Il tuo percorso.

Quando si entra nel Museo Gregoriano Egizio, si capisce con emozione che si tratta della più grande esposizione di manufatti egizi al mondo. Qui si può conoscere la cultura egizia dai reperti realizzati in Mesopotamia e in Siria molti secoli fa. Il Museo Gregoriano Egizio fu inaugurato nel 1839. Con nove sale, fu istituito da Papa Gregorio XVI per essere la più grande collezione di beni culturali dell'Antico Egitto. Oggi si possono ammirare sculture, papiri, sarcofagi, frammenti di mummie. Papa Pio VII iniziò a raccogliere la collezione con i manufatti del III secolo, il periodo dell'invasione romana in Egitto, che furono scoperti durante gli scavi. Non perdetevi la scultura di Ramesse II seduto sul trono e la statua di Udjaḥorresnet, esposte nella prima sala tra i numerosi reperti. La seconda sala ospita sarcofagi egizi in legno dipinto, mummie, vasi canopi e statuette ushabti. Nella quarta sala una statua di Anubi attira l'attenzione, mentre nella quinta si possono ammirare le statue di Tolomeo II e Tiye. La settima sala ospita la collezione di sculture ellenistiche e romane in bronzo e argilla, ceramiche islamiche e cristiane. Nell'ottava e nella nona sala si trovano manufatti della Mesopotamia e dell'antica Siria.

Udjaḥorresnet era un antico rappresentante religioso e pubblico egizio, nobile d'onore e sacerdote di Neith, dea della guerra e della caccia. Udjaḥorresnet ricoprì incarichi di primo ministro, diplomatico, tesoriere reale, medico capo, capo dei copisti dei Grandi Testi e comandante della flotta egizia. Era una persona potente e partecipava al governo dell'Egitto. Quando era comandante della flotta egiziana, l'Egitto fu conquistato dall'esercito persiano, che pose fine alla XXVI dinastia. Durante gli scavi sono state trovate le statuette ushabti che portano il nome di Udjaorresnet nella sua statua Naophorous. La statua si trovava in un sarcofago di calcare posto nella tomba. Il secondo sarcofago in basalto, a forma di corpo umano, era collocato nel primo sarcofago. La statua di Naoforo contiene le iscrizioni dei titoli e degli atti onorevoli commessi da Udjaorresnet alla corte dei faraoni.

La conservazione del corpo attraverso l'imbalsamazione ha avuto un ruolo fondamentale nella cultura egizia. Si tratta di una fase tradizionale della sepoltura. Gli antichi egizi credevano che fosse il modo in cui l'anima del defunto si ricongiungeva al suo corpo dopo la morte.L'imbalsamazione fu eseguita per la prima volta nel III millennio a.C. e dopo la conquista araba dell'Egitto nel 641 a.C. la tradizione scomparve.L'intero processo di imbalsamazione richiedeva circa 70 giorni per essere completato dai sacerdoti. Essi lavavano il corpo, rimuovevano gli organi interni e lo ricoprivano con il cosiddetto sale divino per rimuovere l'umidità dai tessuti. La cavità toracica veniva riempita di resina per appesantire il corpo. La pelle veniva strofinata e aromatizzata con olio aromatico. Poi il corpo veniva avvolto in bende di lino. Prima di metterlo in una bara, veniva posta una maschera sul volto della mummia per proteggerlo e conservarlo.Per una migliore conservazione della mummia, gli Egizi iniziarono a rimuovere il cervello. Ma in seguito smisero di farlo perché il cervello era considerato il nucleo fisico, emotivo e intellettuale, il centro dell'essere umano.

Le statue rappresentano Tolomeo II e sua sorella Arsinoe II, che divenne sua moglie. Tolomeo II era il re d'Egitto nel III secolo a.C. Oltre che per gli affari politici, è famoso per aver sposato la sorella Arsinoe.Avendo il trono, Tolomeo cercava di estendere la sua influenza politica oltre i confini dell'Egitto e di assumere il controllo del territorio che si estendeva fino all'Asia. A questo scopo rafforzò le sue posizioni in mare. In quel periodo sua sorella Arsinoe fuggì dal marito in Macedonia per trasferirsi in Egitto e diventare regina. In Macedonia era una perfida e astuta intrigante. E si sposò con il fratello per prendere il potere.Secondo le antiche leggende greche, questi due statuti furono portati a Roma dall'imperatore Caligola. A Roma abbellirono un edificio dedicato alla sorella-moglie Drusilla. Fu divinizzata mentre Tolomeo sfidava Arsinoe II.

