Waguide

Catálogo · Museus do Vaticano

Escolha uma peça, leia a sua história e localize-a no percurso.

186 peças expostas, 91 relatos completos. No site estão disponíveis na íntegra os relatos sobre as peças expostas no Museu Egípcio, no Pio-Clementino, na Galeria dos Candelabros e na Pinacoteca, bem como relatos selecionados sobre as obras de Rafael e da Capela Sistina. Os restantes relatos são apresentados em excertos.

01Museu Egípcio Gregoriano15 · de exposições

Quando se entra no Museu Egípcio Gregoriano, compreende-se com entusiasmo que esta é praticamente a maior exposição de artefactos egípcios do mundo. Aqui pode aprender-se sobre a cultura egípcia a partir das exposições feitas na Mesopotâmia e na Síria há muitos séculos. O Museu Egípcio Gregoriano foi inaugurado em 1839. Com nove salas, foi criado pelo Papa Gregório XVI para ser a maior coleção de património cultural do Antigo Egito. Atualmente, é possível ver esculturas, papiros, sarcófagos e fragmentos de múmias. O Papa Pio VII começou a reunir a coleção com os artefactos do século III, o período da invasão romana no Egito, que foram descobertos durante a escavação. Não deixe de ver a escultura de Ramsés II sentado no trono e a estátua de Udjaḥorresnet, que estão expostas no primeiro salão, entre outras numerosas exposições. A segunda sala alberga sarcófagos egípcios de madeira pintada, múmias, vasos canópicos e figuras de ushabti. Na quarta sala, uma estátua de Anúbis chama a atenção, e na quinta sala, as estátuas de Ptolomeu II e Tiye. A sétima sala alberga a coleção de esculturas helenísticas e romanas em bronze e barro, bem como de cerâmicas islâmicas e cristãs. No oitavo e nono salões encontram-se artefactos da Mesopotâmia e da Síria Antiga.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Vaticano NaóforoHistória completa

Vaticano Naóforo

Audioguia dos Museus do Vaticano

Udjaḥorresnet foi um antigo representante religioso e público egípcio, nobre honrado e sacerdote de Neith, a deusa da guerra e da caça.Udjaḥorresnet ocupou cargos de primeiro-ministro, diplomata, tesoureiro real, médico-chefe, chefe dos copistas dos Grandes Textos e comandante da frota egípcia.Era uma pessoa poderosa e participou no governo do Egito. Quando era comandante da frota egípcia, o Egito foi conquistado pelo exército persa, o que pôs fim à XXVI Dinastia.Durante a escavação, as figuras ushabti com o nome de Udjaḥorresnet foram encontradas na sua estátua Naophorous. A estátua estava num sarcófago de calcário colocado no túmulo. O segundo sarcófago feito de basalto, com a forma de um corpo humano, foi colocado no primeiro sarcófago. A estátua de Naophorus contém as inscrições dos títulos e actos honrosos cometidos por Udjaḥorresnet na corte dos faraós.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

RamsessHistória completa

Ramsess

Audioguia dos Museus do Vaticano

Ramsés, o Grande, governou o Egito no século XIII a.C. Foi um dos mais proeminentes representantes da 19ª dinastia de faraós egípcios.Ramsés foi um estadista sensato. Governou o reino de forma a que o Egito se pudesse desenvolver em todos os domínios. Ao mesmo tempo, reforçou o seu poder militar.Ramsés pôs fim à devastadora luta entre egípcios e hititas e estabeleceu a paz, tendo-a reforçado com laços familiares pessoais. O faraó casou-se com a filha do rei dos hititas e persuadiu o povo de que a guerra poderia apagar o Egito da face da Terra. Ramsés assegurou a paz e estabeleceu relações comerciais favoráveis entre o Egito e a Ásia durante cem anos.Para além dos seus assuntos políticos, desenvolveu e implementou projectos culturais. Ramsés construiu a Colunata de Karnak e os templos de Osíris e do seu pai Seti I.Os reis egípcios que governaram após a morte de Ramsés tentaram imitá-lo, pois queriam obter o mesmo tipo de glória e de afeto do povo. Mas foi em vão.Ramsés II foi imortalizado na pedra. A sua estátua ergue-se no meio da areia de Luxor. Este facto diz mais do que quaisquer palavras sobre a atitude do povo para com o seu governante.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Estátua do deus AnúbisHistória completa

Estátua do deus Anúbis

Audioguia dos Museus do Vaticano

No antigo Egito, Anúbis era o deus do embalsamamento e dos ritos funerários. Segundo os mitos egípcios, Anúbis era filho de Osíris, o deus da agricultura e o deus dos mortos. Quando Osíris foi morto, Anúbis foi enterrá-lo. Envolveu o corpo num pano impregnado com uma solução especial. Foi assim que foi feita a primeira múmia. Considera-se então que foi ele quem inventou a mumificação e os ritos funerários. Acreditava-se que as almas dos mortos se encontravam com Anúbis, que as conduzia pela mão até Osíris, o rei do mundo subterrâneo. Este tinha cabeça de chacal e corpo humano. Entre as suas orelhas encontra-se um pequeno disco solar sobre uma lua crescente. Este é o símbolo referente ao deus Mercúrio, a quem Anúbis foi assimilado. Era o transportador dos mortos para o mundo subterrâneo, razão pela qual segura o caduceu na mão como atributo do senhor dos mortos.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

CaccoHistória completa

Cacco

Audioguia dos Museus do Vaticano

O nome de Santo Stefano del Cacco refere-se precisamente a esta estátua. Cacco é uma palavra romana que significa “macaco”. A estátua ostenta a inscrição latina que autoriza a sua colocação no templo construído em 159 d.C.Uma escultura com cabeça de cão representa o deus egípcio Thoth.Thoth era o deus da lua, do cálculo, da escrita e da ciência. O deus Toth foi considerado o criador do calendário.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Múmias e embalsamamentoHistória completa

Múmias e embalsamamento

Audioguia dos Museus do Vaticano

A preservação do corpo através do embalsamamento desempenhou um papel importante na cultura egípcia. Trata-se de uma fase tradicional do enterro. Os antigos egípcios acreditavam que era assim que a alma do morto se reunia ao seu corpo após a morte.Pela primeira vez, o embalsamamento foi feito no III milénio a.C. e, após a conquista árabe do Egito em 641 a.C., a tradição desapareceu.Todo o processo de embalsamamento demorava cerca de 70 dias a ser concluído pelos sacerdotes. Lavavam o corpo, retiravam-lhe os órgãos internos e cobriam-no com o chamado sal divino para retirar a humidade dos tecidos. A cavidade torácica era preenchida com resina para tornar o corpo pesado. A pele era esfregada e aromatizada com óleo aromático. Depois, o corpo era envolvido em ligaduras de linho. Antes de ser colocada num caixão, era colocada uma máscara no rosto da múmia para a proteger e preservar.Para uma melhor conservação da múmia, os egípcios começaram a retirar o cérebro. Mas mais tarde deixaram de o fazer, pois o cérebro era considerado o núcleo físico, emocional e intelectual, o centro do ser humano.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

Ushabti do faraó SetiHistória completa

Ushabti do faraó Seti

Audioguia dos Museus do Vaticano

O grupo de vinte e dois ushabti foi encontrado no Vale dos Reis, o túmulo do Faraó Seti 1, pai de Ramsés 2. O Vale dos Reis é conhecido por ser o melhor local de enterramento jamais descoberto. Ali foram encontrados 700 ushabtis no túmulo do Faraó Seti 1.Na cultura egípcia, os ushabti são figuras funerárias de madeira ou de pedra, que representam o ser humano com os braços cruzados sobre o peito. Eram colocadas nos túmulos com os defuntos. De acordo com a crença do povo egípcio, estas figuras substituíam o mestre falecido e actuavam como seus servos. Eram apoiantes do defunto, fornecendo-lhe alimentos e substituindo-o nos trabalhos manuais.Este ushabti foi fabricado com várias espécies de madeira. O ushabti era coberto com uma resina preta brilhante de origem vegetal. Este verniz negro era um símbolo de sobrevivência para além da morte.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Sudário da Senhora do VaticanoHistória completa

Sudário da Senhora do Vaticano

Audioguia dos Museus do Vaticano

A tela Senhora do Vaticano pertence a um tipo particular de mortalhas funerárias femininas. Existem apenas seis exemplares, dispersos por vários museus. O vestido e as preciosas jóias de ouro e o penteado da mulher retratada são típicos da moda e da cultura romanas. O retrato representa a figura da mulher em tamanho natural. A mulher, vestida com roupas ricas, reclina-se numa colcha bordada. Tem os braços cruzados sobre o peito, os pés apoiados numa almofada, os olhos bem abertos e usa jóias no pescoço, nas orelhas e nos dedos. O painel figurativo é emoldurado por uma série de ilustrações rectangulares. O sudário contém duas ilustrações conservadas fragmentariamente. Uma delas mostra o professor a proferir um discurso filosófico a um jovem aluno. A segunda ilustra uma luta cruel entre um jovem e um leão. O tempo não poupou a Senhora do Vaticano. Quanto ao resto das ilustrações, não resta outra alternativa aos historiadores senão tentar adivinhar o que estava representado no sudário.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Sarcófago de DjedmutHistória completa

Sarcófago de Djedmut — 1 / 2

Sarcófago de Djedmut — 2 / 2

Audioguia dos Museus do Vaticano

O sarcófago pertence a Djedmut, uma sacerdotisa egípcia do deus Amon. Ela glorificava o deus, cantava canções em sua honra e era muito respeitada em vida.O sarcófago data da XXII Dinastia. Nessa época, o Egito sofreu uma crise económica. Os sarcófagos tornaram-se então o elemento mais importante dos ritos funerários.O sarcófago de madeira de Djedmut pertence à categoria dos chamados “caixões amarelos”. Estes sarcófagos eram decorados com pinturas sobre fundo amarelo. A cor amarela era um símbolo da vida eterna, e a diversidade de desenhos no sarcófago mostrava o estatuto do defunto, a sua grandeza e riqueza em vida.A tampa de madeira do sarcófago está decorada com as imagens de Djedmut e do seu marido, a quem os sumos sacerdotes entregavam as oferendas.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Relevo com um génio aladoHistória completa

Relevo com um génio alado

Audioguia dos Museus do Vaticano

Ashur-Nasir-pal II foi o rei da Assíria que governou em IX a.C. O governante foi um conquistador de sucesso e um diplomata talentoso. Foi o líder de 14 campanhas militares cruéis e impiedosas. Por esse facto, foi chamado o bárbaro mais cruel da Assíria. Desenvolveu uma estratégia militar de progresso rápido que incluía um ataque de precisão ao inimigo e a criação imediata de postos defensivos no território tomado pela força. Se houvesse alguma revolta, os rebeldes eram mortos em massa e o território era totalmente devastado. Apesar da crueldade demonstrada durante as campanhas militares, o rei contribuiu para o florescimento da arte figurativa assíria. Um dos exemplos dessa arte foi a decoração do monumental Palácio Real de Ashur-Nasir-pal. O relevo mural em calcário encontrava-se na Sala I do palácio e pertencia ao tema mítico da adoração da Árvore Sagrada. A árvore era um símbolo de fecundidade, vida e energia vital.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Estátua de Osíris AntinousHistória completa

Estátua de Osíris Antinous

Audioguia dos Museus do Vaticano

Antínoo, um jovem grego, era o favorito do imperador romano Adriano. Após a sua trágica morte no Nilo, Antínous foi venerado como Osíris, Apolo, Hermes e Hércules.O seu culto era extremamente popular. Atualmente, existem mais imagens de Antínoo do que as imagens de muitos outros romanos mais poderosos e famosos.O culto de Antínoo estava firmemente associado a Osíris, que se tinha afogado no Nilo e ressuscitado mais tarde para tornar o solo fértil. Os antigos egípcios acreditavam que Osíris tinha inventado o arado e que o tinha dado às pessoas para as ensinar a cultivar. Era o rei do mundo subterrâneo, o seu juiz e, ao mesmo tempo, o poder que trazia a vida de volta às margens do Nilo.Osíris era chamado “Mestre do Amor”, “Eterna Juventude” e “Mestre do Silêncio”. De acordo com as lendas, após a morte, os faraós egípcios eram associados a Osíris e, tal como ele, podiam ressuscitar.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

CensorHistória completa

Censor

Audioguia dos Museus do Vaticano

O incensário egípcio “braço de Hórus” faz lembrar uma haste de papiro e é composto por três símbolos claros.Este artefacto é uma homenagem e um símbolo do culto de Hórus. Acreditava-se que ele era o protetor dos faraós e estes eram considerados como a encarnação de Hórus. A pega comprida é feita em forma de braço humano servindo um pires colocado na mão aberta. O pó de incenso era colocado e queimado neste recipiente. O incensário termina com a cabeça de falcão do deus Hórus. Entre a mão e o falcão encontra-se a figura do faraó ajoelhado. Ele parece apoiar as mãos num recipiente, no qual era colocado o incenso de reserva. Durante os rituais de homenagem às divindades, a queima de incenso fazia parte da purificação do ar. Porque os santuários, nos quais eram colocadas as estátuas dos deuses, estavam fechados e não havia possibilidade de troca de ar. Assim, o incenso queimado purificava o ambiente nos santuários firmemente fechados, onde eram colocadas as relíquias sagradas. No antigo Egito, o incenso era tão precioso como o ouro. Era utilizado para iluminar e obter sabedoria, abrandando a respiração e dando uma sensação de paz interior.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Estátua da rainha TuyaHistória completa

Estátua da rainha Tuya

Audioguia dos Museus do Vaticano

Tuya era a esposa do faraó egípcio Amenhotep III. Chamavam-lhe “Grande Esposa Real” e influenciava frequentemente as decisões tomadas pelo faraó. Tuya viveu no século XIV a.C. e desempenhou um papel importante no estabelecimento do culto de Aton como religião estatal do Antigo Egito. Ela e Amenhotep tiveram seis filhos. Depois de se tornar faraó, Akhenaton, um dos seus filhos, estabeleceu o culto do deus do sol Aton. De mãos dadas com o faraó, a rainha participava em cerimónias oficiais e visitas diplomáticas. Para mostrar o seu poder e a sua grandeza, construiu um templo dedicado a ela na Núbia, no atual Sudão. Assim, Tuya conseguiu celebrar ainda mais o poder do seu marido, o faraó Amenhotep.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Deusa SekhmetHistória completa

Deusa Sekhmet

Audioguia dos Museus do Vaticano

Os antigos egípcios adoravam Sekhmet como uma poderosa deusa da guerra, do sol quente, filha do deus do sol Ra e senhora do deserto. Sekhmet tinha um fogo- respiração e era representada como uma leoa,o animal de culto.A deusa personificava o sol ardente e era representada com o disco solar na cabeça.As lendas dizem que Sekhmet defendia os faraós dos inimigos, liderando-os na guerra e derrubando os seus rivais. A deusasevera e de temperamento rápido podia matar as pessoas, lançando-lhes doenças. De acordo com os mitos, Sekhmet castigou o Egito com uma praga. O faraó Amenhotep III mandou fazer setecentas estátuas da deusa paraapropiciar Apesar de tudo isto, Sekhmet era venerada como a deusa da cura e a guardiã da paz .

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Estátua do deus BesHistória completa

Estátua do deus Bes

Audioguia dos Museus do Vaticano

Na mitologia egípcia, bes é uma palavra comum para os anões que eram adorados como protectores dos lares, da família e defensores dos espíritos malignos. Eram protectores dos bebés e das mulheres grávidas.O nome “bes” deriva da palavra núbia besa, que significa “gato”. Os historiadores acreditam que o culto de bes é uma adoração do gato como protetor do lar contra as pragas e os animais selvagens.Bes era representado como um anão de corpo atarracado, rosto semelhante a uma máscara, testa baixa e olhos engolidos. Parece estar sentado numa rocha, com as mãos apoiadas nos joelhos e a língua saliente. Tem os ombros e as ancas cobertos por uma pele de leão e usa um grande adorno à volta do pescoço.Na cabeça, há um orifício para um atributo metálico que serve de suporte a outro toucado de pedra. Tradicionalmente, o bes usava um magnífico toucado de penas.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Grupo com Ptolomeu 2História completa

Grupo com Ptolomeu 2 — 1 / 2

Grupo com Ptolomeu 2 — 2 / 2

Audioguia dos Museus do Vaticano

As estátuas representam Ptolomeu II e a sua irmã Arsinoe II, que se tornou sua esposa. Ptolomeu II foi o rei do Egito no século III a.C. Para além dos assuntos políticos, é famoso por ter casado com a sua irmã Arsinoe.De posse do trono, Ptolomeu procurava alargar a sua influência política para além das fronteiras do Egito e assumir o controlo do território que se estendia até à Ásia. Com este objetivo, reforçou as suas posições no mar. Nessa altura, a sua irmã Arsinoe fugiu do marido, na Macedónia, para o Egito, para se tornar rainha. Era uma intrigante pérfida e astuta na Macedónia. E casou-se com o irmão para tomar o poder.Segundo as antigas lendas gregas, estas duas estátuas foram levadas para Roma pelo imperador Calígula. Em Roma, embelezaram um edifício dedicado à sua irmã-esposa Drusila. Ela foi deificada quando Ptolomeu desafiou Arsinoe II.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

02Pio Clementino museu30 · de exposições

O Museu Pio-Clementino continua a apresentar as melhores exposições clássicas. Situado no Palácio Belvedere, o Museu imortalizou os nomes dos seus fundadores - os Papas Clemente XIV e Pio VI. Os pontífices tinham todas as razões para criar o Museu. Naquela altura, na segunda metade do século XVIII, o tesouro do Vaticano não albergava a maior coleção de obras de arte que os seus antecessores tinham reunido durante alguns séculos. Assim, o tesouro e o Palácio do Belvedere foram reconstruídos. Desde então, o Museu Pio-Clementino começou a colocar exposições de antiguidades. É possível ver uma variedade de esculturas e sarcófagos por todo o lado, nos corredores e no pátio interior octogonal com colunatas.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Gabinete de Máscaras

O Gabinete das Máscaras é um pavilhão de verão reconstruído no século XVIII que estava ligado aos salões do palácio de Inocêncio VIII. O chão do Gabinete está coberto com o mais antigo mosaico que se manteve deslumbrante durante séculos. Os quatro mosaicos com máscaras foram encontrados em 1780 na Villa de Adriano em Tivoli. Curiosamente, as máscaras são datadas de 50 a.C. Na Galeria das Máscaras estão expostas estátuas antigas em mármore. As mais significativas são uma escultura romana das Três Graças; uma estátua do Sátiro, uma escultura da Mulher Dançante e a exposição principal - uma estátua de Afrodite de Knidos. Note-se que esta estátua é justamente considerada como a melhor cópia da escultura de bronze de Praxiteles.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Cruz Grega Hall

O Salão da Cruz Grega foi concebido por Michelangelo Simonetti. Por favor, olhe para a entrada do salão e verá que o chão está coberto com o precioso mosaico datado do século III a.C. Primeiro, este mosaico revestiu o chão da villa de Tusculum, perto de Roma. Curiosamente, o Salão foi construído em forma de cruz grega. A cruz grega é uma cruz com braços rectangulares de igual comprimento, perpendiculares entre si. Esta particularidade deu o nome ao salão. Um visitante atento notará elementos decorativos egípcios nesta sala. Assim, podem ver-se sarcófagos em pórfiro. Um sarcófago foi feito para Constantia, a filha do imperador Constantino, e o segundo para a sua mãe Helena. Olha para a decoração do sarcófago de Helena. O caixão está esculpido com cavaleiros romanos que derrotaram os bárbaros. O Sarcófago de Constantia está decorado com cupidos esculpidos a apanhar uvas. Não deixe de visitar a exposição única - a figura de uma mulher em movimento. Pode vê-la por detrás do Sarcófago de Santa Helena. Os historiadores acreditam que se trata de uma única estátua de Cleópatra que sobreviveu. Entre outras coisas, na Sala da Cruz Grega pode admirar as esculturas de Octávio Augusto e Júlio César e os mosaicos.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Galeria de estátuas

