O seu percurso.

Quando se entra no Museu Egípcio Gregoriano, compreende-se com entusiasmo que esta é praticamente a maior exposição de artefactos egípcios do mundo. Aqui pode aprender-se sobre a cultura egípcia a partir das exposições feitas na Mesopotâmia e na Síria há muitos séculos. O Museu Egípcio Gregoriano foi inaugurado em 1839. Com nove salas, foi criado pelo Papa Gregório XVI para ser a maior coleção de património cultural do Antigo Egito. Atualmente, é possível ver esculturas, papiros, sarcófagos e fragmentos de múmias. O Papa Pio VII começou a reunir a coleção com os artefactos do século III, o período da invasão romana no Egito, que foram descobertos durante a escavação. Não deixe de ver a escultura de Ramsés II sentado no trono e a estátua de Udjaḥorresnet, que estão expostas no primeiro salão, entre outras numerosas exposições. A segunda sala alberga sarcófagos egípcios de madeira pintada, múmias, vasos canópicos e figuras de ushabti. Na quarta sala, uma estátua de Anúbis chama a atenção, e na quinta sala, as estátuas de Ptolomeu II e Tiye. A sétima sala alberga a coleção de esculturas helenísticas e romanas em bronze e barro, bem como de cerâmicas islâmicas e cristãs. No oitavo e nono salões encontram-se artefactos da Mesopotâmia e da Síria Antiga.

Udjaḥorresnet foi um antigo representante religioso e público egípcio, nobre honrado e sacerdote de Neith, a deusa da guerra e da caça.Udjaḥorresnet ocupou cargos de primeiro-ministro, diplomata, tesoureiro real, médico-chefe, chefe dos copistas dos Grandes Textos e comandante da frota egípcia.Era uma pessoa poderosa e participou no governo do Egito. Quando era comandante da frota egípcia, o Egito foi conquistado pelo exército persa, o que pôs fim à XXVI Dinastia.Durante a escavação, as figuras ushabti com o nome de Udjaḥorresnet foram encontradas na sua estátua Naophorous. A estátua estava num sarcófago de calcário colocado no túmulo. O segundo sarcófago feito de basalto, com a forma de um corpo humano, foi colocado no primeiro sarcófago. A estátua de Naophorus contém as inscrições dos títulos e actos honrosos cometidos por Udjaḥorresnet na corte dos faraós.

A preservação do corpo através do embalsamamento desempenhou um papel importante na cultura egípcia. Trata-se de uma fase tradicional do enterro. Os antigos egípcios acreditavam que era assim que a alma do morto se reunia ao seu corpo após a morte.Pela primeira vez, o embalsamamento foi feito no III milénio a.C. e, após a conquista árabe do Egito em 641 a.C., a tradição desapareceu.Todo o processo de embalsamamento demorava cerca de 70 dias a ser concluído pelos sacerdotes. Lavavam o corpo, retiravam-lhe os órgãos internos e cobriam-no com o chamado sal divino para retirar a humidade dos tecidos. A cavidade torácica era preenchida com resina para tornar o corpo pesado. A pele era esfregada e aromatizada com óleo aromático. Depois, o corpo era envolvido em ligaduras de linho. Antes de ser colocada num caixão, era colocada uma máscara no rosto da múmia para a proteger e preservar.Para uma melhor conservação da múmia, os egípcios começaram a retirar o cérebro. Mas mais tarde deixaram de o fazer, pois o cérebro era considerado o núcleo físico, emocional e intelectual, o centro do ser humano.

As estátuas representam Ptolomeu II e a sua irmã Arsinoe II, que se tornou sua esposa. Ptolomeu II foi o rei do Egito no século III a.C. Para além dos assuntos políticos, é famoso por ter casado com a sua irmã Arsinoe.De posse do trono, Ptolomeu procurava alargar a sua influência política para além das fronteiras do Egito e assumir o controlo do território que se estendia até à Ásia. Com este objetivo, reforçou as suas posições no mar. Nessa altura, a sua irmã Arsinoe fugiu do marido, na Macedónia, para o Egito, para se tornar rainha. Era uma intrigante pérfida e astuta na Macedónia. E casou-se com o irmão para tomar o poder.Segundo as antigas lendas gregas, estas duas estátuas foram levadas para Roma pelo imperador Calígula. Em Roma, embelezaram um edifício dedicado à sua irmã-esposa Drusila. Ela foi deificada quando Ptolomeu desafiou Arsinoe II.

