Tu ruta.

Una estatua de un león alado con cabeza humana fue hallada entre las ruinas de un antiguo palacio construido en la década de 880 a. C. en Mesopotamia. Cerca de la entrada del palacio, que perteneció al rey Asurnasirpal, se encontraba una estatua de un toro con alas de águila y cabeza humana. La costumbre asiria de colocar estatuas de piedra de animales, en particular de toros y leones, frente a las puertas de los palacios, se tomó prestada de las creencias sumerias. Estas esculturas se colocaban tanto junto a las puertas de la residencia real como en los grupos de entrada de los templos adyacentes al palacio.Si se mira al león de frente, como si fuera a la cara, parece que está sentado inmóvil. Pero si se observa de perfil, se ve que camina. El león alado no puede considerarse ni una escultura independiente ni un bajorrelieve sobre una losa. Es algo intermedio entre ambos: un bloque de piedra con una figura tridimensional sobre él.Por cierto, junto a la entrada del templo de la diosa Ishtar, que también colindaba con el palacio asirio, se erigía una estatua de un león rugiente. Estas estatuas no solo debían proteger al rey de los espíritus, sino también intimidar a los visitantes, infundiéndoles miedo, reverencia y temor ante el poderoso gobernante.

Ante nosotros se encuentra una sencilla figura femenina, esculpida en mármol por un escultor desconocido de las Cícladas en el tercer milenio antes de nuestra era. Se asemeja más a una representación esquemática de un ser humano que a una mujer real. Sin embargo, cinco milenios más tarde, los vanguardistas modernos plasmarán en sus obras exactamente los mismos rasgos.Esta figura carece de esos rasgos de las estatuas femeninas que les confieren elegancia. Solo sabemos que se trata de una mujer por el pecho prominente y los muslos ligeramente redondeados. La escultura carece de rostro; en su lugar, presenta una superficie lisa con un montículo prominente en lugar de la nariz. Las manos están cruzadas sobre el pecho —por cierto, esta es una característica invariable de todos los ídolos de piedra de las Cícladas—.Pero, a pesar de la austeridad artística, se percibe la energía de esta figura. Expresa paz, serenidad e incluso sumisión. La mujer ha levantado la cabeza, escuchando inmóvil algo que viene de arriba, o tal vez está rezando o cantando.La civilización cicládica existió en las islas del mismo nombre entre los años 3200 y 2000 a. C. Sus habitantes no solo criaban ganado y pescaban, sino que también creaban su propio patrimonio cultural. Aprendieron a fabricar adornos de cobre, plata y plomo, y descubrieron el mármol. Fue precisamente esta piedra la que se convirtió en la guardiana de la identidad de su cultura.

El monumento a las Nereidas es la tumba de Erbinna, gobernante de Licia, construida en forma de templo sobre un pedestal de diez metros con columnas. Esta colosal tumba fue erigida en el año 400 a. C. y descubierta por un viajero inglés en 1840 en el territorio de la actual Turquía.Lo más dinámico de este conjunto escultórico son los cuerpos esbeltos y plásticos de las Nereidas. Las ninfas, ligeras e ingravideces, parecen haber salido a la orilla hace un instante de entre la espuma del mar. Hace apenas un minuto se alzaron del fondo del mar y pisaron tierra firme, y ya se han lanzado a bailar, cada una a su manera.La mitología cuenta que las Nereidas, hijas del dios del mar Nereo, viven desde hace milenios en las profundidades del mar, cantando canciones y bailando al compás de las olas. Solo se muestran de vez en cuando a los humanos en tierra, bajo la brillante luz de la luna. Las once esculturas de las Nereidas, que antes adornaban la tumba, se han dispuesto a lo largo de la pared de la galería tras la reconstrucción.Las estatuas carecen de cabeza y rostro, y tienen las manos dañadas, pero esta característica extraña y un tanto inquietante ejerce una atracción magnética sobre el espectador. A los pies de las princesas marinas se encuentran delfines, calamares y gaviotas, y las propias Nereidas parecen haberse fusionado en un fotograma congelado: basta con una sola mirada para comprender que están bailando frenéticamente.