A Galeria das Estátuas era originalmente uma ala de verão do palácio de Inocêncio VIII. Ao visitar este local, verá os frescos pintados pelos pintores italianos Andrea Mantegna e Pinturicchio. Estas foram as primeiras imagens que decoraram a Galeria no final do século XV. Na segunda metade do século XVIII, esta sala foi transformada em galeria de estátuas e adquiriu o aspeto que pode ver atualmente. Aqui pode encontrar esculturas clássicas. Trata-se de cópias romanas de obras-primas como a estátua de Apolo Sauroktonos, a Ariadne Adormecida, Narciso, Sátiro Bêbado, Páris Sentado, baixos-relevos de Marte, Minerva, Vénus.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Salão dos Animais

Estás no Salão dos Animais. Esta é a maior coleção mundial de estátuas antigas de animais selvagens. Está rodeado por cerca de 150 estátuas de alabastro, mármore colorido e branco. Quase todos os objectos expostos são cópias de originais gregos feitas por ordem do Papa Pio VI. O escultor Francesco Antonio Franzoni trabalhou nas estátuas. E as estátuas de animais e aves foram restauradas no final do século XIX. Na Sala dos Animais pode ver-se a estátua de Meleager com o cão e a cabeça do javali de Calydon, o tronco do Minotauro, sarcófagos romanos pertencentes aos representantes dos Scipiones.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Sala das Musas

Agora está no Salão que foi projetado pelo pintor italiano Michelangelo Simonetti em 1782. A Sala das Musas está decorada com dezasseis colunas de mármore. Se olhar para cima, verá os frescos do teto, da autoria de Tommaso Conca. Representam Apolo e nove Musas rodeados pelos famosos poetas do mundo antigo - Homero, Ésquilo, Píndaro, Virgílio, Tasso e Ariosto. Na Sala das Musas encontram-se estátuas de mármore de Apolo e de nove musas, as protectoras gregas da arte. De facto, estas esculturas são cópias das estátuas originais gregas feitas de bronze no século III a.C. Se olhar para o centro da sala, verá o Torso do Belvedere, um modelo de corpo de proporções ideais e belas, segundo Miguel Ângelo.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Tribunal Octogonal

Agora está no pátio interior, que é o núcleo de todos os Museus do Vaticano. Aqui está patente a exposição de magníficos sarcófagos romanos com baixos-relevos. Antes de este pátio se tornar uma atração obrigatória incluída no guia dos Museus do Vaticano, o pátio interior era um jardim de laranjeiras. Mas o Papa Júlio II melhorou-o, colocando aqui e ali estátuas antigas à sombra das árvores. Mais tarde, em 1775, o Papa Pio VI mandou vedar a zona ajardinada com um pórtico octogonal que enquadrava a entrada do palácio. Passados trinta anos, foram construídos quatro nichos separados por arcadas nos quatro cantos. Trata-se do nicho de Laocoonte, do nicho de Perseu, do nicho de Apolo e do nicho de Hermes. Assim, o jardim adquiriu o aspeto que se pode ver.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Sala Redonda

A Sala Redonda tem quase 250 anos. Foi projectada e construída em estilo clássico no seu apogeu, em 1780. Michelangelo Simonetti foi encarregado do projeto. Se olhar para baixo, verá que o chão está coberto de mosaico romano do século III, representando as batalhas de guerreiros gregos com tritões e centauros. No centro da Sala Redonda pode ver-se uma enorme bacia de pórfiro com uma circunferência de 13 metros. Anteriormente, embelezava a Casa Holden do Imperador Nero. Nos nichos, há 18 estátuas e bustos de mármore de deuses e heróis mitológicos romanos e gregos. Veja a escultura de Antinous. Também pode encontrar o retrato do imperador Adriano retratado como Dionísio e a estátua do poderoso Hércules. Esta é a única estátua dourada que sobreviveu inalterada desde a antiguidade.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Venus CnidusGabinete de MáscarasHistória completa

Venus Cnidus

Praxiteles

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Afrodite de Cnido é a primeira representação em pedra de um nu feminino. Esta escultura é a estátua feminina mais reproduzida. Curiosamente, Praxíteles, o criador da estátua, fez duas esculturas semelhantes de Afrodite. Uma delas estava coberta com um manto e a outra estava completamente nua. A segunda estátua foi comprada pelos habitantes de Cnido, a colónia grega, e ganhou fama mundial. Houve quem se deslocasse a Cnido só para ver a estátua da deusa. Praxíteles usou a sua amante Phryne, uma mulher muito bonita, como modelo. Mas, na Antiguidade, era uma blasfémia criar estátuas de deuses utilizando o corpo humano como modelo. Phryne foi acusada de impiedade e levada a tribunal. O orador Hipereides foi encarregado de a defender. Discursou e tirou o manto de Phryne para mostrar a beleza do seu corpo. Naquela época, as pessoas acreditavam numa alma ideal num corpo perfeito. Uma pessoa bela e bondosa era equiparada aos deuses. Os juízes ficaram tão impressionados com a beleza de Phryne que a absolveram por unanimidade. A estátua da Afrodite de Cnido é a cópia mais exacta da escultura feita por Praxíteles em 340 a.C. A escultura grega original já não existe, mas muitas cópias sobreviveram.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Sarcofago de ConstantiaCruz Grega HallHistória completa

Sarcofago de Constantia

Audioguia dos Museus do Vaticano

Um magnífico sarcófago é um símbolo de vida eterna que alude à vida após a morte. O sarcófago em pórfiro vermelho guarda os restos mortais de Constantia, filha do imperador Constantino. O sarcófago assenta em quatro suportes de leoas. O caixão é decorado nos quatro lados com cupidos colhendo uvas. Os lados do sarcófago estão decorados com três rapazes alados que pisam uvas. Porque é que esta cena está representada na última morada da filha do imperador? O facto é que os sarcófagos romanos imitavam a forma de lagares de vinho. E isso tinha um significado profundo. As bagas eram espremidas, mas após a fermentação transformavam-se em vinho de raça. Assim, as uvas espremidas transformam-se em vinho, tendo uma nova vida. Tendo em conta as crenças antigas, o conceito do baixo-relevo do sarcófago assume o seu significado. Os cupidos imortais dão uma nova vida à Constantia sepultada. A sua alma, como as uvas, alcança a imortalidade. Constantia morreu em 354 e, alguns séculos mais tarde, os romanos canonizaram-na. Foi sepultada na igreja de Santa Costanza.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Sarcofagus St HelenaCruz Grega HallHistória completa

Sarcofagus St Helena

Audioguia dos Museus do Vaticano

O sarcófago de Helena é um símbolo do sucesso militar e o último respeito ao talento e à força de um comandante. E, na verdade, não é uma guerreira gloriosa, mas Helena, a mãe do imperador romano Constantino, o Grande, foi enterrada ali. Os historiadores acreditam que o magnífico túmulo foi originalmente feito para o Imperador Constantino. Por esta razão, está decorada com cenas militares dinâmicas que não são adequadas para um enterro feminino. As gloriosas vitórias militares eram o principal orgulho dos governantes romanos. O monumental sarcófago de pórfiro vermelho está decorado com cenas de batalha. O baixo-relevo do túmulo está esculpido com soldados romanos a cavalo, matando bárbaros. Na tampa do sarcófago, cupidos seguram grinaldas esplêndidas como símbolo de honra e saudação aos vencedores.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Apollon SavroctonGaleria de estátuasHistória completa

Apollon Savrocton

Praxiteles

Audioguia dos Museus do Vaticano

Apollo Sauroktonos (Apollo Lizard-killer) simboliza a vitória da luz sobre as trevas. Na antiguidade, foram feitas muitas cópias da escultura de Apolo Sauroktonos. Isto significa que a estátua era bastante popular entre os romanos e que o seu conceito era bastante claro. A mensagem da cena pode tornar-se evidente se considerarmos os mitos romanos de Apolo. Apolo, o deus do sol, da luz e da vida, tem dois lados opostos. Um deles é escuro. Simboliza um longo sono, o esquecimento, a morte. Nos mitos, um lagarto representa o lado negro do deus. Ao matar o lagarto com as suas próprias mãos, Apolo livrou-se do seu lado negro e tornou-se apenas um deus da luz. A segunda parte do título da estátua, "sauroktonos", deriva de duas palavras gregas - saura (um lagarto) e kteinen (matar). O jovem deus-sol Apolo está prestes a matar um lagarto. Em poucos segundos, o jovem rapaz mata um lagarto que trepa a uma árvore com uma pequena seta.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

MeleagerSalão dos AnimaisHistória completa

Meleager

Audioguia dos Museus do Vaticano

A estátua representa Meleager de Belvedere depois de ter morto o javali de Calydon. Trata-se de uma história mitológica grega muito conhecida. A cena esculpida está associada a uma lenda trágica. Meleager é filho do rei Oeneu de Calydon e da sua mulher Althaea. É mencionado nos poemas da "Ilíada" e entre os Argonautas e os caçadores de Calydon. De acordo com os mitos gregos, quando Meleager nasceu, a sua mãe, Althaea, ouviu uma previsão ameaçadora de que o seu filho morreria assim que um dos paus da lareira ardesse completamente. Assim que Althaea ouviu a terrível notícia, retirou o pau do fogo, apagou-o e escondeu-o num baú. Parece que a mãe salvou o seu filho de um destino mau. Uma vez, o pai de Meleager esqueceu-se de fazer uma oferenda a Artemis, a deusa da caça, e esta decidiu castigá-lo. A deusa soltou um enorme javali em Calydon, devastando campos e florestas. O corajoso Meleager e os seus amigos mataram a fera, mas Ártemis não deixou os vencedores em paz. Provocou a disputa da cabeça do javali entre eles. Durante a luta, os parentes de Meleager do lado materno foram mortos. Quando a sua mãe, Althaea, soube do sucedido, enfureceu-se e queimou a vara escondida. Meleager morreu imediatamente. Meleager é representado segurando a cabeça do javali após a caçada de Calydonian. O seu fiel cão de caça, que provavelmente o ajudou durante a caçada, está sentado ao lado do vencedor.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

JaguarSalão dos AnimaisHistória completa

Jaguar

Audioguia dos Museus do Vaticano

Na Antiguidade, o leopardo era designado como "o animal dos deuses" e era frequentemente mantido em colecções sagradas de animais imperiais. A imagem mítica do leopardo representa o destemor, a coragem, a valentia, a fidelidade, a agressividade e a ferocidade nas batalhas. O animal assemelha-se a um jaguar, a um irbis, a uma chita e a um leopardo ao mesmo tempo. Mas não se trata de uma estátua de jaguar. Este animal é originário da América do Sul, que não foi descoberta nessa altura. Não é assim tão importante qual o animal que foi esculpido numa pedra. Todos os felinos representam um carácter culto, nobre e beligerante. Esta estátua de leopardo é invulgar porque é parcialmente colorida. Os diferentes fragmentos de alabastro preto e âmbar criam as cores naturais do animal.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

ClioSala das MusasHistória completa

Clio

Audioguia dos Museus do Vaticano

Clio é a musa grega da história, destinada a glorificar os feitos heróicos dos povos e dos deuses. Clio usa uma coroa de louros na cabeça. O loureiro é um símbolo de glória, de vitória e de paz. Era oferecido aos heróis. A musa da história é coroada com a coroa de flores. Isto significa que ela está sempre pronta a escrever os nomes dos heróis. Tem na mão uma haste de pergaminho. Contém a crónica dos feitos realizados. Clio também inscreve na haste os nomes de pessoas nobres e de deuses.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

O tronco do BelvedereSala das MusasHistória completa

O tronco do Belvedere

Audioguia dos Museus do Vaticano

Os historiadores têm debatido sobre a origem do Torso do Belvedere. Mas, apesar da falta de informação sobre a estátua, sabe-se que o próprio Miguel Ângelo admirava as linhas refinadas e realistas da musculatura. Ao pintar o teto da Capela Sistina com frescos, utilizou a imagem da estátua cuidadosamente gravada. Mas quando foi pedido ao pintor que restaurasse as partes em falta do tronco, recusou-se a fazê-lo, pois considerava a estátua ideal. O teórico neoático Johann Winckelmann comparou o tronco a "um poderoso carvalho que foi cortado e despojado dos seus ramos e galhos". Os historiadores supõem que a estátua pode representar Héracles, Polifemo, Prometeu, Ares ou Filoctetes. Mas a versão mais popular diz que se trata do grego Ajax, sentado na pedra e a pensar no suicídio. Os peritos em arte estabeleceram que a cabeça estava inclinada para a mão direita. E segurava a espada com que o herói se suicidaria. Supostamente, durante a Guerra de Troia, Odisseu foi nomeado comandante e não Ajax, e este ficou tão furioso que se suicidou.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

CalliopeSala das MusasHistória completa

Calliope

Audioguia dos Museus do Vaticano

Calíope é a musa mais eloquente, padroeira da poesia épica, da filosofia e da ciência. Em grego, o seu nome significa "bela voz". Por isso, Dionísio chamou à poesia "o grito de Calíope". Calíope é a filha mais velha de Zeus e a mãe de um famoso herói lendário, Orfeu. A sua musicalidade e poesia foram-lhe transmitidas pela mãe. Calliope segura uma tábua de cera e um estilete de madeira, um instrumento de escrita. Daí a frase "escrever em alto estilo", ou seja, em estilo eloquente e sonoro.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

UraniaSala das MusasHistória completa

Urania

Audioguia dos Museus do Vaticano

Urânia é a musa da astronomia. Quando a mitologia grega estava a desenvolver os conceitos de musas, a astronomia não era uma ciência exacta complicada. Era antes um conjunto de hipóteses sobre o céu e as estrelas. Por isso, Urânia era muitas vezes chamada de musa "celeste". A severa Urânia é retratada segurando um globo e um ponteiro nas mãos, como uma professora erudita.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

ApolloSala das MusasHistória completa

Apollo

Audioguia dos Museus do Vaticano

Apolo é um patrono das artes, da poesia, da música e líder de nove musas. Primeiro, os gregos antigos acreditavam que Apolo protegia o gado. Depois, foi considerado um adivinho e, por fim, o pai do sol e da luz. O jovem deus segura uma cítara na mão. Parece que toca e canta ao mesmo tempo. A figura do antigo herói grego Marsyas está esculpida na cítara. De acordo com as lendas, Marsyas era um músico talentoso e competiu ao tocar a cítara contra Apolo. As musas julgaram o concurso e preferiram Marsyas. Então Apolo começou a tocar a cítara e a cantar ao mesmo tempo. Marsyas não foi capaz de o fazer e perdeu. Como castigo pela sua arrogância, Apolo pendurou Marsyas num pinheiro e esfolou-o vivo.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

TersiconeSala das MusasHistória completa

Tersicone

Audioguia dos Museus do Vaticano

Terpsichore é a musa da dança executada em harmonia com os ditames do coração. Segundo uma versão, ela é a mãe das sereias. Uma lira na mão simboliza a música que era uma parte inextricável da vida de Terpsichore. A sua mestria na dança representa o equilíbrio entre a natureza, os movimentos do corpo humano e as emoções.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

PolimniaSala das MusasHistória completa

Polimnia

Audioguia dos Museus do Vaticano

Polímnia é a musa da poesia sagrada, do hino sagrado e da arte oratória. Ela simboliza a fé glorificada na música. Os gregos antigos acreditavam que o sucesso de um orador dependia da misericórdia de Polímnia. Um orador devia propiciar a Musa e esta dotava-o de uma eloquência fantástica. Se o orador não se dirigisse a Polímnia, o seu discurso não era bem sucedido.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

MelpomeneSala das MusasHistória completa

Melpomene

Audioguia dos Museus do Vaticano

Melpomene é a musa da tragédia, do coro e da harmonia musical. Foi inicialmente designada como padroeira das canções sagradas, depois como padroeira das canções tristes e, por fim, como musa da arte dramática e do teatro. Representa o princípio trágico do teatro. Melpomene veste um manto teatral, segura uma máscara trágica na mão direita e uma faca na mão esquerda. Tradicionalmente, a máscara simboliza um teatro, e a faca é um símbolo da inevitabilidade do castigo daqueles que desobedeceram aos deuses. Segundo as lendas, foi Melpomene que deu origem às pérfidas sereias que atraíam os marinheiros com as suas vozes cantantes.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

TaliaSala das MusasHistória completa

Talia

Audioguia dos Museus do Vaticano

Thalia é a musa grega da comédia e da poesia idílica. É representada segurando um cajado de pastor, uma máscara cómica e um tamborim. A sua cabeça é coroada com uma coroa de flores do campo. A imagem remete para poemas alegres e animados sobre o estilo de vida dos pastores e camponeses que trabalham e vivem no campo.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Rio deus (Arno)Tribunal OctogonalHistória completa

Rio deus (Arno)

Audioguia dos Museus do Vaticano

O deus do rio Arno, em Florença, é um titã poderoso e forte, com um rosto barbudo, carrancudo, sério e falante. A figura do deus representa o poder e a força do rio que dá à luz. Originalmente, a escultura do deus fazia parte de uma fonte, cuja bacia é um sarcófago decorado com cenas de batalhas entre gregos e amazonas. Esta estátua retrata o deus do rio numa pose tradicional quando se reclina com um jarro na mão. No jarro está gravada uma pequena cabeça de leão. Os elementos felinos provam que o rio Arno pode ser identificado com o rio Tigre da antiga Mesopotâmia.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Apollo BelvedereTribunal OctogonalHistória completa

Apollo Belvedere

Leochares

Audioguia dos Museus do Vaticano

Apolo, o deus do sol e da luz, era chamado "esplêndido" ou "radiante". Durante vários séculos, foi um ídolo da beleza masculina. E logo após a sua criação, a estátua de Apolo do Belvedere foi admirada tanto por pessoas comuns como por escultores proeminentes. O especialista em arte Johann Joachim Winckelmann considerou a estátua como uma referência da arte grega. Afirmou que "de todas as obras da antiguidade que escaparam à destruição, a estátua de Apolo representa o mais elevado ideal de arte". Logo que a estátua de mármore foi descoberta não muito longe de Roma, em meados do século XV, foi colocada no jardim do Belvedere, no Vaticano. Por isso, Apolo passou a chamar-se Apolo Belvedere. A escultura do Apollo Belvedere representa o deus como um poderoso e belo arqueiro. Os seus movimentos são dinâmicos, decididos e corajosos. De acordo com os historiadores, Apolo segura supostamente um arco na mão esquerda e uma flecha na mão direita. Ele parece ter acabado de lançar uma flecha, à espera do alvo que vai atingir. As flechas e o arco nas suas mãos representam o seu direito de punir os pecadores e de purificar os arrependidos dos seus pecados. A cabeça de Apolo está coroada com uma coroa de louros, símbolo de vitória. Perto do jovem encontra-se um tronco de árvore com o dragão Python morto por Apolo em Delfos.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