Il Museo Pio-Clementino continua a presentare le migliori esposizioni classiche. Situato nel Palazzo del Belvedere, il Museo ha immortalato i nomi dei suoi fondatori - Papa Clemente XIV e Pio VI. I pontefici avevano tutte le ragioni per istituire il Museo. A quel tempo, nella seconda metà del XVIII secolo, il tesoro vaticano non ospitava la più grande collezione di opere d'arte che i loro predecessori avevano raccolto per alcuni secoli. Vennero quindi ricostruiti il Tesoro e il Palazzo del Belvedere. Da allora il Museo Pio-Clementino iniziò a ospitare reperti antichi. Si possono vedere ovunque una varietà di sculture e sarcofagi, nelle sale e nella corte interna ottagonale con colonnati.

L'Apoxyomenos è un simbolo degli sport antichi e un'eloquente dimostrazione del corpo atletico e snello degli atleti greci. La parola "Apoxyomenos" deriva dal verbo greco che significa "pulirsi". Prima delle gare, gli atleti dell'antica Grecia si ungevano il corpo con olio che veniva ricoperto di sabbia durante il torneo. Dopo le gare, gli atleti raschiavano via la miscela di sabbia e olio con un cucchiaio speciale chiamato strigile. La statua di Apoxyomenos mostra uno sportivo aggraziato, un po' rilassato, ma serio. La sua figura plastica e snella è una prova silenziosa della popolarità dello sport nell'antichità. Si tratta di una copia della statua in bronzo di Apoxyomenos, realizzata dallo scultore greco Lisippo nel 320 a.C..

Ora vi trovate nel cortile interno che è il nucleo di tutti i Musei Vaticani. Qui sono esposti magnifici sarcofagi romani con bassorilievi. Prima che questo cortile diventasse un'attrazione imperdibile inclusa nella guida dei Musei Vaticani, il cortile interno era un giardino di aranci. Ma Papa Giulio II lo migliorò collocando statue antiche all'ombra degli alberi. Più tardi, nel 1775, Papa Pio VI incaricò di recintare l'area del giardino con un portico ottagonale che incorniciava l'ingresso del palazzo. Dopo trent'anni furono costruite quattro nicchie separate da arcate ai quattro angoli. Si tratta della Nicchia di Laocoonte, della Nicchia di Perseo, della Nicchia di Apollo e della Nicchia di Hermes. Il giardino assunse così l'aspetto che vedete.

Apollo, il dio del sole e della luce, era chiamato "splendido" o "radioso". Per diversi secoli è stato un idolo della bellezza maschile. Subito dopo la sua creazione, la statua di Apollo del Belvedere fu ammirata sia dalla gente comune che da importanti scultori. L'esperto d'arte Johann Joachim Winckelmann considerava la statua come un punto di riferimento dell'arte greca. Disse che "tra tutte le opere dell'antichità scampate alla distruzione, la statua di Apollo rappresenta il più alto ideale dell'arte". Non appena la statua di marmo fu scoperta non lontano da Roma, a metà del XV secolo, fu collocata nel giardino del Belvedere in Vaticano. Così l'Apollo fu chiamato Apollo Belvedere. La scultura del Belvedere di Apollo raffigura il dio come un possente e affascinante arciere. Le sue mosse sono dinamiche, decise e coraggiose. Secondo gli storici, Apollo avrebbe tenuto un arco nella mano sinistra e una freccia nella mano destra. Sembra che abbia appena scoccato una freccia, in attesa di sapere quale bersaglio colpirà. Le frecce e l'arco nelle sue mani rappresentano il suo diritto di punire i peccatori e di purificare le persone pentite dai loro peccati. La testa di Apollo è coronata da una corona di alloro, simbolo di vittoria. Vicino al giovane c'è un tronco d'albero con il Drago Pitone ucciso da Apollo a Delfi.