La escultura de mármol de Iris, la diosa del arcoíris, se encontraba en el frontón occidental del Partenón. Ni la cabeza, ni las manos, ni las piernas de la estatua se han conservado, pero la estética y la expresión que emana de la figura de Iris permanecen. Es como si irradiara energía desde su interior. El delicado drapeado de la ropa, ondeando al viento, y sus más sutiles pliegues transmiten la imagen de una diosa que trae alegría y luz. Irida fue creada a partir de una nube como mensajera de los dioses griegos. Es ligera como el viento, rápida como un arroyo, incansable y casi omnipresente, como el arcoíris tras la lluvia. Los mitos cuentan que Zeus la enviaba con una copa a recoger agua del Estigia, el río de los muertos. Solo ella, de entre todo el panteón divino, era capaz de llevar a cabo esta tarea, pues podía estar en el fondo del mar, al instante siguiente en los cielos y, un momento después, en el inframundo. A Iris la llamaban «de alas doradas», la veneraban como deidad marina y la representaban volando, con las alas extendidas. Por su belleza, elegancia y viveza, la flor del iris lleva el nombre de la diosa. Por cierto, hace diez años, en el Museo Británico se observó que en el cinturón de la estatua de Iris se apreciaban tenuemente restos de pintura azul. Fue precisamente esta observación la que permitió concluir que las estatuas del Pártenon estaban pintadas con colores vivos .

La cabeza del caballo es la única parte que se conserva del frontón de mármol titulado «El nacimiento de Atenea», creado por el escultor griego antiguo Fidias. Fidias trabajaba con minuciosidad, plasmando con gran maestría en la piedra la esencia de los personajes mitológicos y su importante papel en la creación de la visión del mundo. En otras palabras, daba vida a los mitos, los personificaba, dotándolos de formas y contornos concretos, familiares al ojo humano. Así, por ejemplo, en el frontón «El nacimiento de Atenea», esculpió en mármol al dios del sol Helios, que emerge del mar en un carro tirado por caballos.En la esquina derecha del frontón se representaba otra carroza. En ella, su dueña —la diosa de la luna, Selene— abandona el cielo con la salida del sol, cediendo hasta el atardecer los dominios celestiales a Helios. Es precisamente la cabeza de uno de los caballos de Selene la que vemos ahora ante nosotros.Gracias al impresionante realismo de la escultura, ante nosotros se encuentra un caballo casi vivo: grácil, noble y plástico. Delgada y cansada, es, sin embargo, indudablemente bella. Por cierto, el poeta alemán Johann Goethe estaba convencido de que precisamente esta escultura era la representación más perfecta de un caballo que existe.

La metopa de mármol del Partenón es un relieve que ilustra la batalla entre el centauro y el lapita.A los lapifos se les llamaba gigantes de una tribu semimítica de la Antigua Grecia. Vivían en Tesalia, así como cerca del Olimpo y en el Pelión, de donde habían sido expulsados anteriormente los centauros, seres mitad hombres y mitad caballos. Según las tradiciones mitológicas, los lapifos y los centauros eran enemigos. Las representaciones de su combate son uno de los temas más populares de la cultura de la Antigua Grecia. Y he aquí por qué luchan. Los centauros fueron invitados a la boda del rey de Tesalia, Pirifo, donde, tras beber vino, se emborracharon rápidamente. Al estar ebrios, se les ocurrió secuestrar a las esposas e hijas de los lapifos. Pero no lo consiguieron: los lapifos se percataron de la conspiración y defendieron a las mujeres, y los centauros borrachos fueron derrotados. Es precisamente esta batalla entre los furiosos lapifos y los fuertes, aunque ebrios, centauros la que se muestra en las metopas del Partenón. En la placa se muestra cómo un lapifo se defiende de un centauro que lo sujeta por el cuello. Cabe destacar que los cuerpos de los lapifos y los centauros están humanizados: son plásticos, de complexión atlética y se asemejan a los luchadores griegos. También resulta interesante la forma en que el escultor contrapone a los rivales. El lapifo es el heleno ideal, comedido, pero fuerte y justo, mientras que el rostro del centauro está desfigurado por la ira.