Belvedere HermesTribunal OctogonalHistória completa

Belvedere Hermes

Praxiteles

Audioguia dos Museus do Vaticano

Hermes era o emissário dos deuses e o condutor das almas dos mortos para o submundo. O seu outro nome era Psychopomp, que significa literalmente o "guia das almas". Hermes era também o patrono dos pastores, embaixadores, viajantes, mágicos, alquimistas e astrónomos. Além disso, era venerado por mercadores, comerciantes e desportistas. Segundo as lendas, Hermes inventou as unidades de medida, os números e o alfabeto e ensinou-os às pessoas. A estátua representa Hermes jovem, forte e belo, numa expetativa tranquila. O jovem deus olha tranquilamente em frente. Está melancólico; o seu olhar está baixo, enquanto um manto atirado sobre o seu ombro está enrolado à volta do antebraço. Hermes encosta suavemente o seu pé direito ao tronco de uma palmeira. O autor encarnou na escultura o encanto especial e sonhador com que Hermes se realiza. O mármore transmite de forma espantosa a suavidade e a macieza dos movimentos de Hermes, ao mesmo tempo que mostra a juventude e a força da sua figura.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

PerseusTribunal OctogonalHistória completa

Perseus

Antonio Canova

Audioguia dos Museus do Vaticano

A escultura representa uma famosa história grega sobre a vitória de Perseu sobre a górgona Medusa. A história começou quando o rei Polidectes quis casar com a bela Danaë. Ela era a mãe de Perseu, que se opunha ao casamento. Então, Polidectes enganou Perseu e fê-lo prometer matar a górgona Medusa. O rei esperava que Perseu morresse na luta contra a górgona, mas outras coisas aconteceram. Depois de muitas dificuldades, o jovem Perseu chegou à ilha onde viviam as górgonas. Ele sabia que todos os que olhassem para a Medusa seriam transformados em pedra, por isso decapitou a górgona olhando para o seu reflexo no seu escudo de cobre. A escultura de Perseu retrata-o após a derrota da Górgona. Segura uma espada nas mãos e calça as sandálias de Mercúrio. Estes atributos foram-lhe dados para voar até à ilha das Górgonas e derrotar a Medusa.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Venus FelicsTribunal OctogonalHistória completa

Venus Felics

Audioguia dos Museus do Vaticano

Vénus é uma antiga deusa romana do amor, da beleza, da fertilidade e da prosperidade. Na cultura grega, era considerada a senhora da esperança e o símbolo da vitória. Em sua honra eram organizadas festas sumptuosas e ela foi encarnada em dezenas de esculturas. Vénus é considerada a mãe de Eneias, que fugiu do cerco de Troia para Itália. Aí, os seus descendentes fundaram Roma e Vénus foi adorada como a genetrix dos romanos. Os atributos da beleza eternamente jovem de Vénus são uma papoila, uma rosa, uma pomba e uma lebre como símbolos de fertilidade. Os romanos acreditavam que Vénus era capaz de controlar a vontade dos animais selvagens e de os encantar. Segundo os historiadores, a escultura de Vénus Felics é uma oferta de sacrifício a Vénus da imperatriz Sallustia e do seu filho Helperid. Os especialistas em arte supõem que a mão esquerda perdida poderia ter segurado uma maçã ou um espelho. Os historiadores também asseguram que Vénus se parece com Faustina, a Jovem, uma esposa do imperador romano Marco Aurélio.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

LaocoonteTribunal OctogonalHistória completa

Laocoonte

Polydorus

Audioguia dos Museus do Vaticano

O grupo de estátuas de Laocoonte e dos seus filhos mostra Laocoonte e os seus filhos a serem atacados por serpentes marinhas. No auge da Guerra de Troia, Laocoonte avisou os troianos sobre a astúcia e a habilidade dos gregos. Pediu aos cidadãos que não aceitassem o cavalo de Troia. Mas o povo não deu ouvidos a Laocoonte, e então ele decidiu atirar uma lança para mostrar o que era. Mas o poderoso Poseidon queria que Troia fosse arruinada, pelo que teve de impedir Laocoonte de fazer a revelação. Poseidon enviou duas enormes serpentes para atacar Laocoonte e os seus filhos. As serpentes marinhas subiram do mar, enroscaram-se no pescoço das suas vítimas e mataram-nas. O grupo de estátuas exprime um teatralismo melodramático. O escultor utilizou magistralmente o seu conhecimento do corpo humano para gravar a figura de Laocoonte no momento mais tenso. Os músculos do seu corpo estavam tensos de dor e a sua boca estava distorcida pelo grito de morte. Ele está de luto, não tanto por si próprio, mas pelos seus filhos. Não é só a descrição da batalha até à morte que reflecte a tragédia. A desesperança é o facto de o sofrimento de Laocoonte e dos seus filhos ser desesperante, pois serão mortos em poucos minutos. Mas, mesmo sabendo-o bem, Laocoonte continua a ter esperança de afastar as serpentes marinhas e de se livrar delas. A escultura surpreende pelo realismo e pelos pormenores dos músculos do corpo humano, tensos e resistentes.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

ApoxyomenosCabinet of ApoxyomenosHistória completa

Apoxyomenos

Lysippos

Audioguia dos Museus do Vaticano

O Apoxyomenos é um símbolo dos desportos antigos e uma demonstração eloquente do corpo atlético e magro dos atletas gregos. A palavra "Apoxyomenos" vem do verbo grego que significa limpar-se. Antes das competições, os antigos atletas gregos costumavam untar o corpo com óleo que era coberto de areia durante um torneio. Depois das competições, os atletas raspavam a mistura de areia e óleo com uma colher especial chamada strigil. A estátua de Apoxyomenos mostra um desportista gracioso, um pouco descontraído, mas sério. A sua magra figura plástica constitui uma prova silenciosa da popularidade do desporto na Antiguidade. Esta é uma cópia da estátua de bronze de Apoxyomenos feita pelo escultor grego Lysippus em 320 a.C.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

HéraclesSala RedondaHistória completa

Héracles

Audioguia dos Museus do Vaticano

Esta é a única estátua de bronze do mundo coberta com a antiga douradura original. Héracles segura um pesado bastão, a pele de leão e as maçãs das Hespérides nas suas mãos. Estas lembram o primeiro e o último dos doze trabalhos de Héracles. A pele do leão de Neméia é um símbolo do primeiro trabalho de Héracles. O atleta devia matar um enorme leão que aterrorizava as colinas em redor de Nemeia. Quando Héracles encontrou uma gruta onde a fera vivia, bloqueou a entrada com uma pedra. Depois, atordoou o leão com a sua clava e estrangulou-o até à morte. As maçãs das Hespérides simbolizam a décima segunda tarefa, a mais difícil, cumprida por Héracles. Segundo as lendas, ele devia ir ter com o titã Atlas e ir buscar três maçãs de ouro ao seu jardim. Atlas segurava o céu nos seus ombros e o jardim era guardado pelas Hespérides, as suas filhas. Antes de conseguir apanhar as três maçãs, Héracles descobriu o caminho para o jardim, enganou o dragão que defendia as árvores e o próprio Atlas.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

Braschi AntínooSala RedondaHistória completa

Braschi Antínoo

Audioguia dos Museus do Vaticano

Antínoo, um jovem e belo grego, era o favorito do imperador romano Adriano. Conheceram-se em 124 d.C. e, desde então, Antínous acompanhou sempre o soberano. A sua aliança durou 6 anos e, em 130 d.C., o jovem morreu nas águas do Nilo. Até à data, as causas da sua morte não são claras. Os historiadores têm várias hipóteses, entre elas o suicídio, o acidente trágico e o sacrifício humano ritual. Após a sua morte, Antínous foi endeusado e o seu culto espalhou-se pela Grécia e pelo Egito. Aí o jovem foi identificado como Osíris, um deus da ressurreição que também se tinha afogado no rio Nilo, mas que depois ressuscitou e tornou o solo fértil. A escultura encarnava as caraterísticas reais de Antínoo: o seu corpo forte, os ombros largos, o rosto vistoso. É representado forte como um atleta e belo como um deus. A sua beleza é voluptuosa e suave, como se estivesse rodeada de tristeza. A estátua representa Antínoo como Dionísio, deus do vinho e da vegetação. A sua cabeça está ornamentada com os símbolos do deus do vinho - uma coroa de hera e um diadema.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

DemeterSala RedondaHistória completa

Demeter

Audioguia dos Museus do Vaticano

Deméter era a deusa da fertilidade e da agricultura. O seu segundo nome é "mãe terra", que ensinava as pessoas a cultivar. A lenda mais famosa de Deméter fala da sua busca por Perséfone, que foi levada por Hades para o Submundo. Deméter percorreu toda a terra para encontrar a sua filha, mas entretanto a terra tornou-se estéril. As pessoas estavam a morrer de fome e não tinham presentes para os deuses. Os deuses imploraram a Deméter que regressasse ao Olimpo, mas ela recusou. Então Zeus ordenou ao seu irmão Hades que libertasse Perséfone. Quando a filha regressou, Deméter deixou de se lamentar e colocou uma coroa de flores na cabeça. Festejando, a deusa deu às pessoas calos de milho, e elas começaram a cultivar trigo. A escultura retrata Deméter calma, digna, com um olhar franco. Mas nem todos os historiadores acreditam que esta estátua seja Deméter. Há algumas dúvidas, pois não há atributos específicos da deusa. É chamada Deméter porque segura na mão direita uma cabeça de papoila, símbolo da fertilidade. Mas um cetro na mão esquerda pode aludir a Hera.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

AugustoSala RedondaHistória completa

Augusto

Audioguia dos Museus do Vaticano

Em latim, togatus significa uma pessoa vestida de toga. Esta é uma peça de vestuário nacional de um cidadão romano de pleno direito. A toga foi popularizada pelo imperador Augusto. Ele instruiu os romanos a vestirem a toga antes de irem para o Fórum, o centro de negócios de uma cidade. Assim, a toga tornou-se um símbolo da Roma Antiga, um atributo que as pessoas eram obrigadas a vestir quando iam ao mercado, ao templo ou a uma reunião. A toga era drapeada e acreditava-se que só os romanos eram capazes de aprender "a grande habilidade do drapeado". O imperador Génio Augusto, vestido com a toga, representa um romano livre e respeitado pela sociedade. A cabeça de Augusto está coberta com a toga. Isto significa que o imperador está pronto para a consagração, ou seja, para oferecer os sacrifícios. Na sua mão esquerda, Augusto segura o corno da abundância, símbolo da fertilidade e da saciedade do seu povo. Na cultura romana, o génio é o avô, um guardião espiritual do destino do homem. Era adorado e esperado. Passo a passo, as pessoas começaram a associar este culto ao respeito pelo imperador. Augusto foi chamado Génio pelo seu mérito em prol da Pátria, grandeza e proteção do povo romano.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

GalbaSala RedondaHistória completa

Galba

Audioguia dos Museus do Vaticano

Servius Galba foi governante do Império Romano apenas durante seis meses, de junho de 68 a janeiro de 69. Galba nasceu no seio de uma família nobre e fez uma carreira militar e política notável. Foi o primeiro imperador romano que tomou o poder após a rebelião dos soldados. Foi este conflito militar interno que deu origem à luta constante pelo poder no Império Romano. Novos motins tomaram conta de Roma e, afinal, Galba foi morto. Segundo as lendas, Galba era um comandante severo. Segundo consta, não permitia aos seus soldados quaisquer folgas, esgotando-os com exercícios físicos e trabalho permanente. Segundo os historiadores, no final da sua vida, Servius Galba estava fraco e arruinado pelas doenças. Mas a escultura mostra-o envelhecido, mas ainda forte e poderoso, segurando nas mãos uma vara, símbolo de poder.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Cláudio como JúpiterSala RedondaHistória completa

Cláudio como Júpiter

Audioguia dos Museus do Vaticano

Cláudio, que se tornou imperador depois de Júlio César, governou o país de forma incompetente. As lendas dizem que Cláudio era míope e tacanho, incapaz de controlar um grande Estado. Era tímido, tolo e indelicado, o que o privou de títulos e patentes. Mas, de facto, Cláudio era bom em história, arqueologia, literatura grega e romana. Quando era criança, Cláudio costumava adoecer, o que afectou o seu desenvolvimento físico e mental. Apesar da falta de atractivos da figura de Cláudio, a sua estátua retrata-o como Júpiter, um deus belo, forte e digno. As proporções ideais do seu corpo desarmonizam-se com o seu rosto. O tronco, as pernas, os braços, as orelhas salientes, o rosto enrugado e os olhos vazios não são harmónicos. Uma coroa de folhas de carvalho está sobre a cabeça de Cláudio. Este é um símbolo de fertilidade, coragem e poder. As vitórias militares marcaram o reinado do imperador. Uma águia, a eterna companheira de Júpiter, senta-se aos pés de Cláudio. Simboliza a sabedoria e as vitórias militares que se aproximam.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Hera BarberiniSala RedondaHistória completa

Hera Barberini

Audioguia dos Museus do Vaticano

Hera é a deusa do matrimónio e esposa de Zeus. Protegia os casais e abençoava-os com filhos. Hera respeitava muito a santidade do casamento e tentava proteger a sua família e ser uma esposa fiel. Fez bem o seu trabalho, mas o mesmo não se pode dizer de Zeus. Ele tinha muitas amantes e, por isso, Hera fazia sempre cenas, mas depois reconciliava-se com o marido. A deusa, vestida com um traje sumptuoso, viajava num carro de prata com rodas douradas puxado por cavalos imortais. Era a mais forte das deusas do Olimpo e sentava-se junto de Zeus no trono dourado. A escultura retrata-a como uma mulher graciosa, esplêndida e com ar de rainha. Hera Barberini é representada segurando uma vara na mão direita, com a cabeça um pouco inclinada. Assim, a deusa demonstra o seu poder e afeto pelas pessoas. A estátua é composta por numerosos fragmentos de mármore. Alguns fragmentos foram utilizados para criar o pé esquerdo e o peito. Esta é uma tradição antiga, quando uma escultura completa pode ser feita utilizando uma quantidade mínima de pedras.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Juno SospitaSala RedondaHistória completa

Juno Sospita

Audioguia dos Museus do Vaticano

Juno é uma das deusas mais respeitadas da Roma Antiga. O mês de junho tem o seu nome e a deusa era chamada Sospita, ou seja, Salvadora. Era a padroeira da Lua, das mulheres e do casamento e membro da Tríade Capitolina, que incluía Júpiter e Minerva. A deusa da sabedoria Minerva e a padroeira da fertilidade Ceres eram as suas conselheiras. Considera-se que cada mulher tem a sua própria Juno, uma companheira e protetora. Juno é representada como uma mulher severa que permanece imóvel e olha para a distância. Na cabeça da deusa encontra-se um diadema coberto por uma pele. Trata-se da pele da cabra Amalteia, que cuidou de Zeus quando este era bebé. A deusa segura uma lança e um escudo nas suas mãos. Refere-se a outro título de Juno. Ela simboliza a vitória e a destreza militar. Os antigos romanos invocavam-na quando pediam o sucesso das campanhas militares.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

03Galeria do Candelabro8 · de exposições

A Galeria dos Candelabros foi criada em 1761. Originalmente servia como uma loggia aberta, mas foi renovada seguindo o desejo do Papa Pio VI. A Galeria é extremamente vasta, tem 80 metros de comprimento e está dividida por colunas de mármore em seis secções. Pode ver-se que esta divisão é bastante formal, e os arcos suportados pelas colunas determinam a superfície de cada secção. Cada uma delas contém vasos, elementos de sarcófagos e altares, frescos, urnas funerárias, mosaicos romanos. E, por fim, ao longo das paredes da Galeria, encontram-se os principais objectos expostos - candelabros de mármore do século II provenientes de Otricoli. Por favor, olhem para debaixo dos vossos pés, à entrada da terceira sala da Galeria. Logo à entrada, há um fresco que representa o brasão da família e a insígnia papal, representada por duas chaves cruzadas sob um triregno. A pedido do Papa Leão XIII, foi pintada uma série de frescos pelo pintor italiano Ludwig Seitz. Na Galeria do Candelabro, pode ver cópias romanas de obras de arte gregas datadas dos séculos I-III a.C. Observe as exposições mais proeminentes - "Ganimedes e a Águia", "Ártemis de Éfeso", "Rapaz com ganso", "O Guerreiro Persa".

Texto original do autor, mantido sem alterações.

ApoloHistória completa

Apolo

Audioguia dos Museus do Vaticano

Uma estátua clássica de Apolo como divindade ideal mostra a beleza e o poder de um dos deuses mais venerados do panteão grego. Nos antigos mitos gregos, Apolo é o deus da luz e da pureza. Mais tarde, com a mudança da visão do mundo antigo, começou a encarnar a moralidade e a humanidade. Todos os princípios morais mais fortes da Grécia Antiga foram incorporados no culto do deus Apolo. Era adorado, as pessoas arrependiam-se dos seus pecados perante ele, os criminosos e os pecadores pediam-lhe perdão e era festejado. De acordo com as crenças gregas, a aparência de Apolo era exatamente igual à daquela estátua. Era despreocupado, sem pressa, elegante, amável, mas um pouco arrogante, cheio de um poder que não devia ser mostrado. Durante o restauro, o mestre italiano Giovanni Pierantoni acrescentou à estátua braços, pernas, uma lira e uma parte da árvore com uma serpente. Fez uma cópia da cabeça da escultura de Apolo Belverde. Segundo os historiadores, a estátua de Apolo é uma cópia ampliada da antiga estátua grega de Apolo Belverde, criada no século V a.C.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

DiscobolusHistória completa

Discobolus

Audioguia dos Museus do Vaticano

A estátua Discobolus é bastante notável, pois é a primeira escultura que representa um ser humano em movimento. Ao criá-la, o artista desafiou a sua mestria e as tradições escultóricas bem reconhecidas. O facto é que os artistas não esculpiam figuras em movimento na pedra no século V a.C. A estátua de Discobolus mostra um vencedor da competição de lançamento do disco. Os Jogos Olímpicos e todos os eventos com eles relacionados eram extremamente populares na Antiguidade. A estátua do lançador de disco é um símbolo do prestigiado desporto antigo e uma das obras-primas clássicas mais proeminentes do mundo antigo. O atleta está prestes a lançar o seu lançamento. De um ponto de vista técnico, era extremamente difícil representar esta torção do corpo. Mas o escultor fê-lo na perfeição. Todos os movimentos são incrivelmente reais. A estátua de Discobolus é uma cópia romana feita no século II. O original foi criado por Myron no século V a.C., na época de ouro dos Jogos Olímpicos. Desde então, foram feitas muitas cópias da escultura de Discobolus e a própria estátua tornou-se um símbolo do movimento olímpico moderno.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

GanimedHistória completa

Ganimed

Leochares

Audioguia dos Museus do Vaticano

Uma águia levanta no ar o belo e jovem grego Ganimedes e transporta-o para o Monte Olimpo, o monte de todos os deuses. De acordo com as lendas, Zeus ficou tão encantado com a beleza sobrenatural de Ganimedes que raptou o jovem rapaz. Não se sabe se o deus supremo enviou a ave ou se ele próprio se transformou em águia e levou o jovem para o Olimpo. Zeus concedeu ao pai do Ganímedes roubado uma vinha de ouro, um par de cavalos e a palavra de que o seu filho seria para sempre jovem e imortal. Após o rapto, Ganimedes tornou-se copeiro no Olimpo e serviu os deuses com néctar e ambrósia. A escultura não representa um voo, mas apenas o momento em que a águia apanha Ganímedes com cuidado e o tira do chão. O corpo da ave está colocado rigorosamente na vertical, com as asas abertas na horizontal. Assim, as figuras de Ganimedes e da águia, cruzando-se, representam algo como um calvário. O cão de Ganimedes levanta a cabeça e observa o seu dono a elevar-se no céu.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