Il gruppo di statue di Laocoonte e dei suoi figli mostra Laocoonte e i suoi figli attaccati da serpenti marini. Al culmine della guerra di Troia, Laocoonte mise in guardia i Troiani dall'astuzia e dall'abilità dei Greci. Chiese ai cittadini di non prendere il cavallo di Troia. Ma il popolo non ascoltò Laocoonte, e allora decise di lanciare una lancia per mostrare cosa fosse. Ma il potente Poseidone voleva che Troia fosse rovinata, quindi doveva impedire a Laocoonte di rivelarlo. Poseidone mandò due enormi serpenti ad attaccare Laocoonte e i suoi figli. I serpenti marini salirono dal mare, avvolsero il collo delle loro vittime e le uccisero. Il gruppo di statue esprime una teatralità melodrammatica. Lo scultore ha usato magistralmente la sua conoscenza del corpo umano per incidere la figura di Laocoonte nel momento di massima tensione. I muscoli del suo corpo erano tesi dal dolore e la sua bocca era distorta dal grido di morte. Sta piangendo non tanto se stesso quanto i suoi figli. Non solo la descrizione della battaglia mortale riflette la tragedia. La disperazione è data dalla sofferenza di Laocoonte e dei suoi figli, che saranno uccisi in pochi minuti. Ma pur sapendolo bene, Laocoonte spera ancora di allontanare i serpenti di mare e di liberarsi di loro. La scultura stupisce per il realismo e i dettagli dei muscoli del corpo umano, tesi e resistenti.

Ermete era l'emissario degli dei e il conduttore delle anime dei morti verso gli Inferi. Il suo altro nome era Psicopompo, che letteralmente significa "guida delle anime". Ermete era anche il patrono di pastori, ambasciatori, viaggiatori, maghi, alchimisti e astronomi. Inoltre, mercanti, commercianti e atleti lo veneravano. Secondo le leggende, Ermete inventò le unità di misura, i numeri e l'alfabeto e lo insegnò alla gente. La statua raffigura il giovane, forte e bello Ermes in tranquilla attesa. Il giovane dio guarda avanti con tranquillità. È malinconico; lo sguardo è abbassato, mentre un mantello gettato sulle spalle è avvolto intorno all'avambraccio. Hermes appoggia delicatamente il piede destro al tronco di una palma. L'autore ha incarnato nella scultura quel particolare fascino sognante con cui Hermes si realizza. Il marmo trasmette in modo sorprendente la fluidità e la morbidezza dei movimenti di Hermes, mentre mostra la giovinezza e la forza della sua figura.

Siete nella Sala degli Animali. Si tratta della più grande collezione mondiale di statue antiche di animali selvatici. Si è circondati da quasi 150 statue in alabastro, marmo colorato e bianco. Quasi tutti gli oggetti esposti sono copie di originali greci realizzate per ordine di Papa Pio VI. Alle statue lavorò lo scultore Francesco Antonio Franzoni. Le statue di animali e uccelli sono state restaurate alla fine del XIX secolo. Nella Sala degli Animali si possono ammirare la statua di Meleagro con il cane e la testa del cinghiale calidonio, il torso del Minotauro, sarcofagi romani appartenuti ai rappresentanti degli Scipioni.

Ora vi trovate nella Sala progettata dal pittore italiano Michelangelo Simonetti nel 1782. La Sala delle Muse è decorata da sedici colonne di marmo. Alzate lo sguardo e vedrete gli affreschi del soffitto di Tommaso Conca. Rappresentano Apollo e nove Muse circondati da famosi poeti del mondo antico: Omero, Eschilo, Pindaro, Virgilio, Tasso e Ariosto. Nella Sala delle Muse si trovano le statue in marmo di Apollo e di nove muse, le protettrici greche dell'arte. In realtà, queste sculture sono copie delle statue originali greche realizzate in bronzo nel III secolo a.C. Se si guarda al centro della sala, si vedrà il Torso del Belvedere, un modello di corpo idealmente e splendidamente proporzionato, secondo Michelangelo.

