et les ailes sont déployées à l'horizontale. Ainsi, les figures de Ganymède et de l'aigle, qui se croisent, représentent une sorte de calvaire. Le chien de Ganymède lève la tête et regarde son maître s'élever dans le ciel.

Artémis, déesse de la chasse de la Grèce antique, représente la virginité, la pureté et la fertilité. En outre, elle était considérée comme la protectrice du mariage, des couples mariés et de l'accouchement. Artémis se comportait souvent comme une chasseresse, portant un carquois, une lance et des flèches. Elle était également représentée entourée de nymphes pendant le bain dans la rivière. Les animaux de culte d'Artémis, protectrice des animaux sauvages, étaient l'ours et le cerf. Artémis d'Éphèse est l'une des images de la déesse aux multiples visages. Elle symbolise la fertilité. Les historiens débattent des objets sphériques sur la figure. Les avis divergent. Certains experts affirment qu'il s'agit d'un sein féminin, d'autres spécialistes pensent qu'il s'agit d'une grappe de raisin. Sa coiffe et sa somptueuse tenue sont ornées de nombreuses têtes de taureaux et d'abeilles symbolisant la nature et ses fruits.

La Galleria degli Arazzi, longue de 100 mètres, a été aménagée en 1790 sur ordre du pape Pie VII et inaugurée en 1838. La galerie doit son nom à la ville française d'Arras et au mot dérivé "arazzi" qui désignait les tapis tissés ne déchiquetant pas les fibres. Ces vêtements colorés de fils d'or et d'argent ont été fabriqués pour la première fois en Flandre à la fin du quinzième siècle.

Quel que soit l'endroit de la pièce où le spectateur se trouve, il est surpris de découvrir que le Christ semble s'avancer. C'est ce qui rend cette tapisserie si unique. Sa particularité est sa "perspective mobile", basée sur des calculs mathématiques.

La Galerie des cartes géographiques est l'une des trois galeries supérieures du Palais apostolique du Vatican. Afin d'accueillir la Galerie des cartes géographiques, un étage supplémentaire a été construit dans l'aile ouest.

L'appartement de Pie V se compose d'une galerie avec des tapisseries et de deux petites pièces. Elles ne sont pas aussi spacieuses que d'autres salles du musée comme l'appartement Borgia.

La Cène est une scène de la Bible qui n'a pas besoin d'être présentée. C'est le dernier repas de la vie mortelle de Jésus-Christ. Il a réuni ses douze disciples.

La salle Sobieski doit son nom à une grande peinture de l'artiste polonais Jan Matejko (1838-1893).

L'Immaculée Conception proclame que la Vierge Marie a été initialement choisie pour être la Mère du Fils de Dieu. C'est pourquoi elle était exempte du péché originel et n'en a pas hérité lors de la conception.

Les Stanze de Raphaël se composent de la Stanza dell'Incendio del Borgo, de la Stanza della Segnatura, de la Stanza di Eliodoro et de la Sala di Costantino. Les fresques que vous voyez sont l'exemple de la façon dont le plus grand peintre Raphaël Santi a immortalisé son nom et celui de ses professeurs et élèves grâce à son talent et à sa générosité. Mais commençons par le début. L'histoire des Stanze commence en 1508, lorsque le pape Jules II quitte l'appartement des Borgia pour éviter tout souvenir de son prédécesseur, le pape Alexandre VI Borgia.

Le belligérant Maxence provoque une guerre avec le fidèle Constantin, au cours de laquelle se déroule la bataille du pont Milvius en 312. C'est là que Constantin demanda l'aide du Dieu à la veille de la bataille car il voyait la supériorité des forces hostiles.

Selon la légende, le pape Léon Ier aurait endigué l'avancée des troupes boches menées par le conquérant Attila sur le chemin de Rome. Léon Ier, vêtu d'un riche costume, monté sur un cheval blanc et entouré des cardinaux, se présenta devant Attila.