ÁrtemisHistória completa

Ártemis

Audioguia dos Museus do Vaticano

A deusa da caça da Grécia Antiga, Ártemis, representa a virgindade, a pureza e a fertilidade. Além disso, era considerada a protetora do casamento, dos casais e do parto. Ártemis actuava frequentemente como caçadora, transportando uma aljava, uma lança e flechas. Também era representada rodeada de ninfas durante o banho no rio. Os animais de culto de Ártemis, protetora dos animais selvagens, eram o urso e o veado. A Ártemis de Éfeso é uma das imagens da deusa de muitas faces. Simboliza a fertilidade. Os historiadores debatem sobre os objectos esféricos na figura. As opiniões divergem. Alguns especialistas afirmam que se trata de um seio feminino, outros acreditam que se trata de um cacho de uvas. O seu toucado e o seu traje sumptuoso estão decorados com muitas cabeças de touros e abelhas, simbolizando a natureza e os seus frutos.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

O guerreiro persaHistória completa

O guerreiro persa

Audioguia dos Museus do Vaticano

O guerreiro persa sem nome é mostrado no momento da retirada. O seu rosto exprime horror e medo, e o seu corpo está extremamente tenso. Usa uma boina frígia e empunha uma espada na mão direita. O persa recua. E este movimento e todo o corpo do guerreiro que exprime pânico mostram a derrota das tropas persas. Esta escultura é uma das quatro estátuas que representam a vitória grega na batalha de Maratona, em 490 a.C. A vitória numa das batalhas de maior envergadura durante as guerras greco-persas tornou-se a primeira vitória grega. Ao mesmo tempo, a derrota não teve consequências devastadoras para os persas.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Rapaz a estrangular um gansoHistória completa

Rapaz a estrangular um ganso

Audioguia dos Museus do Vaticano

Não existe qualquer lenda antiga associada à escultura "Um jovem rapaz a estrangular um ganso". Segundo os historiadores, estas estátuas eram colocadas nos templos de Asclapius, o deus da medicina. As esculturas simbolizavam o sacrifício pela saúde em nome de uma criança doente que não podia ir sozinha ao templo. Um galo ou um ganso eram normalmente oferecidos ao deus curandeiro como dádiva para a saúde. Assim, parece que um rapaz com um ganso substituiu a criança que pedia a cura. O valor histórico da escultura reside no facto de ter sido uma das primeiras estátuas a representar as proporções corretas do corpo da criança. Antes de mais, os escultores representavam as crianças como cópias reduzidas dos adultos. No Império Romano, foram feitas muitas réplicas da escultura e colocadas em diferentes locais - desde templos a pátios de casas ricas.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

PanHistória completa

Pan

Audioguia dos Museus do Vaticano

A estátua de Pã a arrancar um espinho do pé de um sátiro representa duas personagens da mitologia grega antiga. Pan era um espírito dos bosques, dos campos e das pastagens. Protegia o gado, as cabras e as ovelhas. Com cornos de bode e cascos, parecia um bode. Um sátiro era reconhecido como uma das divindades de madeira. Assemelhava-se a uma panela com chifres e cascos. O sátiro era um espírito do bosque e demónio da fertilidade, preguiçoso, dissoluto, amante dos divertimentos e dos banquetes. Segundo as lendas, os sátiros seguiam sempre Dionísio, o deus do vinho. Eram sátiros que tinham preparado vinho pela primeira vez. Depois de o terem bebido, festejaram durante muito tempo. Na hierarquia dos espíritos e divindades, o sátiro estava acima de Pã. É por isso que vemos Pan, mais baixo e mais pequeno, a fazer o seu melhor para extrair um espinho do pé de um Sátiro.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Os dois cavalosHistória completa

Os dois cavalos

Audioguia dos Museus do Vaticano

A escultura A carruagem de dois cavalos é um símbolo de poder e de reconhecimento do comandante. Uma carruagem militar é um veículo sólido, rápido, leve e luxuoso. Estas carruagens puxadas por cavalos eram conduzidas pelos centuriões, militares romanos de topo. Era assim que demonstravam a sua filiação na elite do exército. No século XVI, uma carruagem, a que os romanos chamavam biga, foi utilizada como trono episcopal na igreja de São Marcos, em Roma. A composição dinâmica que vemos é constituída pelas peças montadas durante o restauro de 1788. O escultor italiano Francesco Antonio Franzoni foi o responsável pelo restauro da carruagem. Restaurou as rodas da carruagem e um dos cavalos, depois esculpiu ele próprio o segundo.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

04Pinacoteca34 · de exposições

A Pinacoteca do Vaticano foi organizada pelo Papa Pio VI na segunda metade do século XVIII. Inicialmente, o pontífice colocou a sua coleção de pinturas numa sala. Desde então, a coleção foi crescendo e a sala foi ampliada. Finalmente, em 1908, dezoito salas da Pinacoteca abriram suas portas para os visitantes. Aqui, terá de visitar mais de 15 salas com mosaicos, tapeçarias, ícones, esculturas e pinturas de grande beleza dos pintores italianos dos séculos XII-XIX. Deve parar para admirar as pinturas religiosas de Caravaggio, Rafael, Ticiano, da Vinci. Um observador atento notará que estão expostas telas de diferentes escolas de pintura, incluindo a escola florentina, a barroca, a flamenga, a holandesa e a escola de Rafael Santi. Percorrendo os corredores da Pinacoteca do Vaticano, verá as pinturas "Transfiguração" e "Madona de Foligno", "Madona da Cinta" de Benozzo Gozzoli, "Visão de Santa Helena" de Paolo Veronese, "Sepultura de Cristo" de Miguel Ângelo, "Madona com o Menino" de Pietro Perugino, "São Jerónimo" de Leonardo da Vinci e "Lamento sobre Cristo morto" de Giovanni Bellini. Na Oitava Sala, poderá observar atentamente a coleção de tapeçarias feitas a partir de desenhos de Rafael Santi, entre as quais se encontram "A Cura do Coxo" e "A Calda Milagrosa dos Peixes". A Sala XVIII reuniu uma grande coleção de ícones dos séculos XV a XIX. São justamente considerados como representando as práticas espirituais dos primeiros séculos do cristianismo. A Pinacoteca abriga quase quinhentas pinturas de todo o mundo. A única coisa que importa é que você precisará de forças suficientes para não apenas olhar para eles, mas entender a particularidade, a caraterística distintiva que encarna o espírito do tempo e o poder da idéia artística.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Sala 18

Os ícones dos Museus do Vaticano são uma importante coleção de imagens sagradas. São uma expressão da teologia, da fé e dos cânones estéticos do cristianismo do Oriente. As pinturas que fazem parte da coleção foram incluídas nas colecções papais depois de 1762, como parte do Museu Sagrado fundado pelo Papa Bento XIV na Biblioteca do Vaticano. Os ícones aqui apresentados representam os mais significativos da coleção, selecionados com base nos seus tipos iconográficos e zonas culturais. Datados dos séculos XV a XIX, provêm da Grécia pós-bizantina, dos países balcânicos e eslavos, da Rússia, da região anteriormente sob domínio veneziano, do Adriático e do Médio Oriente. Estes territórios estiveram sempre associados ao mundo bizantino, no qual, desde os primeiros séculos da era cristã, se desenvolveu uma peculiar simbiose entre a doutrina teológica e a arte, dando forma e conteúdo às imagens sagradas a que hoje chamamos ícones. A forma mais comum nas colecções dos Museus do Vaticano é o ícone de serviço devocional. Trata-se de imagens, geralmente de pequeno formato, criadas para a oração pessoal e doméstica. Embora tenham dimensões diferentes dos grandes ícones expostos nas igrejas, apresentam temas iconográficos semelhantes: imagens de Cristo e da Mãe de Deus, santos e festas litúrgicas.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Juízo FinalHistória completa

Juízo Final

Audioguia dos Museus do Vaticano

O Juízo Final é a pintura mais antiga da Pinacoteca. A trama do Apocalipse era uma das mais importantes para os cristãos medievais que acreditavam que a Terra era um disco. E a forma do quadro, redondo com uma base retangular, é um símbolo da abrangência do Juízo Final. A pintura é tradicional do século XII, altura em que os altares eram decorados com painéis de madeira com cenas religiosas. As figuras do painel são bidimensionais, desprovidas de vivacidade artística e de emoções, e as suas figuras são imóveis. Servem como uma ilustração do Juízo Final, uma explicação de um dos episódios mais incompreensíveis da Bíblia. A pintura está dividida em cinco fases ou registos. Cada personagem ocupa um lugar na hierarquia religiosa. No topo da composição está o Deus com os seus trajes nas mãos. Está rodeado de querubins. A segunda fase mostra Cristo, de pé, entre dois anjos e doze apóstolos, diante de um altar. A terceira fase contém a mensagem mais complicada. Está dividida em cenas. Na primeira cena, à esquerda, está São Paulo que guia os eleitos. Em seguida, são representados a Virgem Maria e Estêvão, intercedendo pelos inocentes. À direita, outras três cenas: Vestir os nus, Visitar os presos, Dar de beber aos sedentos. A quarta fase mostra a terra e a água, aves, peixes e animais ferozes cospem os membros dos corpos devorados, e os anjos tocam as trombetas apocalípticas e acordam os mortos. A quinta fase retangular mostra a Jerusalém Celestial e o Inferno. Aqui pode ver os salvos que esperam no paraíso e os pecadores cujo caminho vai para o inferno.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Nossa Senhora com o Menino e os SantosHistória completa

Nossa Senhora com o Menino e os Santos

Tiziano Vecellio

Audioguia dos Museus do Vaticano

O retábulo Madona com o Menino e os Santos tem outro nome, Madona dos Frari. Trata-se de uma das pinturas mais impressionantes e coloridas de Tiziano, o pintor de Veneza. A tela representa a aparição da Virgem Maria com o Menino perante os Santos Catarina, Nicolau, Pedro, António, Francisco e Sebastião. Nossa Senhora com o Menino de joelhos, rodeada de anjos, está sentada na nuvem e desce em direção aos santos que a viram. Eles estavam no templo, quando a visão lhes apareceu. O pintor mostra que cada testemunha ocular da visão a percepciona à sua maneira. Uns olham para cima, outros para baixo, mas a alegria, o espanto, a solenidade e a grandeza do momento estão no ar. As figuras são pintadas de forma brilhante, viva, colorida e em perspetiva. A luz pouco visível e a rica cor dourada fazem com que a pintura pareça um ícone. A Madona com o Menino e os Santos foi pintada para o altar da igreja de São Niccolò della Frari, no Lido de Veneza.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Visão de Santa HelenaHistória completa

Visão de Santa Helena

Paolo Veronese

Audioguia dos Museus do Vaticano

O quadro "A visão de Santa Helena" é um exemplo brilhante da imagem retratada no interior secular. O quadro mostra Santa Helena. Foi a mãe de Constantino, o primeiro imperador romano que professou o cristianismo. Segundo a lenda, um anjo apareceu a Helena para lhe dizer que fosse a Jerusalém procurar a cruz de Cristo. Embora muitos especialistas concordem que não é a mãe de Constantino que está representada no quadro, mas a mulher do pintor, também Helena. Porque a mulher retratada é jovem, e Santa Helena foi à procura da Cruz, quando já era idosa. Helena é mostrada sentada no cadeirão, desembrulhada num sono suave. A visão está diante dela. Um menino-anjo alado indica-lhe o caminho para a Cruz, segurando-a nas mãos. Helena está vestida com um traje rico e sumptuoso com padrões florais. Com a cabeça apoiada na mão, ela dorme naturalmente e, em pormenor, o pintor representou o braço de Helena a relaxar durante o sono. Dentro de alguns minutos, o pulso relaxará completamente e cairá. Depois Helena acorda, compreende a visão e parte para a Terra Santa em busca da Cruz.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Descanso no caminho para o EgitoHistória completa

Descanso no caminho para o Egito

BAROCCI Federico

Audioguia dos Museus do Vaticano

O quadro A Sagrada Família destaca-se pela sua interpretação de um famoso episódio da Bíblia. Esta cena iconográfica constitui um exemplo espetacular da tela da pintura da escola da Úmbria. A tela está impregnada de poesia e de cores. É por isso que a sua história ressoou junto dos crentes e foi extremamente popular. Esta pintura é também chamada Madona das Cerejeiras ou O Repouso a caminho do Egito. O quadro mostra a Virgem Maria, José e o Menino Jesus. A sagrada família voou para salvar o filho do massacre dos inocentes. Federico Barocci traduziu as difíceis crenças do cristianismo em formas compreensíveis para as pessoas comuns. O pintor simplificou o tema da pintura, mostrando a rotina diária da família. Apesar disso, a tela está impregnada de símbolos cristãos. A cereja é um símbolo do sofrimento de Cristo. Recorda aos crentes a peculiaridade da vida do Filho. A cor vermelha simboliza o sangue derramado por Ele pelos pecados das pessoas. A pureza das cores com a fluidez das linhas e o equilíbrio entre o homem e a natureza. Sem pretensiosismo e sem pathos religioso, as figuras não posam de propósito. São pessoas comuns, e a pintura é como uma cena da sua vida quotidiana.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Ressurreição de LázaroHistória completa

Ressurreição de Lázaro

Girolamo Muziano

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Ressurreição de Lázaro é um dos episódios-chave da Bíblia, que demonstra a misericórdia e o poder ilimitado de Cristo. Esta tela é uma das mais significativas de todas as cenas religiosas. No cristianismo primitivo, no início do século I, a ressurreição de Lázaro referia-se à ressurreição de todos os mortos durante o Juízo Final e de Cristo após a crucificação. O milagre da ressurreição de Lázaro representa não só a ressurreição do seu corpo, mas também a renovação espiritual. O pintor retratou habilmente as especificidades do meio, a profundidade e a altura de um túmulo e as emoções nos rostos das testemunhas oculares. Lázaro, enterrado no túmulo, ressuscitou. E toda a gente só fala disso. No quadro, cada pessoa é representada numa determinada perspetiva, em movimento. É isso que faz com que nos sintamos arrastados para um turbilhão de acontecimentos. Cristo está no centro da composição. A sua figura é brilhante e pitoresca. O corpo de Lázaro não é tão brilhante como o do seu salvador. É isso que o episódio bíblico implica. Porque não é importante quem foi ressuscitado pelo Filho de Deus. Mas importa o milagre realizado pela sua bondade e compaixão.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Crucificação de São PedroHistória completa

Crucificação de São Pedro

Guido Reni

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Crucificação de São Pedro mostra como um pintor pode construir uma composição de forma simétrica. Esta pintura é um exemplo brilhante de como um pintor controla o meio e joga habilmente com diferentes tonalidades da mesma cor. A pintura mostra claramente o contraste entre as tonalidades da pele de Pedro e dos seus carrascos. A cor das suas peles é a mesma, mas as tonalidades são diferentes. O corpo de Pedro é mortalmente pálido. Parece estar sem sangue e rígido perante o martírio inevitável. Três carrascos estão prestes a crucificar Pedro. Enquanto o colocam na cruz, aquecem-se e os seus corpos ficam tingidos com a tonalidade da cera amarela. O pintor tornou as figuras tridimensionais e espantosamente realistas graças ao jogo de luzes. A parte mais brilhante está no centro da tela. É a figura de Pedro. A cruz é pouco visível, mas cria a linha central do quadro e divide-o em partes simétricas. Enquanto trabalhava na pintura, Guido Reni tomou como modelo a tela de Michelangelo da Caravaggio para a igreja de S. Maria del Popolo. Reni conseguiu representar a cena com mestria e torná-la única. Por exemplo, a pintura original mostra o rosto de Pedro desenhado com dor, e Reni, respeitando o martírio do santo, optou por não mostrar o seu rosto.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Comunhão de São JerónimoHistória completa

Comunhão de São Jerónimo

Domenichino

Audioguia dos Museus do Vaticano

O tema de A Última Comunhão de São Jerónimo não era popular entre os pintores devido à sua complexidade e imensidão. O pintor utilizou cores limpas e brilhantes que fazem com que o meio de pintura pareça estar cheio de ar e luz. As figuras representadas são realistas, e os seus gestos e movimentos são lentos e exactos. Os discípulos inclinam-se sobre um Jerónimo fraco, magro e de rosto fino. São Girolamo dá-lhe a comunhão e Santa Paula beija-lhe a mão. Os seus rostos são comuns, mas cheios de compaixão e misericórdia. Os discípulos de Jerónimo vestem roupas ricas e sumptuosas, e o mais velho está vestido com um manto escarlate. Um leão triste repousa a seus pés. Este é um animal lendário das histórias de Jerónimo. Depois de o ancião lhe ter retirado um espinho da pata, o animal seguia-o para todo o lado. Uma vela arde atrás de Jerónimo, como símbolo do seu estilo de vida religioso e recluso. E o arco alto de uma igreja enquadra a paisagem percetível e o céu límpido pronto a levar a alma de Jerónimo.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Martírio de São ErasmoHistória completa

Martírio de São Erasmo

Nicolas Poussin

Audioguia dos Museus do Vaticano

Esta pintura tornou-se um protótipo para retratar os martírios dos santos e impressiona pela descrição pormenorizada dos sofrimentos humanos. O seu sucesso imediato pode ser comparado às modernas exposições individuais de pintores famosos. A tela "O martírio de São Erasmo" foi a primeira encomenda dada a Poussin pela Basílica de São Pedro. Erasmo era um bispo-navegador e foi morto durante as perseguições religiosas em .D. Segundo a lenda, os pagãos, seus carrascos, obrigaram Erasmo a renunciar à sua religião. Como protetor dos marinheiros, o atributo de Erasmo era um cabrestante. Quando ele recusou, extraíram-lhe os intestinos, enrolando-os à volta do cabrestante. O pintor captou esse momento horrível. O rosto de Erasmo exprime dor e sofrimento, mas é calmo e humilde. A composição está cheia de tensão, dramatismo e desespero. Está cheia de movimento e dinamismo. As figuras estão agrupadas numa praça aberta. O pintor mostra com mestria o ar e a luz brilhante que incide sobre as pessoas. Os cinco assassinos estão furiosos, mas continuam a fazer o seu trabalho profissionalmente. Um padre enraivecido inclina-se sobre Erasmo e indica-lhe a estátua de Hércules, herói e ídolo dos pagãos. Assim, o padre parece mostrar o que Erasmo sofre. Os anjos voam sobre ele segurando a palma e a coroa de louros, símbolos do martírio.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

O sepultamento de CristoHistória completa

O sepultamento de Cristo

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

O Sepultamento de Cristo é a pintura mais monumental e notável de Michelangelo Caravaggio. Curiosamente, uma pincelada bastante vulgar e uma cena tradicional não foram bem acolhidas pelos contemporâneos de Caravaggio. Muitos pintores e coleccionadores, ao verem o Sepultamento, ficaram indignados. O quadro está impregnado de tragédia humana e de miséria sem fim, o que não era próprio dos cânones artísticos reconhecidos na época. São apresentadas seis figuras contra um fundo escuro. Podemos vê-las curvadas e viradas. O tempo parece ter parado. Não há gritos, nem lamentos, nem lágrimas. Mas a tela mantém claros os traços do luto. Cada personagem encarna a dor intensa da despedida de Cristo. O olhar do espetador pode ver o rosto triste de Maria, que levanta os braços para o céu, Maria Madalena que baixa a cabeça, a Virgem Maria que estende silenciosamente o braço. Enquanto o fariseu Nicodemos e João Evangelista se esforçam por enterrar Cristo, também eles são dominados pela mesma dor. É difícil para João e Nicodemos carregarem um corpo de Cristo pálido como a morte. Nicodemos sente as suas pernas vincadas devido ao peso. Parece olhar para o espetador e tentar passar a sua carga. Na opinião dos especialistas em arte, a figura de Nicodemos representa o próprio Miguel Ângelo. Apesar da dor e da tristeza, a tela faz alusão ao acontecimento alegre que se aproxima, a Ressurreição de Cristo. A pintura é um símbolo de como Cristo, que se sacrificou por todos os homens, derrotará as trevas.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

AnjosHistória completa

Anjos

Gian Lorenzo Bernini

Audioguia dos Museus do Vaticano

Os quatro anjos de Gian Bernini serviram de modelos preparatórios para as figuras de bronze dos anjos da Cátedra de São Pedro na Basílica de São Pedro. O trono de bronze da Cátedra estava decorado com os anjos em silhueta contra as nuvens. As esculturas dos anjos são feitas sobre uma estrutura de ferro. São feitas de barro misturado com palha. Cada anjo encarnado em barro é excecional e realista. Os querubins alados, em trajes longos e elegantes, são representados em câmara lenta. A posição da cabeça, os gestos faciais, as perspectivas, a posição dos braços e das asas tornam as figuras pitorescas e grandes. Os rostos dos anjos estão cheios de dinamismo. Os anjos sorriem, observam e estão prontos a voar a qualquer momento. O criador dos anjos, o escultor italiano Gian Bernini, é considerado o fundador e o principal mestre do barroco. Nos círculos dos arquitectos, é sobretudo conhecido como o criador dos anjos. As suas obras de arte decoram não só a Cátedra de São Pedro na Basílica do mesmo nome, mas também um monumental arco .

