Il tuo percorso.

Una statua di un leone alato con testa umana è stata rinvenuta tra le rovine di un antico palazzo, costruito negli anni 880 a.C. in Mesopotamia. Vicino all'ingresso del palazzo, appartenuto al re Assurnasirapala, si trovava una statua di un toro con ali d'aquila e testa umana. L'usanza assira di collocare davanti alle porte dei palazzi statue di animali in pietra, in particolare tori e leoni, è stata mutuata dalle credenze sumere. Tali sculture venivano collocate sia vicino alle porte della dimora reale, sia presso gli ingressi dei templi adiacenti al palazzo.Se si guarda il leone frontalmente, quasi negli occhi, sembra che sia seduto immobile. Ma se lo si osserva di profilo, si vede che sta camminando. Il leone alato non può essere definito né una scultura a sé stante, né un bassorilievo su una lastra. È una via di mezzo tra i due: un blocco di pietra con una figura tridimensionale scolpita sopra.A proposito, vicino all'ingresso del tempio della dea Ishtar, anch'esso adiacente al palazzo assiro, si ergeva una statua di un leone ruggente. Tali statue dovevano non solo proteggere il re dagli spiriti, ma anche spaventare i visitatori, incutendo loro timore, riverenza e tremore nei confronti del potente sovrano.

Davanti a noi c'è una semplice figura femminile, scolpita nel marmo da uno scultore cicladico sconosciuto nel III millennio a.C. Assomiglia più a una rappresentazione schematica dell'uomo che a una vera donna. È vero, però, che cinque millenni dopo, gli avanguardisti moderni avrebbero incarnato nelle loro opere proprio questi stessi tratti.Questa figura è priva di quelle caratteristiche delle statue femminili che conferiscono loro raffinatezza. Capiamo che si tratta di una donna solo grazie al seno sporgente e alle cosce leggermente arrotondate. La scultura non ha un volto, al suo posto c'è una superficie liscia con un piccolo rilievo che rappresenta il naso. Le mani sono incrociate sul petto – tra l'altro, questa è una caratteristica immancabile di tutti gli idoli in pietra delle Cicladi.Ma, nonostante la sobrietà artistica, si percepisce l’energia di questa figura. Essa esprime calma, serenità e persino sottomissione. La donna ha alzato la testa, ascoltando immobile qualcosa dall’alto, o forse sta pregando o cantando.La civiltà delle Cicladi è esistita sulle isole omonime dal 3200 al 2000 a.C. Le persone non solo allevavano bestiame e pescavano, ma creavano anche il proprio patrimonio culturale. Impararono a realizzare ornamenti in rame, argento e piombo e scoprirono il marmo. È proprio questa pietra che è diventata la custode dell'identità della loro cultura.

Il Monumento delle Nereidi è la tomba di Erbinna, sovrana della Licia, realizzata sotto forma di tempio su un piedistallo di dieci metri con colonne. Questa tomba colossale fu costruita nel 400 a.C. e fu scoperta da un viaggiatore inglese nel 1840 sul territorio dell'odierna Turchia.L'elemento più dinamico di questo complesso scultoreo sono i corpi slanciati e plastici delle Nereidi. Le ninfe, leggere e impalpabili, sembrano essere appena uscite dalla schiuma del mare. Solo un minuto fa si sono sollevate dal fondo del mare e hanno messo piede sulla terraferma, e già volteggiano in una danza – ognuna a modo suo.La mitologia narra che le Nereidi, figlie del dio del mare Nereo, vivono da millenni nelle profondità del mare, cantando e danzando al ritmo delle onde. Si mostrano agli esseri umani sulla terra solo di tanto in tanto, alla luce brillante della luna. Undici sculture di Nereidi, che un tempo adornavano la tomba, dopo la ricostruzione sono state disposte lungo la parete della galleria.Le statue non hanno né testa né volto, le mani sono danneggiate, ma questa loro caratteristica bizzarra e inquietante esercita un fascino magnetico sullo spettatore. Ai piedi delle principesse del mare si trovano delfini, seppie e gabbiani, mentre le Nereidi stesse sembrano unite in un fotogramma congelato: basta uno sguardo per capire che stanno danzando freneticamente.