L'École d'Athènes est le chef-d'œuvre le plus célèbre de Raphaël. Parmi les nombreuses œuvres d'art de la Renaissance, elle est unanimement reconnue comme la meilleure. Au centre se trouvent les grands penseurs Aristote et Platon. Platon porte une cape rouge et ressemble à Léonard de Vinci. Il lève les mains. Cela fait référence à sa vision et à ses opinions scientifiques, selon lesquelles les idées se développent au ciel. Aristote, en robe bleue, pointe le doigt vers le bas, affirmant que les idées sont inextricablement liées à la vie terrestre. La fresque représente les grands penseurs du passé - Socrate flanqué de Platon et Diogène allongé sur les marches. Au premier plan, en bas, se trouve Pythagore entouré d'élèves. Au centre, Héraclite réfléchi, Euclide tenant un compas, Zoroastre et Ptolémée s'adressant à leurs élèves. Raphaël a magistralement placé une cinquantaine de personnages dans la fresque, en accordant l'attention nécessaire à chacun d'entre eux et en leur donnant à tous un rôle considérable. En outre, il dispose ses personnages en suivant la logique, tout en préservant leurs caractéristiques individuelles. Michel-Ange aurait visité la salle des fresques et se serait reconnu dans le portrait d'Héraclite. Il était très satisfait que Raphaël l'ait représenté loin de la foule des contestataires.

Le Borgo est un territoire adjacent au Palais des Papes au Vatican. En 847, un grand incendie s'est déclaré. Les efforts pour éteindre les flammes ne furent couronnés de succès que lorsque le pape Léon IV sortit sur la loggia. Sa présence suffit à éteindre le feu. En fait, ce fait est l'élément principal de la fresque, bien que le palais du Vatican et le pontife soient représentés à l'arrière-plan. Le pape Léon IV porte la tiare, une soutane blanche et un manteau écarlate. Il prononce son discours de bénédiction aux Romains. Raphaël n'a pas mis l'accent sur le miracle accompli par le pape, mais sur les personnes effrayées qui ont été prises au dépourvu. Au premier plan, une jeune mère et son enfant cherchent un abri. Les femmes désespérées s'agenouillent et prient pour qu'on les sauve. Raphaël a peint les personnages du poème légendaire "L'Énéide" qui ont réussi à échapper à l'incendie de Troie. Énée a arraché son vieux père Anchise. À gauche, près d'Énée, se trouve sa femme, la jeune Creusa, et à droite, leur fils Ascagne.

La chapelle située dans l'angle sud-ouest de la tour Borgia dans laquelle vous êtes entré a été fondée en 1631. Avant de devenir une salle du musée, cette petite pièce faisait partie de la résidence papale et était utilisée à des fins liturgiques.

L'appartement Borgia se trouve juste au-dessus des chambres de Raphaël. Bernardino Pinturicchio et ses élèves se sont occupés de la décoration des salles.

À l'origine, Auguste Rodin avait baptisé sa sculpture la plus importante le Poète. La statue fait partie de la composition dédiée à la Divine Comédie et représente Dante regardant les souffrances des pécheurs.

La sculpture en cire représente un portrait de la femme de l'artiste, Giuditta Pozzi, et de leur fils Francesco. La sculpture est dynamique et plastique, bien qu'elle n'ait pas de formes distinctes. Il s'agit d'un bel exemple de sculpture impressionniste.

Le paysage fait partie intégrante des peintures de Dali. De nombreux éléments de cette toile - un désert sans fin, de minces silhouettes pâles, de magnifiques nuages et des ombres distinctes des objets - sont présents dans d'autres tableaux de Dali. La toile représente dix personnages : cinq anges, quatre humains et une licorne blanche.

Adam, le premier homme sur terre, a reçu la vie de la main du Tout-Puissant. L'esprit et la volonté d'un jeune homme beau et fort sont encore endormis ; il tend mollement la main vers Dieu, qui transmet de son index l'énergie vitale à sa création. La figure d'Adam détient le pouvoir et la force reçus de Dieu. Son regard, tourné vers Dieu, est plein d'attente. C'est cette courte distance entre les doigts de Dieu et d'Adam qui recèle l'essence et l'attraction magnétique de toute l'œuvre. Il semble que le Créateur envoie à l'homme un courant électrique, l'étincelle de la vie. Dieu est représenté en train de voler dans l'espace illimité de l'univers. Un manteau flotte derrière lui, comme une voile. Elle réunit les anges qui entourent le Créateur. Un ange regarde par-dessus l'épaule de Dieu, frappé par la beauté du premier homme. Les experts en art suggèrent que les contours de la cape ressemblent aux contours du cerveau humain. Ce symbole montre Dieu comme l'esprit suprême, à l'origine des pensées et de la volonté de l'homme.