Gli storici hanno discusso sull'origine del Torso del Belvedere. Ma nonostante la mancanza di informazioni sulla statua, si sa che lo stesso Michelangelo ammirava le linee raffinate e realistiche della muscolatura. Mentre dipingeva a fresco il soffitto della Cappella Sistina, utilizzò l'immagine della statua accuratamente scolpita. Ma quando gli fu chiesto di ripristinare le parti mancanti del busto, il pittore si rifiutò di farlo perché considerava la statua ideale. Il teorico neo-atticista Johann Winckelmann paragonava il busto a "una possente quercia abbattuta e privata dei suoi rami". Gli storici ipotizzano che la statua possa rappresentare Eracle, Polifemo, Prometeo, Ares o Filottete. Ma la versione più diffusa parla di Aiace greco, seduto sulla pietra e intento a pensare al suicidio. Gli esperti d'arte hanno stabilito che la testa era inclinata verso la mano destra. E impugnava la spada con cui l'eroe si sarebbe tolto la vita. Si suppone che durante la guerra di Troia sia stato nominato comandante Odisseo e non Aiace, che si infuriò a tal punto da uccidersi.

La Round Hall ha quasi 250 anni. Fu progettata e costruita in stile classico nel suo periodo di massimo splendore, nel 1780. Il progetto fu affidato a Michelangelo Simonetti. Abbassate lo sguardo e vedrete che il pavimento è ricoperto da un mosaico romano del III secolo, raffigurante le battaglie dei guerrieri greci con tritoni e centauri. Al centro della Sala Rotonda si trova un'enorme vasca di porfido che ha una circonferenza di 13 metri. In precedenza abbelliva la Casa Holden dell'imperatore Nerone. Nelle nicchie si trovano 18 statue e busti in marmo di divinità romane e greche e di eroi mitologici. Da vedere la scultura di Antinoo. Si trovano anche il ritratto dell'imperatore Adriano raffigurato come Dioniso e la statua del possente Ercole. Questa è l'unica statua dorata sopravvissuta immutata dall'antichità.

Si tratta dell'unica statua in bronzo al mondo rivestita con l'antica doratura originale. Eracle tiene in mano una pesante clava, la pelle del leone e le mele delle Esperidi. Ricordano la prima e l'ultima delle dodici fatiche di Eracle. La pelle del leone di Nemea è un simbolo della prima fatica di Eracle. L'atleta doveva uccidere un enorme leone che terrorizzava le colline intorno a Nemea. Quando Eracle trovò una grotta dove viveva la bestia, bloccò l'ingresso con una pietra. Poi stordì il leone con la sua clava e lo strangolò a morte. Le mele delle Esperidi simboleggiano la dodicesima, la più difficile impresa compiuta da Eracle. Secondo le leggende, egli doveva recarsi da un titano, Atlante, e prendere tre mele d'oro dal suo giardino. Atlante reggeva il cielo sulle sue spalle e il giardino era sorvegliato dalle Esperidi, le sue figlie. Prima di riuscire a raccogliere le tre mele, Eracle trovò la strada per il giardino, ingannò il drago che difendeva gli alberi e lo stesso Atlante.

La Sala della Croce Greca è stata progettata da Michelangelo Simonetti. Abbassate lo sguardo all'ingresso della sala e vedrete che il pavimento è ricoperto da un prezioso mosaico datato al III secolo a.C. In primo luogo, questo mosaico rivestiva il pavimento della villa di Tuscolo, vicino a Roma. È interessante notare che la Sala è costruita a forma di croce greca. La croce greca è una croce con bracci rettangolari di uguale lunghezza e perpendicolari tra loro. Questa particolarità ha dato il nome alla sala. Un visitatore attento noterà gli elementi decorativi egiziani presenti in questa sala. Si possono vedere sarcofagi in porfido. Un sarcofago fu realizzato per Costanza, la figlia dell'imperatore Costantino, e il secondo per sua madre Elena. Osservate la decorazione del sarcofago di Elena. Sulla bara sono scolpiti i cavalieri romani che hanno sconfitto i barbari. Il sarcofago di Costanza è decorato con amorini scolpiti che raccolgono uva. Non passate inosservati di fronte a un reperto unico nel suo genere: la figura di una donna in movimento. La si può vedere dietro il Sarcofago di Sant'Elena. Gli storici ritengono che si tratti di un'unica statua superstite di Cleopatra. Tra le altre cose, nella Sala della Croce Greca si possono ammirare le sculture di Ottaviano Augusto e Giulio Cesare e i mosaici.