La scultura in marmo di Iris, dea dell'arcobaleno, era collocata sul frontone occidentale del Partenone. Né la testa, né le braccia, né le gambe della statua si sono conservate, ma l'estetica e l'espressività che emanano dalla figura di Iride sono rimaste. Sembra quasi che irradichi energia dall'interno. Il drappeggio sottile delle vesti che svolazzano al vento, le sue pieghe minuscoli trasmettono l'immagine di una dea che porta gioia e luce. Iride fu creata da una nuvola come messaggera degli dei greci. È leggera come il vento, veloce come un ruscello, instancabile e quasi onnipresente, come l'arcobaleno dopo la pioggia. I miti narrano che Zeus la mandasse con una coppa a attingere acqua dallo Stige, il fiume dei morti. Solo lei, tra il pantheon divino, era in grado di svolgere questo compito: infatti poteva trovarsi sul fondo del mare, un attimo dopo in cielo e, un istante dopo ancora, negli inferi. Iride era chiamata "dalle ali d'oro", venerata come divinità marina e raffigurata in volo, con le ali spiegate. Per la sua bellezza, grazia e vivacità, il fiore dell'iris prende il nome dalla dea. A proposito, dieci anni fa al British Museum si notò che sulla cintura della statua di Iride erano appena visibili tracce di vernice blu. Fu proprio questa osservazione a portare alla conclusione che le statue del Partenone fossero dipinte con colori vivaci .

La testa del cavallo è l'unica parte conservata del frontone in marmo intitolato «La nascita di Atena», realizzato dallo scultore greco antico Fidia. Fidie lavorava con meticolosità, imprimendo con grande slancio nella pietra la fondatezza dei personaggi mitologici e il loro ruolo importante nella creazione del quadro del mondo. In altre parole, dava vita ai miti, li personificava, conferendo loro forme e contorni concreti, familiari all’occhio umano. Ecco, ad esempio, sul frontone della «Nascita di Atena» scolpì nel marmo il dio del sole Helios, che emerge dal mare su un carro trainato da cavalli.Nell'angolo destro del frontone era raffigurato un altro carro. Su di esso la sua padrona – la dea della luna Selene – con il sorgere del sole lascia il cielo, cedendo fino a sera i domini celesti a Helios. È proprio la testa di uno dei cavalli di Selene che vediamo ora davanti a noi.Grazie alla straordinaria realisticità della scultura, abbiamo davanti a noi un cavallo quasi vivo: aggraziato, nobile e plastico. Magro e stanco, è comunque indubbiamente bello. A proposito, il poeta tedesco Johann Goethe era convinto che proprio questa scultura fosse la rappresentazione più ideale del cavallo esistente.

La metopa marmorea del Partenone è un rilievo che illustra la battaglia tra il centauro e il Lapito.I Lapiti erano giganti appartenenti a una tribù semimitica dell'antica Grecia. Vivevano in Tessaglia, nei pressi dell'Olimpo e sul Pelio, da dove erano stati precedentemente scacciati i centauri, creature metà uomo e metà cavallo. Secondo le tradizioni mitologiche, i Lapifi e i Centauri erano nemici. Le raffigurazioni della loro battaglia sono uno dei soggetti più popolari della cultura dell'antica Grecia. Ed ecco perché combattono. I Centauri furono invitati al matrimonio del re della Tessaglia, Peirifo, dove, dopo aver bevuto del vino, si ubriacarono rapidamente. Essendo ubriachi, pensarono di rapire le mogli e le figlie dei Lapifi. Ma non ci riuscirono: i Lapifi si accorsero del complotto e difesero le donne, e i centauri ubriachi furono sconfitti. Proprio questa battaglia tra i Lapifi infuriati e i centauri forti, sebbene ubriachi, è raffigurata sulle metope del Partenone. Sulla lastra è raffigurato un Lapifo che si difende da un centauro che lo tiene per la gola. È degno di nota il fatto che i corpi dei Lapifi e dei centauri siano umanizzati: sono plastici, di corporatura atletica e simili a lottatori greci. È interessante anche il modo in cui lo scultore contrappone i rivali. Il Lapifo è l'Ellino ideale, sobrio ma forte e giusto, mentre il volto del centauro è deformato dalla rabbia.

