O seu percurso.

Uma estátua de um leão alado com cabeça humana foi encontrada entre as ruínas de um antigo palácio, construído na década de 880 a.C. na Mesopotâmia. Perto da entrada do palácio, que pertencia ao rei Assurnasirpal, encontrava-se uma estátua de um touro com asas de águia e cabeça humana. O costume assírio de colocar estátuas de pedra de animais, em particular touros e leões, à frente das portas dos palácios foi emprestado das crenças dos sumérios. Tais esculturas eram colocadas tanto junto às portas da residência real como junto aos conjuntos de entradas dos templos adjacentes ao palácio.Se olharmos diretamente para o leão, como se fosse de frente, parece que ele está sentado imóvel. Mas, se olharmos de lado, percebe-se que ele está a andar. O leão alado não pode ser considerado nem uma escultura independente, nem um baixo-relevo numa placa. É algo a meio caminho entre os dois – um bloco de pedra com uma figura tridimensional gravada nele.A propósito, junto à entrada do templo da deusa Ishtar, também adjacente ao palácio assírio, erguia-se uma estátua de um leão a rugir. Tais estátuas deviam não só proteger o rei dos espíritos, mas também intimidar os visitantes, incutindo-lhes medo, reverência e temor perante o poderoso governante.

Temos diante de nós uma figura feminina simples, esculpida em mármore por um escultor desconhecido das Cíclades no III milénio a.C. Assemelha-se mais a uma representação esquemática de um ser humano do que a uma mulher real. No entanto, exatamente essas mesmas características serão incorporadas, cinco milénios mais tarde, nas obras dos vanguardistas contemporâneos.Esta figura carece das características das estátuas femininas que lhes conferem requinte. Percebemos que estamos perante uma mulher apenas devido ao peito saliente e às ancas ligeiramente arredondadas. A escultura não tem rosto; em vez disso, apresenta uma superfície lisa com uma protuberância proeminente a representar o nariz. As mãos estão cruzadas sobre o peito — aliás, esta é uma característica constante de todos os ídolos de pedra das Cíclades.Mas, apesar da parcimónia artística, sente-se a energia desta figura. Ela expressa paz, serenidade e até submissão. A mulher ergueu a cabeça, ouvindo imóvel algo vindo de cima, ou talvez esteja a rezar ou a cantar.A civilização das Cíclades existiu nas ilhas com o mesmo nome entre 3200 e 2000 a.C. As pessoas não só criavam gado e pescavam, como também criavam o seu património cultural. Aprenderam a fazer joias de cobre, prata e chumbo e descobriram o mármore. Foi precisamente esta pedra que se tornou a guardiã da identidade da sua cultura.

O Monumento das Nereidas é o túmulo de Erbinna, governante da Lícia, construído na forma de um templo sobre um pedestal de dez metros com colunas. Este túmulo colossal foi erguido em 400 a.C. e descoberto por um viajante inglês em 1840 no território da atual Turquia.O que há de mais dinâmico neste conjunto escultórico são os corpos esguios e plásticos das Nereidas. As ninfas leves e etéreas parecem ter acabado de sair da espuma do mar para a costa. Apenas um minuto atrás, elas emergiram do fundo do mar e pisaram em terra firme, e já se lançaram numa dança – cada uma à sua maneira.A mitologia diz que as Nereidas, filhas do deus do mar Nereu, vivem há milénios nas profundezas do mar, cantando canções e dançando ao ritmo das ondas. Apenas ocasionalmente se mostram aos humanos na terra — sob a luz brilhante da lua. As onze esculturas das Nereidas, que outrora adornavam o túmulo, foram dispostas ao longo da parede da galeria após a reconstrução.As estátuas não têm cabeças nem rostos, e as mãos estão danificadas, mas esta sua característica estranha e um tanto assustadora exerce um efeito magnético sobre o espectador. Aos pés das princesas do mar encontram-se golfinhos, lulas e gaivotas, e as próprias Nereidas parecem ter-se unido num quadro congelado – basta um olhar para elas para compreender que estão a dançar freneticamente.