La Galleria dei Candelabri fu sistemata nel 1761. In origine fungeva da loggia aperta, ma fu ristrutturata per volontà di Papa Pio VI. La Galleria è estremamente vasta, ha una lunghezza di 80 metri ed è divisa da colonne di marmo in sei sezioni. Si può notare che questa divisione è piuttosto formale, e gli archi sostenuti dalle colonne determinano la superficie di ogni sezione. Ognuna di esse custodisce vasi, elementi di sarcofagi e altari, affreschi, urne funerarie, mosaici romani. Infine, lungo le pareti della Galleria sono esposti i principali reperti: candelabri in marmo del II secolo provenienti da Otricoli. Guardate sotto i vostri piedi all'ingresso della terza sala della Galleria. Proprio all'ingresso si trova un affresco che raffigura lo stemma della famiglia e le insegne papali rappresentate da due chiavi incrociate sotto un triregno. Su richiesta di Papa Leone XIII, il pittore italiano Ludwig Seitz realizzò una serie di affreschi. Nella Galleria dei Candelabri si possono ammirare copie romane di opere d'arte greche datate al I-III secolo a.C. Si possono osservare i pezzi più importanti: "Ganimede e l'aquila", "Artemide di Efeso", "Ragazzo con l'oca", "Il guerriero persiano".

La scultura Il carro a due cavalli è un simbolo di potere e di riconoscimento del comandante. Una biga militare è un veicolo solido, veloce, leggero e lussuoso. Questi carri trainati da cavalli erano guidati dai centurioni, i migliori militari romani. In questo modo dimostravano la loro appartenenza all'élite dell'esercito. Nel XVI secolo una biga, che i romani chiamavano biga, fu utilizzata come trono episcopale nella chiesa di San Marco a Roma. La composizione dinamica che vediamo è costituita dai pezzi assemblati durante il restauro del 1788. Lo scultore italiano Francesco Antonio Franzoni fu incaricato del restauro del carro. Restaurò le ruote del carro e uno dei cavalli, poi scolpì lui stesso il secondo.

Un'aquila solleva in aria il giovane e affascinante greco Ganimede e lo porta sul Monte Olimpo, il monte di tutti gli dei. Secondo le leggende, Zeus fu talmente preso dalla bellezza ultraterrena di Ganimede da rapire il giovane. Non si sa se il dio supremo abbia inviato l'uccello o se si sia trasformato lui stesso in aquila e abbia portato il giovane sull'Olimpo. Zeus concesse al padre del rubato Ganimede una vite d'oro, una coppia di cavalli e la parola che suo figlio sarebbe stato per sempre giovane e immortale. Dopo il rapimento, Ganimede divenne coppiere nell'Olimpo e servì gli dei con nettare e ambrosia. La scultura non ritrae un volo, ma solo il momento in cui l'aquila raggiunge con attenzione Ganimede e lo stacca da terra. Il corpo dell'uccello è disposto rigorosamente in verticale, con le ali aperte in orizzontale. Così, le figure di Ganimede e dell'aquila, incrociandosi, rappresentano qualcosa di simile a un calvario. Il cane di Ganimede alza la testa e guarda il suo padrone che si alza in cielo.