El fuste de mármol de una columna del templo de Artemisa en Éfeso fue hallado en la década de 1870 por un investigador inglés. El templo dedicado a Artemisa, reconstruido entre los años 340 y 320 a. C., es una de las siete maravillas del mundo. De hecho, se trata de una réplica, reconstruida tras un incendio, de otro templo de Artemisa, incendiado por el temerario Herostrato en el año 356 a. C. El primer templo original se erigió en el siglo V a. C. Tanto este como su réplica estaban rodeados por dos hileras de columnas que se apoyaban en unos peculiares tambores de altura humana, de los que había 36. Estos se repitieron con exactitud en el segundo templo, cuyo fragmento vemos ahora ante nosotros. Este tambor, decorado con un relieve, ilustra el mito de Alcestis, esposa del héroe Admeto. Apolo permitió a Admeto escapar de la muerte si alguien más descendía al reino de los muertos. Esa persona fue Alcestis. Pero Heracles, deseando ayudar a la pareja, descendió al inframundo, venció al demonio de la muerte y devolvió a Alcestis a su marido. En el bajorrelieve está tallada la figura de Hermes con su vara mágica en la mano; junto a él vemos a Alcestis, a quien debe devolver a la tierra; a su derecha, al señor del mundo de los muertos, Hades, y a su esposa, Perséfone. Junto a Alcestis aparece representado el dios de la muerte, Thanatos, y detrás de él, el héroe Heracles.

La piedra de Rosetta es una losa monolítica de roca similar al granito. Se trata de un bloque salpicado de pequeños signos, apenas distinguibles, en tres idiomas. El primer texto está escrito en griego antiguo, el segundo consiste en jeroglíficos y el tercero está escrito en escritura demótica, es decir, jeroglíficos simplificados. La piedra, que pesa 760 kg, fue encontrada por un capitán francés durante la construcción de un fuerte cerca de Rosetta, en el delta del Nilo, y enseguida se dio cuenta de que se trataba de un gran hallazgo. La losa fue enviada inmediatamente a El Cairo, al Instituto Egipcio, y luego al Museo Británico. Los científicos se pusieron a descifrar los signos escritos. Descubrieron que, en el año 196 a. C., los sacerdotes egipcios grabaron en la piedra de Rosetta un texto dedicado al gobernante Ptolomeo V Epífano. Sin embargo, debido a los daños, ningún texto se conservó en su totalidad. Descifrar la escritura demótica no supuso ningún esfuerzo, mientras que el texto jeroglífico seguía siendo totalmente incomprensible. Para todos eran símbolos desconocidos que habían perdido su significado con la desaparición de los antiguos egipcios. Para todos, excepto para el joven egiptólogo Jean-François Champollion. Hace 200 años, él leyó los jeroglíficos utilizando sus conocimientos de griego antiguo. El científico comparó los tres textos, calculando el significado de cada jeroglífico. Su asombroso informe de 1841 en la Academia de Inscripciones de París, en el que afirmaba que los jeroglíficos de la piedra de Rosetta eran, después de todo, legibles, marcó el inicio de la egiptología.

La estatua del faraón Ramsés II, realizada en el siglo XIII a. C. en granito rojo, es una obra maestra de los escultores del Antiguo Egipto. Al ensalzar al faraón ideal, el monumento encarna el esplendor del arte que floreció precisamente bajo el reinado de Ramsés II. Fue el tercer rey de la XIX dinastía, un hombre sabio que supo comprender la importancia de la cultura para el país. Para embellecer el reino, construyó en Egipto templos y palacios con lujosas columnatas.Ramsés II conquistó Siria, luchó durante mucho tiempo contra el reino de los hititas y, tras vencer a estos, mantuvo la paz mediante el matrimonio. A pesar de que la primera y principal esposa de Ramsés fue Nefertari Merenmut, se casó además con otras dos princesas hititas.Ramsés II reinó durante 67 años, murió en el año 1212 a. C., sobrevivió a doce hijos y cedió el poder al decimotercero: Merneptah.Ramsés era, sin duda, ambicioso; le halagaba que, ya en vida, lo deificaran llamándolo «el sol en la tierra». Y tras su muerte, su culto perduró en Egipto durante todo un milenio.

