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Cuando uno entra en el Museo Gregoriano Egipcio, comprende con emoción que se trata de la mayor exposición de artefactos egipcios del mundo. Aquí se puede aprender sobre la cultura egipcia a partir de los objetos expuestos en Mesopotamia y Siria hace muchos siglos. El Museo Gregoriano Egipcio se inauguró en 1839. Con nueve salas, fue creado por el Papa Gregorio XVI para ser la mayor colección de patrimonio cultural del Antiguo Egipto. Hoy se pueden ver esculturas, papiros, sarcófagos y fragmentos de momias. El Papa Pío VII comenzó a reunir la colección con los artefactos del siglo III, el período de la invasión romana en Egipto, que fueron descubiertos durante la excavación. No pase por alto la escultura de Ramsés II sentado en el trono y la estatua de Udjaḥorresnet que se exhiben en la primera sala entre otros numerosos objetos expuestos. La segunda sala alberga sarcófagos egipcios de madera pintada, momias, tarros canopos y figurillas ushabti. En la cuarta sala llama especialmente la atención una estatua de Anubis; en la quinta, las estatuas de Ptolomeo II y Tiye. La séptima sala alberga la colección de esculturas helenísticas y romanas de bronce y arcilla, cerámica islámica y cristiana. En las salas octava y novena hay objetos de Mesopotamia y la antigua Siria.

Udjaḥorresnet fue un antiguo representante religioso y público egipcio, noble honorable y sacerdote de Neith, la diosa de la guerra y la caza.Udjaḥorresnet ocupó los cargos de primer ministro, diplomático, tesorero real, médico jefe, jefe de copistas de los Grandes Textos y comandante de la flota egipcia.Era una persona poderosa y participó en el gobierno de Egipto. Cuando era comandante de la flota egipcia, Egipto fue conquistado por el ejército persa, lo que puso fin a la dinastía XXVI.Durante la excavación se encontraron las estatuillas ushabti con el nombre de Udjaḥorresnet en su estatua Naophorous. La estatua estaba en un sarcófago de piedra caliza colocado en la tumba. El segundo sarcófago hecho de basalto, en forma de cuerpo humano, fue colocado en el primer sarcófago. La estatua de Naophorus contiene las inscripciones de los títulos y actos honorables cometidos por Udjaḥorresnet en la corte de los faraones.

La conservación del cuerpo mediante el embalsamamiento desempeñó un papel fundamental en la cultura egipcia. Se trata de una etapa tradicional del entierro. Los antiguos egipcios creían que así era como el alma del difunto se reunía con su cuerpo tras la muerte.El embalsamamiento se realizó por primera vez en el III milenio a.C., y tras la conquista árabe de Egipto en el 641 a.C. la tradición desapareció.Los sacerdotes tardaban unos 70 días en completar todo el proceso de embalsamamiento. Lavaban el cuerpo, le extraían los órganos internos y lo cubrían con la llamada sal divina para eliminar la humedad de los tejidos. La cavidad torácica se llenaba de resina para que el cuerpo pesara más. La piel se frotaba y aromatizaba con aceite aromático. Luego se envolvía el cuerpo en vendas de lino. Antes de colocarlo en un ataúd se ponía una máscara en la cara de la momia para protegerla y conservarla.Para la mejor conservación de la momia, los egipcios empezaron a extraer el cerebro. Pero más tarde dejaron de hacerlo ya que se consideraba que el cerebro era el núcleo físico, emocional e intelectual, el centro del ser humano.

Las estatuas representan a Ptolomeo II y a su hermana Arsinoe II, que se convirtió en su esposa. Ptolomeo II fue rey de Egipto en el siglo III a.C. Además de por sus asuntos políticos, es famoso por casarse con su hermana Arsinoe.Al ocupar el trono, Ptolomeo pretendía extender su influencia política más allá de las fronteras de Egipto y hacerse con el control del territorio que se extendía hasta Asia. Para ello reforzó sus posiciones en el mar. Por aquel entonces, su hermana Arsinoe huyó de su marido en Macedonia a Egipto para convertirse en reina. Era una intrigante pérfida y astuta en Macedonia. Y se casó con su hermano para hacerse con el poder.Según antiguas leyendas griegas, estas dos estatuas fueron llevadas a Roma por el emperador Calígula. En Roma embellecieron un edificio dedicado a su hermana-esposa Drusila. La deificaron cuando Ptolomeo desafió a Arsinoe II.

