Katalog · British Museum

Der Rosetta-Stein ist eine monolithische Platte aus einem granitähnlichen Gestein. Es handelt sich um einen Felsblock, der mit kleinen, kaum erkennbaren Zeichen in drei Sprachen übersät ist. Der erste Text ist in Altgriechisch verfasst, der zweite besteht aus Hieroglyphen und der dritte ist in demotischer Schrift – vereinfachten Hieroglyphen – geschrieben. Der 760 kg schwere Stein wurde von einem französischen Hauptmann beim Bau einer Festung in der Nähe von Rosetta am Nildelta gefunden, und er erkannte sofort, dass es sich um einen bedeutenden Fund handelte. Die Platte wurde umgehend nach Kairo an das Ägyptische Institut und anschließend an das British Museum geschickt. Wissenschaftler machten sich daran, die Schriftzeichen zu entschlüsseln. Sie fanden heraus, dass ägyptische Priester im Jahr 196 v. Chr. einen Text auf den Rosetta-Stein meißelten, der dem Herrscher Ptolemäus V. Epiphan gewidmet war. Allerdings ist aufgrund von Zerstörungen kein Text vollständig erhalten geblieben. Die Entzifferung der demotischen Schrift war kein Problem, während der hieroglyphische Text völlig unverständlich blieb. Für alle waren es unbekannte Zeichen, die mit dem Untergang der alten Ägypter ihre Bedeutung verloren hatten. Für alle außer dem jungen Ägyptologen Jean-François Champollion. Vor 200 Jahren entzifferte er die Hieroglyphen mithilfe seiner Kenntnisse der altgriechischen Sprache. Der Wissenschaftler verglich drei Texte miteinander und berechnete so die Bedeutung jedes einzelnen Hieroglyphenzeichens. Sein bahnbrechender Vortrag im Jahr 1841 vor der Pariser Akademie der Inschriften, in dem er erklärte, dass die Hieroglyphen auf dem Rosetta-Stein doch lesbar seien, markierte den Beginn der Ägyptologie.

Der Pferdekopf ist der einzige erhaltene Teil des Marmorfrontons mit dem Titel „Die Geburt der Athene“, das vom antiken griechischen Bildhauer Phidias geschaffen wurde. Phidias arbeitete akribisch und gelangte mit großem Elan dazu, die Wesentlichkeit der mythologischen Figuren und ihre wichtige Rolle bei der Gestaltung des Weltbildes in Stein zu fassen. Mit anderen Worten: Er erweckte die Mythen zum Leben, personifizierte sie und verlieh ihnen konkrete Formen und Umrisse, die dem menschlichen Auge vertraut waren. So meißelte er beispielsweise auf dem Giebel „Die Geburt der Athene“ den Sonnengott Helios aus Marmor, der auf einem von Pferden gezogenen Wagen aus dem Meer emporragt.In der rechten Ecke des Giebels war ein weiterer Wagen dargestellt. Darauf verlässt seine Herrin – die Mondgöttin Selene – mit Sonnenaufgang den Himmel und überlässt Helios bis zum Abend die himmlischen Reiche. Genau den Kopf eines der Pferde der Selene sehen wir nun vor uns.Dank der atemberaubenden Realitätsnähe der Skulptur steht vor uns ein fast lebendiges Pferd – anmutig, edel und plastisch. Schlank und müde, ist es dennoch zweifellos schön. Übrigens war der deutsche Dichter Johann Goethe überzeugt, dass gerade diese Skulptur die vollkommenste aller existierenden Darstellungen eines Pferdes sei.

