Twoja trasa.

Posąg skrzydlatego lwa z głową człowieka znaleziono wśród ruin starożytnego pałacu, zbudowanego w latach 880. p.n.e. w Mezopotamii. Przy wejściu do pałacu, należącego do króla Aszurnasirapala, stał posąg byka ze skrzydłami orła i głową człowieka. Asyryjski zwyczaj umieszczania przed drzwiami pałaców kamiennych posągów zwierząt, w szczególności byków i lwów, został zapożyczony z wierzeń Sumerów. Takie rzeźby ustawiano zarówno przy drzwiach rezydencji królewskiej, jak i przy wejściach do świątyń przylegających do pałacu.Jeśli spojrzeć na lwa prosto, jakby w twarz, wydaje się, że siedzi nieruchomo. Ale jeśli spojrzeć z boku, widać, że idzie. Skrzydlatego lwa nie można nazwać ani samodzielną rzeźbą, ani płaskorzeźbą na płycie. Jest to coś pośredniego między nimi – kamienny blok z trójwymiarową figurą na nim.Nawiasem mówiąc, przy wejściu do świątyni bogini Isztar, również przylegającej do pałacu asyryjskiego, stała statua ryczącego lwa. Takie posągi miały nie tylko chronić króla przed duchami, ale także straszyć odwiedzających, budząc w nich strach, cześć i drżenie przed potężnym władcą.

Przed nami znajduje się prosta rzeźba przedstawiająca kobietę, wyrzeźbiona w marmurze przez nieznanego rzeźbiarza z Cyklad w III tysiącleciu p.n.e. Przypomina ona raczej schematyczne przedstawienie człowieka niż prawdziwą kobietę. Co prawda, dokładnie te same rysy pięć tysięcy lat później uosabiają w swoich dziełach już współcześni awangardziści.Ta figura jest pozbawiona tych cech kobiecych posągów, które nadają im wyrafinowanie. Rozpoznajemy, że mamy przed sobą kobietę jedynie dzięki wystającym piersiom i lekko zaokrąglonym biodrom. Rzeźba nie ma twarzy, zamiast niej – gładka płaszczyzna z wystającym pagórkiem nosa. Ręce skrzyżowane na piersi – nawiasem mówiąc, jest to niezmienna cecha wszystkich kamiennych bożków z Cyklad.Jednak pomimo oszczędności środków artystycznych wyczuwalna jest energia tej postaci. Wyraża ona spokój, pogodę ducha, a nawet uległość. Kobieta podniosła głowę, nieruchomo słuchając czegoś z góry, a może modląc się lub śpiewając.Cywilizacja cykladzka istniała na wyspach o tej samej nazwie od 3200 do 2000 roku p.n.e. Ludzie nie tylko hodowali bydło i łowili ryby, ale także tworzyli swoje dziedzictwo kulturowe. Nauczyli się wykonywać ozdoby z miedzi, srebra, ołowiu i odkryli dla siebie marmur. To właśnie ten kamień stał się strażnikiem tożsamości ich kultury.

Pomnik Nereid to grobowiec Erbinny, władczyni Likii, wykonany w formie świątyni na dziesięciometrowym cokole z kolumnami. Ten kolosalny grobowiec został zbudowany w 400 roku p.n.e. i odkryty przez angielskiego podróżnika w 1840 roku na terenie współczesnej Turcji.Najbardziej dynamicznym elementem tego zespołu rzeźb są smukłe i plastyczne ciała Nereid. Lekkie i nieważkie nimfy wyglądają, jakby dopiero co wyszły na brzeg z morskiej piany. Zaledwie minutę temu wyłoniły się z dna morza i stanęły na lądzie, a już wirują w tańcu – każda na swój sposób.Mitologia głosi, że Nereidy, córki boga morza Nereusza, od tysiącleci żyją w głębinach morza, śpiewają pieśni i tańczą w rytm fal. Tylko sporadycznie ukazują się ludziom na lądzie – w jasnym świetle księżyca. Jedenaście rzeźb Nereid, które wcześniej zdobiły grobowiec, po renowacji ustawiono wzdłuż ściany galerii.Rzeźby nie mają głów ani twarzy, a ich ręce są uszkodzone, ale ta niezwykła i nieco przerażająca cecha działa na widza magnetycznie. U stóp morskich księżniczek znajdują się delfiny, kałamarnice i mewy, a same Nereidy wydają się zjednoczyć w zamrożonej klatce – wystarczy jedno spojrzenie na nie, by zrozumieć – że tańczą szaleńczo.