Parece que estamos ante un fragmento de piedra en el que apenas se adivinan los contornos de una criatura. Al observar la pieza con atención, se puede reconocer en ella un escarabajo. Se trata de uno de los símbolos más venerados de la cultura del Antiguo Egipto. Sus representaciones eran casi las más populares en las pinturas de las tumbas y en la decoración de los papiros. Los egipcios creían que este escarabajo repetía con su vida el recorrido del Sol. Al igual que el gran astro celeste, lleno de energía vital y rayos benéficos, se pone por un extremo del cielo tras otro, iluminando y calentando, el escarabajo hace rodar la bola con los huevos de sus crías hasta que estén listos para nacer.Los antiguos egipcios creían además que todos los animales pequeños e insectos nacen del limo del río Nilo, mientras que el escarabajo escarabeo surge de las arenas del desierto, por lo que es especial.Parecería una analogía extraña. Pero es precisamente el movimiento mesurado del escarabajo de este a oeste lo que reproduce el nacimiento y la vida del Sol en el cielo. Por eso los antiguos egipcios imaginaban al escarabajo como un insecto sagrado que simboliza la creación del Sol y el renacimiento en la vida del más allá.

Ante nosotros se encuentra una estatua llamada Hoa Hakananai, tallada en un bloque de lava gris y hallada en la Isla de Pascua. Esta tierra es conocida por miles de monumentos similares, pero los expertos han calificado precisamente a esta estatua como el mejor ejemplo del arte escultórico de los aborígenes de la isla. El nombre del monumento significa, traducido, «amigo secuestrado o escondido». La estatua, de 2,5 metros de altura, representa a un hombre con frente ancha, nariz grande, mentón marcado, brazos delgados y vientre ligeramente redondeado. Actualmente, las cuencas de los ojos de la estatua están vacías, pero en un principio los ojos estaban incrustados con piedras escarlatas y toda la figura estaba cubierta de pinturas rojas y blancas. La estatua se encontraba al aire libre, aunque su parte inferior probablemente se encontraba dentro de un edificio ceremonial. La estatua miraba de frente al cráter volcánico extinto de Rano-Kau y daba la espalda al océano. Es difícil determinar la antigüedad de la figura, pero se sabe que este tipo de esculturas comenzaron a realizarse aquí en el año 1000 y terminaron en 1600, cuando los propios isleños empezaron a destruir los ídolos que antes veneraban. Hace muy poco, unos científicos estadounidenses hicieron un descubrimiento fenomenal: todas estas estatuas podrían haber servido a los aborígenes como abono para el suelo. Los químicos analizaron el basalto con el que están hechas las estatuas situadas al pie del volcán de la isla, y resultó que contienen calcio y fósforo, elementos necesarios para el cultivo de las plantas. Al observar que la cosecha maduraba mejor cerca de las estatuas de basalto volcánico, los aborígenes pudieron creer en la influencia de las estatuas sobre la fertilidad de la tierra. Así, estas figuras aparecieron por todas partes, como veneración a una deidad desconocida que ayudaba en la agricultura.

La bodhisattva Tara es la diosa principal del budismo, esposa del bodhisattva Avalokitesvara. Su estatua de bronce fue creada entre los años 700 y 750 y se encontró en la costa de Sri Lanka. Representa a Tara como una mujer con un peinado alto, adornada con joyas pesadas y costosas, y de una figura majestuosa y hermosa. Es posible que sus lóbulos estuvieran estirados por el peso de los pendientes de joyas, al igual que le sucedía a Buda en su época. O tal vez se trate de la encarnación de una antigua creencia china: cuanto más largo es el lóbulo de la oreja, más inteligente es la persona y más tiempo vivirá. Según las leyendas, cuando Avalokitesvara lloraba por los sufrimientos del mundo, de una lágrima que se deslizó por su rostro brotó un loto. Y de esa flor nació Tara, que se convirtió en su esposa, y desde entonces ambos guían al ser humano a través de múltiples renacimientos del alma. Se considera a Tara la diosa más poderosa de la compasión y la protectora de la humanidad frente a los peligros. En la actualidad, es la diosa más venerada de el Tíbet, Mongolia y Buriatia.