El Museo Pio-Clementino sigue mostrando las mejores exposiciones clásicas. Situado en el Palacio del Belvedere, el Museo inmortalizó los nombres de sus fundadores: los papas Clemente XIV y Pío VI. Los pontífices tenían todas las razones para crear el Museo. En aquella época, en la segunda mitad del siglo XVIII, el tesoro vaticano no albergaba la mayor colección de obras de arte que sus predecesores habían reunido durante algunos siglos. Entonces se reconstruyeron el tesoro y el palacio Belvedere. Desde entonces, el Museo Pio-Clementino comenzó a colocar piezas antiguas. Se pueden ver esculturas y sarcófagos por todas partes, en las salas y en el patio interior octogonal con columnatas.

Apoxyomenos es un símbolo de los deportes antiguos y una demostración elocuente del esbelto cuerpo atlético de los atletas griegos. La palabra "Apoxyomenos" procede del verbo griego que significa limpiarse. Antes de las competiciones, los antiguos atletas griegos se untaban el cuerpo con aceite que se cubría con arena durante un torneo. Después de las competiciones, los atletas raspaban la mezcla de arena y aceites con una cuchara especial llamada strigil. La estatua de Apoxyomenos muestra a un deportista grácil, un poco relajado, pero serio. Su esbelta figura plástica sirve como prueba silenciosa de la popularidad de los deportes en la Antigüedad. Se trata de una copia de la estatua de bronce de Apoxyomenos realizada por el escultor griego Lisipo en el año 320 a.C.

Ahora se encuentra en el patio interior que es el núcleo de todos los Museos Vaticanos. Aquí se exhibe la exposición de magníficos sarcófagos romanos con bajorrelieves. Antes de que este patio se convirtiera en una atracción imprescindible incluida en una guía de los Museos Vaticanos, el patio interior era un jardín de naranjos. Pero el Papa Julio II lo mejoró colocando estatuas antiguas a la sombra de los árboles aquí y allá. Más tarde, en 1775, el Papa Pío VI ordenó cercar la zona ajardinada con un pórtico octogonal que enmarcaba la entrada al palacio. Al cabo de treinta años se construyeron cuatro nichos separados por arcadas en las cuatro esquinas. Se trata del Nicho de Laocoonte, el Nicho de Perseo, el Nicho de Apolo y el Nicho de Hermes. De este modo, el jardín adquirió el aspecto que puedes ver.

Apolo, dios del sol y de la luz, era llamado "espléndido" o "radiante". Durante varios siglos fue un ídolo de la belleza masculina. Y justo después de su creación, la estatua de Apolo del Belvedere fue admirada tanto por gente corriente como por destacados escultores. El experto en arte Johann Joachim Winckelmann consideraba la estatua como un referente del arte griego. Decía que "de todas las obras de la antigüedad que han escapado a la destrucción, la estatua de Apolo representa el ideal más elevado del arte". En cuanto se descubrió la estatua de mármol no lejos de Roma, a mediados del siglo XV, se colocó en el jardín del Belvedere del Vaticano. Entonces Apolo pasó a llamarse Apolo Belvedere. La escultura del Belvedere de Apolo representa al dios como un poderoso y apuesto arquero. Sus movimientos son dinámicos, decididos y valientes. Según los historiadores, Apolo sostiene supuestamente un arco en la mano izquierda y una flecha en la derecha. Parece que acaba de soltar una flecha, esperando qué blanco va a clavar. Las flechas y el arco en sus manos representan su derecho a castigar a los pecadores y purificar de sus pecados a los arrepentidos. La cabeza de Apolo está coronada con una corona de laurel, símbolo de vencedor. Cerca del joven hay un tronco de árbol con el dragón Pitón matado por Apolo en Delfos.