Die im 13. Jahrhundert v. Chr. aus rotem Granit geschaffene Statue des Pharaos Ramses II. ist ein herausragendes Werk der altägyptischen Bildhauer. Das Denkmal, das den idealen Pharao preist, verkörpert die Pracht der Kunst, die gerade unter Ramses II. ihre Blütezeit erlebte. Er war der dritte König der 19. Dynastie, ein weiser Mann, der die Bedeutung der Kultur für das Land zu verstehen wusste. Um das Königreich zu verschönern, ließ er in Ägypten Tempel und Paläste mit prächtigen Säulengängen errichten.Ramses II. eroberte Syrien, führte lange Zeit Krieg gegen das Reich der Hethiter und sicherte nach seinem Sieg über die Hethiter den Frieden durch Heirat. Obwohl Nefertari Merenmut die erste und wichtigste Frau Ramses’ war, heiratete er noch zwei hethitische Prinzessinnen.Ramses II. regierte 67 Jahre lang, starb 1212 v. Chr., überlebte zwölf Söhne und übergab die Macht an den dreizehnten – Merenptah.Ramses war zweifellos ehrgeizig; es schmeichelte ihm, dass man ihn schon zu Lebzeiten vergötterte und als „Sonne auf Erden“ bezeichnete. Und auch nach seinem Tod lebte sein Kult in Ägypten noch ein ganzes Jahrtausend weiter.

Vor uns liegen 78 große Schachfiguren, die zwischen 1150 und 1200 von einem mittelalterlichen norwegischen Meister handgefertigt wurden.Die Schachfiguren sind aus Walrosszähnen und Walzähnen geschnitzt – Materialien, die für jene Zeit typisch waren. Die Figuren wurden zufällig auf einer schottischen Insel von einem Bauern gefunden, der den Fund eilig an einen Händler verkaufte. Seitdem wurden die Figuren mehrfach auf Auktionen angeboten, bis sie schließlich in das Schottische und das Britische Museum gelangten. Übrigens könnten diese Figuren auch für Hnefatafl verwendet worden sein – ein skandinavisches Brettspiel, das gleichzeitig Schach und Dame ähnelt. Jede Figur zeichnet sich durch eine skulpturale Ästhetik aus, als wären es kleine Abbilder echter Statuen. Wir sehen langhaarige Könige auf Thronen, Königinnen mit Kelchen in den Händen, Bischöfe mit Mitren, Ritter zu Pferd mit Schilden und Lanzen, Wachen mit Schwertern und Bauern in Form von Pyramiden. Die Figuren sind robust und etwas kantig – wahrscheinlich sahen sich die alten Skandinavier genau so. Ihre Kriegslust und Strenge übertrugen sie in die Kunst und verwandelten das Schachbrett in ein imaginäres Schlachtfeld.

Vor uns steht eine Statue namens Hoa Hakananai, die aus einem Block grauer Lavaströme gehauen und auf der Osterinsel gefunden wurde. Diese Insel ist für Tausende solcher Monumente bekannt, doch gerade diese Statue haben Experten als das beste Beispiel für die Bildhauerkunst der Ureinwohner der Insel bezeichnet. Der Name des Monuments bedeutet übersetzt „entführter oder versteckter Freund“. Die 2,5 Meter hohe Statue stellt einen Menschen mit einer schweren Stirn, einer großen Nase, einem markanten Kinn, schlanken Armen und einem leicht gerundeten Bauch dar. Heute sind die Augenhöhlen der Statue leer, doch ursprünglich waren die Augen mit roten Steinen besetzt, und die gesamte Figur war mit roter und weißer Farbe bemalt. Die Statue stand unter freiem Himmel, obwohl ihr unterer Teil wahrscheinlich im Inneren eines Zeremoniengebäudes stand. Mit dem Gesicht blickte die Statue auf den erloschenen Vulkankrater Rano Kau, während ihr Rücken dem Ozean zugewandt war. Es ist schwierig, das Alter der Figur zu bestimmen, doch es ist bekannt, dass man hier im Jahr 1000 mit der Herstellung solcher Skulpturen begann und sie im Jahr 1600 beendete, als die Inselbewohner selbst begannen, die einst verehrten Götzenbilder zu zerstören. Vor kurzem machten amerikanische Wissenschaftler eine phänomenale Entdeckung: All diese Statuen könnten den Ureinwohnern als Dünger für den Boden gedient haben. Chemiker analysierten den Basalt, aus dem die Statuen am Fuße des Vulkans auf der Insel gefertigt sind, und es stellte sich heraus, dass dieser Kalzium und Phosphor enthält, die für den Pflanzenanbau notwendig sind. Als die Ureinwohner bemerkten, dass die Ernte in der Nähe der Statuen aus vulkanischem Basalt besser reifte, glaubten sie möglicherweise an den Einfluss der Götzenbilder auf die Fruchtbarkeit des Bodens. So tauchten diese Figuren überall auf, als Verehrung einer unbekannten Gottheit, die bei der Landwirtschaft half.