L'antica dea greca della caccia Artemide rappresenta la verginità, la purezza e la fertilità. Inoltre, era considerata la protettrice del matrimonio, delle coppie sposate e del parto. Artemide spesso si comportava come una cacciatrice, portando con sé una faretra, una lancia e delle frecce. Era anche raffigurata circondata da ninfe durante il bagno nel fiume. Gli animali di culto di Artemide, protettrice degli animali selvatici, erano l'orso e il cervo. L'Artemide di Efeso è una delle immagini della dea dalle molte facce. Simboleggia la fertilità. Gli storici discutono sugli oggetti sferici presenti sulla figura. Le opinioni divergono. Alcuni esperti affermano che si tratta di un seno femminile, altri specialisti ritengono che si tratti di un grappolo d'uva. Il suo copricapo e il suo sontuoso abbigliamento sono decorati con molte teste di toro e api che simboleggiano la natura e i suoi frutti.

La Galleria degli Arazzi, lunga 100 metri, fu sistemata nel 1790 per ordine di Papa Pio VII e inaugurata nel 1838. La Galleria ha preso il nome dalla città francese di Arras e dal termine derivato "arazzi" che designava i tappeti tessuti senza fibre. Questi abiti colorati con fili d'oro e d'argento furono realizzati per la prima volta nelle Fiandre alla fine del XV secolo.

In qualsiasi punto della stanza lo spettatore si trovi, è sorpreso di scoprire che Cristo sembra farsi avanti. È questo che rende l'arazzo così unico. La particolarità è la sua "prospettiva mobile", basata su calcoli matematici.

La Galleria delle Carte Geografiche è una delle tre gallerie superiori del Palazzo Apostolico in Vaticano. Per ospitare la Galleria delle Carte Geografiche è stato costruito un ulteriore piano nell'ala occidentale.

L'Appartamento di Pio V è costituito da una galleria con arazzi e da due piccole stanze. Non sono così spaziose come altre sale del museo, come l'Appartamento Borgia.

L'Ultima Cena è una scena della Bibbia che non ha bisogno di presentazioni. Questo è l'ultimo pasto della vita mortale di Gesù Cristo. Egli riunì i suoi dodici discepoli.

La Sala Sobieski prende il nome da un grande dipinto dell'artista polacco Jan Matejko (1838-1893).

L'Immacolata Concezione proclama che la Vergine Maria è stata scelta inizialmente per essere la Madre del Figlio di Dio. Per questo motivo era libera dal peccato originale e non lo ha ereditato al momento del concepimento.

Le Stanze di Raffaello sono costituite dalla Stanza dell'Incendio del Borgo, dalla Stanza della Segnatura, dalla Stanza di Eliodoro e dalla Sala di Costantino. Gli affreschi che vedete sono l'esempio di come il più grande pittore Raffaello Santi abbia immortalato il suo nome e quello dei suoi maestri e allievi grazie al suo talento e alla sua generosità. Ma partiamo dall'inizio.

Il bellicoso Massenzio provocò una guerra con il fedele Costantino, nel corso della quale ebbe luogo la battaglia di Ponte Milvio nel 312. È lì che Costantino chiese aiuto al Dio alla vigilia della battaglia, vedendo la superiorità delle forze nemiche. Egli credeva che la fede cristiana potesse fare miracoli e chiese a Dio un esito positivo della battaglia. La sera Costantino e il suo esercito videro un'enorme croce fiammeggiante nel cielo, sopra il sole. Sembrava fatta di stelle e recava l'iscrizione: "Con questo simbolo conquisterete!".

Secondo la leggenda, Papa Leone I arginò l'avanzata delle truppe unne guidate dal conquistatore Attila sulla via di Roma. Leone I, vestito con un ricco abito, su un cavallo bianco e circondato dai cardinali, si presentò davanti ad Attila.