Il fusto marmoreo della colonna proveniente dal tempio di Artemide a Efeso fu rinvenuto negli anni '70 del XIX secolo da un ricercatore inglese. Il tempio dedicato ad Artemide, ricostruito tra il 340 e il 320 a.C., è una delle sette meraviglie del mondo. In realtà, si tratta di una ricostruzione, realizzata dopo un incendio, di un altro tempio di Artemide, bruciato dall'irruente Erostrato nel 356 a.C. Il primo tempio originale fu eretto nel V secolo a.C. Sia esso che la sua ricostruzione erano circondati da due file di colonne che poggiavano su 36 particolari tamburi alti quanto un uomo. Questi sono stati riprodotti fedelmente anche nel secondo tempio, di cui vediamo ora un frammento davanti a noi. Questo tamburo decorato con un rilievo illustra il mito di Alcestide, moglie dell'eroe Admeto. Apollo permise ad Admeto di sfuggire alla morte a condizione che qualcun altro scendesse nel regno dei morti. Quella persona fu Alcestide. Ma Eracle, desiderando aiutare la coppia, scese negli inferi, sconfisse il demone della morte e restituì Alcestide al marito. Sul bassorilievo è scolpita la figura di Hermes con il bastone magico in mano; accanto a lui vediamo Alcestis, che egli deve riportare sulla terra; alla sua destra, il signore del mondo dei morti, Ade, e sua moglie Persefone. Accanto ad Alcestis è raffigurato il dio della morte Thanatos, e dietro di lui l'eroe Eracle.

La Stele di Rosetta è una lastra monolitica di roccia simile al granito. Si tratta di un masso ricoperto di segni minuscoli, appena distinguibili, in tre lingue. Il primo testo è scritto in greco antico, il secondo è composto da geroglifici, mentre il terzo è scritto in scrittura demotica, ovvero geroglifici semplificati. La pietra, del peso di 760 kg, fu trovata da un capitano francese durante la costruzione di un forte vicino a Rosetta, nel delta del Nilo, e capì subito che si trattava di una grande scoperta. La lastra fu immediatamente inviata al Cairo, all’Istituto Egizio, e poi al British Museum. Gli studiosi si misero all’opera per decifrare i segni scritti. Scoprirono che nel 196 a.C. i sacerdoti egizi incisero sulla Stele di Rosetta un testo dedicato al sovrano Tolomeo V Epifane. Tuttavia, a causa dei danni subiti, nessun testo si è conservato integralmente. Decifrare la scrittura demotica non fu difficile, mentre il testo geroglifico rimaneva del tutto incomprensibile. Per tutti si trattava di simboli sconosciuti, che avevano perso il loro significato con la scomparsa degli antichi egizi. Per tutti, tranne che per il giovane egittologo Jean-François Champollion. 200 anni fa, egli decifrò i geroglifici avvalendosi della sua conoscenza del greco antico. Lo studioso mise a confronto i tre testi, calcolando il significato di ciascun geroglifico. La sua sbalorditiva relazione del 1841 all'Accademia delle Iscrizioni di Parigi, secondo cui i geroglifici sulla Stele di Rosetta erano comunque leggibili, segnò l'inizio dell'egittologia.

La statua del faraone Ramses II, realizzata nel XIII secolo a.C. in granito rosso, è un'opera eccezionale degli scultori dell'antico Egitto. Esaltando il faraone ideale, il monumento incarna lo splendore dell'arte che fiorì proprio sotto Ramses II. Egli fu il terzo re della XIX dinastia, un uomo saggio, capace di comprendere l'importanza della cultura per il paese. Per abbellire il regno, fece costruire in Egitto templi e palazzi con sontuosi portici.Ramses II conquistò la Siria, combatté a lungo contro il regno degli Hittiti e, dopo averli sconfitti, mantenne la pace grazie a un matrimonio. Nonostante la prima e principale moglie di Ramses fosse Nefertari Merenmut, egli sposò anche altre due principesse ittite.Ramses II regnò per 67 anni, morì nel 1212 a.C., sopravvivendo a dodici figli e passando il potere al tredicesimo, Merneptah.Ramses era senza dubbio ambizioso, e gli lusingava il fatto che già durante la sua vita fosse divinizzato, definito il sole sulla terra. E anche dopo la sua morte, il suo culto sopravvisse in Egitto per un intero millennio.