Die David-Vasen sind das bekannteste Beispiel für weiß-blaues chinesisches Porzellan. Sie wurden 1351 für den Altar eines daoistischen Tempels geschaffen. Der Meister führte die Bemalung mit bläulich-blauem Kobalt mit einem hauchdünnen Pinsel ohne Vorzeichnungen und vorgefertigte Schablonen aus.Die hohen, rundlichen Vasen sind mit einem feinen, präzisen Muster umrandet. Auf den Gefäßen sind Drachen mit krallenbewehrten Pfoten und geöffneten Mäulern abgebildet, umgeben von passenden Ornamenten und Blumenmustern. Solche kunstvollen Bildkompositionen wurden während der Ming-Dynastie äußerst beliebt. Im 14. Jahrhundert wurde China zur Wiege der Technik, mit der weiß-blaue Keramik hergestellt wurde. Genau diese Erzeugnisse lösten, als sie nach Europa gelangten, einen regelrechten Boom an Majolika-Nachbildungen aus – bemaltes Keramikgeschirr und Dekor.

Das Nereiden-Denkmal ist das Grabmal von Erbinna, einer lykischen Herrscherin, das in Form eines Tempels auf einem zehn Meter hohen Sockel mit Säulen errichtet wurde. Dieses kolossale Grabmal wurde im Jahr 400 v. Chr. erbaut und 1840 von einem englischen Reisenden auf dem Gebiet der heutigen Türkei entdeckt.Das Dynamischste an diesem Skulpturenensemble sind die schlanken und plastischen Körper der Nereiden. Die leichten und schwerelosen Nymphen scheinen gerade erst aus dem Meerschaum an Land gekommen zu sein. Erst vor einer Minute sind sie vom Meeresgrund aufgestiegen und haben den Fuß auf das Festland gesetzt, und schon wirbeln sie im Tanz – jede auf ihre eigene Weise.Die Mythologie besagt, dass die Nereiden, die Töchter des Meeresgottes Nereus, seit Jahrtausenden in den Tiefen des Meeres leben, Lieder singen und im Takt der Wellen tanzen. Nur selten zeigen sie sich den Menschen auf der Erde – im hellen Mondlicht. Elf Skulpturen der Nereiden, die früher das Grab schmückten, sind nach der Restaurierung entlang der Wand der Galerie aufgestellt.Den Statuen fehlen Köpfe und Gesichter, ihre Hände sind beschädigt, doch diese seltsame und etwas unheimliche Besonderheit übt eine magnetische Wirkung auf den Betrachter aus. Zu Füßen der Meeresprinzessinnen liegen Delfine, Tintenfische und Möwen, und die Nereiden selbst scheinen sich zu einem erstarrten Bild vereint zu haben – ein einziger Blick auf sie genügt, um zu verstehen: Sie tanzen wild.