O Museu Pio-Clementino continua a apresentar as melhores exposições clássicas. Situado no Palácio Belvedere, o Museu imortalizou os nomes dos seus fundadores - os Papas Clemente XIV e Pio VI. Os pontífices tinham todas as razões para criar o Museu. Naquela altura, na segunda metade do século XVIII, o tesouro do Vaticano não albergava a maior coleção de obras de arte que os seus antecessores tinham reunido durante alguns séculos. Assim, o tesouro e o Palácio do Belvedere foram reconstruídos. Desde então, o Museu Pio-Clementino começou a colocar exposições de antiguidades. É possível ver uma variedade de esculturas e sarcófagos por todo o lado, nos corredores e no pátio interior octogonal com colunatas.

O Apoxyomenos é um símbolo dos desportos antigos e uma demonstração eloquente do corpo atlético e magro dos atletas gregos. A palavra "Apoxyomenos" vem do verbo grego que significa limpar-se. Antes das competições, os antigos atletas gregos costumavam untar o corpo com óleo que era coberto de areia durante um torneio. Depois das competições, os atletas raspavam a mistura de areia e óleo com uma colher especial chamada strigil. A estátua de Apoxyomenos mostra um desportista gracioso, um pouco descontraído, mas sério. A sua magra figura plástica constitui uma prova silenciosa da popularidade do desporto na Antiguidade. Esta é uma cópia da estátua de bronze de Apoxyomenos feita pelo escultor grego Lysippus em 320 a.C.

Agora está no pátio interior, que é o núcleo de todos os Museus do Vaticano. Aqui está patente a exposição de magníficos sarcófagos romanos com baixos-relevos. Antes de este pátio se tornar uma atração obrigatória incluída no guia dos Museus do Vaticano, o pátio interior era um jardim de laranjeiras. Mas o Papa Júlio II melhorou-o, colocando aqui e ali estátuas antigas à sombra das árvores. Mais tarde, em 1775, o Papa Pio VI mandou vedar a zona ajardinada com um pórtico octogonal que enquadrava a entrada do palácio. Passados trinta anos, foram construídos quatro nichos separados por arcadas nos quatro cantos. Trata-se do nicho de Laocoonte, do nicho de Perseu, do nicho de Apolo e do nicho de Hermes. Assim, o jardim adquiriu o aspeto que se pode ver.

Apolo, o deus do sol e da luz, era chamado "esplêndido" ou "radiante". Durante vários séculos, foi um ídolo da beleza masculina. E logo após a sua criação, a estátua de Apolo do Belvedere foi admirada tanto por pessoas comuns como por escultores proeminentes. O especialista em arte Johann Joachim Winckelmann considerou a estátua como uma referência da arte grega. Afirmou que "de todas as obras da antiguidade que escaparam à destruição, a estátua de Apolo representa o mais elevado ideal de arte". Logo que a estátua de mármore foi descoberta não muito longe de Roma, em meados do século XV, foi colocada no jardim do Belvedere, no Vaticano. Por isso, Apolo passou a chamar-se Apolo Belvedere. A escultura do Apollo Belvedere representa o deus como um poderoso e belo arqueiro. Os seus movimentos são dinâmicos, decididos e corajosos. De acordo com os historiadores, Apolo segura supostamente um arco na mão esquerda e uma flecha na mão direita. Ele parece ter acabado de lançar uma flecha, à espera do alvo que vai atingir. As flechas e o arco nas suas mãos representam o seu direito de punir os pecadores e de purificar os arrependidos dos seus pecados. A cabeça de Apolo está coroada com uma coroa de louros, símbolo de vitória. Perto do jovem encontra-se um tronco de árvore com o dragão Python morto por Apolo em Delfos.

