Votre itinéraire.

Une statue de lion ailé à tête humaine a été découverte parmi les ruines d'un ancien palais construit dans les années 880 avant notre ère en Mésopotamie. Près de l'entrée du palais, qui appartenait au roi Assurnasirpal, se trouvait une statue de taureau aux ailes d'aigle et à tête humaine. La coutume assyrienne consistant à placer devant les portes des palais des statues en pierre représentant des animaux, en particulier des taureaux et des lions, est empruntée aux croyances sumériennes. De telles sculptures étaient disposées aussi bien près des portes de la demeure royale que près des entrées des temples adjacents au palais.Si l'on regarde le lion de face, comme s'il s'agissait de son visage, on a l'impression qu'il est assis, immobile. Mais si l'on regarde de profil, on voit qu'il marche. On ne peut qualifier ce lion ailé ni de sculpture à part entière, ni de bas-relief sur une dalle. C'est un compromis entre les deux : un bloc de pierre sur lequel est sculptée une figure en trois dimensions.Soit dit en passant, près de l'entrée du temple de la déesse Ishtar, qui jouxtait également le palais assyrien, se dressait une statue de lion rugissant. De telles statues devaient non seulement protéger le roi des esprits, mais aussi effrayer les visiteurs, leur inspirant crainte, respect et admiration devant le puissant souverain.

Nous avons devant nous une idole féminine toute simple, sculptée dans le marbre par un sculpteur cycladique inconnu au IIIe millénaire avant notre ère. Elle ressemble davantage à une représentation schématique de l'être humain qu'à une véritable femme. Il est vrai que, cinq millénaires plus tard, les avant-gardistes modernes incarneront exactement les mêmes traits dans leurs œuvres.Cette figure est dépourvue des traits qui confèrent leur raffinement aux statues féminines. Nous comprenons qu'il s'agit d'une femme uniquement grâce à sa poitrine saillante et à ses hanches légèrement arrondies. La sculpture n'a pas de visage ; à la place, on trouve une surface lisse surmontée d'une petite bosse représentant le nez. Les mains sont croisées sur la poitrine – d'ailleurs, c'est une caractéristique immuable de toutes les idoles en pierre des Cyclades.Mais, malgré la sobriété artistique, on ressent l’énergie de cette figure. Elle exprime la sérénité, la paix et même la soumission. La femme a levé la tête, écoutant immobile quelque chose venant d’en haut, ou peut-être prie-t-elle ou chante-t-elle.La civilisation des Cyclades a existé sur les îles du même nom de 3200 à 2000 avant J.-C. Les habitants ne se contentaient pas d'élever du bétail et de pêcher, ils ont également créé leur propre patrimoine culturel. Ils ont appris à fabriquer des bijoux en cuivre, en argent et en plomb, et ont découvert le marbre. C'est précisément cette pierre qui est devenue le gardien de l'identité de leur culture.

Le monument des Néréides est le tombeau d'Erbinna, souverain de Lycie, réalisé sous la forme d'un temple sur un piédestal de dix mètres à colonnes. Ce tombeau colossal a été construit en 400 avant J.-C. et découvert par un voyageur anglais en 1840 sur le territoire de la Turquie actuelle.Ce qui est le plus saisissant dans cet ensemble sculptural, ce sont les corps élancés et gracieux des Néréides. Légères et aériennes, ces nymphes semblent tout juste sorties de l'écume marine pour rejoindre le rivage. À peine une minute auparavant, elles se sont élevées du fond de la mer et ont foulé la terre ferme, et déjà elles virevoltent dans une danse – chacune à sa manière.La mythologie raconte que les Néréides, filles du dieu de la mer Nérée, vivent depuis des millénaires dans les profondeurs de la mer, chantant et dansant au rythme des vagues. Elles ne se montrent qu’occasionnellement aux humains sur terre – sous la lumière éclatante de la lune. Les onze sculptures de Néréides, qui ornaient autrefois le tombeau, sont désormais disposées le long du mur de la galerie après la reconstruction.Les statues n’ont ni tête ni visage, leurs mains sont endommagées, mais cette particularité étrange et quelque peu effrayante exerce un attrait magnétique sur le spectateur. Aux pieds des princesses de la mer se trouvent des dauphins, des seiches et des mouettes, tandis que les Néréides elles-mêmes semblent s'être figées dans un instantané – un simple regard suffit pour comprendre qu'elles dansent avec frénésie.