Eine Statue eines geflügelten Löwen mit Menschenkopf wurde in den Ruinen eines antiken Palastes gefunden, der in den 880er Jahren v. Chr. in Mesopotamien erbaut wurde. Am Eingang des Palastes, der König Assurnasirpal gehörte, stand eine Statue eines Stiers mit Adlerflügeln und Menschenkopf. Der assyrische Brauch, vor den Toren der Paläste Steinstatuen von Tieren, insbesondere von Stieren und Löwen, aufzustellen, wurde aus den Glaubensvorstellungen der Sumerer übernommen. Solche Skulpturen wurden sowohl vor den Toren der königlichen Residenz als auch an den Eingängen der an den Palast angrenzenden Tempel aufgestellt.Wenn man den Löwen direkt ansieht, sozusagen ins Gesicht, scheint es, als sitze er regungslos da. Betrachtet man ihn jedoch von der Seite, sieht man, dass er geht. Der geflügelte Löwe lässt sich weder als eigenständige Skulptur noch als Relief auf einer Platte bezeichnen. Er ist etwas dazwischen – ein Steinblock mit einer dreidimensionalen Figur darauf.Übrigens stand am Eingang zum Tempel der Göttin Ishtar, der ebenfalls an den assyrischen Palast angrenzte, eine Statue eines brüllenden Löwen. Solche Statuen sollten nicht nur den König vor Geistern schützen, sondern auch die Besucher einschüchtern und ihnen Furcht, Ehrfurcht und Ehrerbietung vor dem mächtigen Herrscher einflößen.

Dieser Papyrus wurde vom französischen Sammler Antoine-Barthélemy Clot bei Grabräubern erworben und dem British Museum übergeben.Auf dem Papyrus sehen wir mehrere Illustrationen von Szenen aus dem „Totenbuch“. Das Buch wurde für den Adel verfasst – für jeden Menschen individuell – und war eine Sammlung von Beschwörungsformeln, die über den Verstorbenen gelesen wurden, damit er ins Paradies gelangen konnte.Vor uns liegt eine Szene des Gerichts im Reich der Toten, die speziell für Chunefer gezeichnet wurde. Man glaubte, dass Geister, Dämonen und Hunger den Verstorbenen daran hindern könnten, vor das Gericht zu treten, was den ewigen Tod bedeutete. Doch die auf dem Papyrus niedergeschriebenen Rituale halfen der Seele, vor das Gericht zu treten und ein Leben im Paradies zu finden. Übrigens ist das Paradies im Verständnis der Ägypter der Nil, der die Inseln umspült, auf denen die Seelen Getreide anbauen und dem großen Fluss Opfer darbringen. Vor Gericht musste der Verstorbene schwören, dass er nicht gelogen, nicht gestohlen und nicht getötet hatte. Die Ehrlichkeit wurde durch das Wiegen des Herzens geprüft. Dieses wurde auf eine Waagschale gelegt, auf die andere eine Feder – das Symbol der Göttin der Wahrheit, Maat. Wenn sich die Waagschale nicht bewegte, bedeutete dies, dass der Verstorbene nicht gelogen hatte.Auf dem Papyrus rechts neben der Waage sehen wir Thot – den Gott der Schreiber mit dem Kopf eines Ibisses. Auf ihn blickt ein Ungeheuer mit dem Kopf eines Krokodils und dem Körper eines Löwen – das ist Amamat. Auf der rechten Seite der Szene ist Horus mit dem Kopf eines Falken dargestellt, der den Verstorbenen Chunefer zum Thron seines Vaters Osiris führt, der auf dem Thron sitzt. Hinter Osiris stehen seine Schwestern: Isis und Nephthys. Da sich Hunefer als sündenfrei erweist, schenkt Osiris ihm ein Leben im Paradies.

Es scheint, als sähen wir einen Steinbrocken, in dem sich die Umrisse eines Wesens kaum erkennen lassen. Betrachtet man das Exponat genau, kann man darin einen Skarabäus erkennen. Er ist eines der am meisten verehrten Symbole der altägyptischen Kultur. Seine Darstellungen gehörten zu den beliebtesten in Grabmalereien und Papyrusverzierungen. Die Ägypter glaubten, dass dieser Käfer mit seinem Leben den Weg der Sonne nachahmt. So wie das große Himmelsgestirn, voller Lebensenergie und wohltuender Strahlen, von einem Ende des Himmels zum anderen sinkt, leuchtend und wärmend, so rollt der Käfer die Kugel mit den Eiern der Jungtiere, bis diese bereit sind, geschlüpft zu werden.Schon die alten Ägypter glaubten, dass alle kleinen Tiere und Insekten aus dem Schlamm des Nils geboren werden, während der Skarabäus aus dem Wüstensand hervorkommt, weshalb er etwas Besonderes ist.Eine scheinbar seltsame Analogie. Doch gerade die gleichmäßige Bewegung des Käfers von Osten nach Westen spiegelt die Geburt und das Leben der Sonne am Himmel wider. Deshalb stellten sich die alten Ägypter den Skarabäus als heiliges Insekt vor, das die Erschaffung der Sonne und die Wiedergeburt im Jenseits symbolisiert.