O grupo de estátuas de Laocoonte e dos seus filhos mostra Laocoonte e os seus filhos a serem atacados por serpentes marinhas. No auge da Guerra de Troia, Laocoonte avisou os troianos sobre a astúcia e a habilidade dos gregos. Pediu aos cidadãos que não aceitassem o cavalo de Troia. Mas o povo não deu ouvidos a Laocoonte, e então ele decidiu atirar uma lança para mostrar o que era. Mas o poderoso Poseidon queria que Troia fosse arruinada, pelo que teve de impedir Laocoonte de fazer a revelação. Poseidon enviou duas enormes serpentes para atacar Laocoonte e os seus filhos. As serpentes marinhas subiram do mar, enroscaram-se no pescoço das suas vítimas e mataram-nas. O grupo de estátuas exprime um teatralismo melodramático. O escultor utilizou magistralmente o seu conhecimento do corpo humano para gravar a figura de Laocoonte no momento mais tenso. Os músculos do seu corpo estavam tensos de dor e a sua boca estava distorcida pelo grito de morte. Ele está de luto, não tanto por si próprio, mas pelos seus filhos. Não é só a descrição da batalha até à morte que reflecte a tragédia. A desesperança é o facto de o sofrimento de Laocoonte e dos seus filhos ser desesperante, pois serão mortos em poucos minutos. Mas, mesmo sabendo-o bem, Laocoonte continua a ter esperança de afastar as serpentes marinhas e de se livrar delas. A escultura surpreende pelo realismo e pelos pormenores dos músculos do corpo humano, tensos e resistentes.

Hermes era o emissário dos deuses e o condutor das almas dos mortos para o submundo. O seu outro nome era Psychopomp, que significa literalmente o "guia das almas". Hermes era também o patrono dos pastores, embaixadores, viajantes, mágicos, alquimistas e astrónomos. Além disso, era venerado por mercadores, comerciantes e desportistas. Segundo as lendas, Hermes inventou as unidades de medida, os números e o alfabeto e ensinou-os às pessoas. A estátua representa Hermes jovem, forte e belo, numa expetativa tranquila. O jovem deus olha tranquilamente em frente. Está melancólico; o seu olhar está baixo, enquanto um manto atirado sobre o seu ombro está enrolado à volta do antebraço. Hermes encosta suavemente o seu pé direito ao tronco de uma palmeira. O autor encarnou na escultura o encanto especial e sonhador com que Hermes se realiza. O mármore transmite de forma espantosa a suavidade e a macieza dos movimentos de Hermes, ao mesmo tempo que mostra a juventude e a força da sua figura.

Estás no Salão dos Animais. Esta é a maior coleção mundial de estátuas antigas de animais selvagens. Está rodeado por cerca de 150 estátuas de alabastro, mármore colorido e branco. Quase todos os objectos expostos são cópias de originais gregos feitas por ordem do Papa Pio VI. O escultor Francesco Antonio Franzoni trabalhou nas estátuas. E as estátuas de animais e aves foram restauradas no final do século XIX. Na Sala dos Animais pode ver-se a estátua de Meleager com o cão e a cabeça do javali de Calydon, o tronco do Minotauro, sarcófagos romanos pertencentes aos representantes dos Scipiones.

Agora está no Salão que foi projetado pelo pintor italiano Michelangelo Simonetti em 1782. A Sala das Musas está decorada com dezasseis colunas de mármore. Se olhar para cima, verá os frescos do teto, da autoria de Tommaso Conca. Representam Apolo e nove Musas rodeados pelos famosos poetas do mundo antigo - Homero, Ésquilo, Píndaro, Virgílio, Tasso e Ariosto. Na Sala das Musas encontram-se estátuas de mármore de Apolo e de nove musas, as protectoras gregas da arte. De facto, estas esculturas são cópias das estátuas originais gregas feitas de bronze no século III a.C. Se olhar para o centro da sala, verá o Torso do Belvedere, um modelo de corpo de proporções ideais e belas, segundo Miguel Ângelo.