Il s'agit de l'une des fresques les plus complexes et les plus puissantes par sa conception et son niveau de complexité. En haut, à gauche, des anges en vol. Ils tiennent dans leurs mains les symboles de la Passion : la Croix, les Clous, la Couronne d'épines. À droite, les anges brandissent la colonne de la flagellation et la lance avec l'éponge imbibée de vinaigre. Il est à noter que les anges sont peints sans ailes, ce qui les fait ressembler à des personnes ordinaires. Au centre de la fresque, la Mère de Dieu et le Christ, entourés des saints, attendent la sentence. La figure du Christ est la plus grande, dans un geste large et dynamique, saisi au moment où le verdict du Jugement dernier est prononcé. Les historiens ont débattu des sentiments associés au geste du Christ. Les uns disent qu'il s'agit d'une manière d'apaiser l'agitation ambiante, les autres affirment qu'il s'agit d'un geste de malédiction. La Vierge tourne la tête, attendant le résultat du jugement. Le Christ et la Vierge sont entourés des saints martyrs. Ils tiennent les objets qui ont causé leur mort d'une manière ou d'une autre. À la droite du Christ se trouve saint Pierre à la barbe grise, avec les deux clés du ciel. En dessous, on peut voir saint Barthélemy avec sa propre peau, écorchée par les païens. Le visage du martyr est un autoportrait de Michel-Ange. En face de lui se trouve saint Laurent avec le gril sur lequel il a été brûlé vif par des païens romains. A droite, sur l'un des nuages, on voit Sainte Catherine d'Alexandrie en robe verte. Elle tient la roue dentée qui a servi d'instrument à son exécution. Au-dessus de sainte Catherine se trouve saint Paul, vêtu d'une cape rouge. À côté d'elle, saint Sébastien est agenouillé et tient les flèches dans sa main. Les soldats romains ont tiré des flèches sur lui. Juste au-dessus de Sébastien, saint André semble descendre sur un nuage, tenant la croix dans sa main levée. En bas, à gauche, se trouvent de jeunes vierges, des sibylles et des personnages de l'Ancien Testament. Au centre de la partie inférieure se trouvent les anges de l'Apocalypse qui réveillent les morts en soufflant dans leurs trompettes. À droite, en bas, des anges et des diables font tomber les damnés en enfer. Au fond se trouve Charon, qui transportait les âmes sur sa barque pour les conduire devant le juge Minos, dont le corps est enroulé dans les spires du serpent. Comme la fresque représente des personnages nus, Michel-Ange est entré en conflit avec les moralistes. Le maître de cérémonie Biagio da Cesena l'appelle à respecter les convenances. Il se plaint que des figures nues n'ont pas le droit d'être peintes dans un lieu aussi sacré. Michel-Ange ne peut le contredire directement, mais il répond d'une autre manière. Sur la droite, en bas, parmi les morts qui ont été conduits en enfer, il a peint un homme ridicule avec des oreilles d'âne et recouvert d'un serpent enroulé. La figure et le visage de cet homme ressemblaient au visage du cardinal. Lorsque le maître de cérémonie vit son visage sur la fresque, il se plaignit au pape Paul III. La réponse du pape fut brillante : "Je peux donner des ordres sur la terre, ou du moins j'aurais un certain impact, s'il s'agit des limbes. Mais pour tout ce qui concerne l'Enfer, je suis impuissant. Vous devriez en parler à Michel-Ange..."

Le Christ remet solennellement à son disciple les clés d'or et d'argent, lui donnant ainsi la permission de pardonner les péchés et de faire entrer les âmes au paradis. Cette fresque illustre le seizième chapitre de l'Évangile de Matthieu. Le message principal de la fresque est représenté au centre : la remise des clés du royaume des cieux à l'apôtre Pierre.

La fresque représente plusieurs événements importants de la vie de Moïse. À droite, Moïse intercède en faveur d'un Juif qui travaille dans le bâtiment et qui est battu par un contremaître. Moïse tue accidentellement l'Égyptien et s'enfuit de la ville.