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Stefaneschi trípticoHistória completa

Stefaneschi tríptico — 1 / 2

Stefaneschi tríptico — 2 / 2

Giotto di Bondone

Audioguia dos Museus do Vaticano

O tríptico de Stefaneschi é um altar de madeira pintado em ambos os lados, mostrando as cenas bíblicas. Foi pintado de ambos os lados, pois era suposto ser visto tanto pelo padre como pelos fiéis. As pinturas do tríptico parecem frescos e o estilo faz lembrar a arte bizantina. As figuras dos santos são pintadas em cores claras e brilhantes contra o fundo dourado. Produz um efeito de brilho interior na pintura. A dobra da frente esquerda do tríptico mostra a crucificação de São Pedro. A dobra da frente direita representa a decapitação de São Paulo. No centro está Cristo entronizado, levantando o braço para abençoar e segurando o Livro do Apocalipse na mão esquerda. A predela abaixo mostra Nossa Senhora e o Menino, anjos e apóstolos. Na parte de trás do painel está São Pedro. Tem na mão esquerda as chaves do Reino dos Céus. O Cardeal Stefaneschi e o Papa Celestino V ajoelham-se diante dele. Os painéis laterais posteriores apresentam quatro apóstolos: São Tiago, São Paulo, Santo André e São João Evangelista. Perderam-se dois painéis posteriores do tríptico.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Histórias de São NicolauHistória completa

Histórias de São Nicolau — 1 / 4

Histórias de São Nicolau — 2 / 4

Histórias de São Nicolau — 3 / 4

Histórias de São Nicolau — 4 / 4

Gentile da Fabriano

Audioguia dos Museus do Vaticano

O painel As Histórias de São Nicolau de Bari é a melhor obra de arte do pintor italiano Gentile da Fabriano. Durante o seu trabalho, utilizou cores vivas e limpas, supostamente brilhantes, e as figuras são mostradas em movimento. O painel demonstra o poder, a bondade e a misericórdia de um dos mais importantes santos cristãos, São Nicolau. O primeiro tema do retábulo é o nascimento de Nicolau, no final do século III, na cidade de Patara, na atual Turquia. A segunda cena mostra como Nicolau era pródigo em doar moedas de ouro a raparigas pobres. Segundo a lenda, um comerciante arruinado não podia casar as suas três filhas e optou por torná-las prostitutas. Nicolau atirou três bolsas cheias de moedas de ouro para salvar as raparigas do pecado. Depois disso, tornou-se o protetor das raparigas solteiras. A terceira cena fala da ressurreição de três crianças por Nicolau. Durante uma terrível fome, um carniceiro abateu-as e colocou os seus restos mortais num barril, e São Nicolau ressuscitou-as. A quarta cena retrata o milagre realizado por São Nicolau após a sua morte. Alguns viajantes foram por mar para venerar as suas relíquias, mas as tempestades e as doenças atormentavam-nos durante todo o tempo. Nicolau apareceu-lhes e disse-lhes que o demónio tinha escondido um barril de óleo sagrado no barco. Era esse o problema. E que, se deitassem o óleo fora, chegariam ao local de destino. E assim aconteceu.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Os milagres de São Vicente FerrerrSala 5História completa

Os milagres de São Vicente Ferrerr — 1 / 3

Os milagres de São Vicente Ferrerr — 2 / 3

Os milagres de São Vicente Ferrerr — 3 / 3

Ercole de Roberti

Audioguia dos Museus do Vaticano

As cenas do quadro Os milagres de São Vicente Ferrer são representadas de forma clara e . A imagem é também conhecida como o Políptico de Griffoni. Um políptico é um painel baixo de madeira pintada colocado por cima do altar nas igrejas católicas do século XV. O painel é pintado num estilo clássico magnífico da Renascença. O pintor utilizou tons pesados para representar figuras elevadas e sérias. As suas roupas esvoaçantes e brilhantes são pintadas em pormenor. Por este motivo, as figuras parecem etéreas e o quadro assemelha-se a um ícone. A predela ilustra os milagres de São Vicente Ferrer, santo espanhol, muito venerado na Espanha. Os painéis da pintura mostram que os episódios se sucedem rapidamente: a cura da parturiente, a ressurreição de um judeu rico, a cura de um coxo, o salvamento de uma criança de um incêndio doméstico, a ressurreição de uma criança morta pela sua mãe, que tinha perdido o juízo.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Platina Prefeito da Biblioteca do VaticanoHistória completa

Platina Prefeito da Biblioteca do Vaticano

Melozzo da Forli

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco Sixtus IV nomeia Bartolomeo Platina Prefeito da Biblioteca do Vaticano ilustra o acontecimento mais importante para a Biblioteca do Vaticano. O seu valor reside não só no facto de o acontecimento histórico ter tido lugar, mas também na exatidão do vaticínio. A arcada estucada, as colunas com molduras, um trono papal decorado com borlas e franjas douradas demonstram eloquentemente o esplendor da arquitetura renascentista. O fresco mostra a nomeação, por Sisto IV, do humanista italiano Bartolomeo Sacchi, chamado Platina, como primeiro Prefeito da Biblioteca Apostólica Vaticana. Este acontecimento histórico, que teve lugar em 1475, é representado no interior da Biblioteca do Vaticano. A composição do fresco é grande, e o meio é profundo e realista. O pintor fez com que as figuras com roupas ricas parecessem solenes e dobradas numa luz vaga. Esta luz atenua as sombras e ilumina as cores. Para além do Papa e de Platina, há mais quatro personagens. Platina ajoelha-se diante de Sisto IV. Aponta o dedo indicador da mão direita para uma inscrição latina que exalta as empresas de Sisto IV na cidade. Sisto IV está num trono. É descendente e gentil, mas severo e sério. É possível reconhecer os familiares de Sisto à sua volta. À direita do Papa está o seu sobrinho Raffaele Riario, antes dele o futuro Júlio II. Girolamo Riario e Giovanni della Rovere estão atrás de Platina.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Angels MusiciansHistória completa

Angels Musicians

Melozzo da Forli

Audioguia dos Museus do Vaticano

Os Anjos Músicos é um importante fresco religioso, que se tornou um marco da . Esta é uma das imagens de anjos mais reconhecíveis. Para além do seu valor artístico absoluto, este fresco é uma das poucas obras de arte existentes do pintor italiano Melozzo da Forlì. No século XV, o fresco representava a orquestra de anjos, glorificando Deus, era um símbolo da beleza do céu para as almas que aí viviam. O pintor representou cada figura em pormenor. Basta olhar de relance para os anjos para se ter uma sensação de plumagem e de flutuação no ar. O fresco mostra os anjos a brincar e a glorificar a Ascensão de Cristo. No fresco, cada figura é representada de uma perspetiva diferente. Apesar da complexidade das perspectivas, os anjos são leves e refinados. São representados de acordo com todas as regras da perspetiva. Os seus movimentos são fluidos e graciosos. Um anjo tocando alaúde é um dos fragmentos mais famosos do fresco. Um jovem anjo com alaúde, em três quartos, encarna a harmonia da música divina. O fresco que mostra a orquestra de anjos e a figura de Cristo fazia parte da decoração da abside da Igreja dos SS. Apostoli em .

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Madona e MeninoHistória completa

Madona e Menino

Perugino

Audioguia dos Museus do Vaticano

O retábulo de Nossa Senhora com o Menino é uma das melhores imagens da Virgem, de Cristo e dos Santos, frequentemente designada por "A Santa Conversação". A tela é pintada de uma forma refinada e fácil. As cores vivas dos trajes sumptuosos harmonizam-se com a arquitetura. As principais caraterísticas da pintura de Pietro Perugino são a elevação do estilo, a luz e o ar. No centro da composição está a Madonna sentada num trono luxuoso decorado com baixos-relevos antigos. O Menino está de joelhos e os Santos estão ao seu lado. Os seus vestidos e trajes são ricos em símbolos que mostram a importância dos santos para a Igreja. As figuras são representadas no contexto da magnífica arquitetura renascentista. As figuras são realistas e grandes, os seus rostos exprimem o respeito pela Virgem Maria. À esquerda, São Ludwig, arcebispo de Toulouse, com um báculo na mão. Do lado direito da Madonna está São Lourenço vestido de arquidiácono. Em segundo plano, os Santos Ercolano e Constança. São eles os protectores da cidade.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

A Transfiguração de CristoRoom VIII. 16th cent.História completa

A Transfiguração de Cristo

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Transfiguração de Cristo é um acontecimento fundamental na história do cristianismo. E é representado na tela como o ponto crucial para a perceção do Filho de Deus por pessoas comuns. Rafael pintou a tela sozinho, sem envolver os seus aprendizes, e terminou-a pouco antes da sua morte. Alguns historiadores supõem que ele tenha terminado de pintar a cabeça de Cristo apenas algumas horas antes da sua morte. Esta é a pré-história da cena retratada por Rafael. Primeiro, Cristo pediu aos apóstolos Pedro, Tiago e João que fossem ao monte Tabor, onde se transfigurou, mostrando a sua divindade. Ao mesmo tempo, uma voz vinda do céu disse que ele era o único Filho de Deus. Mais tarde, o Mestre e os apóstolos desceram o monte e encontraram pessoas, entre as quais um homem e o seu filho obcecado. De seguida, desenvolve-se a cena do quadro de Rafael. Moisés e Elias, os profetas do Antigo Testamento, estão de pé de ambos os lados de Cristo. Aparecem aos presentes como o símbolo da união do Antigo e do Novo Testamento. Moisés é um homem que transmitiu ao povo as leis de Deus, e Elias é o maior profeta, através do qual a voz de Deus se dirigia ao povo. Os apóstolos emocionados caíram no chão, apercebendo-se do poder e da glória do Filho de Deus. Cristo é representado como leve como uma pena, irradiando glória. O pai do rapaz obcecado ficou paralisado, à espera da cura do seu filho. Cristo regressa do monte e expulsa os demónios. Os presentes ficam chocados, apontam para Cristo, os seus rostos exprimem emoção e emoções profundas. A pintura mostra que só Cristo é capaz de curar o corpo e a alma humanos. É por isso que a parte superior da tela parece estar iluminada com a luz que irradia da sua figura, e a parte inferior, onde estão pintadas as pessoas, está obscura.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Madonna de FolignoRoom VIII. 16th cent.História completa

Madonna de Foligno

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

O retábulo Madona de Foligno é uma pintura notável da Alta Renascença. Serve como a primeira versão da composição Madona Sistina e outro nomeMadona na Glória. Rafael pintou-o por encomenda. O secretário do Papa, Sigismondo de' Conti, encomendou o quadro de Nossa Senhora para lhe agradecer o facto de o ter salvo. No dia anterior, a sua casa em Foligno tinha sido atingida por um raio. Outras versões da história referem a queda de um meteorito ou de um projétil durante o cerco da cidade. A história do quadro explica porque é que os olhos do Sigismondo salvo estão cheios de gratidão e obediência. O secretário com um manto escarlate está à direita. Atrás dele, está vestido com um manto azul. À esquerda, o Batista e São Francisco de Assis. As figuras principais da pintura, a Virgem com , estão sobre a nuvem. A Virgem é representada contra a glória dourada, símbolo da sua glória divina, respondendo ao olhar de Sigismondo. No céu, está rodeada de anjos pouco visíveis. No centro da pintura está um pequeno anjo que segura uma placa. Não há nenhuma inscrição preservada, mas os historiadores acreditam que ali estavam as palavras de agradecimento à Madonna por ter salvo Sigismondo. As figuras são representadas numa paisagem urbana de Foligno. Os especialistas em arte supõem que a paisagem urbana foi pintada pelo seu assistente, Giovanni Luteri.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Lamentação sobre Cristo mortoRoom IX. 15th-16th cent.História completa

Lamentação sobre Cristo morto

Giovanni Bellini

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Lamentação sobre Cristo morto era o elemento do altar-mor da igreja de São Francisco. A pintura pitoresca mostra uma famosa história bíblica depois de o corpo de Cristo ter sido retirado da cruz. Giovanni Bellini, pintor de Veneza, viveu na época do Alto Renascimento. Foi um dos primeiros, entre os seus contemporâneos, a utilizar tintas a óleo. É por essa razão que o quadro é tão colorido, contrastante e cheio de cores vibrantes. Os especialistas em arte afirmam que o pintor a criou utilizando o seu estilo individual. Este facto é comprovado pela tentativa de expressar as emoções e os sentimentos das figuras retratadas. O amor total a Cristo expresso pelos seus seguidores e a sua misericórdia para com os homens é a mensagem principal do quadro. O rosto de Cristo exprime o profundo cansaço resultante dos sofrimentos. Maria Madalena, Nicodemos e José de Arimateia reúnem-se à volta do corpo de Cristo morto. A sua tristeza e dor são atenuadas ao verem o grande sacrifício de Cristo em prol dos homens. José de Arimateia segura cuidadosamente o corpo de Cristo, Maria Madalena unge-lhe a palma da mão com mirra, segurando-a na mão. Nicodemos segura um vaso contendo mirra preciosa.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

São JerónimoRoom IX. 15th-16th cent.História completa

São Jerónimo

Leonardo da Vinci

Audioguia dos Museus do Vaticano

A pintura de São Jerónimo é desenhada num pedaço de madeira como um esboço e um fragmento colorido. A obra foi encomendada pela igreja de Florença, mas nunca foi terminada. A sua história é bastante interessante. Foi encontrado pela primeira vez no século XVIII entre as exposições da pintora Angelica Kauffmann. Após a sua morte, o quadro perdeu-se e foi encontrado ao acaso durante muitos anos, mas durante esse período foi dividido em duas partes. A parte inferior servia de tampa de uma caixa numa loja de sucata. A parte superior era a tampa de um banco utilizado por um sapateiro. De acordo com as lendas, São Jerónimo tornou-se eremita para traduzir a Bíblia para latim. É interessante notar que Leonardo não representou Jerónimo como um cientista, mas sim como um velho desesperado e esfomeado. Um Jerónimo magro, quase exausto, reza por perdão. É representado de joelhos, no meio de penhascos, no deserto de Cálcis. Vemos Jerónimo preparar-se para bater no peito com uma pedra na mão direita. Um leão repousa a seus pés. Segundo a lenda, o velho retirou-lhe um espinho da pata. Assim, o leão afeiçoou-se ao seu salvador e seguiu-o para todo o lado.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Adoração dos MagosHistória completa

Adoração dos Magos

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Adoração dos Magos mostra uma das cenas mais famosas do Novo Testamento. Apesar da grande solenidade da cena, o quadro é sombrio. Parece estar coberta de nevoeiro ou de crepúsculo. As personagens têm um ar um pouco triste, mas ao mesmo tempo estão alegres e entusiasmadas. Apesar da escuridão, o pintor concentra-se na parte central da tela. A ação é bastante dinâmica. O pintor coloca as figuras em movimento, com os olhos postos no recém-nascido, o Filho de Deus, que se encontra no centro da composição. O Menino está calmo e favorável. Esta é uma ideia emocional do pintor e sente-se perante o Filho de Deus, que aceita não só os seus dons, mas também uma devoção sincera. Aqueles que vieram adorar o Menino usavam roupas caras e luxuosas. Os seus mantos contrastam com o vestido vulgar e informal da Virgem Maria. Este é um exemplo brilhante de quando os bens terrenos e as riquezas incalculáveis perdem completamente o sentido perante o Divino.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Marsuppini CoronationSala 3História completa

Marsuppini Coronation

Filippo Lippi

Audioguia dos Museus do Vaticano

O altar pintado A Coroação de Marsuppini foi criado para a Capela de São Bernardo, em Arezzo italiano. O altar é único por uma interessante interpretação da coroação da Virgem Maria. O pintor dividiu a composição em três partes iguais para realçar a importância da cena central. Apesar da divisão, o tema e a ideia formam um todo. O valor artístico do altar está nos tons incrivelmente limpos usados pelo pintor. O brilho e a luminosidade das cores revelam a solenidade, a altivez e a espiritualidade das figuras representadas. Este estilo é próprio das telas religiosas do Renascimento. A coroação de Maria é o tema principal da pintura. Esta cena é representada na parte central. A Rainha dos Céus, elevada ao céu, junta as mãos em oração e ajoelha-se aos pés de Cristo. Ele coloca a coroa na cabeça de Maria. Estão representados num estrado de mármore com degraus. Atrás de Cristo há uma parede com um nicho em forma de concha. Este é o símbolo da Virgem Maria e do milagre da Ressurreição. Nas partes esquerda e direita do tríptico estão representados anjos e santos. É interessante notar que o chanceler do , Carlo Marsuppini, que encomendou o tríptico, e o seu pai Gregorio estão representados ao seu lado.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Nossa Senhora da CintaSala 3História completa

Nossa Senhora da Cinta

Benozzo Gozzoli

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Madona da Cinta é um exemplo brilhante de iconografia, famosa pela cena mais conhecida da Virgem. De acordo com a Bíblia, o apóstolo Tomé não esteve presente na morte, no enterro e na assunção da Virgem Maria, pelo que não acreditou. A Virgem desceu do céu e entregou a cinta do seu vestido como prova da veracidade do acontecimento. Desde então, a cinta tornou-se uma relíquia sagrada. Atualmente, as partes da cinta são conservadas nos mosteiros de todo o mundo. O pintor glorifica o momento da entrega da cinta. A sua adoração é feita através de um estilo de pintura lírico e calmo. As figuras são plásticas e pintadas com cores vivas, semitransparentes e brilhantes. O fundo dourado e brilhante está por todo o lado, realçando a dignidade da cena. A Virgem Maria está sobre a nuvem. Está rodeada de anjos, e São Tomé, chocado e aceite, tira-lhe o cinto das mãos. Na predela estão ilustrados seis acontecimentos fundamentais da vida da Virgem. São eles o nascimento, o casamento com José, a anunciação, o nascimento de Cristo, a circuncisão de Jesus e a morte da Virgem.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Histórias de NicolauSala 3História completa