A escultura em mármore de Íris, a deusa do arco-íris, situava-se no frontão ocidental do Partenon. Nem a cabeça, nem os braços, nem as pernas da estátua se conservaram, mas a estética e a expressão que emanam da figura de Íris permaneceram. Ela parece irradiar energia a partir do seu interior. O drapeado delicado das vestes, esvoaçando ao vento, e as suas mais minúsculas pregas transmitem a imagem de uma deusa que traz alegria e luz. Írida foi criada a partir de uma nuvem como mensageira dos deuses gregos. Ela é leve como o vento, rápida como um ribeiro, incansável e quase onipresente, como o arco-íris após a chuva. Os mitos dizem que Zeus a enviou com uma taça para buscar água do Estige – o rio dos mortos. Só ela, de todo o panteão divino, tinha força para essa tarefa – afinal, ela podia estar no fundo do mar, num instante – nos céus, e, num momento depois – no submundo. Irida era chamada de «de asas douradas», venerada como divindade marinha e retratada a voar, com as asas abertas. Pela sua beleza, graciosidade e brilho, a flor íris recebeu o nome da deusa. A propósito, há dez anos, no Museu Britânico, repararam que no cinto da estátua de Íris se vislumbravam vestígios de tinta azul. Foi precisamente esta observação que permitiu concluir que as estátuas do Pártenon eram pintadas com cores vivas .

A cabeça do cavalo é a única parte preservada do frontão de mármore intitulado «O Nascimento de Atena», criado pelo escultor grego antigo Fídio. Fídio trabalhava meticulosamente, captando com grandiosidade na pedra a essência das figuras mitológicas e o seu papel fundamental na construção da visão do mundo. Por outras palavras, ele dava vida aos mitos, personificando-os e dotando-os de formas e contornos concretos, familiares ao olho humano. Eis, por exemplo, que no frontão «O Nascimento de Atena» esculpiu em mármore o deus do sol Helios, que surge do mar numa carruagem puxada por cavalos.No canto direito do frontão estava representada mais uma carruagem. Nela, a sua dona — a deusa da Lua, Selene —, com o nascer do sol, abandona o céu, cedendo até ao anoitecer os domínios celestiais a Helios. É precisamente a cabeça de um dos cavalos de Selene que vemos agora diante de nós.Graças ao impressionante realismo da escultura, temos diante de nós um cavalo quase vivo — gracioso, nobre e plástico. Magro e cansado, é, no entanto, indiscutivelmente belo. A propósito, o poeta alemão Johann Goethe estava convencido de que esta escultura era a representação mais perfeita de um cavalo que existe.

A metopa de mármore do Partenon é um relevo que ilustra a batalha entre o centauro e o lapita.Chamavam-se lapifas aos gigantes de uma tribo semimítica da Grécia Antiga. Viviam na Tessália, bem como nas proximidades do Olimpo e no Pelión, de onde tinham sido anteriormente expulsos os centauros – seres meio-homens, meio-cavalos. Segundo as tradições mitológicas, os lapifos e os centauros eram inimigos. As representações da sua batalha constituem um dos temas mais populares da cultura da Grécia Antiga. E eis o motivo da sua luta. Os centauros foram convidados para o casamento do rei da Tessália, Pirifo, onde, depois de se terem deleitado com vinho, rapidamente ficaram embriagados. Já embriagados, conceberam o plano de raptar as esposas e filhas dos lapifos. Mas não conseguiram – os lapifos perceberam a conspiração e protegeram as mulheres, e os centauros bêbados foram derrotados. É precisamente esta batalha entre os lapifos enfurecidos e os centauros fortes, embora embriagados, que está representada nas metopas do Partenon. Na placa, vê-se um lapifo a defender-se de um centauro que o segura pelo pescoço. É notável que os corpos dos lapifos e dos centauros sejam humanizados — são plásticos, de constituição atlética e parecidos com lutadores gregos. É também interessante a forma como o escultor opõe os adversários. O lapifo é o heleno ideal, contido, mas forte e justo, enquanto o rosto do centauro está contorcido pela fúria.