La sculpture en marbre d’Iris, déesse de l’arc-en-ciel, se trouvait sur le fronton ouest du Parthénon. Ni la tête, ni les mains, ni les pieds de la statue n’ont été conservés, mais l’esthétique et l’expression qui se dégagent de la figure d’Iris sont restées. Elle semble rayonner d’une énergie intérieure. Le drapé fin de ses vêtements flottant au vent, ses plis les plus infimes, traduisent l’image d’une déesse apportant joie et lumière. Iris a été créée à partir d’un nuage pour servir de messagère aux dieux grecs. Elle est légère comme le vent, rapide comme un ruisseau, infatigable et presque omniprésente, telle un arc-en-ciel après la pluie. Les mythes racontent que Zeus l'envoyait avec une coupe pour puiser de l'eau du Styx, le fleuve des morts. Elle seule, parmi le panthéon divin, était capable d'accomplir cette tâche, car elle pouvait se trouver au fond de la mer, l'instant d'après dans les cieux, et l'instant d'après encore aux enfers. On appelait Iris « aux ailes d’or », on la vénérait comme une déesse de la mer et on la représentait en plein vol, les ailes déployées. C’est en hommage à sa beauté, à sa grâce et à son éclat qu’on a donné le nom de la déesse à la fleur d’iris. D'ailleurs, il y a dix ans, au British Museum, on a remarqué que la ceinture de la statue d'Iris portait des traces à peine visibles de peinture bleue. C'est précisément cette observation qui a permis de conclure que les statues du Parthénon étaient peintes de couleurs vives .

La tête de cheval est la seule partie conservée du fronton en marbre intitulé « La naissance d'Athéna », créé par le sculpteur grec antique Phidias. Phidias travaillait avec minutie, saisissant avec brio dans la pierre la nature fondamentale des personnages mythologiques et leur rôle essentiel dans la construction de la vision du monde. En d’autres termes, il donnait vie aux mythes, les personnifiait en leur conférant des formes et des contours concrets, familiers à l’œil humain. Ainsi, par exemple, sur le fronton de la « Naissance d’Athéna », il a sculpté dans le marbre le dieu du soleil Hélios, qui surgit de la mer sur un char attelé à des chevaux.Dans le coin droit du fronton était représenté un autre char. Sur celui-ci, sa maîtresse – la déesse de la Lune, Séléné – quitte le ciel au lever du soleil, cédant jusqu’au soir les domaines célestes à Hélios. C’est précisément la tête d’un des chevaux de Séléné que nous voyons maintenant devant nous.Grâce au réalisme saisissant de la sculpture, le cheval qui se trouve devant nous semble presque vivant : gracieux, noble et souple. Maigre et fatigué, il n’en reste pas moins d’une beauté incontestable. Soit dit en passant, le poète allemand Johann Goethe était convaincu que cette sculpture était la représentation la plus parfaite qui soit du cheval.

La métope en marbre du Parthénon est un relief illustrant la bataille entre le centaure et le Lapith.Les Lapithes étaient des géants appartenant à une tribu semi-mythique de la Grèce antique. Ils vivaient en Thessalie, ainsi qu’aux abords de l’Olympe et sur le Pélion, d’où avaient été chassés auparavant les centaures, ces créatures mi-hommes, mi-chevaux. Selon les légendes mythologiques, les Lapithes et les Centaures étaient ennemis. Les représentations de leur combat constituent l’un des thèmes les plus populaires de la culture de la Grèce antique. Et voici pourquoi ils se battent. Les Centaures furent invités au mariage du roi de Thessalie, Périphée, où, après avoir bu du vin, ils s’enivrèrent rapidement. Dans leur ivresse, ils ont eu l'idée de kidnapper les épouses et les filles des Lapithes. Mais ils ont échoué : les Lapithes ont déjoué leur complot et ont protégé les femmes, et les centaures ivres ont été mis en déroute. C'est précisément ce combat entre les Lapithes enragés et les centaures puissants, bien qu'ivres, qui est représenté sur les métopes du Parthénon. Sur la plaque, on voit un Lapith se débattre contre un centaure qui le tient à la gorge. Il est remarquable que les corps des Lapithes et des centaures soient humanisés : ils sont souples, athlétiques et ressemblent à des lutteurs grecs. Il est également intéressant de noter la manière dont le sculpteur oppose les adversaires. Le Lapith est un Hellène idéal, réservé, mais fort et juste, tandis que le visage du centaure est déformé par la rage.