Die Bodhisattva Tara – die Hauptgöttin des Buddhismus, Gattin des Bodhisattva Avalokiteshvara. Ihre Bronzestatue entstand zwischen 700 und 750 und wurde an der Küste Sri Lankas gefunden. Sie zeigt Tara als Frau mit hochgestecktem Haar, reich geschmückt mit kostbarem, schwerem Schmuck und von königlicher Schönheit. Ihre Ohrläppchen könnten durch das Gewicht der kostbaren Ohrringe nach unten gezogen worden sein, so wie es einst bei Buddha der Fall war. Oder vielleicht ist dies die Verkörperung eines alten chinesischen Aberglaubens: Je länger das Ohrläppchen, desto klüger ist der Mensch und desto länger wird er leben. Der Legende nach wuchs aus einer Träne, die Avalokiteshvara über das Leid der Welt vergoss, eine Lotusblume. Aus dieser Blume wurde Tara geboren, die seine Gattin wurde, und seitdem führen sie gemeinsam den Menschen durch die vielen Wiedergeburten der Seele. Tara gilt als die mächtigste Göttin des Mitgefühls und als Beschützerin der Menschheit vor Gefahren. Heute ist sie die am meisten verehrte Göttin in Tibet, der Mongolei und Burjatien.

Der Kopf der Statue des Kaisers Augustus wurde 1912 von Professor John Garstang im sudanesischen Meroë ausgegraben.Der Kopf gehörte zu einer Statue des römischen Kaisers Augustus. Er regierte 13 Jahre lang, beginnend im Jahr 27 v. Chr. Der römische Herrscher eroberte Ägypten, und seitdem tauchten in den ägyptischen Städten am Nil zahlreiche Statuen von Augustus auf. Skulpturen in allen Ecken des Römischen Reiches dienten der Verehrung seines berühmtesten Herrschers. Die Geschichte besagt, dass Amanirena, die grausame Königin des meroitischen Königreichs Kusch, im Jahr 24 v. Chr. die Kuschiten versammelte und sie in einen Feldzug gegen Ägypten führte. Nachdem sie mehrere römische Festungen im Süden Ägyptens eingenommen hatten, enthaupteten die Kuschiten symbolisch die Statue des früheren römischen Kaisers, als wollten sie damit den Niedergang des Römischen Reiches besiegeln. Den von der Statue abgetrennten Bronzekopf des Augustus nahmen die Kuschiten mit. Die grausame Königin begrub ihn unter den Stufen des Tempels als Symbol dafür, dass Rom lange Zeit zu Füßen der Eroberer liegen würde. Dort wurde der Kopf zu Beginn des 20. Jahrhunderts gefunden.