Marmurowa rzeźba Irydy, bogini tęczy, znajdowała się na zachodnim frontonie Partenonu. Nie zachowała się ani głowa, ani ręce, ani nogi posągu, ale estetyka i ekspresja emanująca z postaci Irydy pozostały. Wydaje się, jakby promieniowała energią z wnętrza. Delikatne drapowanie szat powiewających na wietrze, jej najdrobniejsze fałdy oddają wizerunek bogini niosącej radość i światło. Iryda została stworzona z chmury jako posłanka greckich bogów. Jest lekka jak wiatr, szybka jak strumień, niestrudzona i niemal wszechobecna, jak tęcza po deszczu. Mity głoszą, że Zeus wysłał ją z kubkiem, by nabrła wody ze Styksu – rzeki umarłych. Tylko ona z boskiego panteonu była w stanie sprostać temu zadaniu – w końcu potrafiła znaleźć się na dnie morza, za chwilę – w niebiosach, a jeszcze za chwilę – w podziemiach. Irydę nazywano złotoskrzydłą, czczono ją jako bóstwo morskie i przedstawiano jako latającą z rozpostartymi skrzydłami. Ze względu na jej piękno, wdzięk i jasność imieniem bogini nazwano kwiat irys. Nawiasem mówiąc, dziesięć lat temu w Muzeum Brytyjskim zauważono, że na pasie posągu Iridy ledwo dostrzegalne są ślady niebieskiej farby. Właśnie ta obserwacja pozwoliła stwierdzić, że posągi z Partenonu były pomalowane na jaskrawe kolory.

Głowa konia – jedyna zachowana część marmurowego frontonu zatytułowanego „Narodziny Ateny”, stworzonego przez starożytnego greckiego rzeźbiarza Fidiasza. Fidiasz pracował skrupulatnie, z rozmachem oddając w kamieniu fundamentalny charakter postaci mitologicznych i ich ważną rolę w tworzeniu obrazu świata. Innymi słowy, ożywił mity, uosabiał je, nadając im konkretne formy i kontury, znane ludzkiemu oku. Oto na przykład na frontonie „Narodziny Ateny” wyrzeźbił w marmurze boga słońca Heliosa, który wyłania się z morza na rydwanie zaprzęgniętym w konie.W prawym rogu frontonu przedstawiono jeszcze jeden rydwan. Na nim jego właścicielka – bogini księżyca Selena – wraz ze wschodem słońca opuszcza niebo, ustępując do wieczora niebiańskich władz Heliosowi. To właśnie głowę jednego z koni Seleny widzimy teraz przed sobą.Dzięki oszałamiającemu realizmowi rzeźby mamy przed sobą niemal żywego konia – pełnego wdzięku, szlachetnego i plastycznego. Chudy i zmęczony, jest jednak bezsprzecznie piękny. Nawiasem mówiąc, niemiecki poeta Johann Goethe był przekonany, że właśnie ta rzeźba jest najdoskonalszym z istniejących wizerunków konia.