El grupo de estatuas de Laocoonte y sus hijos muestra a Laocoonte y sus hijos siendo atacados por serpientes marinas. En plena guerra de Troya, Laocoonte advirtió a los troyanos de la astucia y las artimañas de los griegos. Pidió a los ciudadanos que no tomaran el caballo de Troya. Pero la gente no escuchó a Laocoonte, y entonces éste decidió arrojar una lanza para demostrar lo que era. Pero el poderoso Poseidón quería que Troya se arruinara, así que tuvo que impedir que Laocoonte lo revelara. Poseidón envió dos enormes serpientes para atacar a Laocoonte y a sus hijos. Las serpientes marinas subieron del mar, enroscaron los cuellos de sus víctimas y las mataron. El grupo de estatuas expresa el teatralismo melodramático. El escultor utilizó magistralmente su conocimiento del cuerpo humano para grabar la figura de Laocoön en el momento más tenso. Los músculos de su cuerpo estaban tensos por el dolor, y su boca estaba distorsionada por el grito de muerte. No está de luto por sí mismo, sino por sus hijos. No sólo la descripción de la batalla a muerte refleja la tragedia. La desesperación es que el sufrimiento de Laocoön y sus hijos es desesperante, ya que morirán en pocos minutos. Pero incluso sabiéndolo bien, Laocoön aún tiene la esperanza de empujar a las serpientes marinas y deshacerse de ellas. La escultura sorprende por el realismo y los detalles de los músculos del cuerpo humano, tensos y resistentes.

Hermes era el emisario de los dioses y el conductor de las almas de los muertos al Inframundo. Su otro nombre era Psicopompo, que literalmente significa "guía de almas". Hermes era también el patrón de los pastores, embajadores, viajeros, magos, alquimistas y astrónomos. Además, lo veneraban mercaderes, comerciantes y atletas. Según las leyendas, Hermes inventó las unidades de medida, los números y el alfabeto y se lo enseñó a la gente. La estatua representa al joven, fuerte y apuesto Hermes en tranquila expectación. El joven dios mira al frente con tranquilidad. Está melancólico; su mirada está baja, mientras un manto echado sobre su hombro se enrolla alrededor del antebrazo. Hermes apoya suavemente el pie derecho en el tronco de una palmera. El autor plasmó en la escultura ese especial encanto onírico con el que se cumple Hermes. El mármol transmite asombrosamente la suavidad y tersura de los movimientos de Hermes, al tiempo que muestra la juventud y fuerza de su figura.

Se encuentra usted en la Sala de los Animales. Se trata de la mayor colección mundial de estatuas antiguas de animales salvajes. Le rodean casi 150 estatuas de alabastro, mármol de colores y mármol blanco. Casi todos los objetos expuestos que se pueden ver son copias de originales griegos realizadas por orden del Papa Pío VI. El escultor Francesco Antonio Franzoni trabajó en las estatuas. Y las estatuas de animales y aves fueron restauradas a finales del siglo XIX. En la Sala de los Animales verás la estatua de Meleagro con perro y la cabeza del jabalí de Calydon, el torso del Minotauro, sarcófagos romanos pertenecientes a los representantes de los Escipiones.

Ahora se encuentra en el vestíbulo diseñado por el pintor italiano Michelangelo Simonetti en 1782. La Sala de las Musas está decorada con dieciséis columnas de mármol. Mire hacia arriba y verá los frescos del techo, obra de Tommaso Conca. Representan a Apolo y nueve Musas rodeados de los famosos poetas del mundo antiguo: Homero, Esquilo, Píndaro, Virgilio, Tasso y Ariosto. En la Sala de las Musas hay estatuas de mármol de Apolo y nueve musas, las protectoras griegas del arte. De hecho, estas esculturas son copias de las estatuas originales griegas realizadas en bronce en el siglo III a.C. Si se fija en el centro de la sala, verá el Torso del Belvedere, un modelo de cuerpo ideal y bellamente proporcionado, según Miguel Ángel.