Die Keramikstatue des buddhistischen Mönchs Luohan wurde zwischen dem 10. und 13. Jahrhundert in Nordchina geformt. Sie entstand während der Herrschaft der Song-Dynastie. Damals erlebte die chinesische Kultur eine beispiellose Blütezeit, geprägt von ihrer einzigartigen Poesie, der feinsinnigen Malerei und natürlich der exquisiten Bildhauerkunst. Die Statue des Luohan wurde aus Ton geformt und anschließend in einem speziellen Keramikofen bei einer Temperatur von 1000 Grad gebrannt. Danach überzog der Meister die Skulptur mit farbiger Glasur und brannte sie erneut in einem weniger heißen Ofen. Der Meister hat der Figur des Einsiedlers, der die Wahrheit des Buddhismus erkannt hat, die Züge eines konkreten Menschen verliehen. Deshalb scheint es, als stünde vor uns das Porträt eines tatsächlich gelebten Mannes mit Namen und Lebensgeschichte. Es handelt sich um einen rechtschaffenen Menschen, der, wie es der Buddhismus lehrt, auf weltliche Wünsche verzichtet hat und daher weder Leiden noch Enttäuschungen erfahren hat. Luo Han sitzt in der traditionellen buddhistischen Haltung mit gekreuzten Beinen und hat die Hände auf die Knie gelegt. Er wirkt mürrisch und sogar streng – seine Nase, seine Stirn und seine Augenbrauen sind konzentriert und ernst. Doch die Härte und Strenge Luohans wird durch die Farbigkeit seiner Kleidung gemildert – der ockerfarbene Umhang und die grüne Kapuze verleihen der Figur Leuchtkraft und Lebendigkeit.

Die Marmorskulptur der Iris, der Göttin des Regenbogens, befand sich am westlichen Giebel des Parthenon. Weder Kopf noch Arme oder Beine der Statue sind erhalten geblieben, doch die Ästhetik und Ausdruckskraft, die von der Figur der Iris ausgeht, ist geblieben. Sie scheint Energie aus ihrem Inneren auszustrahlen. Die zarte Faltenbildung der im Wind wehenden Gewänder vermittelt das Bild einer Göttin, die Freude und Licht bringt. Iris wurde aus einer Wolke als Botin der griechischen Götter erschaffen. Sie ist leicht wie der Wind, schnell wie ein Bach, unermüdlich und fast allgegenwärtig wie ein Regenbogen nach dem Regen. Die Mythen besagen, dass Zeus sie mit einem Becher aussandte, um Wasser aus dem Styx – dem Fluss der Toten – zu holen. Nur sie allein im göttlichen Pantheon war dieser Aufgabe gewachsen – denn sie konnte auf dem Meeresgrund sein, im nächsten Augenblick im Himmel und noch einen Augenblick später in der Unterwelt. Iris wurde als „die Goldflügelige“ bezeichnet, als Meeresgöttin verehrt und fliegend mit ausgebreiteten Flügeln dargestellt. Wegen ihrer Schönheit, Anmut und Leuchtkraft wurde die Blume Iris nach der Göttin benannt. Übrigens stellte man vor zehn Jahren im British Museum fest, dass auf dem Gürtel der Iris-Statue kaum noch Spuren von blauer Farbe zu erkennen sind. Genau diese Beobachtung ließ den Schluss zu, dass die Parthenon-Statuen in leuchtenden Farben bemalt waren.

Die Marmor-Metope aus dem Parthenon ist ein Relief, das den Kampf zwischen dem Zentaur und dem Lapithen darstellt.Als Lapithen bezeichnete man die Riesen eines antiken griechischen, halbmythischen Stammes. Sie lebten in Thessalien sowie in der Nähe des Olymp und auf dem Pelion, von wo zuvor die Kentauren – halb Menschen, halb Pferde – vertrieben worden waren. Nach mythologischen Überlieferungen standen sich die Lapithen und die Kentauren feindlich gegenüber. Darstellungen ihres Kampfes gehören zu den beliebtesten Motiven der antiken griechischen Kultur. Und sie kämpfen aus folgendem Grund: Die Kentauren waren zur Hochzeit des thessalischen Königs Peiriphoas eingeladen, wo sie sich mit Wein betranken und schnell berauscht waren. In ihrer Trunkenheit fassten sie den Plan, die Ehefrauen und Töchter der Lapithen zu entführen. Doch das gelang ihnen nicht – die Lapithen bemerkten die Verschwörung und verteidigten die Frauen, und die betrunkenen Zentauren wurden besiegt. Genau dieser Kampf der wütenden Lapithen gegen die starken, wenn auch betrunkenen Zentauren ist auf den Metopen des Parthenon dargestellt. Auf der Platte ist zu sehen, wie sich ein Lapith gegen einen Kentaur wehrt, der ihn am Hals packt. Bemerkenswert ist, dass die Körper der Lapithen und Kentauren vermenschlicht sind – sie sind plastisch, athletisch gebaut und ähneln griechischen Ringern. Interessant ist auch, wie der Bildhauer die Gegner einander gegenüberstellt. Der Lapith ist der ideale Hellene, zurückhaltend, aber stark und gerecht, während das Gesicht des Zentauren vor Wut verzerrt ist.