Os historiadores têm debatido sobre a origem do Torso do Belvedere. Mas, apesar da falta de informação sobre a estátua, sabe-se que o próprio Miguel Ângelo admirava as linhas refinadas e realistas da musculatura. Ao pintar o teto da Capela Sistina com frescos, utilizou a imagem da estátua cuidadosamente gravada. Mas quando foi pedido ao pintor que restaurasse as partes em falta do tronco, recusou-se a fazê-lo, pois considerava a estátua ideal. O teórico neoático Johann Winckelmann comparou o tronco a "um poderoso carvalho que foi cortado e despojado dos seus ramos e galhos". Os historiadores supõem que a estátua pode representar Héracles, Polifemo, Prometeu, Ares ou Filoctetes. Mas a versão mais popular diz que se trata do grego Ajax, sentado na pedra e a pensar no suicídio. Os peritos em arte estabeleceram que a cabeça estava inclinada para a mão direita. E segurava a espada com que o herói se suicidaria. Supostamente, durante a Guerra de Troia, Odisseu foi nomeado comandante e não Ajax, e este ficou tão furioso que se suicidou.

A Sala Redonda tem quase 250 anos. Foi projectada e construída em estilo clássico no seu apogeu, em 1780. Michelangelo Simonetti foi encarregado do projeto. Se olhar para baixo, verá que o chão está coberto de mosaico romano do século III, representando as batalhas de guerreiros gregos com tritões e centauros. No centro da Sala Redonda pode ver-se uma enorme bacia de pórfiro com uma circunferência de 13 metros. Anteriormente, embelezava a Casa Holden do Imperador Nero. Nos nichos, há 18 estátuas e bustos de mármore de deuses e heróis mitológicos romanos e gregos. Veja a escultura de Antinous. Também pode encontrar o retrato do imperador Adriano retratado como Dionísio e a estátua do poderoso Hércules. Esta é a única estátua dourada que sobreviveu inalterada desde a antiguidade.

Esta é a única estátua de bronze do mundo coberta com a antiga douradura original. Héracles segura um pesado bastão, a pele de leão e as maçãs das Hespérides nas suas mãos. Estas lembram o primeiro e o último dos doze trabalhos de Héracles. A pele do leão de Neméia é um símbolo do primeiro trabalho de Héracles. O atleta devia matar um enorme leão que aterrorizava as colinas em redor de Nemeia. Quando Héracles encontrou uma gruta onde a fera vivia, bloqueou a entrada com uma pedra. Depois, atordoou o leão com a sua clava e estrangulou-o até à morte. As maçãs das Hespérides simbolizam a décima segunda tarefa, a mais difícil, cumprida por Héracles. Segundo as lendas, ele devia ir ter com o titã Atlas e ir buscar três maçãs de ouro ao seu jardim. Atlas segurava o céu nos seus ombros e o jardim era guardado pelas Hespérides, as suas filhas. Antes de conseguir apanhar as três maçãs, Héracles descobriu o caminho para o jardim, enganou o dragão que defendia as árvores e o próprio Atlas.

O Salão da Cruz Grega foi concebido por Michelangelo Simonetti. Por favor, olhe para a entrada do salão e verá que o chão está coberto com o precioso mosaico datado do século III a.C. Primeiro, este mosaico revestiu o chão da villa de Tusculum, perto de Roma. Curiosamente, o Salão foi construído em forma de cruz grega. A cruz grega é uma cruz com braços rectangulares de igual comprimento, perpendiculares entre si. Esta particularidade deu o nome ao salão. Um visitante atento notará elementos decorativos egípcios nesta sala. Assim, podem ver-se sarcófagos em pórfiro. Um sarcófago foi feito para Constantia, a filha do imperador Constantino, e o segundo para a sua mãe Helena. Olha para a decoração do sarcófago de Helena. O caixão está esculpido com cavaleiros romanos que derrotaram os bárbaros. O Sarcófago de Constantia está decorado com cupidos esculpidos a apanhar uvas. Não deixe de visitar a exposição única - a figura de uma mulher em movimento. Pode vê-la por detrás do Sarcófago de Santa Helena. Os historiadores acreditam que se trata de uma única estátua de Cleópatra que sobreviveu. Entre outras coisas, na Sala da Cruz Grega pode admirar as esculturas de Octávio Augusto e Júlio César e os mosaicos.