Histórias de Nicolau — 1 / 3

Histórias de Nicolau — 2 / 3

Histórias de Nicolau — 3 / 3

Fra Angelico

Audioguia dos Museus do Vaticano

O retábulo As Histórias de São Nicolau de Bari é notável por uma estrutura especial da composição e do estilo de pintura. As cenas retratadas estão impregnadas de luz, são brilhantes e coloridas. As figuras não são tão realistas como pitorescas. São pintadas no estilo tradicional da pintura medieval, pelo que são especialmente nobres. Com uma superfície limitada, o pintor conseguiu criar o meio profundo, incluindo o primeiro plano, o meio-termo e o fundo. Na parte da frente, à esquerda, está o nascimento de Nicolau, no centro, Nicolau ouve atentamente uma invocação do sacerdote e, à direita, o Dom às três meninas pobres. Esta é uma das boas acções mais conhecidas de Nicolau. Segundo a lenda, Nicolau ouviu dizer que um homem pobre decidiu ganhar algum dinheiro fazendo com que as suas filhas se prostituíssem. À noite, Nicolau trazia secretamente uma bolsa cheia de moedas para as raparigas, para que a família não precisasse de dinheiro. No verso do quadro estão representados dois episódios. O primeiro episódio mostra como Nicolau recebe do correio imperial um carregamento de cereais para a cidade faminta de Myra. O segundo episódio mostra como São Nicolau salvou milagrosamente um navio de se afundar.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Retrato de Jorge 4 de InglaterraHistória completa

Retrato de Jorge 4 de Inglaterra

Thomas Lawrence

Audioguia dos Museus do Vaticano

O retrato do Príncipe Regente, o futuro rei de Inglaterra Jorge IV, é um exemplo brilhante da arte da Regência e um dos mais proeminentes retratos de corpo inteiro do monarca. A regência foi um fenómeno bastante generalizado em , quando uma pessoa autorizada nomeada para governar o país o monarca um menor ou . O príncipe Jorge IV era um regente assim. Gostava de um estilo de vida dissoluto, com jogos de azar, mulheres e vinho. A sua extravagância tornou-se um símbolo e uma caraterística distintiva da Era da Regência. Uma anedota histórica diz que teve de usar a coroa emprestada por um joalheiro. Devido às suas enormes dívidas, alegadamente não podia comprá-la. Mas, mesmo depois da sua subida ao trono, Jorge IV não conquistou o afeto dos seus filhos, tendo-se tornado o governante mais impopular do reino e objeto de sátira. De facto, não era apenas um dandy, mas também um benfeitor muito generoso que apoiava pintores. O retrato histórico de Jorge IV pintado de uma forma especial da Arte da Regência. Esta técnica caracteriza-se pela mistura de diferentes estilos: o estilo Império e a pintura inglesa. O retrato do rei é brilhante, pitoresco e colorido. Os trajes sumptuosos de Jorge estão decorados com as insígnias das mais altas ordens de cavaleiros, ligas e ricas borlas. O rei junto a uma mesa que lhe foi oferecida pelo rei de França Luís XVIII. Em cima da mesa está a sua coroa e uma carta do Papa Pio VII.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Retrato de Bento 14História completa

Retrato de Bento 14

Giuseppe Maria Crespi

Audioguia dos Museus do Vaticano

O Retrato de Bento XIV, o quadro que representa o Cardeal Prospero Lambertini, está cheio de grandeza teatral e lisonjeira. Ao criar o quadro, o pintor utilizou o estilo dos artistas italianos e criou a sua própria maneira de pintar. Na procura de um estilo individual, Crespi contribuiu para o desenvolvimento da pintura italiana, acrescentando-lhe originalidade, novidade e novas perspectivas. É isso que esta pintura - novas tendências na pintura do século 18. O Retrato de Bento XIV, conhecido como Cardeal Prospero Lambertini, foi oficialmente encomendado por ele em 1739. Passado um ano, o Cardeal foi eleito Cardeal, pelo que foi pedido ao pintor que alterasse o retrato. A revisão efectuada por um perito revelou as diferentes fases da composição até à sua versão final. O pintor aumentou significativamente o tamanho da figura do Papa, mudou o seu traje e acrescentou a tiara papal como atributos do poder papal e da importância excecional da personagem. De facto, o Papa Bento XIV não teve qualquer influência especial na Igreja Católica e não se destacou com boas acções ou abordagens progressistas. O retrato encomendado foi antes uma tentativa de parecer mais influente e significativo do que era.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Retrato de Pio 6História completa

Retrato de Pio 6

Pompeo Batoni

Audioguia dos Museus do Vaticano

O retrato de Pio VI é um dos poucos retratos do clero proeminente como homem comum. Após a sua eleição como pontífice em 1775, Pio VI entrou em contacto com Pompeo Batoni e encomendou um retrato. Muitos personagens poderosos do XVIII quiseram ser retratados por Batoni. Parece que o facto está na sua forma leve e natural de retratar as suas personagens. Por exemplo, a imagem do Papa é desprovida de arrogância, de pathos barroco e de pompa. E isso torna-a tão real. A composição da tela é bastante simples. Vemos o Papa Pio VI sério, mas calmo, sábio, humilde e inteligente. Aparece numa poltrona estofada a veludo, segurando uma folha de papel na mão esquerda. Tem apenas um anel com uma pequena joia no dedo. É provável que o Papa esteja absorto nos seus pensamentos e num objeto em primeiro plano. Este retrato informal de Pio VI, tornado oficial, revela sem palavras que o valor de uma pessoa não é determinado pela magnificência e esplendor das suas jóias, mas pelas suas caraterísticas, realizações e piedade.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Retrato de Clemente 9História completa

Retrato de Clemente 9

Carlo Maratta

Audioguia dos Museus do Vaticano

O Retrato de Clemente IX é o melhor e mais glamoroso retrato de Carlo Maratta. Antes da sua eleição como pontífice, o nome de Clemente IX era Giulio Rospigliosi. Era um intelectual muito culto e muito lido. Estudou filosofia e teologia, escreveu prosa e libretos para óperas. São estes os traços de uma pessoa refinada e inteligente que o pintor retratou com mestria. O rosto de Clemente está rígido, é óbvio que está um pouco cansado, mas a sua inteligência não dorme e os seus olhos concentram-se no observador. Parece inspecionar algo ou esperar por algo. Clemente segura um livro na mão direita, que pode ser a Sagrada Escritura. Usa um vestido vistoso, mas não demasiado rico. A luz suave ilumina a figura de Clemente, como se ele estivesse sentado na parte iluminada da sala. O Retrato de Clemente IX é composto por cores vibrantes e nobres de castanho escuro, dourado, branco e tons de rosa. Estas são as caraterísticas da arte barroca, o seu esplendor moderado e a sua solenidade.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Milagre de Santa Turibiya de LimaHistória completa

Milagre de Santa Turibiya de Lima

Sebastiano Conca

Audioguia dos Museus do Vaticano

O pintor ilustra um dos dois milagres realizados, segundo as lendas, pelo arcebispo Turibiy de Lima, que foi canonizado no século XVIII. Os seguintes factos precederam o milagre representado no quadro. Turibiy estava a servir quando ouviu gritos. As pessoas com sede gritavam que o rio tinha secado, que não tinham água potável e que eram obrigadas a abandonar as suas terras em busca de qualquer fonte de água. São Turibiy terminou o serviço e aproximou-se do leito seco do rio. Bateu três vezes na rocha com o seu cajado e o rio encheu-se de água, formando a cruz. A pintura mostra o momento em que o leito do rio estava a ser milagrosamente enchido. As pessoas que rodeavam o Santo ficam chocadas com o milagre. Não só as pessoas, mas também os animais, congelaram ao ver a rapidez com que a água estava a encher o leito do rio.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Adão e Eva no Jardim do ÉdenHistória completa

Adão e Eva no Jardim do Éden

Wenzel Peter

Audioguia dos Museus do Vaticano

Peter Wenzel pintava frequentemente aves e animais, razão pela qual o estilo do quadro Adão e Eva no Jardim do Éden se distingue das pinturas religiosas pela sua leveza e luminosidade. Este é um exemplo de pintura secular brilhante e realista em cores quentes. A pintura não tem nada a ver com as telas iconográficas da Renascença. O pintor mostra habilmente a leveza do meio, uma ligeira névoa no horizonte e à volta de Adão e Eva. Adão e Eva estão representados no centro da composição, rodeados por quase duzentas aves e animais. A luz incide sobre as suas figuras. Esta técnica permite compreender que o objetivo da tela é mostrar o primeiro homem e a primeira mulher. Os movimentos de Adão e Eva são representados de forma magistral, realista e com precisão anatómica. Devido à sua vivacidade, a tela torna-se dinâmica e expressiva. O Jardim do Éden estende-se à volta de Adão e Eva. Há muitos frutos maduros, flores perfumadas e árvores luxuriantes. As montanhas são visíveis ao longe, o rio corre nas proximidades e, em primeiro plano, há um jardim, uma floresta densa, grandes rosas e a riqueza de espécies de plantas. Este quadro é um símbolo da harmonia, da paz e da alegria que reinam no paraíso criado por Deus.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Retábulo de Santo António AbadeHistória completa

Retábulo de Santo António Abade

Antonio Vivarini

Audioguia dos Museus do Vaticano

O Retábulo de Santo António Abade, Pietá e Santos é um exemplo de pintura luminosa, em que os temas religiosos se misturam magistralmente com assuntos seculares. Santo António é considerado o fundador do monaquismo solitário. Foi o primeiro a organizar a vida dos monges ascetas em eremitérios separados, onde faziam jejum e rezavam. O retábulo é pintado num painel e lembra um grupo de ícones. A abundância de ouro e de cores vivas faz com que a pintura se assemelhe a uma tela renascentista. O estilo da pintura é solene e elevado. No centro, Santo António, um velho barbudo de cabelos brancos, envergando um manto escuro de monge e toucado. Segura uma vara e está rodeado por oito santos. Por cima da imagem de António está a Pietá, Cristo com as chagas nas palmas das mãos e no peito. É interessante notar que cada santo possui um símbolo ou atributo específico. Na parte superior esquerda, um cardeal vestido com um livro e uma maqueta de igreja nas mãos. Na parte inferior esquerda, o santo segura uma flecha e uma espada. No lado direito do quadro, duas maçãs e uma espada nas mãos. E na mão direita de António está São Cristóvão com o Menino Jesus nas mãos.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

PietaHistória completa

Pieta

Carlo Crivelli

Audioguia dos Museus do Vaticano

Pieta é um tema religioso brilhantemente expresso em gótico. A Pietá fazia parte da secção superior de um políptico e foi adquirida em 1831 por Pio VII na região de Marche. A pintura parece uma ilustração deslumbrante e extremamente decorativa do episódio bíblico. São visíveis os traços do gótico e do renascimento. O estilo da pintura revela que Carlo Crivelli não pintava telas seculares, mas tinha uma imaginação viva e um sentido de cor. A tela é magicamente equilibrada em cores. Como as roupas de férias brilham e cintilam na pintura! O fundo é uma grande parte separada do trabalho do pintor. Inclui muitas imagens simbólicas de anjos, padrões de tapetes cuidadosamente representados, altivez e delicadeza. A Pietá apresenta pormenores trabalhados a ouro e a delicadeza das personagens, própria das telas góticas. A pintura mostra Cristo retirado da cruz e João Evangelista, José de Arimateia e Maria Madalena, chorando por ele. Os seus rostos estão rígidos, com um pesar, uma tristeza e um dramatismo ligeiramente teatrais. Parece que se trata de figuras de madeira ou de actores que representam uma peça de teatro.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

O martírio de São Pedro ArbuesHistória completa

O martírio de São Pedro Arbues

Bartolome Esteban Murillo

Audioguia dos Museus do Vaticano

A pintura mostra o assassínio de um dos mais cruéis inquisidores espanhóis do final da Idade Média, Pedro de Arbués. Antes de se tornar inquisidor, Arbués foi professor de estudos filosóficos, doutor em teologia e padre. Fazia sermões e ocupava-se dos pobres. Mas após a sua nomeação como inquisidor do Reino de Aragão, Arbués queimou na fogueira milhares de hereges: Judeus e mouros. Devido à sua crueldade, foi organizado um conluio secreto contra ele. De acordo com o plano, ele e outros inquisidores deviam ser mortos. À noite, quando Arbués estava ajoelhado e a rezar diante do altar, os assassinos atacaram-no e feriram-no gravemente. A Igreja Católica canonizou Pedro de Arbués oficialmente e a título póstumo, declarando-o mártir e homem santo. A tela foi pintada para a sua canonização, quase 200 anos após o assassínio de Arbués. A tela capta o momento em que o Inquisidor estava prestes a ser apunhalado. Apesar de o anjo voar sobre ele e os seus assassinos, a pintura está impregnada de tristeza. Os movimentos dos assassinos são rápidos e certeiros. O pintor mostra o momento em que o punhal foi pendurado sobre a desgraça de Arbués. Numa fração de segundo, o espigão do punhal cravou-se no coração do Inquisidor.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Madona e MeninoHistória completa

Madona e Menino

Sassoferrato

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Madona e o Menino com Anjos é uma das mais notáveis obras barrocas. Apesar da temática religiosa, está impregnada da leveza e do brilho da pintura secular. O pintor é conhecido pelas suas cenas. O estilo artístico do pintor é claramente influenciado pelo seu contemporâneo, Rafael. A pintura revela caraterísticas clássicas do estilo barroco: leveza e simplicidade da composição, delicadeza e suavidade das figuras representadas, naturalidade e simplicidade dos seus rostos. Curiosamente, são poucas as pinturas que mostram o rosto da Madonna tão terno, jovem, leve, gentil, quase infantil. A sua aparência mostra que ela está longe, em pensamentos agradáveis e doces. O pintor pintou escrupulosamente todos os pormenores. Os folhos da Virgem, um filete com um laço na cabeça, as contas, as nuvens esplêndidas parecem realistas. A auréola à volta da cabeça sublinha a sua grandeza e significado excecional.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

05Sala Sobeski1 · de exposições

Rei Sobieski libertando VienaExcerto da história

Rei Sobieski libertando Viena

Jan Matejko

Audioguia dos Museus do Vaticano

Assim que esta sala foi decorada e aberta, tornou-se um dos quartos do Apartamento Papal do Papa Pio V. O nome da sala deriva da tela pendurada na parede norte. A pintura "Rei Sobieski libertando Viena" foi criada pelo pintor polaco Jan Matejko. A tela mostra o exército polaco liderado pelo Rei João III Sobieski que derrotou o exército turco. A batalha teve lugar perto das muralhas fortificadas de Viena, em 1683.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

06Sala da Concepção Imaculada2 · de exposições

Proclamação do dogmaExcerto da história

Proclamação do dogma

Francesco Podesti

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Imaculada Conceição proclama que a Virgem Maria foi inicialmente escolhida para ser a Mãe do Filho de Deus. Por isso, ela estava livre do pecado original e não o herdou aquando da conceção.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Esta história faz parte do percurso

Estante da sala da Imaculada ConceiçãoExcerto da história

Estante da sala da Imaculada Conceição

Audioguia dos Museus do Vaticano

A estante contém a tradução da Bula Papal medieval. Este documento é um código de dogmas e regras, baseado nos discursos, alocuções e declarações papais.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

07Braccio Nuovo3 · de exposições

Agosto Prima PortaExcerto da história

Agosto Prima Porta

Audioguia dos Museus do Vaticano

O Augusto da Prima Porta é o primeiro governante romano que se tornou um imperador severo e autocrático. Segundo os historiadores, esta estátua distingue-se das outras imagens do imperador Augusto principalmente pelo facto de se assemelhar a um retrato. O jovem Octávio Augusto é retratado como um comandante que profere um discurso inspirador no Fórum. Estavam dez mil pessoas diante dele e Octávio tentava persuadi-las a iniciar as hostilidades contra o seu adversário político António.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

NiloExcerto da história

Nilo

Audioguia dos Museus do Vaticano

A estátua do Nilo, o antigo deus dos rios, representa o poder vivificante do antigo rio com o mesmo nome. O cotovelo esquerdo do Nilo repousa sobre a esfinge, simbolizando o Egito. A sua cabeça está coberta por uma coroa de lótus e espigas de trigo, e a sua mão segura um corno de abundância, cheio de frutos e flores. Estas alegorias dizem bem que todo o Egito é uma grande dádiva do Nilo.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

PavõesExcerto da história

Pavões

Audioguia dos Museus do Vaticano

Na cultura romana, o pavão simboliza a imortalidade, a ascensão da alma e o infinito do mundo. É por isso que as suas estátuas rodeavam o túmulo, perto do Mausoléu de Adriano. Os pavões representam a ideia do mausoléu, que significa conceder a imortalidade à alma de Adriano.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

08Museu Chiaramonti5 · de exposições

ErosExcerto da história

Eros

Audioguia dos Museus do Vaticano

A escultura de Eros representa o culto do deus grego do amor, venerado há dois mil e quinhentos anos. A imagem de Eros é importante para a visão do mundo dos gregos antigos. As estátuas de Eros, ao lado das estátuas de Hermes e Hércules, podiam ser encontradas com frequência nos ginásios gregos para rapazes. Era suposto os alunos-atletas serem como o belo deus Eros.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

CiceroExcerto da história

Cicero

Audioguia dos Museus do Vaticano

Marcus Tullius Cicero (106 - 43 a.C.) foi um orador, filósofo e político romano. A estátua de Cícero representa a grandeza do filósofo e a sua austeridade, ternura e modéstia. É um exemplo de uma pessoa que criou a sua reputação e fez uma carreira de sucesso devido ao seu talento, disciplina e paciência. O filósofo estava confiante de que só a educação e a ciência desenvolviam uma personalidade.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

GanimedesExcerto da história

Ganimedes

Audioguia dos Museus do Vaticano

A figura de Ganimedes representa a aspiração da alma humana a Deus e simboliza a sua igualdade de valor com o Divino. O grupo de Ganimedes foi criado com base na história de um poema grego Metamorfoses escrito por Publius Ovidius Naso.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

OdysseusExcerto da história

Odysseus

Audioguia dos Museus do Vaticano

No século XII, Odisseu ultrapassou facilmente a popularidade de alguns deuses, incorporando as caraterísticas de um viajante corajoso, marido fiel e marinheiro experiente. Esta é a primeira imagem de um herói romântico que partiu para a guerra e regressou para a sua bela dama.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

AgostoExcerto da história

Agosto

Audioguia dos Museus do Vaticano

Um retrato em mármore de Octávio Augusto é uma homenagem ao imperador, defensor da instituição da monarquia no império romano. Durante o reinado de Octávio, o culto imperial surgiu principalmente em Roma. Prova disso é o facto de um dos meses ter passado a chamar-se agosto.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

09Galeria dos Mapas3 · de exposições

SicíliaExcerto da história

Sicília

Audioguia dos Museus do Vaticano

Conheça esta obra no áudio-guia.

Antic ItáliaExcerto da história

Antic Itália

Audioguia dos Museus do Vaticano

Perto da entrada da Galeria está colocado o mapa "Itália Antiga".

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Nova ItáliaExcerto da história

Nova Itália

Audioguia dos Museus do Vaticano

Conheça esta obra no áudio-guia.