Sembra che stiamo osservando un frammento di pietra in cui si intravedono a malapena i contorni di una qualche creatura. Osservando attentamente il reperto, è possibile riconoscerci uno scarabeo. Si tratta di uno dei simboli più venerati della cultura dell'antico Egitto. Le sue raffigurazioni erano tra le più popolari nei dipinti delle tombe e nelle decorazioni dei papiri. Gli egizi credevano che questo insetto, con la sua vita, ripercorresse il cammino del Sole. Proprio come il grande astro celeste, pieno di energia vitale e di raggi benefici, tramonta da un'estremità all'altra del cielo, illuminando e riscaldando, lo scarabeo fa rotolare la sfera contenente le uova dei piccoli finché non sono pronti a nascere.Gli antichi egizi credevano inoltre che tutti i piccoli animali e gli insetti nascessero dal limo del Nilo, mentre lo scarabeo venisse alla luce dalle sabbie del deserto, motivo per cui era considerato speciale.Sembrerebbe una strana analogia. Ma è proprio il movimento cadenzato dello scarabeo da est a ovest a riprodurre la nascita e la vita del Sole nel cielo. Per questo gli antichi egizi immaginavano lo scarabeo come un insetto sacro, che simboleggia la creazione del Sole e la rinascita nell'aldilà.

Davanti a noi c'è una statua chiamata Hoa Hakananai, scolpita in un blocco di lava grigia e rinvenuta sull'Isola di Pasqua. Questa terra è nota per migliaia di monumenti simili, ma proprio questa statua è stata definita dagli esperti il miglior esempio dell'arte scultorea degli aborigeni dell'isola. Il nome del monumento significa "amico rapito o nascosto". La statua, alta 2,5 metri, raffigura un uomo con la fronte pesante, il naso grande, il mento ben definito, le braccia sottili e il ventre leggermente arrotondato. Attualmente le orbite della statua sono vuote, ma in origine gli occhi erano incastonati con pietre scarlatte e l'intera figura era ricoperta di vernici rosse e bianche. La statua si trovava all'aperto, anche se la sua parte inferiore, probabilmente, si trovava all'interno di un edificio cerimoniale. La statua guardava con il volto verso il cratere vulcanico spento di Rano Kau, mentre con le spalle era rivolta verso l'oceano. È difficile stabilire l'età della figura, ma si sa che sculture simili iniziarono a essere realizzate qui nel 1000 e terminarono nel 1600, quando gli stessi isolani cominciarono a distruggere gli idoli un tempo venerati. Di recente, alcuni scienziati americani hanno fatto una scoperta fenomenale: tutte queste statue potevano servire agli aborigeni come fertilizzanti per il terreno. I chimici hanno analizzato il basalto con cui sono state realizzate le statue ai piedi del vulcano sull'isola e hanno scoperto che contengono calcio e fosforo, necessari per la crescita delle piante. Notando che il raccolto maturava meglio vicino alle statue di basalto vulcanico, gli aborigeni potrebbero aver creduto nell’influenza delle statue sulla fertilità della terra. Così queste figure sono apparse ovunque, come venerazione di una divinità sconosciuta che aiutava nell’agricoltura.

La bodhisattva Tara è la principale dea del buddismo, consorte del bodhisattva Avalokitesvara. La sua statua in bronzo è stata realizzata tra il 700 e il 750 e ritrovata sulla costa dello Sri Lanka. Raffigura Tara come una donna con un'acconciatura alta, ricoperta di costosi e pesanti ornamenti e dalla figura regale e splendida. I lobi delle sue orecchie potrebbero essere stati allungati dal peso di orecchini preziosi, come a suo tempo quelli del Buddha. Oppure, forse, si tratta dell’incarnazione di un antico detto cinese: più lungo è il lobo dell’orecchio, più intelligente è la persona e più a lungo vivrà. Secondo le leggende, quando Avalokitesvara piangeva le sofferenze del mondo, da una lacrima che gli scivolò dal viso nacque un loto. E dal fiore nacque Tara, che divenne sua consorte, e da allora insieme guidano l'uomo attraverso le numerose reincarnazioni dell'anima. Tara è considerata la più potente dea della compassione e la protettrice dell'umanità dai pericoli. Oggi è la dea più venerata in Tibet, Mongolia e Buriazia.