A Galeria dos Candelabros foi criada em 1761. Originalmente servia como uma loggia aberta, mas foi renovada seguindo o desejo do Papa Pio VI. A Galeria é extremamente vasta, tem 80 metros de comprimento e está dividida por colunas de mármore em seis secções. Pode ver-se que esta divisão é bastante formal, e os arcos suportados pelas colunas determinam a superfície de cada secção. Cada uma delas contém vasos, elementos de sarcófagos e altares, frescos, urnas funerárias, mosaicos romanos. E, por fim, ao longo das paredes da Galeria, encontram-se os principais objectos expostos - candelabros de mármore do século II provenientes de Otricoli. Por favor, olhem para debaixo dos vossos pés, à entrada da terceira sala da Galeria. Logo à entrada, há um fresco que representa o brasão da família e a insígnia papal, representada por duas chaves cruzadas sob um triregno. A pedido do Papa Leão XIII, foi pintada uma série de frescos pelo pintor italiano Ludwig Seitz. Na Galeria do Candelabro, pode ver cópias romanas de obras de arte gregas datadas dos séculos I-III a.C. Observe as exposições mais proeminentes - "Ganimedes e a Águia", "Ártemis de Éfeso", "Rapaz com ganso", "O Guerreiro Persa".

A escultura A carruagem de dois cavalos é um símbolo de poder e de reconhecimento do comandante. Uma carruagem militar é um veículo sólido, rápido, leve e luxuoso. Estas carruagens puxadas por cavalos eram conduzidas pelos centuriões, militares romanos de topo. Era assim que demonstravam a sua filiação na elite do exército. No século XVI, uma carruagem, a que os romanos chamavam biga, foi utilizada como trono episcopal na igreja de São Marcos, em Roma. A composição dinâmica que vemos é constituída pelas peças montadas durante o restauro de 1788. O escultor italiano Francesco Antonio Franzoni foi o responsável pelo restauro da carruagem. Restaurou as rodas da carruagem e um dos cavalos, depois esculpiu ele próprio o segundo.

Uma águia levanta no ar o belo e jovem grego Ganimedes e transporta-o para o Monte Olimpo, o monte de todos os deuses. De acordo com as lendas, Zeus ficou tão encantado com a beleza sobrenatural de Ganimedes que raptou o jovem rapaz. Não se sabe se o deus supremo enviou a ave ou se ele próprio se transformou em águia e levou o jovem para o Olimpo. Zeus concedeu ao pai do Ganímedes roubado uma vinha de ouro, um par de cavalos e a palavra de que o seu filho seria para sempre jovem e imortal. Após o rapto, Ganimedes tornou-se copeiro no Olimpo e serviu os deuses com néctar e ambrósia. A escultura não representa um voo, mas apenas o momento em que a águia apanha Ganímedes com cuidado e o tira do chão. O corpo da ave está colocado rigorosamente na vertical, com as asas abertas na horizontal. Assim, as figuras de Ganimedes e da águia, cruzando-se, representam algo como um calvário. O cão de Ganimedes levanta a cabeça e observa o seu dono a elevar-se no céu.