O tambor de mármore da coluna do templo de Artemis em Éfeso foi encontrado na década de 1870 por um investigador inglês. O templo em honra de Artemis, reconstruído entre 340 e 320 a.C., é uma das sete maravilhas do mundo. Na verdade, trata-se de uma recriação, após um incêndio, de outro templo de Artemis, incendiado pelo imprudente Herostrato em 356 a.C. O primeiro templo original foi erguido no século V a.C. Tanto ele como a sua réplica estavam rodeados por duas fileiras de colunas, que assentavam em 36 tambores peculiares, da altura de um homem. Estes foram reproduzidos com exatidão no segundo templo, cujo fragmento vemos agora diante de nós. Este tambor decorado com relevos ilustra o mito de Alcestis, esposa do herói Admeto. Apolo permitiu que Admeto escapasse à morte, caso outra pessoa descesse ao reino dos mortos. Essa pessoa foi Alcéstide. Mas Hércules, desejando ajudar o casal, desceu ao submundo, derrotou o demónio da morte e devolveu Alcéstide ao marido. No baixo-relevo está esculpida a figura de Hermes com o cajado mágico na mão; ao seu lado, vemos Alcestis, que ele deve devolver à terra; à sua direita, o senhor do mundo dos mortos, Hades, e a sua esposa, Perséfone. Junto a Alcestis está representado o deus da morte, Thanatos, e atrás dele, o herói Hércules.

A Pedra de Roseta é uma placa monolítica de rocha semelhante ao granito. Trata-se de um bloco de pedra salpicado de pequenos sinais, quase imperceptíveis, em três idiomas. O primeiro texto está escrito em grego antigo, o segundo é composto por hieróglifos e o terceiro está escrito em escrita demótica – hieróglifos simplificados. A pedra, com 760 kg, foi encontrada por um capitão francês durante a construção de um forte perto de Roseta, no delta do Nilo, e ele percebeu imediatamente que se tratava de uma grande descoberta. A placa foi imediatamente enviada para o Cairo, para o Instituto do Egito, e depois para o Museu Britânico. Os cientistas dedicaram-se a decifrar os sinais escritos. Descobriram que, em 196 a.C., os sacerdotes egípcios gravaram na Pedra de Roseta um texto dedicado ao governante Ptolomeu V Epifânio. No entanto, devido à destruição, nenhum texto se conservou na íntegra. Decifrar a escrita demótica não foi difícil, ao passo que o texto hieroglífico permanecia totalmente incompreensível. Para todos, eram símbolos desconhecidos, que perderam o seu significado com a extinção dos antigos egípcios. Para todos, exceto para o jovem egiptólogo Jean-François Champollion. Há 200 anos, ele decifrou os hieróglifos, recorrendo ao seu conhecimento do grego antigo. O cientista comparou os três textos, calculando o significado de cada hieróglifo. A sua impressionante apresentação em 1841 na Academia de Inscrições de Paris, na qual revelou que os hieróglifos da Pedra de Roseta eram, afinal, legíveis, marcou o início da egiptologia.

A estátua do faraó Ramsés II, criada no século XIII a.C. em granito vermelho, é uma obra-prima dos escultores do Antigo Egito. Enaltecendo o faraó ideal, o monumento personifica o esplendor da arte que floresceu precisamente durante o reinado de Ramsés II. Ele foi o terceiro rei da XIX dinastia, um homem sábio, capaz de compreender a importância da cultura para o país. Para embelezar o reino, ele encheu o Egito de templos e palácios com colunatas luxuosas.Ramsés II conquistou a Síria, travou uma longa guerra contra o reino dos hititas e, após a vitória sobre os hititas, preservou a paz por meio do casamento. Apesar de a primeira e principal esposa de Ramsés ter sido Nefertari Merenmut, ele casou-se ainda com duas princesas hititas.Ramsés II reinou durante 67 anos, faleceu em 1212 a.C., sobrevivendo a doze filhos e passando o poder ao décimo terceiro – Merneptah.Ramsés era, sem dúvida, ambicioso; lisonjeava-o o facto de, ainda em vida, ser deificado, sendo chamado de sol na terra. E, mesmo após a morte, o seu culto perdurou no Egito por mais um milénio.