La estatua del bodhisattva Avalokiteshvara, de bronce dorado, fue realizada en Nepal en el siglo XVI. El bodhisattva es una de las deidades más veneradas en el budismo. Es un símbolo de la energía de la compasión, que está presente desde el nacimiento en cualquier ser vivo de la Tierra.A menudo se denomina al bodhisattva la deidad que «escucha los sonidos del mundo». Se cree que se encuentra en la montaña y escucha el mundo, distinguiendo en él el llanto y las desgracias de las personas que piden ayuda sin cesar. Siempre responde al sufrimiento que existe en el mundo humano, compadeciéndose de las personas y sintiendo empatía por ellas. Además, neutraliza la energía negativa y otorga compasión a todos sin excepción, independientemente de sus faltas. De este modo, supuestamente hace que todos y cada uno sean iguales entre sí. La estatua de Avalokiteshvara lo representa joven y esbelto, con un peinado elaborado. En el cuello, los antebrazos, las muñecas, los dedos, los tobillos y los pies luce adornos con piedras preciosas.

La estatua de cerámica del monje budista Luohan fue esculpida entre los siglos X y XIII en el norte de China. Se creó durante la dinastía Song. En aquella época, la cultura china alcanzó un esplendor sin precedentes, con su poesía original, su pintura refinada y, por supuesto, su exquisita escultura. La estatua de Luohan fue esculpida en arcilla y posteriormente cocida en un horno especial para cerámica a una temperatura de 1000 grados. A continuación, el maestro recubrió la escultura con esmalte de colores y la volvió a cocer en un horno a menor temperatura. El maestro dotó a la figura del ermitaño, que había alcanzado la verdad del budismo, de los rasgos de una persona concreta. Por eso parece que ante nosotros se encuentra el retrato de un hombre que realmente existió, con un nombre y una historia de vida. Se trata de un hombre justo que renunció a los deseos terrenales, tal y como enseña el budismo, y que, por ello, no conoció ni el sufrimiento ni las decepciones. Luo Han está sentado en la postura budista tradicional, con las piernas cruzadas y las manos apoyadas en las rodillas. Tiene un aspecto hosco e incluso severo: su nariz, su frente y sus cejas denotan concentración y seriedad. Pero la dureza y la severidad de Luohan se suavizan gracias al colorido de sus vestiduras: la capa ocre y la túnica verde aportan luminosidad y vivacidad a la figura.

La estatua de piedra de la diosa huasteca fue creada entre los años 900 y 1500 a. C. y se encontró cerca del río Panuco, en México. Al espectador actual, la escultura puede parecerle algo angulosa, desproporcionada e incluso aterradora. Sin embargo, personifica las creencias de los antiguos huastecas, que vivían en el territorio de la actual México.