La statua del bodhisattva Avalokitesvara in bronzo dorato è stata realizzata in Nepal nel XVI secolo. Il Bodhisattva è una delle divinità più venerate nel buddismo. È il simbolo dell'energia della compassione, insita fin dalla nascita in ogni essere vivente sulla Terra.Spesso il Bodhisattva viene chiamato la divinità che Ascolta i Suoni del Mondo. Si ritiene che egli stia in piedi su una montagna e ascolti il mondo, distinguendo in esso il pianto e le disgrazie delle persone che chiedono incessantemente aiuto. Egli risponde sempre alle sofferenze esistenti nel mondo umano, provando pietà e compassione per le persone. Inoltre, neutralizza l'energia negativa e dona empatia a tutti senza eccezioni, indipendentemente dai loro errori. In questo modo, si dice che renda tutti uguali tra loro. La statua di Avalokitesvara lo raffigura giovane e snello, con un'acconciatura elaborata. Al collo, sugli avambracci, sui polsi, sulle dita, sulle caviglie e sui piedi indossa ornamenti con pietre preziose.

La statua in ceramica del monaco buddista Luohan è stata modellata tra il X e il XIII secolo nella Cina settentrionale. È stata creata durante il regno della dinastia Song. In quel periodo la cultura cinese raggiunse un fiorire senza precedenti, con la sua poesia originale, la pittura raffinata e, naturalmente, la scultura ricercata. La statua di Luohan è stata modellata in argilla, poi cotta in un forno speciale per ceramica a una temperatura di 1000 gradi. Successivamente, l'artista ha ricoperto la scultura con uno smalto colorato e l'ha ricotta in un forno a temperatura più bassa. L'artista ha dotato la figura dell'eremita, che ha compreso la verità del buddismo, dei tratti di una persona concreta. Per questo sembra che davanti a noi ci sia il ritratto di un uomo realmente esistito, con un nome e una storia di vita. Si tratta di un uomo virtuoso che ha rinunciato ai desideri terreni, come insegna il buddismo, e che, per questo, non ha conosciuto né sofferenze né delusioni. Luo Han è seduto nella tradizionale posizione buddista a gambe incrociate, con le mani appoggiate sulle ginocchia. Ha un'aria scontrosa e persino severa: il naso, la fronte e le sopracciglia sono concentrati e seri. Ma la durezza e la severità di Luohan sono addolcite dai colori vivaci dei suoi abiti: il mantello ocra e il mantello verde conferiscono alla figura luminosità e vivacità.

La statua in pietra della dea huasteca è stata realizzata tra il 900 e il 1500 a.C. ed è stata rinvenuta non lontano dal fiume Panuco, in Messico. All'osservatore moderno la scultura può sembrare un po' spigolosa, goffa e persino inquietante. Ma essa incarna le credenze della civiltà degli antichi Huasteci, che vivevano nel territorio dell'odierno Messico.