La Scuola di Atene è il più famoso capolavoro di Raffaello. Tra le numerose opere d'arte del Rinascimento è unanimemente riconosciuta come la migliore. Al centro, i grandi pensatori Aristotele e Platone. Platone indossa un mantello rosso e assomiglia a Leonardo da Vinci. Alza le mani. Si riferisce alla sua visione e alle sue idee scientifiche, secondo le quali le idee si sviluppano in cielo. Aristotele, in abito blu, punta verso il basso, affermando che le idee sono inestricabilmente legate alla vita terrestre. L'affresco mostra i grandi pensatori del passato: Socrate affiancato da Platone e Diogene sdraiato sulle scale. In primo piano, in basso, Pitagora circondato da allievi. Al centro c'è Eracleito pensieroso, Euclide con in mano un compasso, affiancato da Zoroastro e Tolomeo che parlano con i loro allievi. Raffaello colloca magistralmente una cinquantina di personaggi nell'affresco, prestando la dovuta attenzione a ogni figura e assegnando a tutte un ruolo considerevole. Inoltre, dispone i suoi personaggi seguendo la logica, ma conservando le loro caratteristiche individuali. Si dice che Michelangelo abbia visitato la sala degli affreschi e si sia riconosciuto nel ritratto di Eracleito. Era molto soddisfatto che Raffaello lo avesse ritratto lontano dalla folla dei litiganti.

Il Borgo è un territorio adiacente al Palazzo dei Papi in Vaticano. Nell'847 ci fu un grande incendio. Gli sforzi per spegnere le fiamme ebbero successo solo quando Papa Leone IV uscì sulla loggia. La sua presenza fu sufficiente a spegnere l'incendio. In sostanza, questo fatto è l'elemento principale dell'affresco, anche se il Palazzo Vaticano e il pontefice sono raffigurati sullo sfondo. Papa Leone IV indossa la tiara, una tonaca bianca e un mantello scarlatto. Pronuncia ai romani il suo discorso benedicente. Raffaello non si concentra sul miracolo compiuto dal Papa, ma sulle persone spaventate e colte alla sprovvista. In primo piano c'è una giovane madre con un bambino che cerca un rifugio. Le donne disperate si inginocchiano e pregano per essere salvate. Raffaello dipinse i personaggi del leggendario poema "Eneide" che riuscirono a sfuggire all'incendio di Troia. Enea ha portato via il vecchio padre Anchise. A sinistra, vicino a Enea, c'è sua moglie, la giovane Creusa, e a destra il loro figlio Ascanio.

La cappella che si trova nell'angolo sud-ovest della Torre Borgia in cui siete entrati fu fondata nel 1631. Prima di diventare una sala del museo, questa piccola stanza faceva parte della residenza papale e veniva utilizzata per scopi liturgici.

L'Appartamento Borgia si trova direttamente sopra le Stanze di Raffaello. Bernardino Pinturicchio e i suoi allievi erano impegnati nella decorazione delle sale.

Inizialmente, Auguste Rodin chiamò la sua scultura più importante il Poeta. La statua è stata scolpita come parte della composizione dedicata alla Divina Commedia e raffigura Dante che guarda le sofferenze dei peccatori.

La scultura in cera raffigura un ritratto della moglie dell'artista, Giuditta Pozzi, e del loro figlio Francesco. La scultura è dinamica e plastica, anche se priva di forme distinte. Si tratta di un brillante esempio di scultura impressionista.

Il paesaggio è parte integrante dei dipinti di Dalì. Molti elementi di questa tela - un deserto infinito, sottili figure pallide, magnifiche nuvole e ombre distinte degli oggetti - sono presenti in altri dipinti di Dalì. La tela raffigura dieci figure: cinque angeli, quattro uomini e un unicorno bianco.

Adamo, il primo uomo sulla Terra, riceve la vita dalla mano dell'Onnipotente. La mente e la volontà di un giovane bello e forte sono ancora addormentate; egli allunga zoppicando la mano verso Dio, che trasmette con l'indice l'energia vitale alla sua creazione. La figura di Adamo racchiude il potere e la forza ricevuti da Dio. Il suo sguardo, rivolto a Dio, è pieno di attesa. È questa breve distanza tra le dita di Dio e quelle di Adamo che nasconde l'essenza e l'attrazione magnetica dell'intera opera. Sembra che il Creatore invii all'uomo una corrente elettrica, la scintilla della vita. Dio è raffigurato mentre vola nello spazio sconfinato dell'universo. Un mantello fluttua dietro di lui, come una vela. Unisce gli angeli che circondano il Creatore. Un angelo guarda alle spalle di Dio, colpito dalla bellezza del primo uomo. Gli esperti d'arte suggeriscono che i contorni del mantello ricordano i contorni del cervello umano. Questo simbolo mostra Dio come mente suprema, origine dei pensieri e della volontà dell'uomo.