Marmurowa metopa z Partenonu to płaskorzeźba przedstawiająca walkę centaura z Lapitem.Lapifami nazywano gigantów ze starożytnego greckiego plemienia o charakterze półmitycznym. Zamieszkiwali oni Tesalię, a także okolice Olimpu i Pelionu, skąd wcześniej zostali wygnani centaury – istoty półludzkie, półkońskie. Według mitologicznych przekaza Lapifowie i centaury byli wrogo nastawieni do siebie. Przedstawienia ich walki – jeden z najpopularniejszych motywów kultury starożytnej Grecji. A walczą oni z następującego powodu. Centaury zaproszono na wesele króla Tesalii, Peirifoya, gdzie po spożyciu wina szybko się upili. Będąc w nastroju, postanowili porwać żony i córki Lapifów. Nie udało się jednak – Lapifowie zauważyli spisek i obronili kobiety, a pijani centaury zostali pokonani. Właśnie ta walka rozgniewanych Lapifów z silnymi, choć podchmielonymi, centaurami została przedstawiona na metopach Partenonu. Na płycie widać, jak Lapif broni się przed centaurem, który trzyma go za gardło. Godne uwagi jest to, że ciała Lapifów i centaurów są zantropomorfizowane – są plastyczne, atletycznie zbudowane i przypominają greckich zapaśników. Ciekawe jest również to, w jaki sposób rzeźbiarz przeciwstawia sobie rywali. Lapif to idealny Hellas, powściągliwy, ale silny i sprawiedliwy, podczas gdy twarz centaura jest wykrzywiona z wściekłości.

Marmurowy trzon kolumny ze świątyni Artemidy w Efezie został odkryty w latach 70. XIX wieku przez angielskiego badacza. Świątynia ku czci Artemidy, odbudowana między 340 a 320 rokiem p.n.e., jest jednym z siedmiu cudów świata. W rzeczywistości jest to odtworzona po pożarze kopia innej świątyni Artemidy, spalonej przez lekkomyślnego Herostrata w 356 roku p.n.e. Pierwszą, oryginalną świątynię wzniesiono w V wieku p.n.e. Zarówno ona, jak i jej odpowiednik otoczone były dwoma rzędami kolumn, które opierały się na charakterystycznych bębnach o wysokości człowieka, których było 36. Zostały one dokładnie powtórzone w drugiej świątyni, której fragment widzimy teraz przed sobą. Ten ozdobiony reliefem bęben ilustruje mit o Alkestydzie, żonie bohatera Admeta. Apollo pozwolił Admetowi uniknąć śmierci, pod warunkiem, że ktoś inny zejdzie do królestwa zmarłych. Tą osobą została Alkestis. Jednak Herakles, pragnąc pomóc parze, zszedł do podziemi, pokonał demona śmierci i zwrócił Alkestis mężowi. Na płaskorzeźbie wyrzeźbiono postać Hermesa z magiczną laską w dłoni, obok niego widzimy Alkestis, którą ma on sprowadzić z powrotem na ziemię, a po jego prawej stronie – władcę świata zmarłych Hadesa i jego żonę Persefonę. Obok Alkestis przedstawiono boga śmierci Thanatosa, a za nim – bohatera Heraklesa.

Kamień z Rosetty to monolityczna płyta z kamienia górskiego podobnego do granitu. Jest to głaz pokryty drobnymi, ledwo dostrzegalnymi znakami w trzech językach. Pierwszy tekst jest napisany w języku starożytnej Grecji, drugi składa się z hieroglifów, a trzeci jest zapisany pismem demotycznym – uproszczonymi hieroglifami. Kamień o wadze 760 kg znalazł francuski kapitan podczas budowy fortu w pobliżu Rosetty, w delcie Nilu, i od razu zrozumiał, że to wielkie odkrycie. Płytę natychmiast wysłano do Kairu, do Instytutu Egiptu, a następnie do Muzeum Brytyjskiego. Naukowcy zabrali się za rozszyfrowanie znaków pisma. Ustalili, że w 196 roku p.n.e. egipscy kapłani wy wyryli na kamieniu z Rosetty tekst poświęcony władcy Ptolemeuszowi V Epifanowi. Prawda, że z powodu zniszczeń żaden tekst nie zachował się w całości. Rozszyfrowanie pisma demotycznego nie sprawiło trudności, podczas gdy tekst hieroglificzny pozostawał całkowicie niezrozumiały. Dla wszystkich były to nieznane symbole, które utraciły swoje znaczenie wraz z zagładą starożytnych Egipcjan. Dla wszystkich, z wyjątkiem młodego egiptologa Jeana-François Champolliona. 200 lat temu odczytał hieroglify, wykorzystując znajomość starożytnej greki. Naukowiec zestawiał trzy teksty, obliczając znaczenie każdego hieroglifu. Jego oszałamiający wykład w 1841 roku w paryskiej Akademii Inskrypcji, w którym stwierdził, że hieroglify na kamieniu z Rosetty są jednak czytelne, stał się początkiem egiptologii.