Parece que estamos a ver um fragmento de pedra, no qual mal se distinguem os contornos de uma certa criatura. Ao observar atentamente a peça, é possível reconhecer nela um escaravelho. Este é um dos símbolos mais respeitados da cultura do Antigo Egito. As suas imagens eram quase as mais populares nas pinturas das tumbas e na decoração dos papiros. Os egípcios acreditavam que este inseto repetia, com a sua vida, o percurso do Sol. Tal como o grande astro celeste, cheio de energia vital e de raios benéficos, que se põe de um extremo do céu ao outro, iluminando e aquecendo, o escaravelho rola a bola com os ovos dos bebés até que estes estejam prontos para nascer.Os antigos egípcios acreditavam ainda que todos os pequenos animais e insetos nasciam do lodo do rio Nilo, enquanto o escaravelho emergia das areias do deserto, razão pela qual era considerado especial.Parece uma analogia estranha. Mas é precisamente o movimento ritmado do escaravelho, de leste para oeste, que repete o nascimento e a vida do Sol no céu. Por isso, os antigos egípcios imaginavam o escaravelho como um inseto sagrado, que simboliza a criação do Sol e o renascimento na vida após a morte.

Diante de nós está a estátua chamada Hoa Hakananai, esculpida num bloco de lava cinzenta e encontrada na Ilha da Páscoa. Esta terra é conhecida por milhares de monumentos semelhantes, mas foi precisamente esta estátua que os especialistas consideraram o melhor exemplo da arte escultórica dos aborígenes da ilha. O nome do monumento significa, traduzido, «amigo raptado ou escondido». A estátua, com 2,5 metros de altura, retrata um homem com uma testa proeminente, nariz grande, queixo bem definido, braços finos e barriga ligeiramente arredondada. Atualmente, as órbitas oculares da estátua estão vazias, mas inicialmente os olhos eram incrustados com pedras vermelhas e toda a figura estava coberta de tintas vermelha e branca. A estátua encontrava-se ao ar livre, embora a sua parte inferior provavelmente estivesse dentro de um edifício destinado a cerimónias. A estátua olhava de frente para a cratera vulcânica extinta de Rano-Kau e tinha as costas voltadas para o oceano. É difícil determinar a idade da figura, mas sabe-se que esculturas semelhantes começaram a ser feitas aqui no ano 1000 e terminaram em 1600, quando os próprios ilhéus começaram a destruir os ídolos outrora venerados. Recentemente, cientistas americanos fizeram uma descoberta fenomenal: todas estas estátuas poderiam ter servido aos aborígenes como fertilizantes para o solo. Os químicos analisaram o basalto com que as estátuas foram feitas, no sopé do vulcão da ilha, e descobriram que elas contêm cálcio e fósforo, elementos necessários para o cultivo de plantas. Ao perceberem que a colheita amadurecia melhor junto às estátuas de basalto vulcânico, os aborígenes podem ter acreditado na influência das estátuas na fertilidade da terra. Assim, estas figuras surgiram por todo o lado, como uma forma de veneração a uma divindade desconhecida que ajudava na agricultura.

A Bodhisattva Tara – a principal deusa do budismo, esposa do bodhisattva Avalokiteshvara. A sua estátua de bronze foi criada entre os anos 700 e 750 e encontrada na costa do Sri Lanka. Ela retrata Tara como uma mulher com um penteado alto, repleta de joias pesadas e caras, e com uma figura majestosa e bela. As lóbulas das suas orelhas podem ter sido esticadas pelo peso de brincos preciosos, tal como aconteceu com o Buda no seu tempo. Ou talvez seja a personificação de um antigo presságio chinês: quanto mais comprido for o lóbulo da orelha, mais inteligente é a pessoa e mais tempo viverá. Segundo as lendas, quando Avalokiteshvara lamentava os sofrimentos do mundo, uma lágrima que escorreu do seu rosto deu origem a uma flor de lótus. E dessa flor nasceu Tara, que se tornou sua esposa, e desde então eles conduzem juntos o ser humano através de inúmeras reencarnações da alma. Tara é considerada a deusa mais poderosa da compaixão e a protetora da humanidade contra os perigos. Atualmente, ela é a deusa mais venerada do Tibete, da Mongólia e da Buriácia.