Le fût de marbre d'une colonne provenant du temple d'Artémis à Éphèse a été découvert dans les années 1870 par un explorateur anglais. Le temple dédié à Artémis, reconstruit entre 340 et 320 avant J.-C., est l'une des sept merveilles du monde. En réalité, il s'agit d'une réplique, reconstruite après un incendie, d'un autre temple d'Artémis, incendié par l'insensé Hérostrate en 356 avant J.-C. Le premier temple, l’original, fut érigé au Ve siècle avant J.-C. Lui et sa réplique étaient entourés de deux rangées de colonnes qui s’appuyaient sur 36 tambours singuliers de la taille d’un homme. Ceux-ci ont été reproduits à l’identique dans le deuxième temple, dont nous voyons aujourd’hui un fragment devant nous. Ce tambour orné de reliefs illustre le mythe d'Alcestis, l'épouse du héros Admète. Apollon avait permis à Admète d'échapper à la mort à condition que quelqu'un d'autre descende dans le royaume des morts. Ce fut Alcestis qui s'acquitta de cette tâche. Mais Héraclès, désireux de venir en aide au couple, descendit dans les enfers, vainquit le démon de la mort et rendit Alcestis à son mari. Sur le bas-relief est sculptée la figure d'Hermès, tenant une baguette magique à la main ; à côté de lui, on voit Alcestis, qu'il doit ramener sur terre ; à sa droite, le seigneur du monde des morts, Hadès, et son épouse Perséphone. Près d'Alcestis est représenté le dieu de la mort, Thanatos, et derrière lui, le héros Héraclès.

La pierre de Rosette est une dalle monolithique en roche semblable au granit. Il s'agit d'un bloc de pierre parsemé de petits signes à peine discernables, écrits en trois langues. Le premier texte est rédigé en grec ancien, le deuxième est composé de hiéroglyphes, et le troisième est écrit en démotique – une écriture simplifiée. Cette pierre de 760 kg a été découverte par un capitaine français lors de la construction d’un fort près de Rosette, dans le delta du Nil, et il a immédiatement compris qu’il s’agissait d’une découverte majeure. La dalle a aussitôt été envoyée au Caire, à l’Institut égyptien, puis au British Museum. Les scientifiques se sont attelés à déchiffrer les signes écrits. Ils ont découvert qu'en 196 avant J.-C., les prêtres égyptiens avaient gravé sur la pierre de Rosette un texte dédié au souverain Ptolémée V Épiphane. Cependant, en raison des destructions, aucun texte n'a été entièrement conservé. Déchiffrer l'écriture démotique ne posait aucun problème, alors que le texte hiéroglyphique restait totalement incompréhensible. Pour tous, il s'agissait de symboles inconnus, qui avaient perdu leur sens avec la disparition des anciens Égyptiens. Pour tous, sauf pour le jeune égyptologue Jean-François Champollion. Il y a 200 ans, il a déchiffré les hiéroglyphes en s'appuyant sur sa connaissance du grec ancien. Le savant a comparé les trois textes, en déterminant la signification de chaque hiéroglyphe. Son rapport stupéfiant, présenté en 1841 à l'Académie des Inscriptions de Paris, affirmant que les hiéroglyphes de la pierre de Rosette étaient bel et bien lisibles, marqua le début de l'égyptologie.

La statue du pharaon Ramsès II, réalisée au XIIIe siècle avant notre ère en granit rouge, est une œuvre remarquable des sculpteurs de l'Égypte antique. Célébrant le pharaon idéal, ce monument incarne la splendeur de l'art qui s'est épanoui précisément sous le règne de Ramsès II. Il fut le troisième roi de la XIXe dynastie, un homme sage qui sut comprendre l'importance de la culture pour son pays. Afin d'embellir son royaume, il fit construire en Égypte des temples et des palais dotés de luxueuses colonnades.Ramsès II a conquis la Syrie, a longtemps combattu le royaume des Hittites et, après avoir remporté la victoire sur les Hittites, a préservé la paix grâce à un mariage. Bien que la première et principale épouse de Ramsès fût Néfertari Merenmut, il épousa également deux princesses hittites.Ramsès II régna pendant 67 ans, mourut en 1212 avant notre ère, survivant à ses douze fils et transmettant le pouvoir au treizième, Merneptah.Ramsès était sans aucun doute ambitieux ; il était flatté d'être déifié de son vivant, surnommé « le soleil sur terre ». Et même après sa mort, son culte perdura en Égypte pendant encore un millénaire.