Statua faraona Ramzesa II, wykonana w XIII wieku p.n.e. z czerwonego granitu, jest wybitnym dziełem starożytnych egipskich rzeźbiarzy. Wychwalając idealnego faraona, pomnik uosabia blask sztuki, która rozkwitła właśnie za panowania Ramzesa II. Był on trzecim królem XIX dynastii, mądrym człowiekiem, który potrafił zrozumieć znaczenie kultury dla kraju. Aby upiększyć królestwo, wybudował w Egipcie świątynie i pałace z luksusowymi kolumnadami.Ramzes II podbił Syrię, długo walczył z królestwem Hetytów, a po zwycięstwie nad Hetytami utrzymał ten pokój dzięki małżeństwu. Mimo że pierwszą i główną żoną Ramzesa była Nefertari Merenmut, poślubił on jeszcze dwie księżniczki hetyckie.Ramzes II rządził przez 67 lat, zmarł w 1212 roku p.n.e., przeżywając dwunastu synów i przekazując władzę trzynastemu – Merneptahowi.Ramzes był bez wątpienia ambitny, schlebiało mu to, że jeszcze za życia czczono go jak boga, nazywając słońcem na ziemi. A po śmierci jego kult przetrwał w Egipcie jeszcze całe tysiąclecie.

Wydaje się, że widzimy fragment kamienia, w którym ledwo można dostrzec zarys jakiejś istoty. Przyglądając się eksponatowi uważnie, można w nim rozpoznać skarabeusza. Jest to jeden z najbardziej szanowanych symboli kultury starożytnego Egiptu. Jego wizerunki były niemal najpopularniejsze w malowidłach grobowców i zdobieniach papirusów. Egipcjanie wierzyli, że życie tego robaczka naśladuje drogę Słońca. Tak jak wielkie niebiańskie ciało niebieskie, pełne energii życiowej i błogich promieni, zachodzi z jednego krańca nieba na drugi, świecąc i ogrzewając, tak skarabeusz toczy kulę z jajami młodych, aż będą gotowe do narodzin.Starożytni Egipcjanie wierzyli również, że wszystkie małe zwierzęta i owady rodzą się z mułu Nilu, a skarabeusz pojawia się na świat z piasków pustyni, dlatego jest wyjątkowy.Wydawałoby się to dziwną analogią. Jednak to właśnie miarowy ruch skarabeusza ze wschodu na zachód odzwierciedla narodziny i życie Słońca na niebie. Dlatego starożytni Egipcjanie wyobrażali sobie skarabeusza jako świętego owada, który symbolizuje stworzenie Słońca i odrodzenie w życiu pozagrobowym.