10Apartamentos Pius 51 · de exposições

Última CeiaExcerto da história

Última Ceia

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Última Ceia é uma cena da Bíblia que dispensa apresentações. Esta é a última refeição da vida mortal de Jesus Cristo. Ele reuniu os seus doze discípulos.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Esta história faz parte do percurso

11Gobelen galerry4 · de exposições

RessureiçãoExcerto da história

Ressureição

Audioguia dos Museus do Vaticano

Seja qual for o lugar da sala em que o espetador se encontre, fica surpreendido ao descobrir que Cristo parece dar um passo em frente. É isto que torna esta tapeçaria tão única. A particularidade é a sua "perspetiva móvel", baseada em cálculos matemáticos.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Esta história faz parte do percurso

O Assassinato de Júlio CésarExcerto da história

O Assassinato de Júlio César

Audioguia dos Museus do Vaticano

Em 44 a.C., o imperador romano César foi esfaqueado na sala do senado. A tapeçaria mostra o momento em que quatro assassinos atacam César. Ao mesmo tempo, os senadores presentes, sabendo do assassinato que se aproximava, não interferem e procuram outros caminhos. De acordo com a história, cerca de 80 pessoas sabiam da conspiração.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

A conversão do centurião CornélioExcerto da história

A conversão do centurião Cornélio

Audioguia dos Museus do Vaticano

No primeiro plano da tapeçaria está o centurião romano Cornélio a converter-se ao cristianismo. Um militar justo e bondoso tornou-se o primeiro pagão a aceitar Cristo.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Adoração dos MagosExcerto da história

Adoração dos Magos

Audioguia dos Museus do Vaticano

No centro da composição está a Sagrada Família com o Menino Jesus. Os Magos, ou seja, os Sábios Orientais, viajaram uma longa distância desde o Oriente para trazer presentes para o Filho de Deus. O ouro, o incenso e a mirra simbolizam que o recém-nascido Jesus foi reconhecido e venerado como um rei.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

12Stanze de Rafael20 · de exposições

Batismo de ConstantinoSala de ConstantinoExcerto da história

Batismo de Constantino

Gianfrancesco Penni

Audioguia dos Museus do Vaticano

Constantino, o Grande, foi um imperador romano que proclamou o cristianismo como a principal religião da Roma Antiga e transferiu a capital do império para Constantinopla. Apesar da sua grandeza e poder como governante, Constantino ajoelha-se obedientemente perante o pontífice.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Batalha de Constantino contra MaxêncioSala de ConstantinoExcerto da história

Batalha de Constantino contra Maxêncio

Giulio Romano

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Ponte Milviana situava-se perto de Roma, na costa do Adriático. Foi aí que, em 312, teve lugar a batalha entre Maxêncio e Constantino. Estes lutavam pelo poder absoluto no oeste do Império Romano. Esta batalha foi um marco na transformação de Roma em império cristão. Esta tela é caracterizada pelo mais alto nível de imensidão, solenidade e epicismo que são típicos da obra de Rafael.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Doação de RomaSala de ConstantinoExcerto da história

Doação de Roma

Giulio Romano

Audioguia dos Museus do Vaticano

O imperador Constantino entrega ao Papa Silvestre um símbolo do poder do Estado, a estátua de ouro da deusa de Roma. Este acontecimento teve lugar na Basílica de São Pedro, que foi destruída mais tarde. Há uma longa pré-história. Constantino não dá o símbolo do poder supremo por nada, mas pela cura. Uma vez o imperador tinha lepra e os sacerdotes pagãos propuseram-lhe uma cura para a doença. Para isso, teve de matar algumas dezenas de crianças num templo pagão e banhar-se no seu sangue.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Triunfo da religião cristãSala de ConstantinoExcerto da história

Triunfo da religião cristã

Tommaso Laureti

Audioguia dos Museus do Vaticano

O teto ilustra a grandeza da religião cristã representada pela pintura. O teto de madeira está pintado com muitos frescos. Mas o triunfo da religião cristã sobre o paganismo é representado no centro do teto.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Visão da cruzSala de ConstantinoExcerto da história

Visão da cruz

Giulio Romano

Audioguia dos Museus do Vaticano

O beligerante Maxêncio provocou uma guerra com o leal Constantino, no decurso da qual teve lugar a batalha de Milvian Bridge, em 312. Foi aí que Constantino pediu ajuda ao deus, na véspera da batalha, pois viu a superioridade das forças hostis. Ele acreditava que a fé cristã podia fazer milagres e pediu a Deus um resultado positivo para a batalha. Ao fim da tarde, Constantino e o seu exército viram uma enorme cruz flamejante no céu, acima do sol. Parecia ser feita de estrelas e tinha a inscrição: "Por este símbolo vencerás!"

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Esta história faz parte do percurso

Encontro de Leão, o Grande, com ÁtilaSala de HeliodoroExcerto da história

Encontro de Leão, o Grande, com Átila

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

Segundo a lenda, o Papa Leão I impediu o avanço das tropas húngaras, lideradas pelo conquistador Átila, a caminho de Roma. Leão I, vestido com trajes ricos, montado num cavalo branco e rodeado pelos cardeais, apareceu perante Átila.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Esta história faz parte do percurso

Expulsão de Heliodoro do temploSala de HeliodoroExcerto da história

Expulsão de Heliodoro do templo

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

O romano Heliodoro recebe ordens de Seleuco IV Filopator, rei da Síria, para se apoderar do tesouro reservado às viúvas e órfãos pobres e conservado no Templo de Jerusalém. Mas Heliodoro foi apanhado. Então, o Deus castigou-o, aparecendo como um anjo a cavalo, com uma armadura dourada.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Libertação de São PedroSala de HeliodoroExcerto da história

Libertação de São Pedro

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

São Pedro foi posto na prisão por ordem de Herodes. Um anjo, disfarçado de menino, apareceu diante de Pedro e libertou-o. A prisão parece estar dividida em três secções, de acordo com o conceito e o tema.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Massa de BolsenaSala de HeliodoroExcerto da história

Massa de Bolsena

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

A missa de Bolsena ilustra um episódio em que o padre duvidoso aceitou o Deus da fé real. Segundo os especialistas em arte, o acontecimento teve lugar no século XIII. Uma vez que um padre que estava a dar a comunhão duvidou da oferta, o pão e o vinho transformaram-se no corpo e no sangue de Cristo. E, nesse momento, cinco gotas de sangue escorreram dos santos sacramentos.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Teto da sala de HeliodoroSala de HeliodoroExcerto da história

Teto da sala de Heliodoro

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

Esta sala era utilizada para audiências privadas, reuniões e conversas, onde o Papa Júlio II convidava os principais representantes políticos e religiosos. É por isso que a decoração deve ser ideal e criar um ambiente especial e servir o seu objetivo.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

As virtudes cardeais e teologais e a leiSala da SegnaturaExcerto da história

As virtudes cardeais e teologais e a lei

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

As Virtudes Teologais é uma pintura alegórica que representa a figura da Justiça. A pintura mostra os episódios que contam as etapas da criação do Direito e a sua história.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Disputa sobre o Santíssimo SacramentoSala da SegnaturaExcerto da história

Disputa sobre o Santíssimo Sacramento

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco mostra uma discussão alargada sobre a tradição mais importante da liturgia - o sacramento da comunhão. Mas é mais provável que se trate de uma forma utilizada por Rafael para transmitir a mensagem principal da obra de arte.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Escola de AtenasSala da SegnaturaHistória completa

Escola de Atenas

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Escola de Atenas é a obra-prima mais famosa de Rafael. Entre as numerosas obras de arte do Renascimento, é unanimemente reconhecida como a melhor. No centro estão os grandes pensadores Aristóteles e Platão. Platão veste um manto vermelho e assemelha-se a Leonardo da Vinci. Levanta as mãos. Refere-se à sua visão e pontos de vista científicos, segundo os quais as ideias se desenvolvem no céu. Aristóteles, vestido de azul, aponta para baixo, afirmando que as ideias estão indissociavelmente ligadas à vida terrestre. O fresco mostra os grandes pensadores do passado - Sócrates ladeado por Platão e Diógenes deitado nas escadas. Em primeiro plano, ao fundo, está Pitágoras rodeado de alunos. No centro, o pensador Heráclito, Euclides segurando um compasso, ladeado por Zoroastro e Ptolomeu conversando com os seus alunos. Rafael coloca magistralmente cerca de cinquenta personagens no fresco, prestando a devida atenção a cada figura e atribuindo a todas elas papéis consideráveis. Além disso, organiza as suas personagens seguindo a lógica, mas preservando as suas caraterísticas individuais. Diz-se que Miguel Ângelo visitou a sala dos frescos e que se reconheceu no retrato de Heráclito. Ficou muito satisfeito com o facto de Rafael o ter retratado longe da multidão de fanfarrões em disputa.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso Ver mais de perto.

Monte ParnassusSala da SegnaturaExcerto da história

Monte Parnassus

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

Um bosque verdejante no Monte Parnaso e a sociedade secular despreocupada retratada no fresco representam uma combinação harmoniosa entre o homem, a natureza e a arte da poesia. O Monte Parnaso, onde habitam Apolo e as musas, ocupa o lugar central do fresco. Este é um símbolo da poesia mundial. É no Monte Parnaso que começa o percurso da primavera Castaliana, fonte de inspiração para os maiores poetas de todos os tempos.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Teto da Sala de SegnaturaSala da SegnaturaExcerto da história

Teto da Sala de Segnatura

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

O teto decorado está dividido em quatro secções. Cada uma delas é dedicada aos aspectos da sabedoria: Filosofia, Teologia, Justiça e Poesia. O próprio Papa Júlio II escolheu estas quatro disciplinas.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Batalha de OstiaQuarto do incêndio no BorgoExcerto da história

Batalha de Ostia

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco mostra a batalha marítima perto do porto de Óstia, no rio Tibre. A batalha teve lugar em meados do século IX. A frota muçulmana atacou a frota cristã.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Coroação de Carlos MagnoQuarto do incêndio no BorgoExcerto da história

Coroação de Carlos Magno

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

Em 800, o Papa Leão III coroou solenemente Carlos Magno na igreja de São Pedro, em Roma. Mais tarde, o imperador Carlos entrou para a história como um dos mais poderosos estadistas do mundo. De facto, não se tratou apenas de um ato tradicional de coroação, mas de um selo simbólico específico de um acordo amigável entre o Vaticano e a França.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Teto do incêndio do BorgoQuarto do incêndio no BorgoExcerto da história

Teto do incêndio do Borgo

Perugino

Audioguia dos Museus do Vaticano

O Papa Júlio II encarregou Pietro Perugino, professor de Rafael, de pintar o teto.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Justificação do Leo 3Quarto do incêndio no BorgoExcerto da história

Justificação do Leo 3

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

O Juramento de Leão III ou Justificação de Leão III é a última quarta obra de arte das Salas de Rafael. É adjacente aos frescos O incêndio do Borgo, A coroação de Carlos Magno, A batalha de Óstia. Alguns historiadores afirmam que Rafael confiou o trabalho da pintura aos seus aprendizes, tendo-se envolvido na pintura apenas de elementos específicos.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Incêndio no BorgoQuarto do incêndio no BorgoHistória completa

Incêndio no Borgo

Raphael

Audioguia dos Museus do Vaticano

Borgo é um território adjacente ao Palácio dos Papas no Vaticano. Em 847, registou-se um grande incêndio. Os esforços para apagar as chamas só foram bem sucedidos quando o Papa Leão IV saiu para a loggia. A sua presença foi suficiente para apagar o fogo. Basicamente, este facto é o elemento principal do fresco, embora o Palácio do Vaticano e o pontífice estejam representados em segundo plano. O Papa Leão IV usa a tiara, uma batina branca e um manto escarlate. Pronuncia aos romanos o seu discurso abençoado. Rafael não se concentrou no milagre realizado pelo Papa, mas nas pessoas assustadas que foram apanhadas desprevenidas. Em primeiro plano, uma jovem mãe com uma criança procura um abrigo. As mulheres desesperadas ajoelham-se e rezam pelo seu salvamento. Rafael pintou as personagens do lendário poema "Eneida" que conseguiram escapar ao incêndio de Troia. Eneias arrebatou o seu velho pai Anquises. À esquerda, perto de Eneias, está a sua mulher, a jovem Creusa, e à direita o seu filho Ascânio.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

13Colecção de Arte Contemporânea12 · de exposições

CrucificaçãoRoom of the SibylsExcerto da história

Crucificação

Gerardo Dottori

Audioguia dos Museus do Vaticano

A crucificação de Cristo é retratada de uma forma inesperada - o Futurismo. O futurismo mostra a arte do futuro, onde a cidade, os carros e a sociedade impessoalizada ocupam o lugar central.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Le PenseurRoom of the SibylsExcerto da história

Le Penseur

Auguste Rodin

Audioguia dos Museus do Vaticano

Inicialmente, Auguste Rodin chamou à sua escultura mais proeminente o Poeta. A estátua foi esculpida como parte da composição dedicada à Divina Comédia e representa Dante a olhar para os sofrimentos dos pecadores.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Esta história faz parte do percurso

Ler mongesExcerto da história

Ler monges

Ernst Barlach

Audioguia dos Museus do Vaticano

A estatueta lembra a estatuária monumental italiana do século XIV. Os monges estão bastante obcecados, parecem impassíveis e mergulhados na leitura. Os seus rostos exprimem concentração e uma certa tensão.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

MadonnaExcerto da história

Madonna

Lucio Fontana

Audioguia dos Museus do Vaticano

À primeira vista, a escultura da Madonna parece uma massa informe de barro e areia. Um rosto jovem e sério da Virgem Maria parece surgir da pesada massa de gesso como uma bela nuvem. Em termos de composição, a escultura é inacabada como um esboço numa tela. As suas formas são angulosas, ásperas e rugosas, sem plasticidade nem dinamismo.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

CristoRoom of religious art in France from the 1920 to the 1954Excerto da história

Cristo

Georges Rouault

Audioguia dos Museus do Vaticano

A pintura está repleta de elementos trágicos e sombrios e combina o Romantismo, o Gótico e o Expressionismo. Georges Rouault era uma pessoa religiosa, pelo que as personagens e os temas bíblicos influenciaram muito a sua obra.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Piazza Cavalli em PiacenzaRooms of the painting in Italy between the warsExcerto da história

Piazza Cavalli em Piacenza

Filippo de Pisis

Audioguia dos Museus do Vaticano

A paisagem urbana parece ser formada por pinceladas dinâmicas, selvagens e rápidas. Devido à falta de cores e à abundância de tons de azul claro, o espaço parece estar cheio de ar e vento.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

PietaRoom of Van Gogh, Medardo RossoExcerto da história

Pieta

Vincent van Gogh

Audioguia dos Museus do Vaticano

Pieta é uma interpretação do autor Vincent van Gogh inspirada no quadro do pintor francês Eugène Delacroix. A ironia é que, se não fosse o incidente irritante, a Pieta não teria sido pintada.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Aetas AureaRoom of Van Gogh, Medardo RossoExcerto da história

Aetas Aurea

Medardo Rosso

Audioguia dos Museus do Vaticano

A escultura em cera representa um retrato da mulher do artista, Giuditta Pozzi, e do seu filho Francesco. A escultura é dinâmica e plástica, embora não tenha formas distintas. Trata-se de um exemplo brilhante de escultura impressionista.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Esta história faz parte do percurso

Pio 11Room of the CreedExcerto da história

Pio 11

Adolfo Wildt

Audioguia dos Museus do Vaticano

A estátua foi esculpida sob a nova influência da arte do século XX. Algo intangível, frio e grandioso diferencia a estátua do Papa Pio XI das esculturas feitas nos séculos XVII ou XX. A estátua representa um novo olhar sobre o mármore como material e as suas propriedades.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Um estudo sobre o Retrato do Papa 2Room of Great BritainExcerto da história

Um estudo sobre o Retrato do Papa 2

Francis Bacon

Audioguia dos Museus do Vaticano

A experiência pictórica de Francis Bacon baseia-se no retrato do Papa II pintado por Diego Velásquez. Bacon ficou tão inspirado pelas pinturas do grande retratista que pintou uma série de quarenta quadros intitulada Os Papas que gritam.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

RiderRoom of PontiffsExcerto da história

Rider

Marino Marini

Audioguia dos Museus do Vaticano

O Cavaleiro é um motivo central da obra do escultor Marino Marini. O artista afirmou que a ligação entre o homem e o cavalo era muito mais interessante para ele do que o tema do homem e dos automóveis, que se tornou cada vez mais popular no século XX. O cavaleiro é a ideia principal que se foi transformando ao longo dos anos devido às guerras e tragédias e às mudanças da visão do mundo do escultor.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Paisagem AngélicaSalvador Dalì roomExcerto da história

Paisagem Angélica

Salvador Dali

Audioguia dos Museus do Vaticano

A paisagem é uma parte integrante dos quadros de Dalí. Muitos elementos desta tela - um deserto sem fim, figuras finas e pálidas, nuvens magníficas e sombras distintas dos objectos - são mostrados noutros quadros de Dalí. A tela apresenta dez figuras: cinco anjos, quatro humanos e um unicórnio branco.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Esta história faz parte do percurso

14Sistina Capela41 · de exposições

A Ressurreição de CristoExcerto da história

A Ressurreição de Cristo

Ghirlandaio

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco mostra o momento em que Cristo ressuscitou da morte. Com uma bandeira branca na mão, sai do túmulo.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Discussão sobre o corpo de MoisésExcerto da história

Discussão sobre o corpo de Moisés

Signorelli

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco mostra o Arcanjo Miguel a lutar com Satanás pelo corpo de Moisés. Muitos historiadores discutem a verdadeira origem deste assunto. Não se sabe ao certo porque é que Miguel estava a disputar com o diabo o corpo do profeta.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

O Juízo FinalHistória completa

O Juízo Final

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

Trata-se de um dos frescos mais complexos e poderosos pela sua conceção e nível de complexidade. Em cima, à esquerda, estão anjos em voo. Seguram nas mãos os símbolos da Paixão - a Cruz, os Pregos, a Coroa de Espinhos. À direita, os anjos seguram a coluna da flagelação e a lança com a esponja embebida em vinagre. É de notar que os anjos são pintados sem asas, o que os faz parecer pessoas comuns. No centro do fresco está a Mãe de Deus e Cristo rodeado pelos santos, à espera da sentença. A figura de Cristo é a maior, num gesto amplo e dinâmico, captado no momento em que é proferido o veredito do Juízo Final. Os historiadores têm debatido sobre os sentimentos associados ao gesto de Cristo. Um deles diz que é a forma de apaziguar a agitação circundante, os outros afirmam que se trata de um gesto de maldição. A Virgem vira a cabeça, aguardando o resultado do Julgamento. Cristo e a Virgem estão rodeados pelos santos mártires. Eles seguram as coisas que, de uma forma ou de outra, causaram a sua morte. À direita de Cristo está São Pedro, de barbas grisalhas, com as duas chaves do céu. Em baixo, São Bartolomeu com a sua própria pele, esfolada pelos pagãos. O rosto do mártir é um autorretrato de Miguel Ângelo. Em frente, São Lourenço com a grelha, na qual foi queimado vivo pelos pagãos romanos. À direita, numa das nuvens, vemos Santa Catarina de Alexandria com um vestido verde. Segura a roda dentada que serviu de instrumento para a sua execução. Acima de Santa Catarina está São Paulo com uma capa vermelha. Ao seu lado, São Sebastião ajoelha-se com as flechas na mão. Os soldados romanos atiraram-lhe flechas. Logo acima de Sebastião, Santo André parece descer de uma nuvem, segurando a cruz com a mão levantada. Na parte inferior, à esquerda, encontram-se jovens virgens, sibilas e personagens do Antigo Testamento. No centro da secção inferior estão os anjos do Apocalipse que acordam os mortos tocando as suas trombetas. À direita, em baixo, anjos e demónios fazem cair os condenados no inferno. No fundo, está Caronte, que transportava as almas no seu barco para as conduzir perante o juiz Minos, cujo corpo está envolto nas espirais da serpente. Como o fresco retrata figuras nuas, Miguel Ângelo viu-se envolvido no conflito com os moralistas. O Mestre de Cerimónias Biagio da Cesena chamou-o para observar as normas. Queixa-se de que não é permitido pintar figuras nuas num lugar tão sagrado. Miguel Ângelo não pode contradizê-lo diretamente, mas responde de outra forma. À direita, na parte inferior, entre os mortos que foram conduzidos ao Inferno, pintou um homem ridículo com orelhas de burro e coberto por uma serpente enrolada. A figura e o rosto do homem assemelhavam-se ao rosto do cardeal. Quando o mestre de cerimónias viu o seu rosto no fresco, queixou-se ao Papa Paulo III. A resposta do Papa foi brilhante: "Posso dar ordens na Terra, ou pelo menos ter algum impacto, se se tratar do limbo. Mas em todos os assuntos relacionados com o Inferno, sou impotente. Devias discutir isso com Miguel Ângelo..."