On dirait que nous voyons un fragment de pierre dans lequel on devine à peine les contours d'une créature. En observant attentivement l'objet, on peut y reconnaître un scarabée. C'est l'un des symboles les plus vénérés de la culture égyptienne antique. Ses représentations étaient sans doute parmi les plus populaires dans les peintures des tombes et les décorations des papyrus. Les Égyptiens croyaient que ce petit insecte reproduisait, par sa vie, le parcours du Soleil. Tout comme le grand astre céleste, plein d’énergie vitale et de rayons bienfaisants, qui se couche d’un bout à l’autre du ciel en brillant et en réchauffant, le scarabée roule une boule contenant les œufs de ses petits jusqu’à ce qu’ils soient prêts à éclore.Les Égyptiens de l’Antiquité croyaient également que tous les petits animaux et insectes naissaient de la vase du Nil, tandis que le scarabée émergeait des sables du désert, ce qui le rendait unique.Une analogie qui peut paraître étrange. Mais c'est précisément le mouvement régulier du scarabée d'est en ouest qui reproduit la naissance et la vie du Soleil dans le ciel. C'est pourquoi les anciens Égyptiens considéraient le scarabée comme un insecte sacré, symbolisant la création du Soleil et la renaissance dans l'au-delà.

Nous avons devant nous une statue intitulée Hoa Hakananai, sculptée dans un bloc de lave grise et découverte sur l'île de Pâques. Cette île est connue pour ses milliers de monuments similaires, mais c'est précisément cette statue que les experts ont désignée comme le meilleur exemple de l'art sculptural des aborigènes de l'île. Le nom du monument signifie « l'ami enlevé ou caché ». La statue, haute de 2,5 mètres, représente un homme au front large, au nez proéminent, au menton bien dessiné, aux mains fines et au ventre légèrement arrondi. Aujourd’hui, les orbites de la statue sont vides, mais à l’origine, les yeux étaient incrustés de pierres rouges et l’ensemble de la figure était recouvert de peinture rouge et blanche. La statue se trouvait à ciel ouvert, bien que sa partie inférieure ait probablement été placée à l’intérieur d’un bâtiment cérémoniel. Le visage de la statue était tourné vers le cratère volcanique éteint de Rano-Kau, tandis que son dos faisait face à l’océan. Il est difficile de déterminer l'âge de la statue, mais on sait que la fabrication de sculptures de ce type a commencé ici en l'an 1000 et s'est achevée en 1600, lorsque les insulaires eux-mêmes se sont mis à détruire ces idoles autrefois vénérées. Tout récemment, des scientifiques américains ont fait une découverte phénoménale : toutes ces statues auraient pu servir d’engrais pour le sol aux aborigènes. Des chimistes ont analysé le basalte à partir duquel sont fabriquées les statues au pied du volcan sur l’île, et il s’est avéré qu’elles contiennent du calcium et du phosphore, nécessaires à la croissance des plantes. Ayant remarqué que les récoltes mûrissaient mieux près des statues en basalte volcanique, les autochtones ont pu croire à l'influence de ces idoles sur la fertilité de la terre. C'est ainsi que ces figures sont apparues partout, comme un culte rendu à une divinité inconnue aidant à l'agriculture.

La bodhisattva Tara est la déesse principale du bouddhisme, épouse du bodhisattva Avalokiteshvara. Sa statue en bronze a été réalisée entre 700 et 750 et découverte sur la côte du Sri Lanka. Elle représente Tara sous les traits d'une femme à la coiffure haute, parée de bijoux précieux et lourds, et à la silhouette d'une beauté royale. Ses lobes d’oreilles ont pu être étirés sous le poids de boucles d’oreilles précieuses, comme ceux du Bouddha en son temps. Ou peut-être s’agit-il de l’incarnation d’une vieille croyance chinoise selon laquelle plus le lobe de l’oreille est long, plus la personne est intelligente et plus elle vivra longtemps. Selon les légendes, alors qu'Avalokiteshvara pleurait les souffrances du monde, un lotus poussa à partir d'une larme qui coula de son visage. Et de cette fleur naquit Tara, qui devint son épouse, et depuis lors, ils guident ensemble l'humanité à travers de nombreuses réincarnations de l'âme. Tara est considérée comme la déesse de la compassion la plus puissante et la protectrice de l'humanité contre les dangers. Elle est aujourd'hui la déesse la plus vénérée au Tibet, en Mongolie et en Bouriatie.