A estátua do bodhisattva Avalokiteshvara, em bronze dourado, foi fabricada no Nepal no século XVI. O bodhisattva é uma das divindades mais veneradas no budismo. É um símbolo da energia da compaixão, que está presente desde o nascimento em qualquer ser vivo na Terra.Frequentemente, o Bodhisattva é chamado de divindade que «Escuta os Sons do Mundo». Acredita-se que ele se encontra no topo de uma montanha a ouvir o mundo, distinguindo nele o choro e as desgraças das pessoas que pedem incessantemente por ajuda. Ele responde sempre ao sofrimento existente no mundo humano, tendo pena das pessoas e demonstrando-lhes compaixão. Além disso, neutraliza a energia negativa e concede compaixão a todos, sem exceção, independentemente das suas faltas. Desta forma, supostamente torna todos e cada um iguais entre si. A estátua de Avalokiteshvara retrata-o jovem e esguio, com um penteado elaborado na cabeça. No pescoço, antebraços, pulsos, dedos, tornozelos e pés, ele usa adornos com pedras preciosas.

A estátua em cerâmica do monge budista Luohan foi moldada entre os séculos X e XIII no norte da China. Foi criada durante o reinado da dinastia Song. Nessa época, a cultura chinesa atingiu um apogeu sem precedentes, com a sua poesia original, a pintura requintada e, claro, a escultura sofisticada. A estátua de Luohan foi esculpida em argila e, em seguida, cozida num forno especial para cerâmica a uma temperatura de 1000 graus. Depois, o mestre cobriu a escultura com um esmalte colorido e voltou a cozer-na num forno a uma temperatura mais baixa. O mestre dotou a figura do asceta, que conheceu a verdade do budismo, com traços de uma pessoa concreta. Por isso, parece que temos diante de nós o retrato de um homem que realmente existiu, com um nome e uma história de vida. Trata-se de um homem justo, que renunciou aos desejos terrenos, tal como ensina o budismo, e que, por isso, não conheceu nem sofrimentos nem desilusões. Luo Han está sentado na tradicional postura budista, com as pernas cruzadas e as mãos apoiadas nos joelhos. Ele está taciturno e até severo — o seu nariz, a testa e as sobrancelhas estão concentrados e sérios. Mas a dureza e a severidade de Luohan são suavizadas pelo colorido das suas vestes — a capa ocre e o manto verde conferem à figura brilho e vivacidade.

A estátua de pedra da deusa huasteca foi criada entre os anos 900 e 1500 a.C. e encontrada perto do rio Panuco, no México. Ao observador contemporâneo, a escultura pode parecer um pouco angular, desproporcional e até assustadora. Mas ela personifica as crenças dos representantes da civilização dos antigos huastecas, que viveram no território do México atual.