Si tratta di uno degli affreschi più complessi e possenti per concezione e livello di complessità. In alto, a sinistra, ci sono angeli in volo. Essi tengono in mano i simboli della Passione: la Croce, i Chiodi, la Corona di spine. A destra gli angeli reggono la colonna della flagellazione e la lancia con la spugna imbevuta di aceto. Va notato che gli angeli sono dipinti senza ali, il che li fa sembrare persone comuni. Al centro dell'affresco si trovano la Madre di Dio e Cristo circondati dai santi, in attesa della sentenza. La figura di Cristo è la più grande, in un gesto dinamico e ampio, colto nel momento in cui viene pronunciato il verdetto del Giudizio Universale. Gli storici hanno discusso sui sentimenti associati al gesto di Cristo. Gli uni sostengono che è il modo in cui placa l'agitazione circostante, gli altri affermano che si tratta di un gesto di maledizione. La Vergine gira la testa, in attesa dell'esito del Giudizio. Cristo e la Vergine sono circondati dai santi martiri. Tengono in mano gli oggetti che hanno causato la loro morte in un modo o nell'altro. A destra di Cristo c'è San Pietro con la barba grigia e le due chiavi del cielo. In basso si vede San Bartolomeo con la sua pelle scorticata dai pagani. Il volto del martire è un autoritratto di Michelangelo. Di fronte a lui c'è San Lorenzo con la graticola su cui fu bruciato vivo dai pagani romani. A destra, su una delle nuvole, vediamo Santa Caterina d'Alessandria in abito verde. Tiene in mano la ruota dentata che servì come strumento per la sua esecuzione. Sopra Santa Caterina c'è San Paolo con un mantello rosso. Accanto a lei San Sebastiano si inginocchia tenendo le frecce in mano. I soldati romani gli hanno scagliato contro delle frecce. Proprio sopra Sebastiano, Sant'Andrea sembra scendere su una nuvola, tenendo la croce nella mano alzata. In basso a sinistra ci sono giovani vergini, sibille e personaggi dell'Antico Testamento. Al centro della sezione inferiore si trovano gli angeli dell'Apocalisse che stanno risvegliando i morti suonando le loro trombe. A destra, in basso, angeli e diavoli fanno cadere i dannati all'inferno. In fondo c'è Caronte che con la sua barca traghettava le anime per condurle davanti al giudice Minosse, il cui corpo è avvolto nelle spire del serpente. Poiché l'affresco raffigura figure nude, Michelangelo fu coinvolto nel conflitto con i moralisti. Il Maestro di Cerimonie Biagio da Cesena lo richiamò all'osservanza delle regole. Si lamentò che non era permesso dipingere figure nude in un luogo così sacro. Michelangelo non poté contraddirlo direttamente, ma rispose in un altro modo. A destra, in basso, tra i morti che venivano condotti all'Inferno, dipinse un uomo ridicolo con orecchie d'asino e coperto da un serpente arrotolato. La figura e il volto dell'uomo assomigliavano al volto del cardinale. Quando il cerimoniere vide il suo volto sull'affresco, si lamentò con il Papa Paolo III. La risposta del Papa fu brillante: "Posso dare ordini sulla terra, o per lo meno avrei un certo impatto, se si tratta del limbo. Ma in tutte le questioni che riguardano l'Inferno, sono impotente. Dovreste parlarne con Michelangelo...".

Cristo consegna solennemente al discepolo le chiavi d'oro e d'argento, dandogli così il permesso di perdonare i peccati e di far entrare le anime in paradiso. Questo affresco illustra il sedicesimo capitolo del Vangelo di Matteo. Al centro è raffigurato il messaggio principale dell'affresco: la consegna all'apostolo Pietro delle chiavi del regno dei cieli.

L'affresco mostra alcuni degli eventi più importanti della vita di Mosè. A destra, Mosè intercede per un ebreo che lavora nell'edilizia e viene picchiato da un sorvegliante. Mosè uccide accidentalmente l'egiziano e fugge dalla città.