Przed nami znajduje się posąg o nazwie Hoa Hakananai, wyrzeźbiony z bloku szarej lawy strumieniowej i znaleziony na Wyspie Wielkanocnej. Teren ten znany jest z tysięcy podobnych monumentów, ale właśnie ten posąg eksperci uznali za najlepszy przykład sztuki rzeźbiarskiej rdzennych mieszkańców wyspy. Nazwa pomnika w tłumaczeniu oznacza „porwany lub ukryty przyjaciel”. Statua o wysokości 2,5 metra przedstawia człowieka o ciężkim czole, dużym nosie, wyraźnym podbródku, smukłych rękach i lekko zaokrąglonym brzuchu. Obecnie oczodoły statuy są puste, ale pierwotnie oczy były inkrustowane szkarłatnymi kamieniami, a cała figura pokryta była czerwoną i białą farbą. Statua znajdowała się na świeżym powietrzu, choć jej dolna część prawdopodobnie stała wewnątrz budynku ceremonialnego. Twarzą statua była zwrócona w stronę wygasłego krateru wulkanicznego Rano-Kau, a plecami do oceanu. Trudno jest ustalić wiek figury, ale wiadomo, że podobne rzeźby zaczęto tu tworzyć w 1000 roku, a zakończono w 1600 roku, kiedy to sami wyspiarze zaczęli niszczyć niegdyś czczone bożki. Zupełnie niedawno amerykańscy naukowcy dokonali fenomenalnego odkrycia – wszystkie te posągi mogły służyć tubylcom jako nawóz do gleby. Chemicy przeprowadzili analizę bazaltu, z którego wykonano posągi u podnóża wulkanu na wyspie, i okazało się, że zawierają one wapń i fosfor, niezbędne do uprawy roślin. Zauważając, że plony dojrzewają lepiej w pobliżu posągów z bazaltu wulkanicznego, tubylcy mogli uwierzyć w wpływ posągów na żyzność ziemi. W ten sposób figury te pojawiły się wszędzie, jako wyraz czci nieznanego bóstwa, pomagającego w uprawie roli.

Bodhisattwa Tara – główna bogini buddyzmu, małżonka bodhisattwy Awalokiteśwary. Jej brązowa statua została wykonana w latach 700–750 i znaleziona na wybrzeżu Sri Lanki. Przedstawia Tarę jako kobietę z wysoką fryzurą, obwieszoną drogimi, ciężkimi ozdobami i o królewsko pięknej sylwetce. Płatki jej uszu mogły być wyciągnione pod ciężarem drogocennych kolczyków, podobnie jak u Buddy w swoim czasie. A może jest to ucieleśnienie starożytnej chińskiej wróżby – im dłuższy płatek ucha, tym mądrzejszy jest człowiek i tym dłużej będzie żył. Według legend, kiedy Awalokiteśwara opłakiwał cierpienia świata, z łzy spływającej po jego twarzy wyrosła lotosowa kwiat. Z kwiatu zrodziła się Tara, która została jego małżonką, i od tego czasu razem prowadzą ludzi przez liczne reinkarnacje duszy. Tara uważana jest za najpotężniejszą boginię współczucia i obrończynię ludzkości przed niebezpieczeństwami. Obecnie jest najbardziej czczoną boginią w Tybecie, Mongolii i Buriacji.

Posąg bodhisattwy Awalokiteśwary z pozłacanego brązu został wykonany w Nepalu w XVI wieku. Bodhisattwa to jedna z najbardziej czczonych w buddyzmie bóstw. Jest symbolem energii współczucia, która od urodzenia tkwi w każdej żywej istocie na Ziemi.Często bodhisattwę nazywa się bóstwem, które wsłuchuje się w dźwięki świata. Uważa się, że stoi on na górze i słucha świata, rozróżniając w nim płacz i nieszczęścia ludzi, którzy nieustannie proszą o pomoc. Zawsze reaguje na cierpienia istniejące w ludzkim świecie, litując się nad ludźmi i współczując im. Ponadto neutralizuje negatywną energię i obdarza współczuciem wszystkich bez wyjątku, niezależnie od ich przewinień. W ten sposób rzekomo czyni wszystkich równymi między sobą. Statua Awalokiteśwary przedstawia go jako młodego i szczupłego mężczyznę z wyszukaną fryzurą. Na szyi, przedramionach, nadgarstkach, palcach, kostkach i stopach ma ozdoby z kamieniami szlachetnymi.