Los historiadores han debatido sobre el origen del Torso del Belvedere. Pero a pesar de la falta de información sobre la estatua, se sabe que el propio Miguel Ángel admiraba las líneas refinadas y realistas de la musculatura. Mientras pintaba el techo de la Capilla Sixtina con frescos, utilizó la imagen de la estatua cuidadosamente esculpida. Pero cuando se le pidió al pintor que restaurara las partes que faltaban del torso, se negó a hacerlo por considerar que la estatua era ideal. El teórico neoático Johann Winckelmann comparó el torso con "un poderoso roble talado y despojado de sus ramitas y ramas". Los historiadores suponen que la estatua puede representar a Heracles, Polifemo, Prometeo, Ares o Filoctetes. Pero la versión más popular habla de que se trata del griego Áyax, sentado en la piedra y pensando en el suicidio. Los expertos en arte establecieron que la cabeza estaba inclinada hacia la mano derecha. Y empuñaba la espada con la que el héroe se quitaría la vida. Supuestamente, durante la guerra de Troya Odiseo fue nombrado comandante y no Áyax, y estaba tan furioso que se suicidó.

La Sala Redonda tiene casi 250 años. Se diseñó y construyó en estilo clásico en su apogeo, en 1780. Michelangelo Simonetti fue el encargado del proyecto. Mira hacia abajo y verás que el suelo está cubierto de mosaicos romanos del siglo III, que representan las batallas de guerreros griegos con tritones y centauros. En el centro de la Sala Redonda se puede ver una enorme pila de pórfido que tiene una circunferencia de 13 metros. Anteriormente embellecía la Casa Holden del emperador Nerón. En los nichos hay 18 estatuas y bustos de mármol de dioses y héroes mitológicos romanos y griegos. Eche un vistazo a la escultura de Antinoo. También encontrará el retrato del emperador Adriano representado como Dionisio y la estatua del poderoso Hércules. Se trata de la única estatua dorada que ha sobrevivido inalterada desde la Antigüedad.

Se trata de la única estatua de bronce del mundo recubierta del antiguo dorado original. Heracles sostiene en sus manos un pesado garrote, la piel del león y las manzanas de las Hespérides. Recuerdan al primero y al último de los doce Trabajos de Heracles. La piel del león de Nemea es un símbolo del primer trabajo de Heracles. El atleta debía matar a un enorme león que aterrorizaba las colinas de los alrededores de Nemea. Cuando Heracles encontró una cueva donde vivía la bestia, bloqueó la entrada con una piedra. Luego aturdió al león con su garrote y lo estranguló hasta la muerte. Las manzanas de las Hespérides simbolizan la duodécima, la tarea más difícil realizada por Heracles. Según las leyendas, debía ir a ver al titán Atlas y coger tres manzanas de oro de su jardín. Atlas sostenía el cielo sobre sus hombros y el jardín estaba custodiado por las Hespérides, sus hijas. Antes de que Heracles consiguiera coger tres manzanas, encontró el camino al jardín, engañó al dragón que defendía los árboles y al propio Atlas.

La Sala de la Cruz Griega fue diseñada por Michelangelo Simonetti. Mire a la entrada de la sala y verá que el suelo está cubierto con el precioso mosaico datado en el siglo III a.C. En primer lugar, este mosaico cubría el suelo de la villa de Tusculum, cerca de Roma. Curiosamente, el vestíbulo está construido en forma de cruz griega. La cruz griega es una cruz con brazos rectangulares de igual longitud perpendiculares entre sí. Esta particularidad dio nombre al vestíbulo. Un visitante atento observará elementos decorativos egipcios en esta sala. Así, podrá ver sarcófagos de pórfido. Un sarcófago fue hecho para Constantia, la hija del emperador Constantino, y el segundo - para su madre Helena. Fíjate en la decoración del sarcófago de Helena. El ataúd está esculpido con jinetes romanos que derrotaron a los bárbaros. El sarcófago de Constancia está decorado con cupidos esculpidos recogiendo uvas. No pase por alto la singular exhibición de la figura de la mujer en movimiento. Puede verla detrás del Sarcófago de Santa Elena. Los historiadores creen que se trata de la única estatua de Cleopatra que se conserva. Entre otras cosas, en la Sala de la Cruz Griega podrá admirar las esculturas de Octavio Augusto y Julio César y mosaicos.