La statue du bodhisattva Avalokiteshvara, en bronze doré, a été réalisée au Népal au XVIe siècle. Le bodhisattva est l'une des divinités les plus vénérées du bouddhisme. Il symbolise l'énergie de la compassion, inhérente à tout être vivant sur Terre dès sa naissance.On appelle souvent le bodhisattva la divinité qui « écoute les sons du monde ». On considère qu’il se tient sur une montagne et écoute le monde, y discernant les pleurs et les malheurs des gens qui implorent sans cesse de l’aide. Il répond toujours aux souffrances qui existent dans le monde humain, en ayant pitié des gens et en leur témoignant de la compassion. De plus, il neutralise l'énergie négative et accorde sa compassion à tous sans exception, indépendamment de leurs fautes. Ainsi, il rendrait tout le monde égal. La statue d'Avalokiteshvara le représente jeune et élancé, avec une coiffure élaborée. Il porte des parures ornées de pierres précieuses autour du cou, sur les avant-bras, les poignets, les doigts, les chevilles et les pieds.

La statue en céramique du moine bouddhiste Luohan a été modelée entre le Xe et le XIIIe siècle dans le nord de la Chine. Elle a été créée sous la dynastie Song. À cette époque, la culture chinoise a connu un essor sans précédent, avec sa poésie originale, sa peinture raffinée et, bien sûr, sa sculpture exquise. La statue de Luohan a été modelée dans de l'argile, puis cuite dans un four spécial pour la céramique à une température de 1 000 degrés. Ensuite, l'artisan a recouvert la sculpture d'un émail coloré et l'a cuite une seconde fois dans un four moins chaud. L'artisan a doté la figure de l'ermite, qui a atteint la vérité du bouddhisme, des traits d'un homme bien précis. C'est pourquoi il semble que nous ayons devant nous le portrait d'un homme ayant réellement existé, avec un nom et une histoire. C'est un homme vertueux qui a renoncé aux désirs terrestres, comme l'enseigne le bouddhisme, et qui, de ce fait, n'a connu ni souffrances ni déceptions. Luo Han est assis dans la posture bouddhiste traditionnelle, les jambes croisées, les mains posées sur les genoux. Il est renfrogné, voire sévère : son nez, son front et ses sourcils sont concentrés et sérieux. Mais la dureté et la sévérité de Luohan sont adoucies par les couleurs vives de ses vêtements : son manteau ocre et sa cape verte confèrent à la figure luminosité et vivacité.

Cette statue en pierre représentant une déesse huastèque a été réalisée entre 900 et 1500 avant notre ère et a été découverte près du fleuve Panuco, au Mexique. Pour le spectateur moderne, cette sculpture peut sembler quelque peu anguleuse, disgracieuse, voire effrayante. Mais elle incarne les croyances des anciens Huastèques, une civilisation qui vivait sur le territoire de l'actuel Mexique.