Hans Sloane – medico e naturalista inglese, nato nel 1660 nell'Irlanda del Nord, era un uomo di grande successo e ricco per gli standard dell'epoca. A 23 anni Hans consegue in Francia la laurea in medicina, diventa membro della Società Reale delle Scienze e allievo del famoso medico Thomas Sydenham. A 27 anni il medico si recò in Giamaica, descrisse specie di piante mai viste in Europa e fece conoscere al mondo una nuova prelibatezza. Ebbe l'idea di addolcire con il latte una bevanda dal sapore sgradevole che si otteneva quando gli indigeni giamaicani mescolavano con acqua la polvere ricavata dai semi di cacao. Fu così che l'Inghilterra scoprì la ricetta del latte al cioccolato. Hans torna a Londra con una vasta collezione di curiosità e un desiderio irresistibile di collezionare oggetti antichi. Il desiderio di avere un negozio di antiquariato richiedeva molto denaro. Fu così che Hans trovò una forte motivazione per diventare uno specialista di prim'ordine. La pratica medica di Sloan nell'alta società gli procurò pazienti illustri: la regina Anna, i re Giorgio I e Giorgio II, un titolo nobiliare ereditario e la prestigiosa carica di capo della Royal College of Physicians. Sloane riuscì comunque a realizzare il suo sogno: nella dimora di Montagu House raccolse una collezione colossale di settantamila oggetti di valore autentici: monete, medaglie, libri, sculture e oggetti decorativi. Dopo la morte di Sloane nel 1753, come previsto nel testamento, il Parlamento versò al suo esecutore testamentario 20.000 sterline e la collezione divenne pubblica. Nel 1759 la collezione di Hans Sloane fu aperta gratuitamente al pubblico, e ad essa si aggiunsero le collezioni del conte Robert Harley e la biblioteca dell'antiquario Robert Cotton. Oggi, 250 anni dopo, le conosciamo come il British Museum a Bloomsbury.

Davanti a noi c'è Settimio Severo, un giovane imperatore romano nel pieno delle sue forze e del suo potere. La scultura è stata trovata nella città egiziana di Alessandria nel 1801.La statua di Settimio è straordinariamente dettagliata. Grazie a ciò, non solo i lineamenti, ma anche i pensieri dell'imperatore sembrano vivi, chiaramente leggibili sul volto. Vediamo Settimio con la barba a due punte e i capelli ricci, vestito con abiti militari.

La testa della statua dell'imperatore Augusto fu rinvenuta nel 1912 dal professor John Garstang in Sudan, nella città di Meroe.La testa apparteneva alla statua dell'imperatore romano Augusto. Egli regnò per 13 anni a partire dal 27 a.C. Il sovrano romano conquistò l'Egitto e da allora nelle città egizie lungo il Nilo sorsero numerose statue di Augusto. Le sculture in ogni angolo dell'Impero Romano servivano a glorificare il suo sovrano più famoso. La storia narra che Amanirena, la crudele regina del regno meroitico di Kush, nel 24 a.C. radunò i Kushiti e li guidò all'attacco contro l'Egitto. Dopo aver conquistato diversi forti romani nel sud dell'Egitto, i Kushiti decapitarono simbolicamente la statua del precedente imperatore romano, quasi a segnare il declino dell'Impero Romano. I Kushiti portarono con sé la testa di bronzo di Augusto, staccata dalla statua. La feroce regina la seppellì sotto i gradini del tempio, come simbolo del fatto che Roma sarebbe rimasta a lungo ai piedi dei conquistatori. La testa fu ritrovata lì all'inizio del XX secolo.

La statuetta di una donna con un bambino è un esempio di arte cipriota preistorica. Si presume che questa statuetta in terracotta sia stata realizzata tra il 2000 e il 1800 a.C. Non si sa con certezza chi raffiguri esattamente la statuetta e quale sia il suo vero significato. Potrebbe essere l'immagine di una dea madre o di una semplice donna terrena con un bambino.

Questo papiro fu acquistato dal collezionista francese Antoine-Barthélemy Clot presso dei saccheggiatori di tombe e donato al British Museum.Sul papiro vediamo diverse illustrazioni di scene tratte dal "Libro dei morti". Il libro era scritto per i nobili – per ogni persona individualmente – ed era una raccolta di incantesimi che venivano letti sul defunto affinché potesse raggiungere il paradiso.Davanti a noi c'è una scena del giudizio nell'aldilà, disegnata appositamente per Hunefer. Si credeva che spiriti, demoni e la fame potessero impedire al defunto di presentarsi al giudizio, e questo comportava la morte eterna. Ma i rituali scritti sul papiro aiutavano l'anima a presentarsi al giudizio e a trovare la vita in paradiso. A proposito, il paradiso secondo gli egizi è il Nilo, che bagna le isolette dove le anime coltivano il grano e offrono sacrifici al grande fiume. Al giudizio, il defunto doveva giurare di non aver mentito, rubato o ucciso. L'onestà veniva verificata soppesando il cuore. Lo si metteva su un piatto della bilancia e sull'altro una piuma, simbolo della dea della verità Maat. Se il piatto non si muoveva, significava che il defunto non aveva mentito.Sul papiro, a destra della bilancia, vediamo Thot, il dio degli scribi con la testa di ibis. Lo osserva un mostro con la testa di coccodrillo e il corpo di leone: è Amat. Sul lato destro della scena è raffigurato Horus con la testa di falco, che conduce il defunto Hunefer al trono di suo padre Osiride, seduto sul trono. Dietro Osiride ci sono le sue sorelle: Iside e Nefti. Poiché Hunefer risulta essere senza peccato, Osiride gli concede una vita paradisiaca.