Ceramiczna statuetka buddyjskiego mnicha Luohana została ulepiona w okresie od X do XIII wieku w północnych Chinach. Powstała w epoce panowania dynastii Song. Wtedy to kultura Chin osiągnęła niespotykany dotąd rozkwit, a wraz z nią jej charakterystyczna poezja, subtelne malarstwo i, oczywiście, wykwintna rzeźba. Statua Luohana została ulepiona z gliny, a następnie wypalona w specjalnym piecu ceramicznym w temperaturze 1000 stopni. Następnie mistrz pokrył rzeźbę kolorową glazurą i ponownie wypalił ją w piecu o niższej temperaturze. Mistrz nadał postaci pustelnika, który poznał prawdę buddyzmu, rysy konkretnej osoby. Dlatego wydaje się, że mamy przed sobą portret prawdziwie żyjącego mężczyzny z imieniem i historią życia. Jest to człowiek prawy, który wyrzekł się ziemskich pragnień, jak uczy buddyzm, i dlatego nie zaznał ani cierpień, ani rozczarowań. Luo Han siedzi w tradycyjnej buddyjskiej pozycji ze skrzyżowanymi nogami, z rękami spoczywającymi na kolanach. Jest ponury, a nawet surowy – jego nos, czoło i brwi są skupione i poważne. Jednak oschłość i surowość Luohana łagodzi barwność jego ubioru – ochrowy płaszcz i zielona peleryna nadają postaci jasności i żywiołowości.

Kamienna statua bogini Huastec została wykonana w okresie między 900 a 1500 rokiem p.n.e. i znaleziona niedaleko meksykańskiej rzeki Panuco. Współczesnemu widzowi rzeźba ta może wydawać się nieco kanciasta, niezgrabna, a nawet przerażająca. Uosabia ona jednak wierzenia przedstawicieli cywilizacji starożytnych Huastków, zamieszkujących tereny współczesnego Meksyku.

Hans Sloane – angielski lekarz i przyrodnik, urodził się w 1660 roku w Irlandii Północnej i był człowiekiem odnoszącym sukcesy i bogatym jak na ówczesne standardy. W wieku 23 lat Hans uzyskał we Francji tytuł doktora medycyny, został członkiem Królewskiego Towarzystwa Naukowego oraz uczniem słynnego lekarza Thomasa Sydenhama. W wieku 27 lat lekarz wyruszył na Jamajkę, opisał gatunki roślin nieznane w Europie i odkrył dla świata nowy przysmak. Wymyślił, by wzbogacić mlekiem napój o nieprzyjemnym smaku, który powstawał, gdy jamajscy tubylcy zalewali wodą proszek z ziaren kakaowca. W ten sposób Anglia poznała przepis na czekoladowe mleko. Hans wraca do Londynu z bogatą kolekcją osobliwości i nieodpartą chęcią gromadzenia starych przedmiotów. Pragnienie posiadania salonu antykwarycznego wymagało dużych nakładów finansowych. W ten sposób Hans zyskał silną motywację, by stać się specjalistą najwyższej klasy. Praktyka lekarska Sloana w wyższych sferach przyniosła mu znamienitych pacjentów: królową Annę, królów Jerzego I i Jerzego II, dziedziczny tytuł szlachecki oraz prestiżowe stanowisko przewodniczącego Królewskiego Korporacji Lekarzy. Sloanu udało się jednak zrealizować swoje marzenie – w rezydencji Montagu House zgromadził ogromną kolekcję siedemdziesięciu tysięcy autentycznych skarbów: monet, medali, książek, rzeźb i elementów wystroju wnętrz. Po śmierci Sloana w 1753 roku, zgodnie z testamentem, parlament wypłacił jego wykonawcy testamentu 20 tysięcy funtów szterlingów, a kolekcja stała się publiczna. W 1759 roku kolekcję Hansa Sloana udostępniono bezpłatnie wszystkim zainteresowanym, a do niej dołączyły kolekcje hrabiego Roberta Harleya oraz biblioteka antykwariusza Roberta Cottona. Teraz, 250 lat później, znamy je jako Muzeum Brytyjskie w Bloomsbury.