A deusa da caça da Grécia Antiga, Ártemis, representa a virgindade, a pureza e a fertilidade. Além disso, era considerada a protetora do casamento, dos casais e do parto. Ártemis actuava frequentemente como caçadora, transportando uma aljava, uma lança e flechas. Também era representada rodeada de ninfas durante o banho no rio. Os animais de culto de Ártemis, protetora dos animais selvagens, eram o urso e o veado. A Ártemis de Éfeso é uma das imagens da deusa de muitas faces. Simboliza a fertilidade. Os historiadores debatem sobre os objectos esféricos na figura. As opiniões divergem. Alguns especialistas afirmam que se trata de um seio feminino, outros acreditam que se trata de um cacho de uvas. O seu toucado e o seu traje sumptuoso estão decorados com muitas cabeças de touros e abelhas, simbolizando a natureza e os seus frutos.

A Galleria degli Arazzi, com 100 metros de comprimento, foi organizada em 1790 por ordem do Papa Pio VII e inaugurada em 1838. A Galeria recebeu o seu nome da cidade francesa de Arras e da palavra derivada "arazzi" que designava os tapetes tecidos que não desfiavam fibras. Estas roupas coloridas com fios de ouro e prata foram fabricadas pela primeira vez na Flandres no final do século XV.

Seja qual for o lugar da sala em que o espetador se encontre, fica surpreendido ao descobrir que Cristo parece dar um passo em frente. É isto que torna esta tapeçaria tão única. A particularidade é a sua "perspetiva móvel", baseada em cálculos matemáticos.

A Galeria dos Mapas Geográficos é uma das três galerias superiores do Palácio Apostólico, no Vaticano. Para acolher a Galeria de Mapas Geográficos, foi construído mais um piso na ala ocidental.

O Apartamento de Pio V é composto por uma galeria com tapeçarias e duas pequenas salas. Não são tão espaçosos como outras salas do museu, como o Apartamento Borgia.

A Última Ceia é uma cena da Bíblia que dispensa apresentações. Esta é a última refeição da vida mortal de Jesus Cristo. Ele reuniu os seus doze discípulos.

O quarto Sobieski recebeu o seu nome de uma grande pintura de um artista polaco, Jan Matejko (1838-1893).

A Imaculada Conceição proclama que a Virgem Maria foi inicialmente escolhida para ser a Mãe do Filho de Deus. Por isso, ela estava livre do pecado original e não o herdou aquando da conceção.

As Stanze de Rafael são constituídas pela Stanza dell'Incendio del Borgo, Stanza della Segnatura, Stanza di Eliodoro e Sala di Costantino. Os frescos que vê são o exemplo de como o maior pintor Rafael Santi imortalizou o seu nome e os nomes dos seus professores e alunos devido ao seu talento e generosidade. Mas comecemos pelo início. A história dos Stanze começou em 1508, quando o Papa Júlio II se mudou do Apartamento Borgia para evitar qualquer recordação do seu antecessor, o Papa Alexandre VI Borgia.

O beligerante Maxêncio provocou uma guerra com o leal Constantino, no decurso da qual teve lugar a batalha de Milvian Bridge, em 312. Foi aí que Constantino pediu ajuda ao deus, na véspera da batalha, pois viu a superioridade das forças hostis. Ele acreditava que a fé cristã podia fazer milagres e pediu a Deus um resultado positivo para a batalha. Ao fim da tarde, Constantino e o seu exército viram uma enorme cruz flamejante no céu, acima do sol. Parecia ser feita de estrelas e tinha a inscrição: "Por este símbolo vencerás!"

Segundo a lenda, o Papa Leão I impediu o avanço das tropas húngaras, lideradas pelo conquistador Átila, a caminho de Roma. Leão I, vestido com trajes ricos, montado num cavalo branco e rodeado pelos cardeais, apareceu perante Átila.