Hans Sloane, médecin et naturaliste anglais, est né en 1660 en Irlande du Nord et était un homme prospère et riche selon les critères de l'époque. À 23 ans, Hans obtient son doctorat en médecine en France, devient membre de la Société royale des sciences et l'élève du célèbre médecin Thomas Sydenham. À 27 ans, le médecin se rend en Jamaïque, décrit des espèces de plantes inconnues en Europe et fait découvrir au monde une nouvelle gourmandise. Il eut l’idée d’enrichir de lait une boisson au goût désagréable que les indigènes jamaïcains obtenaient en mélangeant de la poudre de fèves de cacao avec de l’eau. C’est ainsi que l’Angleterre découvrit la recette du lait chocolaté. Hans revient à Londres avec une importante collection de curiosités et un désir irrésistible de collectionner des objets anciens. Son ambition d’ouvrir un salon d’antiquités exigeait beaucoup d’argent. C’est ainsi que Hans trouva une puissante motivation pour devenir un spécialiste de premier ordre. La pratique médicale de Sloan dans la haute société lui a valu des patients illustres : la reine Anne, les rois George Ier et George II, un titre nobiliaire héréditaire et le poste prestigieux de président de la Royal College of Physicians. Sloan réussit finalement à réaliser son rêve : dans le manoir de Montagu House, il rassembla une collection colossale de soixante-dix mille objets de valeur authentiques : pièces de monnaie, médailles, livres, sculptures et objets de décoration. Après la mort de Sloane en 1753, conformément à son testament, le Parlement versa 20 000 livres sterling à son exécuteur testamentaire, et la collection devint publique. En 1759, la collection de Hans Sloane fut ouverte gratuitement au public, et s'y ajoutèrent les collections du comte Robert Harley ainsi que la bibliothèque de l'antiquaire Robert Cotton. Aujourd'hui, 250 ans plus tard, nous les connaissons sous le nom de British Museum à Bloomsbury.

Nous avons devant nous Septime Sévère, jeune empereur romain à l'apogée de sa force et de sa puissance. La sculpture a été découverte dans la ville égyptienne d'Alexandrie en 1801.La statue de Septime est d'une précision phénoménale. Grâce à cela, non seulement les traits, mais aussi les pensées de l'empereur semblent vivants, clairement lisibles sur son visage. Nous voyons Septime avec une barbe en deux parties et des cheveux bouclés, vêtu d'un habit militaire.

La tête de la statue de l'empereur Auguste a été mise au jour en 1912 par le professeur John Garstang au Soudan, dans la ville de Méroé.La tête appartenait à la statue de l'empereur romain Auguste. Il a régné pendant 13 ans à partir de l'an 27 avant J.-C. Le souverain romain a conquis l'Égypte, et depuis lors, de nombreuses statues d'Auguste ont fait leur apparition dans les villes égyptiennes situées près du Nil. Partout dans l'Empire romain, ces sculptures rendaient hommage à son souverain le plus célèbre. L'histoire raconte qu'Amanirena, la cruelle reine du royaume méroïtique de Koush, rassembla les Koushites en 24 avant J.-C. et les mena à l'assaut de l'Égypte. Après avoir pris plusieurs forts romains dans le sud de l’Égypte, les Kushites décapitèrent symboliquement la statue de l’ancien empereur romain, marquant ainsi le déclin de l’Empire romain. Les Kushites emportèrent avec eux la tête en bronze d'Auguste qu'ils avaient retirée de la statue. La reine féroce l'enterra sous les marches du temple, comme un symbole que Rome resterait longtemps aux pieds des conquérants. C'est là que la tête fut retrouvée au début du XXe siècle.

La figurine d'une femme avec un enfant est un exemple de l'art préhistorique chypriote. Cette statuette en terre cuite aurait été fabriquée entre 2000 et 1800 avant notre ère. On ne sait pas exactement qui elle représente ni quel est son véritable message. Il pourrait s'agir d'une déesse mère ou d'une simple femme terrestre avec son enfant.

Ce papyrus a été acheté par le collectionneur français Antoine-Barthélemy Clot auprès de pilleurs de tombes, puis cédé au British Museum.Sur le papyrus, on peut voir plusieurs illustrations de scènes tirées du « Livre des morts ». Ce livre était rédigé pour la noblesse – pour chaque personne individuellement – et constituait un recueil d’incantations que l’on lisait au-dessus du défunt afin qu’il accède au paradis.Nous avons ici une scène du jugement dans le royaume des morts, dessinée spécialement pour Khounéfer. On pensait que les esprits, les démons et la faim pouvaient empêcher le défunt de se présenter au jugement, ce qui risquait de lui valoir la mort éternelle. Mais les rituels inscrits sur le papyrus aidaient l’âme à se présenter au jugement et à trouver la vie au paradis. D'ailleurs, le paradis, tel que le concevaient les Égyptiens, c'est le Nil, qui baigne les îlots où les âmes cultivent des céréales et font des offrandes au grand fleuve. Lors du jugement, le défunt devait jurer qu’il n’avait ni menti, ni volé, ni tué. On vérifiait son honnêteté en pesant son cœur. On le plaçait dans un plateau de la balance, et dans l’autre, une plume – symbole de la déesse de la vérité, Maât. Si la balance ne bougeait pas, cela signifiait que le défunt n’avait pas menti.Sur le papyrus, à droite de la balance, on voit Thot, le dieu des scribes à tête d’ibis. Un monstre à tête de crocodile et au corps de lion le regarde : c’est Amamat. À droite de la scène est représenté Horus à tête de faucon, conduisant le défunt Khunéfer vers le trône de son père Osiris, assis sur son trône. Derrière Osiris se trouvent ses sœurs : Isis et Nephthys. Comme Khunéfer s'avère innocent, Osiris lui accorde la vie paradisiaque.