La Galería de los Candelabros fue acondicionada en 1761. Originalmente funcionaba como una logia abierta, pero fue renovada por deseo del Papa Pío VI. La Galería es extremadamente vasta, su longitud es de 80 metros y está dividida por columnas de mármol en seis secciones. Se puede ver que esta división es bastante formal, y los arcos sostenidos por las columnas determinan la superficie de cada sección. En cada una de ellas se exponen jarrones, elementos de sarcófagos y altares, frescos, urnas funerarias, mosaicos romanos. Y, por último, a lo largo de las paredes de la Galería se encuentran los principales objetos expuestos: candelabros de mármol del siglo II procedentes de Otricoli. Mire bajo sus pies a la entrada de la tercera sala de la Galería. En la misma entrada, hay un fresco que representa el escudo familiar y la insignia papal mostrada como dos llaves cruzadas bajo un triregno. A petición del Papa León XIII, el pintor italiano Ludwig Seitz pintó una serie de frescos. En la Galería de los Candelabros podrá ver copias romanas de obras de arte griegas datadas entre los siglos I y III a.C. Fíjese en las piezas más destacadas: "Ganímedes y el águila", "Artemisa de Éfeso", "Muchacho con ganso", "El guerrero persa".

La escultura El carro de dos caballos es un símbolo de poder y reconocimiento del comandante. Un carro militar es un vehículo sólido, rápido, ligero y lujoso. Estos carros tirados por caballos eran conducidos por los centuriones, altos militares romanos. Así demostraban su pertenencia a la élite del ejército. En el siglo XVI, un carro, que los romanos llamaban biga, se utilizaba como trono episcopal en la iglesia de San Marcos de Roma. La composición dinámica que vemos está formada por las piezas ensambladas durante la restauración de 1788. El escultor italiano Francesco Antonio Franzoni se encargó de la restauración de la cuadriga. Restauró las ruedas del carro y uno de los caballos, y luego talló él mismo el segundo.

Un águila levanta en el aire a un apuesto joven griego, Ganímedes, y lo lleva al Olimpo, el monte de todos los dioses. Según las leyendas, Zeus quedó tan prendado de la belleza sobrenatural de Ganímedes que raptó al joven. Se desconoce si el dios supremo envió al ave o si él mismo se transformó en águila y llevó al joven al Olimpo. Zeus concedió al padre del robado Ganímedes una vid de oro, un par de caballos y la palabra de que su hijo sería siempre joven e inmortal. Tras el rapto, Ganímedes se convirtió en copero del Olimpo y sirvió a los dioses con néctar y ambrosía. La escultura no representa un vuelo, sino sólo el momento en que el águila alcanza con cuidado a Ganimedes y lo despega del suelo. El cuerpo del ave está colocado en posición estrictamente vertical, con las alas desplegadas horizontalmente. Así, las figuras de Ganímedes y el águila, cruzándose, representan algo así como un calvario. El perro de Ganimedes levanta la cabeza y observa cómo su amo se eleva hacia el cielo.