A Escola de Atenas é a obra-prima mais famosa de Rafael. Entre as numerosas obras de arte do Renascimento, é unanimemente reconhecida como a melhor. No centro estão os grandes pensadores Aristóteles e Platão. Platão veste um manto vermelho e assemelha-se a Leonardo da Vinci. Levanta as mãos. Refere-se à sua visão e pontos de vista científicos, segundo os quais as ideias se desenvolvem no céu. Aristóteles, vestido de azul, aponta para baixo, afirmando que as ideias estão indissociavelmente ligadas à vida terrestre. O fresco mostra os grandes pensadores do passado - Sócrates ladeado por Platão e Diógenes deitado nas escadas. Em primeiro plano, ao fundo, está Pitágoras rodeado de alunos. No centro, o pensador Heráclito, Euclides segurando um compasso, ladeado por Zoroastro e Ptolomeu conversando com os seus alunos. Rafael coloca magistralmente cerca de cinquenta personagens no fresco, prestando a devida atenção a cada figura e atribuindo a todas elas papéis consideráveis. Além disso, organiza as suas personagens seguindo a lógica, mas preservando as suas caraterísticas individuais. Diz-se que Miguel Ângelo visitou a sala dos frescos e que se reconheceu no retrato de Heráclito. Ficou muito satisfeito com o facto de Rafael o ter retratado longe da multidão de fanfarrões em disputa.

Borgo é um território adjacente ao Palácio dos Papas no Vaticano. Em 847, registou-se um grande incêndio. Os esforços para apagar as chamas só foram bem sucedidos quando o Papa Leão IV saiu para a loggia. A sua presença foi suficiente para apagar o fogo. Basicamente, este facto é o elemento principal do fresco, embora o Palácio do Vaticano e o pontífice estejam representados em segundo plano. O Papa Leão IV usa a tiara, uma batina branca e um manto escarlate. Pronuncia aos romanos o seu discurso abençoado. Rafael não se concentrou no milagre realizado pelo Papa, mas nas pessoas assustadas que foram apanhadas desprevenidas. Em primeiro plano, uma jovem mãe com uma criança procura um abrigo. As mulheres desesperadas ajoelham-se e rezam pelo seu salvamento. Rafael pintou as personagens do lendário poema "Eneida" que conseguiram escapar ao incêndio de Troia. Eneias arrebatou o seu velho pai Anquises. À esquerda, perto de Eneias, está a sua mulher, a jovem Creusa, e à direita o seu filho Ascânio.

A capela situada no canto sudoeste da Torre dos Bórgias em que entrou foi fundada em 1631. Antes de se tornar uma sala do museu, esta pequena sala fazia parte da residência papal e era utilizada para fins litúrgicos.

O apartamento dos Bórgias situa-se diretamente por cima das salas de Rafael. Bernardino Pinturicchio e os seus alunos estavam empenhados em decorar as salas.

Inicialmente, Auguste Rodin chamou à sua escultura mais proeminente o Poeta. A estátua foi esculpida como parte da composição dedicada à Divina Comédia e representa Dante a olhar para os sofrimentos dos pecadores.

A escultura em cera representa um retrato da mulher do artista, Giuditta Pozzi, e do seu filho Francesco. A escultura é dinâmica e plástica, embora não tenha formas distintas. Trata-se de um exemplo brilhante de escultura impressionista.

A paisagem é uma parte integrante dos quadros de Dalí. Muitos elementos desta tela - um deserto sem fim, figuras finas e pálidas, nuvens magníficas e sombras distintas dos objectos - são mostrados noutros quadros de Dalí. A tela apresenta dez figuras: cinco anjos, quatro humanos e um unicórnio branco.

Adão, o primeiro homem na Terra, foi agraciado com a vida pela mão do Todo-Poderoso. A mente e a vontade de um jovem belo e forte estão ainda adormecidas; ele estende a sua mão a Deus, que transmite com o seu dedo indicador a energia vital à sua criação. A figura de Adão detém o poder e a força recebidos de Deus. O seu olhar, voltado para Deus, está cheio de expetativa. É esta curta distância entre os dedos de Deus e de Adão que esconde a essência e a atração magnética de toda a obra. Parece que o Criador envia ao homem uma corrente eléctrica, a centelha da vida. Deus é representado a voar no espaço ilimitado do Universo. Um manto flutua atrás dele, como uma vela. Reúne os anjos que rodeiam o Criador. Um anjo olha por cima do ombro de Deus, impressionado com a beleza do primeiro homem. Os especialistas em arte sugerem que os contornos da capa se assemelham aos contornos do cérebro humano. Este símbolo mostra Deus como a mente suprema, a origem dos pensamentos e da vontade do homem.