Der Marmorsockel einer Säule aus dem Artemis-Tempel in Ephesos wurde in den 1870er Jahren von einem englischen Forscher gefunden. Der zwischen 340 und 320 v. Chr. erbaute Tempel zu Ehren der Artemis ist eines der sieben Weltwunder. Tatsächlich handelt es sich um eine nach einem Brand wiederaufgebaute Nachbildung eines anderen Artemis-Tempels, der 356 v. Chr. von dem wahnsinnigen Herostratus niedergebrannt wurde. Der erste, ursprüngliche Tempel wurde im 5. Jahrhundert v. Chr. errichtet. Sowohl er als auch sein Nachbau waren von zwei Säulenreihen umgeben, die auf 36 eigentümlichen, mannshohen Trommeln ruhten. Diese wurden im zweiten Tempel, von dem wir heute ein Fragment vor uns sehen, exakt nachgebildet. Dieser mit Reliefs verzierte Trommelkörper illustriert den Mythos von Alkestis, der Frau des Helden Admetos. Apollon versprach Admetos, ihm den Tod zu ersparen, wenn jemand anderes in das Reich der Toten hinabsteigen würde. Diese Person wurde Alkestis. Doch Herakles, der dem Paar helfen wollte, stieg in die Unterwelt hinab, besiegte den Dämon des Todes und brachte Alkestis zu ihrem Mann zurück. Auf dem Relief ist die Figur des Hermes mit einem Zauberstab in der Hand zu sehen; neben ihm steht Alkestis, die er auf die Erde zurückbringen soll, rechts von ihm der Herrscher der Unterwelt Hades und seine Frau Persephone. Neben Alkestis ist der Gott des Todes Thanatos dargestellt, hinter ihm der Held Herakles.

Die Statue des Bodhisattva Avalokiteshvara aus vergoldeter Bronze wurde im 16. Jahrhundert in Nepal angefertigt. Der Bodhisattva ist eine der im Buddhismus am meisten verehrten Gottheiten. Er ist ein Symbol für die Energie des Mitgefühls, die jedem Lebewesen auf der Erde von Geburt an innewohnt.Oft wird der Bodhisattva als die Gottheit bezeichnet, die den Klängen der Welt lauscht. Man glaubt, dass er auf einem Berg steht und der Welt lauscht, wobei er das Weinen und das Unglück der Menschen wahrnimmt, die unaufhörlich um Hilfe bitten. Er reagiert stets auf das Leid in der menschlichen Welt, hat Mitleid mit den Menschen und fühlt mit ihnen mit. Außerdem neutralisiert er negative Energie und schenkt allen ohne Ausnahme Mitgefühl, ungeachtet ihrer Verfehlungen. Auf diese Weise macht er angeblich jeden und alle untereinander gleich. Die Statue von Avalokiteshvara zeigt ihn als jungen, schlanken Mann mit einer aufwendigen Frisur. An Hals, Unterarmen, Handgelenken, Fingern, Knöcheln und Fußsohlen trägt er mit Edelsteinen besetzte Schmuckstücke.