La antigua diosa griega de la caza Artemisa representa la virginidad, la pureza y la fertilidad. Además, se la consideraba protectora del matrimonio, las parejas casadas y los partos. Artemisa actuaba a menudo como cazadora, portando un carcaj, una lanza y flechas. También se la representaba rodeada de ninfas durante el baño en el río. Los animales de culto de Artemisa, protectora de los animales salvajes, eran un oso y un ciervo. Artemisa de Éfeso es una de las imágenes de la diosa de múltiples caras. Simboliza la fertilidad. Los historiadores debaten sobre los objetos esféricos de la figura. Las opiniones divergen. Algunos expertos afirman que se trata de un pecho femenino, otros especialistas creen que es un racimo de uvas. Su tocado y suntuoso atuendo están decorados con numerosas cabezas de toros y abejas que simbolizan la naturaleza y sus frutos.

La Galleria degli Arazzi, de 100 metros de largo, fue arreglada en 1790 por orden del Papa Pío VII e inaugurada en 1838. La Galería debe su nombre a la ciudad francesa de Arras y a la palabra derivada "arazzi" que designaba las alfombras tejidas sin fibras. Estas prendas coloreadas de hilos de oro y plata se fabricaron por primera vez en Flandes a finales del siglo XV.

En cualquier lugar de la sala en que se sitúe el espectador, se sorprenderá al descubrir que Cristo parece dar un paso al frente. Esto es lo que hace que este tapiz sea tan singular. La peculiaridad es su "perspectiva móvil", basada en cálculos matemáticos.

La Galería de los Mapas Geográficos es una de las tres galerías superiores del Palacio Apostólico del Vaticano. Para albergar la Galería de Mapas Geográficos se construyó una planta más en el ala oeste.

El Apartamento de Pío V consta de una galería con tapices y dos pequeñas salas. No son tan espaciosas como otras salas del museo, como el Apartamento Borgia.

La Última Cena es una escena de la Biblia que no necesita presentación. Esta es la última comida de la vida mortal de Jesucristo. Reunió a sus doce discípulos.

La Sala Sobieski debe su nombre a un gran cuadro del artista polaco Jan Matejko (1838-1893).

La Inmaculada Concepción proclama que la Virgen María fue elegida inicialmente para ser la Madre del Hijo de Dios. Por eso estaba libre del pecado original y no lo heredó en la concepción. A mediados del siglo XIX, el Papa Pío IX proclamó dogma la Inmaculada Concepción. Para conmemorar este acontecimiento, el pontífice decidió abrir una sala homónima y decorarla con frescos para mostrar el respeto de la gracia y la bendición de la Virgen María.

Las Stanze de Rafael constan de la Stanza dell'Incendio del Borgo, la Stanza della Segnatura, la Stanza di Eliodoro y la Sala di Costantino. Los frescos que ves son el ejemplo de cómo el más grande pintor Rafael Santi inmortalizó tanto su nombre como el de sus maestros y alumnos gracias a su talento y generosidad. Pero empecemos por el principio. La historia de los Stanze comenzó en 1508, cuando el Papa Julio II se mudó del Apartamento Borgia para evitar cualquier recuerdo de su predecesor, el Papa Alejandro VI Borgia.

El beligerante Majencio provocó una guerra con el leal Constantino, en el transcurso de la cual tuvo lugar la batalla del Puente Milvio en 312. Es allí donde Constantino pidió ayuda al Dios en la víspera de la batalla al ver la superioridad de las fuerzas hostiles.

Según la leyenda, el Papa León I frenó el avance de las tropas hunas dirigidas por el conquistador Atila en su camino hacia Roma. León I, vestido con un rico atuendo, montado en un caballo blanco y rodeado de cardenales, se presentó ante Atila.