Hans Sloane – médico e naturalista inglês, nasceu em 1660 na Irlanda do Norte e era um homem bastante bem-sucedido e rico para os padrões da época. Aos 23 anos, Hans obteve o grau de doutor em medicina em França, tornou-se membro da Sociedade Real de Ciências e aluno do renomado médico Thomas Sydenham. Aos 27 anos, o médico viajou para a Jamaica, descreveu espécies de plantas nunca antes vistas na Europa e revelou ao mundo uma nova iguaria. Ele teve a ideia de refinar com leite uma bebida de sabor desagradável que os indígenas jamaicanos preparavam ao misturar pó de grãos de cacau com água. Foi assim que a Inglaterra conheceu a receita do leite com chocolate. Hans regressa a Londres com uma grande coleção de curiosidades e um desejo irresistível de colecionar objetos antigos. O desejo de ter um salão de antiguidades exigia muito dinheiro. Foi assim que surgiu em Hans uma forte motivação para se tornar um especialista de primeira classe. A prática médica de Sloan na alta sociedade trouxe-lhe pacientes ilustres: a rainha Ana, os reis Jorge I e Jorge II, um título nobiliárquico hereditário e o cargo de prestígio de presidente da Corporação Real de Médicos. Sloan conseguiu, afinal, concretizar o seu sonho – na mansão Montagu House, reuniu uma coleção colossal de setenta mil peças autênticas: moedas, medalhas, livros, esculturas e objetos de decoração. Após a morte de Sloane em 1753, tal como previsto no testamento, o parlamento pagou ao seu executor testamentário 20 mil libras esterlinas, e a coleção tornou-se pública. E, em 1759, a coleção de Hans Sloane foi aberta gratuitamente a todos os interessados, tendo-lhe sido acrescentadas as coleções do conde Robert Harley e a biblioteca do antiquário Robert Cotton. Agora, 250 anos depois, conhecemo-las como o Museu Britânico, em Bloomsbury.

Diante de nós está Septímio Severo – um jovem imperador romano no auge de suas forças e poder. A escultura foi encontrada na cidade egípcia de Alexandria em 1801.A estátua de Septímio é fenomenalmente detalhada. Graças a isso, não só as feições, mas também os pensamentos do imperador parecem vivos, claramente legíveis no rosto. Vemos Septímio com barba bifurcada e cabelo encaracolado, vestido com trajes militares.

A cabeça da estátua do imperador Augusto foi desenterrada em 1912 pelo professor John Garstang no Sudão, na cidade de Meroe.A cabeça pertencia à estátua do imperador romano Augusto. Este governou durante 13 anos, a partir do ano 27 a.C. O governante romano conquistou o Egito e, desde então, surgiram inúmeras estátuas de Augusto nas cidades egípcias junto ao Nilo. As esculturas em todos os cantos do Império Romano serviam para glorificar o seu governante mais famoso. A história conta que Amanirena, a cruel rainha do reino meroítico de Cuxe, no ano 24 a.C., reuniu os cuchitas e os conduziu a um ataque contra o Egito. Depois de terem tomado vários fortes romanos no sul do Egito, os kushitas decapitaram simbolicamente a estátua do anterior imperador romano, como que assinalando o declínio do Império Romano. Os kushitas trouxeram consigo a cabeça de bronze de Augusto, retirada da estátua. A feroz rainha enterrou-a sob os degraus do templo, como símbolo de que Roma permaneceria por muito tempo aos pés dos conquistadores. Foi lá que a cabeça foi encontrada no início do século XX.

A figura de uma mulher com uma criança é um exemplo da arte pré-histórica cipriota. Presume-se que esta estatueta de terracota tenha sido fabricada no período entre 2000 e 1800 a.C. Não se sabe ao certo quem exatamente a estatueta representa e qual é a sua verdadeira mensagem. Pode ser a imagem de uma deusa-mãe ou de uma simples mulher terrena com uma criança.

Este papiro foi adquirido pelo colecionador francês Antoine-Barthélemy Clot a saqueadores de túmulos e doado ao Museu Britânico.No papiro, vemos várias ilustrações de cenas do «Livro dos Mortos». O livro era escrito para a nobreza — individualmente para cada pessoa — e era uma compilação de encantamentos que eram lidos sobre o falecido para que ele fosse para o paraíso.Temos diante de nós uma cena do julgamento no reino dos mortos, desenhada especialmente para Hunepher. Acreditava-se que espíritos, demónios e a fome podiam impedir o falecido de chegar ao julgamento, o que ameaçava com a morte eterna. Mas os rituais escritos no papiro ajudavam a alma a chegar ao julgamento e a encontrar a vida no paraíso. A propósito, o paraíso, na compreensão dos egípcios, é o Nilo, que banha as ilhotas onde as almas cultivam cereais e oferecem sacrifícios ao grande rio. No julgamento, o falecido tinha de jurar que não mentiu, não roubou e não matou. A honestidade era verificada pesando o coração. Este era colocado num dos pratos da balança e, no outro, uma pena — símbolo da deusa da verdade, Maat. Se a balança não se movesse, significava que o falecido não mentiu.No papiro, à direita da balança, vemos Thot — o deus dos escribas com cabeça de íbis. Um monstro com cabeça de crocodilo e corpo de leão olha para ele — este é Amamat. No lado direito da cena, está representado Horus com cabeça de falcão, conduzindo o falecido Hunefer até ao trono do seu pai, Osíris, sentado no trono. Atrás de Osíris estão as suas irmãs: Ísis e Neftis. Como Hunéfer se revela sem pecado, Osíris concede-lhe a vida no paraíso.