Cette peinture est réalisée sur de la toile de chanvre, un tissu fabriqué à partir des fibres grossières des tiges de chanvre.Ce dessin en couleurs représente la moitié d'un tableau en paire, créé par un maître coréen entre 1800 et 1820. À cette époque, la culture de l'État de Joseon régnait en Corée. C'était une période de renaissance du bouddhisme après les persécutions et les répressions.À première vue, la composition ressemble à un enchevêtrement incohérent d’ornements et de volutes.

Nous avons devant nous un vase orné de papillons et de lys , réalisé dans une porcelaine spéciale et résistante. Celle-ci était obtenue par cuisson dans des fours à des températures pouvant parfois atteindre 1 500 degrés.Un motif est peint sur ce vase raffiné, presque en apesanteur, recouvert d’un émail bleu-vert. La forme du vase est classique pour la céramique chinoise : des flancs arrondis, un col rétréci, une sobriété, une absence de détails et de décor.

Il s'agit d'un récipient en forme de lune orné d'oiseaux, un exemple parfait de la porcelaine chinoise idéale : fine comme du papier, transparente comme une larme et sonore comme de la musique. La forme de ce vase et de ses anses sculptées est très ancienne, mais les couleurs et le style de la peinture datent des années 1720-1735, période du règne de la dynastie Qing.

Les vases de David constituent l'exemple le plus célèbre de la porcelaine chinoise bleu et blanc. Ils ont été créés pour l'autel d'un temple taoïste en 1351. L'artisan a réalisé la peinture au cobalt bleu-bleu à l'aide d'un pinceau extrêmement fin, sans esquisse ni pochoir préalable.Ces vases hauts et arrondis sont bordés d’un motif fin et soigné. Ils sont ornés de dragons aux pattes griffues et à la gueule ouverte, entourés d’ornements et de motifs floraux assortis. Ces entrelacs d’images sont devenus extrêmement populaires sous la dynastie Ming. Au XIVe siècle, la Chine est devenue le berceau de la technique permettant de créer des céramiques bleu et blanc. Ce sont précisément ces objets, une fois arrivés en Europe, qui ont provoqué un véritable engouement pour les répliques de majolique – vaisselle et décor en céramique peinte.

Nous avons ici un récipient en porcelaine extrêmement populaire en Chine, créé selon une technique particulière au milieu du XIVe siècle en Chine.De forme, c'est une cruche, mais par sa fonction, c'est un lavabo.

Nous avons devant nous 78 grandes pièces d'échecs, fabriquées à la main par un artisan norvégien du Moyen Âge entre 1150 et 1200.Les pièces d'échecs sont sculptées dans des défenses de morse et des dents de baleine, des matériaux courants à cette époque. Les pièces ont été découvertes par hasard sur une île écossaise par un paysan, qui a rapidement vendu sa trouvaille à un marchand. Depuis, les pièces ont été mises aux enchères à plusieurs reprises, avant d'aboutir aux musées écossais et britanniques. Soit dit en passant, ces pièces auraient également pu être utilisées pour le hnefatafl, un jeu de société scandinave qui ressemble à la fois aux échecs et aux dames. Chaque pièce présente une esthétique sculpturale, comme s'il s'agissait de petites projections de véritables statues. On y voit des rois aux cheveux longs sur leurs trônes, des reines tenant des coupes, des évêques coiffés de mitres, des chevaliers à cheval armés de boucliers et de lances, des gardes avec des épées et des pions en forme de pyramides. Les pièces sont robustes et quelque peu anguleuses – c'est probablement ainsi que les anciens Scandinaves se voyaient eux-mêmes. Ils ont transposé leur combativité et leur sévérité dans l'art, transformant l'échiquier en un champ de bataille imaginaire.