Przed nami Septymiusz Sewer – młody cesarz rzymski w kwiecie sił i potęgi. Rzeźba została znaleziona w egipskim mieście Aleksandria w 1801 roku.Statua Septymiusza jest niezwykle szczegółowa. Dzięki temu nie tylko rysy twarzy, ale i myśli cesarza wydają się żywe, wyraźnie odczytywane z twarzy. Widzimy Septymiusza z rozwidloną brodą i kręconymi włosami, ubranego w strój wojskowy.

Głowa z posągu cesarza Augusta została odkryta w 1912 roku przez profesora Johna Garstanga w Sudanie, w mieście Meroe.Głowa należała do posągu rzymskiego cesarza Augusta. Panował on przez 13 lat, począwszy od 27 roku p.n.e. Rzymski władca podbił Egipt i od tego czasu w egipskich miastach nad Nilem pojawiło się wiele posągów Augusta. Rzeźby we wszystkich zakątkach Imperium Rzymskiego służyły jako hołd dla jego najsłynniejszego władcy. Historia głosi, że Amanirena, okrutna królowa królestwa Meroitów w Kusz, w 24 roku p.n.e. zebrała Kuszytów i poprowadziła ich do ataku na Egipt. Po zdobyciu kilku rzymskich fortów na południu Egiptu Kuszici symbolicznie ścięli głowę posągowi poprzedniego cesarza rzymskiego, jakby zaznaczając upadek Imperium Rzymskiego. Kushici zabrali ze sobą odciętą od posągu brązową głowę Augusta. Okrutna królowa pochowała ją pod schodami świątyni, jako symbol tego, że Rzym długo będzie leżał u stóp zdobywców. Tam właśnie głowę znaleziono na początku XX wieku.

Figura kobiety z dzieckiem – przykład prehistorycznej sztuki cypryjskiej. Przypuszczalnie ta terakotowa figurka została wykonana w okresie od 2000 do 1800 roku p.n.e. Nie wiadomo dokładnie, kogo przedstawia figurka i jakie jest jej prawdziwe przesłanie. Może to być wizerunek bogini-matki lub zwykłej ziemskiej kobiety z dzieckiem.

Papirus ten został zakupiony przez francuskiego kolekcjonera Antoine'a-Barthélemy'ego Clo od rabusiów grobowców, a następnie przekazany do British Museum.Na papirusie widzimy kilka ilustracji scen z „Księgi Umarłych”. Księga ta była pisana dla szlachty – indywidualnie dla każdej osoby – i stanowiła zbiór zaklęć, które odczytywano nad zmarłym, aby trafił do raju.Przed nami scena sądu w królestwie zmarłych, narysowana specjalnie dla Chunefera. Uważano, że duchy, demony i głód mogą przeszkodzić zmarłemu w dostaniu się na sąd, a to groziło wieczną śmiercią. Jednak rytuały zapisane na papirusie pomagały duszy dostać się na sąd i znaleźć życie w raju. Nawiasem mówiąc, raj w rozumieniu Egipcjan to Nil, obmywający wysepki, gdzie dusze uprawiają zboże i składają ofiary wielkiej rzece. Podczas sądu zmarły musiał przysiąc, że nie kłamał, nie kradł i nie zabijał. Uczciwość sprawdzano, ważąc serce. Kładziono je na jedną szalę, a na drugą – pióro – symbol bogini prawdy Maat. Jeśli szala nie poruszała się, oznaczało to, że zmarły nie kłamał.Na papirusie po prawej stronie wagi widzimy Thota – boga skrybów z głową ibisa. Patrzy na niego potwór z głową krokodyla i ciałem lwa – to Amamat. Po prawej stronie sceny przedstawiony jest Horus z głową sokoła, prowadzący zmarłego Chunefera do tronu swojego ojca Ozyrysa, zasiadającego na tronie. Za Ozyrysem stoją jego siostry: Izyda i Neftyd. Ponieważ Chunefer okazuje się bezgrzeszny, Ozyrys obdarza go rajskim życiem.