Hans Sloane, médico y naturalista inglés, nació en 1660 en Irlanda del Norte y fue un hombre muy exitoso y rico para los estándares de la época. A los 23 años, Hans obtuvo el título de doctor en medicina en Francia, se convirtió en miembro de la Real Sociedad Científica y en discípulo del renombrado médico Thomas Sydenham. A los 27 años, el médico viajó a Jamaica, describió especies de plantas desconocidas en Europa y descubrió al mundo un nuevo manjar. Se le ocurrió endulzar con leche una bebida de sabor desagradable que obtenían los indígenas jamaicanos al mezclar con agua el polvo de los granos de cacao. Así fue como Inglaterra conoció la receta del chocolate con leche. Hans regresa a Londres con una gran colección de rarezas y un deseo irrefrenable de coleccionar objetos antiguos. El anhelo de tener un salón de antigüedades requería mucho dinero. Así fue como Hans encontró una poderosa motivación para convertirse en un especialista de primer nivel. La práctica médica de Sloan en la alta sociedad le reportó pacientes ilustres: la reina Ana, los reyes Jorge I y Jorge II, un título nobiliario hereditario y el prestigioso cargo de presidente de la Real Corporación de Médicos. Sloane logró finalmente hacer realidad su sueño: en la mansión Montagu House reunió una colección colosal de setenta mil objetos de valor auténticos: monedas, medallas, libros, esculturas y objetos decorativos. Tras la muerte de Sloane en 1753, tal y como se estipulaba en su testamento, el Parlamento pagó a su albacea 20 000 libras esterlinas, y la colección pasó a ser pública. Y en 1759, la colección de Hans Sloane se abrió gratuitamente al público, a la que se añadieron las colecciones del conde Robert Harley y la biblioteca del anticuario Robert Cotton. Ahora, 250 años después, las conocemos como el Museo Británico de Bloomsbury.

Ante nosotros se encuentra Septimio Severo, un joven emperador romano en la plenitud de sus fuerzas y su poder. La escultura fue hallada en la ciudad egipcia de Alejandría en 1801.La estatua de Septimio está fenomenalmente detallada. Gracias a ello, no solo los rasgos, sino también los pensamientos del emperador parecen vivos, claramente legibles en su rostro. Vemos a Septimio con barba bifurcada y cabello rizado, vestido con atuendo militar.

La cabeza de la estatua del emperador Augusto fue desenterrada en 1912 por el profesor John Garstang en Sudán, en la ciudad de Meroe.La cabeza pertenecía a la estatua del emperador romano Augusto. Este gobernó durante 13 años a partir del año 27 a. C. El gobernante romano conquistó Egipto y, desde entonces, aparecieron numerosas estatuas de Augusto en las ciudades egipcias situadas junto al Nilo. Las esculturas, repartidas por todos los rincones del Imperio romano, servían para ensalzar a su gobernante más famoso. La historia cuenta que Amanirena, la cruel reina del reino meroítico de Kush, reunió a los kushitas en el año 24 a. C. y los condujo a la conquista de Egipto. Tras conquistar varios fuertes romanos en el sur de Egipto, los kushitas decapitaron simbólicamente la estatua del anterior emperador romano, como si quisieran marcar el ocaso del Imperio Romano. Los kushitas se llevaron consigo la cabeza de bronce de Augusto que habían arrancado de la estatua. La feroz reina la enterró bajo las escaleras del templo, como símbolo de que Roma permanecería por mucho tiempo a los pies de los conquistadores. Allí se encontró la cabeza a principios del siglo XX.

La figura de una mujer con un niño es un ejemplo del arte prehistórico chipriota. Se cree que esta estatuilla de terracota fue fabricada entre los años 2000 y 1800 a. C. No se sabe con certeza a quién representa exactamente la figura ni cuál es su verdadero significado. Podría ser una representación de la diosa madre o simplemente de una mujer terrenal con un niño.

Este papiro fue adquirido por el coleccionista francés Antoine-Barthélemy Clot a unos saqueadores de tumbas y donado al Museo Británico.En el papiro vemos varias ilustraciones de escenas del «Libro de los Muertos». El libro se escribía para la nobleza —para cada persona de forma individual— y era una recopilación de conjuros que se leían sobre el difunto para que llegara al paraíso.Ante nosotros se presenta una escena del juicio en el reino de los muertos, dibujada especialmente para Hunefer. Se creía que los espíritus, los demonios y el hambre podían impedir que el difunto llegara al juicio, lo que suponía una amenaza de muerte eterna. Pero los rituales escritos en el papiro ayudaban al alma a llegar al juicio y a encontrar la vida en el paraíso. Por cierto, el paraíso, según la concepción de los egipcios, es el Nilo, que baña las islas donde las almas cultivan cereales y ofrecen sacrificios al gran río. En el juicio, el difunto debía jurar que no había mentido, robado ni matado. Se comprobaba su honestidad pesando el corazón. Este se colocaba en un platillo, y en el otro, una pluma, símbolo de la diosa de la verdad, Maat. Si el platillo no se movía, significaba que el difunto no había mentido.En el papiro, a la derecha de la balanza, vemos a Thot, el dios de los escribas con cabeza de ibis. Le observa un monstruo con cabeza de cocodrilo y cuerpo de león: se trata de Amamat. A la derecha de la escena aparece Horus, con cabeza de halcón, conduciendo al difunto Hunefer hacia el trono de su padre Osiris, entronizado. Detrás de Osiris se encuentran sus hermanas: Isis y Neftis. Como Hunéfer resulta ser inocente, Osiris le concede una vida paradisíaca.