Esta pintura foi executada em tecido de cânhamo – um material feito a partir das fibras grossas dos caules da planta do cânhamo.A pintura a cores representa metade de um conjunto de duas pinturas, criadas por um mestre coreano entre 1800 e 1820. Naquela época, a cultura do reino de Chosun dominava a Coreia. Foi um período de renascimento do budismo após perseguições e opressões.À primeira vista, a composição parece um emaranhado incoerente de ornamentos e arabescos.

Temos diante de nós um vaso com borboletas e lírios feito de porcelana especial e resistente. Esta era obtida através da cozedura em fornos a temperaturas que, por vezes, chegavam aos 1500 graus.Sobre o vaso delicado, quase imaterial, com esmalte verde-azulado, foi aplicado um desenho. A forma do vaso é clássica da cerâmica chinesa: lados arredondados, gargalo estreito, sobriedade, ausência de detalhes e decoração.

Este é um vaso em forma de lua com pássaros – um exemplo da porcelana chinesa ideal – fina como papel, transparente como uma lágrima e sonora como música. A forma deste vaso e das suas alças ornamentadas é da mais antiga tradição, mas as cores e o estilo da pintura datam de 1720-1735 — o período do reinado da dinastia Qing.

Os vasos de David são o exemplo mais famoso de porcelana chinesa azul e branca. Foram criados para o altar de um templo taoísta em 1351. O mestre executou a pintura com cobalto azul-celeste, utilizando um pincel extremamente fino, sem esboços nem estênceis prévios.Os vasos altos e arredondados são contornados por um desenho fino e preciso. Nos vasos estão representados dragões com patas com garras e bocas abertas, rodeados por ornamentos e padrões florais a condizer. Estas intrincadas composições de imagens tornaram-se extremamente populares durante o reinado da dinastia Ming. No século XIV, a China tornou-se o berço da técnica utilizada para criar cerâmica azul e branca. Foram precisamente estes artigos, ao chegarem à Europa, que provocaram uma verdadeira explosão de réplicas de majólica – louça cerâmica pintada e decoração.

Temos diante de nós um recipiente de porcelana extremamente popular na China, criado segundo uma técnica especial em meados do século XIV na China.Em termos de forma, trata-se de um jarro, e em termos de finalidade, de um lavatório.

Temos diante de nós 78 peças de xadrez de grandes dimensões, feitas à mão por um mestre norueguês da Idade Média entre 1150 e 1200.O jogo de xadrez foi esculpido em canino de morsa e dente de baleia – materiais comuns naquela época. As peças foram encontradas por acaso numa ilha escocesa por um camponês, que rapidamente vendeu o achado a um comerciante. Desde então, as peças foram leiloadas várias vezes, até chegarem aos museus escocês e britânico. A propósito, estas peças poderiam ter sido utilizadas também no hnefatafl – um jogo de tabuleiro escandinavo, semelhante ao xadrez e às damas ao mesmo tempo. Cada peça possui uma estética escultural, como se fossem pequenas projeções de estátuas reais. Vemos reis de cabelos longos em tronos, rainhas com taças nas mãos, bispos com mitras, cavaleiros com escudos e lanças, guardas com espadas e peões em forma de pirâmides. As peças são robustas e um pouco angulares – provavelmente, era assim que os antigos escandinavos se viam. Transferiram a sua combatividade e severidade para a arte, transformando o tabuleiro de xadrez num campo de batalha imaginário.