Questo dipinto è realizzato su tela di canapa, un materiale ricavato dalle fibre grezze degli steli della canapa.Il disegno a colori rappresenta metà di un dipinto a coppia, creato da un maestro coreano nel periodo tra il 1800 e il 1820. A quel tempo, nella cultura coreana regnava la cultura dello Stato di Joseon.

Davanti a noi c'è un vaso con farfalle e gigli realizzato in una speciale porcellana dura. Questa veniva ottenuta mediante cottura in forni a temperature che a volte raggiungevano i 1500 gradi.Su questo vaso raffinato, quasi impalpabile, è stato applicato un disegno con smalto verde-bluastro. La forma del vaso è classica per la ceramica cinese: fianchi arrotondati, collo stretto, sobrietà, assenza di dettagli e decorazioni.

Si tratta di un vaso a forma di luna con uccelli, un esempio di porcellana cinese perfetta: sottile come carta, trasparente come una lacrima e sonora come musica. La forma di questo vaso e dei suoi manici decorati è antichissima, mentre i colori e lo stile della pittura risalgono al periodo 1720-1735, durante il regno della dinastia Qing.

I vasi di David sono l'esempio più famoso di porcellana cinese bianco-azzurra. Furono realizzati per l'altare di un tempio taoista nel 1351. L'artista eseguì la pittura con cobalto blu-azzurro utilizzando un pennello finissimo, senza bozzetti né stencil preliminari.I vasi alti e arrotondati sono bordati da un disegno sottile e accurato. Sui vasi sono raffigurati draghi con zampe artigliate e bocche spalancate, circondati da ornamenti e motivi floreali in tono. Questi intricati intrecci di immagini divennero estremamente popolari durante il regno della dinastia Ming. Nel XIV secolo la Cina divenne la patria della tecnica con cui si creava la ceramica bianco-azzurra. Furono proprio questi oggetti, giunti in Europa, a provocare una vera e propria ondata di repliche di maiolica – stoviglie e decorazioni in ceramica dipinta.

Davanti a noi c'è un vaso di porcellana estremamente popolare in Cina, creato con una tecnica speciale nella metà del XIV secolo in Cina.La forma è quella di una brocca, mentre la funzione è quella di un lavabo.

Davanti a noi ci sono 78 grandi pezzi degli scacchi, realizzati a mano da un maestro norvegese medievale tra il 1150 e il 1200.Gli scacchi sono stati intagliati da una zanna di tricheco e da un dente di balena, materiali comuni per quell'epoca. I pezzi sono stati trovati per caso su un'isola scozzese da un contadino, che ha venduto in fretta il ritrovamento a un mercante. Da allora, i pezzi sono stati messi all'asta più volte, finché non sono arrivati ai musei scozzesi e britannici. A proposito, questi pezzi potevano essere utilizzati anche nell’henfatla, un gioco da tavolo scandinavo simile allo scacchi e alla dama allo stesso tempo. Ogni pedina ha un'estetica scultorea, come se fossero piccole proiezioni di vere e proprie statue. Vediamo re dai capelli lunghi sui troni, regine con coppe in mano, vescovi con mitre, cavalieri a cavallo con scudi e lance, guardie con spade e pedoni a forma di piramide. I pezzi sono robusti e un po' spigolosi: probabilmente è così che si vedevano gli antichi scandinavi. Hanno trasferito la loro bellicosità e severità nell'arte, trasformando la scacchiera in un campo di battaglia immaginario.