Obraz ten został wykonany na tkaninie konopnej – materiale z grubego włókna łodyg konopi.Kolorowy rysunek stanowi połowę pary obrazów, stworzonych przez koreańskiego mistrza w latach 1800–1820. W tym czasie w kulturze koreańskiej dominowała kultura państwa Joseon. Był to okres odrodzenia buddyzmu po prześladowaniach i represjach.Na pierwszy rzut oka kompozycja przypomina chaotyczną plątaninę ornamentów i zawijasów.

Przed nami wazon z motylami i liliami wykonany ze specjalnej, twardej porcelany. Uzyskiwano ją poprzez wypalanie w piecach w temperaturach sięgających niekiedy 1500 stopni.Na delikatnym, niemal nieważkim wazonie naniesiono wzór niebieskawo-zieloną glazurą. Kształt wazonu jest klasyczny dla chińskiej ceramiki: zaokrąglone boki, zwężana szyjka, powściągliwość, brak detali i dekoracji. Za to malowidło jest bogate – kwiaty, pąki, liście, zawijasy.

To księżycowate naczynie z ptakami – przykład idealnej chińskiej porcelany – cienkiej jak papier, przezroczystej jak łza i dźwięcznej jak muzyka. Kształt tego naczynia i jego ozdobnych uchwytów jest bardzo stary, ale kolory i styl malowania pochodzą z lat 1720–1735 – okresu panowania dynastii Qing.

Wazy Davida to najbardziej znany przykład biało-niebieskiej chińskiej porcelany. Zostały one stworzone na ołtarz świątyni taoistycznej w 1351 roku. Mistrz wykonał malowidło niebieskawo-błękitnym kobaltem najcieńszym pędzelkiem, bez szkiców i wstępnych szablonów.Wysokie, zaokrąglone wazy otoczone są cienkim, precyzyjnym wzorem. Na naczyniach przedstawiono smoki z pazurami i otwartymi paszczami, otoczone ornamentami i kwiatowymi wzorami w tym samym odcieniu. Takie misternie splecione motywy stały się niezwykle popularne w okresie panowania dynastii Ming. W XIV wieku Chiny stały się kolebką techniki, dzięki której tworzono biało-niebieską ceramikę. To właśnie takie wyroby, trafiając do Europy, wywołały prawdziwy boom na repliki majoliki – malowanej ceramicznej zastawy stołowej i dekoracji.

Przed nami niezwykle popularne w Chinach naczynie porcelanowe, wykonane według specjalnej techniki w połowie XIV wieku w Chinach.Z kształtu przypomina dzban, a z przeznaczenia – umywalkę.

Przed nami 78 dużych figur szachowych, wykonanych ręcznie przez średniowiecznego norweskiego mistrza między 1150 a 1200 rokiem.Szachy zostały wyrzeźbione z kła morskiego i zęba wieloryba – materiałów typowych dla tamtych czasów. Figury zostały przypadkowo znalezione na szkockiej wyspie przez rolnika, który w pośpiechu sprzedał znalezisko kupcowi. Od tego czasu figurki były wielokrotnie wystawiane na aukcjach, aż trafiły do muzeów szkockiego i brytyjskiego. Nawiasem mówiąc, figurki te mogły być również używane w hnefatafl – skandynawskiej grze planszowej, przypominającej jednocześnie szachy i warcaby. Każda figurka charakteryzuje się rzeźbiarską estetyką, jakby były to małe projekcje prawdziwych posągów. Widzimy długowłosych królów na tronach, królowe z pucharami w dłoniach, biskupów w mitrach, rycerzy-jeźdźców z tarczami i włóczniami, strażników z mieczami oraz pionki w kształcie piramid. Figury są solidne i nieco kanciaste – prawdopodobnie właśnie tak postrzegali siebie starożytni Skandynawowie. Swoją wojowniczość i surowość przenieśli do sztuki, zamieniając szachownicę w wyobrażone pole bitwy.