La Escuela de Atenas es la obra maestra más famosa de Rafael. Entre las numerosas obras de arte del Renacimiento, es unánimemente reconocida como la mejor. En el centro están los grandes pensadores Aristóteles y Platón. Platón lleva una capa roja y se parece a Leonardo da Vinci. Levanta las manos. Hace referencia a su visión y puntos de vista científicos, según los cuales las ideas se desarrollan en el cielo. Aristóteles, vestido de azul, señala hacia abajo, afirmando que las ideas están inextricablemente unidas a la vida terrestre. El fresco muestra a los grandes pensadores del pasado: Sócrates flanqueado por Platón y Diógenes tumbado en la escalera. En primer plano, al fondo, está Pitágoras rodeado de alumnos. El pensativo Heráclito está en el centro, Euclides con una brújula en la mano está flanqueado por Zoroastro y Ptolomeo hablando con sus alumnos. Rafael coloca magistralmente a unos cincuenta personajes en el fresco, prestando la debida atención a cada figura y otorgando papeles considerables a todas ellas. Además, dispone a sus personajes siguiendo la lógica, pero conservando sus características individuales. Se dice que Miguel Ángel visitó la sala de los frescos y se reconoció en el retrato de Heráclito. Estaba muy satisfecho de que Rafael le retratara lejos de la multitud de charlatanes disputones.

Borgo es un territorio adyacente al Palacio de los Papas en el Vaticano. En 847 se produjo un gran incendio. Los esfuerzos por sofocar las llamas sólo tuvieron éxito cuando el Papa León IV salió a la logia. Su presencia bastó para apagar el fuego. Básicamente, este hecho es el elemento principal del fresco, aunque el Palacio Vaticano y el pontífice están representados en segundo plano. El Papa León IV lleva la tiara, una sotana blanca y un manto escarlata. Pronuncia ante los romanos su discurso bendecido. Rafael no se centró en el milagro realizado por el Papa, sino en la gente asustada que se vio sorprendida. En primer plano, una joven madre con su hijo busca refugio. Las mujeres desesperadas se arrodillan y rezan por el rescate. Rafael pintó a los personajes del legendario poema "Eneida" que lograron escapar del incendio de Troya. Eneas arrebató a su anciano padre Anquises. A la izquierda, cerca de Eneas, está su esposa, la joven Creusa, y a la derecha su hijo Ascanio.

La capilla de la esquina suroeste de la Torre Borgia en la que has entrado fue fundada en 1631. Antes de convertirse en sala del museo, esta pequeña habitación formaba parte de la residencia papal y se utilizaba con fines litúrgicos.

El Apartamento Borgia se encuentra justo encima de las Estancias de Rafael. Bernardino Pinturicchio y sus alumnos se dedicaron a decorar las salas.

En un principio, Auguste Rodin bautizó su escultura más destacada con el nombre de El Poeta. La estatua está esculpida como parte de la composición dedicada a la Divina Comedia, y representa a Dante contemplando los sufrimientos de los pecadores.

La escultura de cera representa un retrato de la esposa del artista, Giuditta Pozzi, y su hijo Francesco. La escultura es dinámica y plástica, aunque no tiene formas definidas. Se trata de un brillante ejemplo de escultura impresionista.

El paisaje es parte integrante de los cuadros de Dalí. Muchos elementos de este lienzo -un desierto interminable, figuras delgadas y pálidas, nubes magníficas y sombras definidas de los objetos- aparecen en otros cuadros de Dalí. El lienzo representa diez figuras: cinco ángeles, cuatro humanos y un unicornio blanco.

Adán, el primer hombre de la Tierra, recibió la vida de la mano del Todopoderoso. La mente y la voluntad de un joven apuesto y fuerte están aún dormidas; tiende sin fuerzas la mano a Dios, que transmite con su dedo índice la energía vital a su creación. La figura de Adán sostiene el poder y la fuerza recibidos de Dios. Su mirada, vuelta hacia Dios, está llena de expectación. Es esta corta distancia entre los dedos de Dios y Adán lo que oculta la esencia y la atracción magnética de toda la obra. Parece que el Creador envía al hombre una corriente eléctrica, la chispa de la vida. Se representa a Dios volando por el espacio ilimitado del Universo. Un manto flota detrás de él, como una vela. Une a los ángeles que rodean al Creador. Un ángel mira por encima del hombro de Dios, impresionado por la belleza del primer hombre. Los expertos en arte sugieren que los contornos de la capa se asemejan a los del cerebro humano. Este símbolo muestra a Dios como la mente suprema, el origen de los pensamientos y la voluntad del hombre.