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

Batismo de CristoExcerto da história

Batismo de Cristo

Perugino

Audioguia dos Museus do Vaticano

Para decorar as paredes com os motivos bíblicos, o Papa encomendou a Perugino, na altura um artista de renome. Juntamente com o seu assistente Pinturicchio, o pintor decorou a parede com uma representação canónica de uma paisagem da Úmbria. Sobre um harmonioso fundo pastoral, colocou a nobreza solenemente vestida de mãos dadas com personagens bíblicas.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Chamada dos primeiros ApóstolosExcerto da história

Chamada dos primeiros Apóstolos

Ghirlandaio

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco retrata o chamamento de Pedro e André para se tornarem apóstolos e discípulos de Cristo. Um dia, Jesus estava a caminhar ao longo da costa da Galileia e viu dois pescadores, os irmãos Pedro e André. Jesus falou com eles enquanto lançavam as redes.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Tentações de CristoExcerto da história

Tentações de Cristo

Botticelli

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco apresenta quatro episódios fundamentais. Três deles são uma representação da tentação de Cristo por Satanás. No primeiro episódio à esquerda, o Diabo, disfarçado de eremita, tenta persuadir Cristo a quebrar o seu jejum, a transformar pedras em pão e a comê-lo. Assim, pede-lhe que prove o poder do Filho de Deus. Assim, pede-lhe que prove o poder do Filho de Deus.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Última CeiaExcerto da história

Última Ceia

Rosselli

Audioguia dos Museus do Vaticano

É a última ceia que Jesus partilha com os seus doze discípulos, durante a qual prediz a sua traição por um dos Apóstolos presentes. Sentado à mesa, Cristo parte o pão e passa-o aos presentes, dizendo: "Isto é o meu corpo dado por vós". O vinho do seu cálice é o seu sangue, que é derramado pelos homens.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

O Sermão da MontanhaExcerto da história

O Sermão da Montanha

Rosselli

Audioguia dos Museus do Vaticano

Depois de ter escolhido os seus discípulos, Jesus Cristo desceu com eles do cimo do monte e pôs-se em terra firme. Na primeira cena do fresco, Cristo, rodeado pelos Apóstolos, está a pregar a uma multidão. Este acontecimento é conhecido como o Sermão da Montanha.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Cristo entregando as chaves a São PedroExcerto da história

Cristo entregando as chaves a São Pedro

Perugino

Audioguia dos Museus do Vaticano

Cristo entrega solenemente ao seu discípulo as chaves de ouro e de prata, dando-lhe assim a autorização para perdoar os pecados e permitir a entrada das almas no céu. Este fresco ilustra o capítulo dezasseis do Evangelho de Mateus. A mensagem principal do fresco está representada no centro: a entrega ao apóstolo Pedro das chaves do reino dos céus.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Esta história faz parte do percurso

Criação do Sol, da Lua e das PlantasExcerto da história

Criação do Sol, da Lua e das Plantas

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

De acordo com o Livro do Génesis, Deus criou os corpos celestes e as plantas no quarto dia. As suas mãos transmitem voluntariamente e com confiança a energia e o poder vivificantes. O Criador não precisa de tocar nos objectos para lhes transmitir a sua vontade. Basta que ele estenda o braço em direção às suas criações para que estas obedeçam à sua mensagem.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Separação da Terra das ÁguasExcerto da história

Separação da Terra das Águas

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

No segundo dia da criação do mundo, Deus separou o firmamento das águas. O fresco mostra o Todo-Poderoso a sobrevoar a sua criação, observando as águas e o firmamento separados por baixo.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Criação de AdãoHistória completa

Criação de Adão

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

Adão, o primeiro homem na Terra, foi agraciado com a vida pela mão do Todo-Poderoso. A mente e a vontade de um jovem belo e forte estão ainda adormecidas; ele estende a sua mão a Deus, que transmite com o seu dedo indicador a energia vital à sua criação. A figura de Adão detém o poder e a força recebidos de Deus. O seu olhar, voltado para Deus, está cheio de expetativa. É esta curta distância entre os dedos de Deus e de Adão que esconde a essência e a atração magnética de toda a obra. Parece que o Criador envia ao homem uma corrente eléctrica, a centelha da vida. Deus é representado a voar no espaço ilimitado do Universo. Um manto flutua atrás dele, como uma vela. Reúne os anjos que rodeiam o Criador. Um anjo olha por cima do ombro de Deus, impressionado com a beleza do primeiro homem. Os especialistas em arte sugerem que os contornos da capa se assemelham aos contornos do cérebro humano. Este símbolo mostra Deus como a mente suprema, a origem dos pensamentos e da vontade do homem.

Texto original do autor, mantido sem alterações.

Esta história faz parte do percurso

Criação de EvaExcerto da história

Criação de Eva

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

A figura principal do fresco é Eva, criada por Deus a partir da costela de Adão. É uma rapariga jovem, feminina, tímida e indefesa. Tal como um cervo que saltou, ela olha para Deus com reverência e admiração, com as palmas das mãos juntas em oração. O seu rosto mostra o espanto inicial, a tomada de consciência da sua própria existência e a gratidão para com o Criador.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

A queda e a expulsão do Jardim do ÉdenExcerto da história

A queda e a expulsão do Jardim do Éden

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

A composição está concetualmente dividida em duas partes. À esquerda, encontra-se a cena da queda. Aqui, Adão e Eva são um casal harmonioso que se assemelha a deuses antigos, jovens, pacíficos e despreocupados. Na parte direita do fresco, as primeiras pessoas são expulsas do Jardim do Éden. São representadas em sofrimento e banidas por anjos.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

A embriaguez de NoéExcerto da história

A embriaguez de Noé

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco é composto por dois episódios consecutivos. À esquerda, Noé está a cavar a sua vinha. No centro e à direita, na segunda parte do fresco, Noé dorme, bêbedo e nu, com os seus filhos Sem, Jafé e Cam, que aponta o dedo ao pai. O vinho, que intoxicou Noé, é um símbolo da fertilidade despertada na terra após o Grande Dilúvio. Exultante com a ressurreição da terra e dos seus dons, Noé bebeu demasiado e ficou embriagado.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

O DilúvioExcerto da história

O Dilúvio

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco "O Dilúvio" foi a primeira pintura de Miguel Ângelo no teto da Capela Sistina. O fresco mostra pessoas perante a morte iminente e revela o seu comportamento em função do seu carácter. A inundação furiosa é apenas retratada em traços gerais.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Sacrifício o NoahExcerto da história

Sacrifício o Noah

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

Quando a chuva parou e as águas do dilúvio baixaram, a arca de Noé foi levada para terra. Quando as pessoas pisaram a terra, ficaram impressionadas com a dimensão da catástrofe e com o número de vítimas.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

DavidExcerto da história

David

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco capta o momento em que o gigante Golias, derrotado por David, cai.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Judith e HolofernesExcerto da história

Judith e Holofernes

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco representa a hebreia Judite e a sua criada, carregando a cabeça do comandante assírio Holofernes. Judite tornou-se um símbolo da luta dos judeus contra os conquistadores do Médio Oriente. Matou Holofernes sozinha e libertou os judeus da opressão assíria.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Castigo de HamãExcerto da história

Castigo de Hamã

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

O nome de Hamã é mencionado no Antigo Testamento e associado ao feriado judaico Purim. Hamã era um vizir do rei persa Assuero. Todos os funcionários reais se ajoelharam perante Hamã, exceto Mardoqueu, um judeu, que afirmou que os judeus se curvavam apenas perante Deus. O enfurecido Hamã concebeu um plano para matar todos os judeus que viviam na Pérsia e escolheu a data - o décimo terceiro dia do mês de Adar.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

JoelExcerto da história

Joel

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

O profeta bíblico Joel foi o primeiro a anotar os seus sermões e a compilar uma coleção de profecias. Ele avisou as pessoas sobre o Dia de Deus que se aproximava, quando todos os incrédulos seriam julgados.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

A serpente de bronzeExcerto da história

A serpente de bronze

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

Durante a viagem do povo judeu do Egito para Canaã, Moisés fez uma serpente de bronze. Esta curou as pessoas mordidas por cobras venenosas e tornou-se uma espécie de símbolo das suas deambulações pelo deserto da Arábia.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

EzequielExcerto da história

Ezequiel

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

Ezequiel é um grande profeta do Antigo Testamento que viveu em Jerusalém no século VII a.C.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Separação entre a Luz das TrevasExcerto da história

Separação entre a Luz das Trevas

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

No centro do fresco "Separação da Luz das Trevas" está um velho de barbas grisalhas, Deus Criador, Sabaoth segundo um dos seus nomes. A sua figura parece ser omnipresente e todo-poderosa. É o nome Sabaoth, que por vezes é utilizado para designar o Criador, que combina a força e o poder protetor de Deus.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

JeremiasExcerto da história

Jeremias

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

O profeta Jeremias, do Antigo Testamento, viveu no ano 600 a.C. Tornou-se profeta aos 15 anos de idade e profetizou durante 23 anos. Avisou os judeus, que abandonaram Deus, da sua ira. Jeremias previu o castigo dos pecadores, mas o povo riu-se dele e quis matá-lo.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

A Sibila da LíbiaExcerto da história

A Sibila da Líbia

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

Esta Sibila foi baptizada Lybica devido à sua origem líbia. Vemos os seus ombros e pescoço de estátua, as suas feições cinzeladas e os seus movimentos graciosos.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

DanielExcerto da história

Daniel

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

O grande profeta bíblico Daniel nasceu numa família rica. Aos quinze anos, foi levado para o cativeiro após a tomada de Jerusalém. O rapaz foi treinado para servir o rei. E assim que se formou, foi levado para a corte de Nabucodonosor.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

A Sibila de CumasExcerto da história

A Sibila de Cumas

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Sibila de Cumas é a mais famosa profetisa cujo nome está associado à previsão de acontecimentos apocalípticos. A Sibila está sentada num trono de mármore e dedica-se à leitura e interpretação de textos. É apresentada como uma mulher idosa, severa e gorda.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

A Sibila DélficaExcerto da história

A Sibila Délfica

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Sibila Délfica ou Délfica era uma sacerdotisa do deus Sol Apolo. Nasceu antes da Guerra de Troia, na cidade de Delfos, onde o culto de Apolo floresceu e onde foi erigido um templo dedicado a ele. O seu nome secular era Artémia. E foi a primeira entre as profetisas a ser chamada Sibila. Ela é a mais jovem e a mais bela entre as Sibilas.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

ZacariasExcerto da história

Zacarias

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

O profeta Zacarias nasceu no século VI a.C. Previu em pormenor muitos acontecimentos do Novo Testamento.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

JonasExcerto da história

Jonas

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

O profeta Jonas viveu no século VIII a.C. Quando era criança, sentiu-se doente e morreu. Mas a sua mãe rezou tão ardentemente a Deus para que o seu filho fosse salvo que Deus o ressuscitou dos mortos.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Antepassados de CristoExcerto da história

Antepassados de Cristo — 1 / 8

Antepassados de Cristo — 2 / 8

Antepassados de Cristo — 3 / 8

Antepassados de Cristo — 4 / 8

Antepassados de Cristo — 5 / 8

Antepassados de Cristo — 6 / 8

Antepassados de Cristo — 7 / 8

Antepassados de Cristo — 8 / 8

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

O Evangelho de Mateus diz que Jesus tinha uma grande genealogia. Antes da sua vinda à terra, havia quase quarenta gerações dos seus antepassados. Os grupos familiares que vemos nas lunetas são os antepassados de Cristo. Nas proximidades de cada família, mais ou menos dividida, encontram-se tabuletas com os nomes das pessoas representadas.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

IsaíasExcerto da história

Isaías

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

Já em 700 a.C., o profeta Isaías previu a vinda do Filho de Deus, a sua vida e morte. O livro de Isaías revela a deslealdade do povo judeu para com Deus. O profeta avisou os judeus sobre o cativeiro que se aproximava e a posterior libertação. Falou da devastação de Jerusalém e da sua posterior restauração.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

A Sibila PersaExcerto da história

A Sibila Persa

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

No século XIII a.C., a Sibila persa previu a glória de Alexandre, o Grande, e a vinda de Jesus Cristo.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

A Sibila de EritreiaExcerto da história

A Sibila de Eritreia

Michelangelo

Audioguia dos Museus do Vaticano

A Sibila de Eritreia previu a destruição de Roma, a queda de Troia, as guerras e o Apocalipse. O deus do Sol Apolo e a bruxa Lâmia seriam os seus pais.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

O Castigo de CoréExcerto da história

O Castigo de Coré

Botticelli

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco retrata a história do Antigo Testamento sobre Coré, que liderou uma rebelião de 250 pessoas contra Moisés e o seu irmão Aarão. Coré reuniu as pessoas e convenceu-as de que Moisés era imerecidamente venerado como líder dos israelitas. À direita, vemos o grupo de Coré, furioso, com pedras nas mãos. Estão prontos para atacar e bater em Moisés.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Entrega das Tábuas da LeiExcerto da história

Entrega das Tábuas da Lei

Rosselli

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco mostra uma das principais histórias do Antigo Testamento: Moisés a receber as Tábuas com os Dez Mandamentos. O fresco ilustra uma série de acontecimentos, desde a subida de Moisés ao Monte Sinai até à queima do bezerro de ouro. Este acontecimento teve lugar no Monte Sinai, onde Deus tinha conduzido o profeta.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

As provações e a vocação de MoisésExcerto da história

As provações e a vocação de Moisés

Botticelli

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco mostra vários dos acontecimentos mais importantes da vida de Moisés. À direita, Moisés intercede por um judeu que trabalha na construção civil e é espancado por um capataz. Moisés mata acidentalmente o egípcio e foge da cidade.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Esta história faz parte do percurso

A viagem de Moisés ao EgitoExcerto da história

A viagem de Moisés ao Egito

Perugino

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco mostra cinco episódios da estadia de Moisés no Egito. A história tem o seguinte historial: Enquanto vivia no Egito, Moisés assistiu ao espancamento de hebreus por um feitor egípcio. Matou o egípcio e fugiu para Midiã. Ali, Moisés casou-se com Zípora, filha do sacerdote Jetro, e tornou-se pastor.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Travessia do Mar VermelhoExcerto da história

Travessia do Mar Vermelho

Rosselli

Audioguia dos Museus do Vaticano

O fresco ilustra as dez pragas que Moisés lançou sobre o povo egípcio ao exigir que deixassem partir os israelitas escravizados. Em nome de Deus, Moisés exigiu que o Faraó libertasse os israelitas. Para convencer o governante do Egito, o profeta castigou os egípcios com pragas, que eram calamidades para eles. Ao ver o horror do seu povo, o faraó mandou os israelitas embora.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

O Testamento e a Morte de MoisésExcerto da história

O Testamento e a Morte de Moisés

Signorelli

Audioguia dos Museus do Vaticano

O profeta Moisés tinha 120 anos quando morreu, pouco antes de entrar na Terra Prometida. Nessa altura, já tinha vagueado com os israelitas no deserto do Sinai durante quarenta anos. Pressentindo a sua morte, o profeta reuniu o povo à sua volta para uma despedida. São estes últimos momentos da vida do profeta que são representados no fresco em quatro cenas.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

15Museu Etrusco Gregoriano7 · de exposições

Urna Cinerária do Mestre de OenomausExcerto da história

Urna Cinerária do Mestre de Oenomaus

Audioguia dos Museus do Vaticano

A urna cinerária representa Oenomaus caído de joelhos, prestes a ser infligido por Pelopes. A filha de Oenomaus, Hippodamia, foge assustada. E os cavalos tropeçaram e caíram. Este é o último momento da vida de Oenomaus - o sol de Ares, o deus da guerra.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Peitoral em ouroExcerto da história

Peitoral em ouro

Audioguia dos Museus do Vaticano

Este peitoral é constituído por uma única lâmina de ouro e é gravado com desenhos em relevo que contêm significados ocultos. O peitoral é coberto por pequenos ornamentos complexos estruturados em tiras à volta de um emblema central. Geralmente, o peitoral é gravado com motivos seriados.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Par de leõesExcerto da história

Par de leões

Audioguia dos Museus do Vaticano

Os dois animais são representados numa pose agressiva, com a boca aberta, como se estivessem prestes a atacar. Embora realistas, as suas figuras carecem de pormenores anatómicos. A técnica de escultura foi transmitida do Norte da Síria.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Ânfora com cabeça de cavaloExcerto da história

Ânfora com cabeça de cavalo

Audioguia dos Museus do Vaticano

A frente do vaso está decorada com a cabeça de um cavalo com crina de ouro. Esta ânfora é um exemplo brilhante da pintura etrusca de figuras negras. Caracteriza-se pela clareza, simetria e exatidão das linhas, silhuetas e figuras.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Marte de TodiExcerto da história

Marte de Todi

Audioguia dos Museus do Vaticano

A estátua de Marte de Todi, em fundição oca, representa um guerreiro etrusco vestido com uma couraça. O corpo, a cabeça, os braços, as pernas e as inserções do traje militar foram feitos separadamente em bronze. A julgar pela posição das mãos, o guerreiro segurava uma taça na mão direita e uma lança na mão esquerda.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Par de mãosExcerto da história

Par de mãos

Audioguia dos Museus do Vaticano

O par de mãos é uma composição etrusca antiga, a primeira tentativa de representar o corpo humano na arte. As mãos parecem ser constituídas apenas por dedos, pois são muito longas e finas.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Urna em forma de cabanaExcerto da história

Urna em forma de cabana

Audioguia dos Museus do Vaticano

Esta urna continha os restos cremados de um indivíduo com cerca de 16 anos. Os historiadores acreditam que pode tratar-se de uma jovem rapariga. Os seus restos mortais foram colocados na urna para recordar a sua essência como pessoa e a sua posição num grupo social específico.

Excerto do texto original. A história completa está disponível no audioguia.

Privacidade

No site Waguide não existem formulários de contacto. O site principal utiliza o Google Analytics para estatísticas de visitas. A Tiqets processa as reservas e os pagamentos e pode tratar dados de ligação e cookies. O serviço de alojamento pode tratar dados técnicos de ligação.

Fontes das imagens

As imagens dos museus foram cedidas pelo projeto Waguide. Fotografia do Louvre: Diego Lopez Sebastian (Dieglop), CC BY-SA 4.0. Fotografia de Nica de Samotrácia: Mbzt, Wikimedia Commons. As reproduções das pinturas encontram-se no domínio público. As imagens podem ser recortadas para exibição.

Louvre — Diego Lopez Sebastian · Nica de Samotrácia — Mbzt · CC BY-SA 4.0