Trata-se de um dos frescos mais complexos e poderosos pela sua conceção e nível de complexidade. Em cima, à esquerda, estão anjos em voo. Seguram nas mãos os símbolos da Paixão - a Cruz, os Pregos, a Coroa de Espinhos. À direita, os anjos seguram a coluna da flagelação e a lança com a esponja embebida em vinagre. É de notar que os anjos são pintados sem asas, o que os faz parecer pessoas comuns. No centro do fresco está a Mãe de Deus e Cristo rodeado pelos santos, à espera da sentença. A figura de Cristo é a maior, num gesto amplo e dinâmico, captado no momento em que é proferido o veredito do Juízo Final. Os historiadores têm debatido sobre os sentimentos associados ao gesto de Cristo. Um deles diz que é a forma de apaziguar a agitação circundante, os outros afirmam que se trata de um gesto de maldição. A Virgem vira a cabeça, aguardando o resultado do Julgamento. Cristo e a Virgem estão rodeados pelos santos mártires. Eles seguram as coisas que, de uma forma ou de outra, causaram a sua morte. À direita de Cristo está São Pedro, de barbas grisalhas, com as duas chaves do céu. Em baixo, São Bartolomeu com a sua própria pele, esfolada pelos pagãos. O rosto do mártir é um autorretrato de Miguel Ângelo. Em frente, São Lourenço com a grelha, na qual foi queimado vivo pelos pagãos romanos. À direita, numa das nuvens, vemos Santa Catarina de Alexandria com um vestido verde. Segura a roda dentada que serviu de instrumento para a sua execução. Acima de Santa Catarina está São Paulo com uma capa vermelha. Ao seu lado, São Sebastião ajoelha-se com as flechas na mão. Os soldados romanos atiraram-lhe flechas. Logo acima de Sebastião, Santo André parece descer de uma nuvem, segurando a cruz com a mão levantada. Na parte inferior, à esquerda, encontram-se jovens virgens, sibilas e personagens do Antigo Testamento. No centro da secção inferior estão os anjos do Apocalipse que acordam os mortos tocando as suas trombetas. À direita, em baixo, anjos e demónios fazem cair os condenados no inferno. No fundo, está Caronte, que transportava as almas no seu barco para as conduzir perante o juiz Minos, cujo corpo está envolto nas espirais da serpente. Como o fresco retrata figuras nuas, Miguel Ângelo viu-se envolvido no conflito com os moralistas. O Mestre de Cerimónias Biagio da Cesena chamou-o para observar as normas. Queixa-se de que não é permitido pintar figuras nuas num lugar tão sagrado. Miguel Ângelo não pode contradizê-lo diretamente, mas responde de outra forma. À direita, na parte inferior, entre os mortos que foram conduzidos ao Inferno, pintou um homem ridículo com orelhas de burro e coberto por uma serpente enrolada. A figura e o rosto do homem assemelhavam-se ao rosto do cardeal. Quando o mestre de cerimónias viu o seu rosto no fresco, queixou-se ao Papa Paulo III. A resposta do Papa foi brilhante: "Posso dar ordens na Terra, ou pelo menos ter algum impacto, se se tratar do limbo. Mas em todos os assuntos relacionados com o Inferno, sou impotente. Devias discutir isso com Miguel Ângelo..."

Cristo entrega solenemente ao seu discípulo as chaves de ouro e de prata, dando-lhe assim a autorização para perdoar os pecados e permitir a entrada das almas no céu. Este fresco ilustra o capítulo dezasseis do Evangelho de Mateus. A mensagem principal do fresco está representada no centro: a entrega ao apóstolo Pedro das chaves do reino dos céus.

O fresco mostra vários dos acontecimentos mais importantes da vida de Moisés. À direita, Moisés intercede por um judeu que trabalha na construção civil e é espancado por um capataz. Moisés mata acidentalmente o egípcio e foge da cidade.