Se trata de uno de los frescos más complejos y poderosos por su diseño y nivel de complejidad. En la parte superior, a la izquierda, hay ángeles en vuelo. Sostienen en sus manos los símbolos de la Pasión: la Cruz, los Clavos, la Corona de Espinas. A la derecha, los ángeles sostienen la columna de la flagelación y la lanza con la esponja empapada en vinagre. Cabe señalar que los ángeles están pintados sin alas, lo que les hace parecer personas corrientes. En el centro del fresco aparecen la Madre de Dios y Cristo rodeado de los santos, esperando la sentencia. La figura de Cristo es la más grande, en un dinámico gesto amplio, plasmado en el momento en que se pronuncia el veredicto del Juicio Final. Los historiadores han debatido sobre los sentimientos asociados al gesto de Cristo. Unos dicen que así aplaca la agitación circundante, los otros afirman que se trata de un gesto de maldición. La Virgen vuelve la cabeza, esperando el resultado del Juicio. Cristo y la Virgen están rodeados de los santos mártires. Sostienen las cosas que causaron su muerte de un modo u otro. A la derecha de Cristo está San Pedro, de barba gris, con las dos llaves del cielo. Abajo se ve a San Bartolomé con su propia piel desollada por los paganos. El rostro del mártir es un autorretrato de Miguel Ángel. Frente a él, San Lorenzo con la parrilla en la que fue quemado vivo por los paganos romanos. A la derecha, sobre una de las nubes, vemos a Santa Catalina de Alejandría con un vestido verde. Sostiene la rueda dentada que sirvió de instrumento para su ejecución. Sobre Santa Catalina aparece San Pablo con una capa roja. A su lado, San Sebastián se arrodilla con las flechas en la mano. Los soldados romanos le disparan flechas. Justo encima de Sebastián parece descender San Andrés sobre una nube, sosteniendo la cruz en su mano alzada. En la parte inferior izquierda aparecen jóvenes vírgenes, sibilas y personajes del Antiguo Testamento. En el centro de la parte inferior están los ángeles del Apocalipsis que despiertan a los muertos tocando las trompetas. A la derecha, en la parte inferior, ángeles y demonios hacen caer a los condenados al infierno. En el fondo está Caronte, que transportaba almas en su barca para conducirlas ante el juez Minos, cuyo cuerpo está envuelto en los ovillos de la serpiente. Como el fresco representa figuras desnudas, Miguel Ángel se vio envuelto en el conflicto con los moralistas. El maestro de ceremonias Biagio da Cesena le llamó para que observara las formalidades. Se quejó de que no estaba permitido pintar figuras desnudas en un lugar tan sagrado. Miguel Ángel no pudo contradecirle directamente, pero respondió de otra manera. A la derecha, en la parte inferior, entre los muertos que eran conducidos al Infierno pintó a un hombre ridículo con orejas de burro y cubierto por una serpiente enroscada. La figura y el rostro del hombre se parecían a los del cardenal. Cuando el maestro de ceremonias vio su cara en el fresco, se quejó al Papa Pablo III. La respuesta del Papa fue brillante: "Puedo dar órdenes en la Tierra, o al menos tendría algún impacto, si se trata del limbo. Pero en todo lo relacionado con el Infierno, soy impotente. Deberías discutirlo con Miguel Ángel..."

Cristo entrega solemnemente a su discípulo las llaves de oro y plata, dándole así el permiso para perdonar los pecados y permitir que las almas entren en el cielo. Este fresco ilustra el capítulo XVI del Evangelio de Mateo. En el centro se representa el mensaje principal del fresco: la entrega al apóstol Pedro de las llaves del reino de los cielos.

El fresco muestra varios de los acontecimientos más importantes de la vida de Moisés. A la derecha, Moisés intercede por un judío que trabaja en la construcción y es golpeado por un capataz. Moisés mata accidentalmente al egipcio y huye de la ciudad.