Esta pintura está realizada sobre tela de cáñamo, un material elaborado a partir de la fibra gruesa de los tallos de la planta del cáñamo.El dibujo en color constituye la mitad de un cuadro de un par creado por un maestro coreano entre los años 1800 y 1820. En aquella época, la cultura de la dinastía Joseon dominaba la cultura coreana.

Ante nosotros se encuentra un jarrón con mariposas y lirios , elaborado con una porcelana especial y resistente. Se obtenía mediante cocción en hornos a temperaturas que, en ocasiones, alcanzaban los 1500 grados.Sobre el jarrón, delicado y casi ingrávido, se ha aplicado un dibujo con esmalte de color verde azulado. La forma del jarrón es clásica en la cerámica china: lados redondeados, cuello estrecho, sobriedad, ausencia de detalles y decoración.

Este recipiente con forma de luna y pájaros es un ejemplo de la porcelana china ideal: fina como el papel, transparente como una lágrima y resonante como la música. La forma de este recipiente y sus asas ornamentadas son de origen muy antiguo, mientras que los colores y el estilo de la pintura datan de los años 1720-1735, durante el reinado de la dinastía Qing.

Los jarrones de David son el ejemplo más famoso de porcelana china azul y blanca. Fueron creados para el altar de un templo taoísta en 1351. El maestro realizó la pintura con cobalto azulado utilizando un pincel de extrema finura, sin bocetos ni plantillas previas.Los jarrones altos y redondeados están bordeados por un dibujo fino y preciso. En los recipientes se representan dragones con garras y bocas abiertas, rodeados de ornamentos y motivos florales a juego. Estos intrincados entrelazamientos de imágenes se hicieron extremadamente populares durante el reinado de la dinastía Ming. En el siglo XIV, China se convirtió en la cuna de la técnica con la que se creaba la cerámica azul y blanca. Fueron precisamente estas piezas, al llegar a Europa, las que provocaron un auténtico auge de las réplicas de mayólica: vajilla y decoración de cerámica pintada.

Ante nosotros se encuentra un recipiente de porcelana extremadamente popular en China, creado según una técnica especial a mediados del siglo XIV en China.Por su forma, es una jarra, y por su función, un lavamanos.

Ante nosotros se encuentran 78 piezas de ajedrez de gran tamaño, fabricadas a mano por un maestro noruego medieval entre los años 1150 y 1200.Las piezas de ajedrez están talladas en colmillo de morsa y diente de ballena, materiales habituales en aquella época. Las piezas fueron encontradas por casualidad en una isla escocesa por un campesino, quien vendió rápidamente el hallazgo a un comerciante. Desde entonces, las piezas se han subastado en numerosas ocasiones, hasta que llegaron a los museos de Escocia y Gran Bretaña. Por cierto, estas piezas también podrían haberse utilizado en el hnefatafl, un juego de mesa escandinavo similar a una mezcla de ajedrez y damas. Cada pieza tiene una estética escultórica, como si fueran pequeñas proyecciones de estatuas reales. Vemos reyes de pelo largo en tronos, reinas con copas en las manos, obispos con mitras, caballeros a caballo con escudos y lanzas, guardias con espadas y peones en forma de pirámides. Las piezas son robustas y algo angulosas; probablemente, así es como se veían a sí mismos los antiguos escandinavos. Trasladaron su belicosidad y severidad al arte, convirtiendo el tablero de ajedrez en un campo de batalla imaginario.