Vor uns steht eine schlichte Frauenfigur, die im 3. Jahrtausend v. Chr. von einem unbekannten kykladischen Bildhauer aus Marmor gemeißelt wurde. Sie ähnelt eher einer schematischen Darstellung eines Menschen als einer echten Frau. Allerdings werden genau dieselben Züge fünf Jahrtausende später von den modernen Avantgardisten in ihren Werken verkörpert werden.Dieser Figur fehlen jene Merkmale weiblicher Statuen, die ihnen ihre Anmut verleihen. Wir erkennen, dass es sich um eine Frau handelt, nur aufgrund der hervortretenden Brust und der leicht gerundeten Hüften. Die Skulptur hat kein Gesicht, stattdessen eine glatte Fläche mit einem hervorstehenden Nasenhöcker. Die Hände sind vor der Brust verschränkt – dies ist übrigens ein unveränderliches Merkmal aller kykladischen Steinfiguren.Doch trotz der kargen Kunstfertigkeit spürt man die Energie dieser Figur. Sie strahlt Ruhe, Gelassenheit und sogar Ergebenheit aus. Die Frau hat den Kopf erhoben und lauscht regungslos auf etwas von oben, vielleicht betet sie auch oder singt.Die kykladische Zivilisation existierte auf den gleichnamigen Inseln von 3200 bis 2000 v. Chr. Die Menschen züchteten nicht nur Vieh und fischten, sondern schufen auch ihr kulturelles Erbe. Sie lernten, Schmuck aus Kupfer, Silber und Blei herzustellen, und entdeckten den Marmor für sich. Gerade dieser Stein wurde zum Bewahrer der Eigenständigkeit ihrer Kultur.

Hans Sloane – ein englischer Arzt und Naturforscher – wurde 1660 in Nordirland geboren und war nach damaligen Maßstäben ein durchaus erfolgreicher und wohlhabender Mann. Mit 23 Jahren erwarb Hans in Frankreich den Doktor der Medizin, wurde Mitglied der Königlichen Wissenschaftlichen Gesellschaft und Schüler des renommierten Arztes Thomas Sydenham. Im Alter von 27 Jahren reiste der Mediziner nach Jamaika, beschrieb dort in Europa unbekannte Pflanzenarten und machte die Welt auf eine neue Köstlichkeit aufmerksam. Er kam auf die Idee, ein Getränk mit unangenehmem Geschmack, das entstand, wenn die jamaikanischen Ureinwohner Pulver aus Kakaobohnen mit Wasser vermischten, mit Milch zu verfeinern. So lernte England das Rezept für Schokoladenmilch kennen. Hans kehrt mit einer umfangreichen Sammlung von Kuriositäten und dem unwiderstehlichen Wunsch, eine Sammlung antiker Gegenstände anzulegen, nach London zurück. Der Wunsch, einen Antiquitätenladen zu besitzen, erforderte viel Geld. So entstand bei Hans eine starke Motivation, ein erstklassiger Fachmann zu werden. Sloans Arztpraxis in der High Society brachte ihm berühmte Patienten ein: Königin Anne, die Könige Georg I. und Georg II., einen erblichen Adelstitel und das prestigeträchtige Amt des Vorsitzenden der Royal College of Physicians. Sloane gelang es schließlich, seinen Traum zu verwirklichen – im Herrenhaus Montagu House trug er eine kolossale Sammlung von siebzigtausend authentischen Kostbarkeiten zusammen: Münzen, Medaillen, Bücher, Skulpturen und Dekorationsgegenstände. Nach Sloans Tod im Jahr 1753 zahlte das Parlament, wie im Testament festgelegt, seinem Testamentsvollstrecker 20.000 Pfund Sterling, und die Sammlung wurde öffentlich zugänglich gemacht. Im Jahr 1759 wurde die Sammlung von Hans Sloane für alle Interessierten kostenlos zugänglich gemacht, und sie wurde um die Sammlungen des Grafen Robert Harley sowie die Bibliothek des Antiquars Robert Cotton erweitert. Heute, 250 Jahre später, kennen wir sie als das British Museum in Bloomsbury.

Vor uns steht Septimius Severus – ein junger römischer Kaiser in der Blüte seiner Kräfte und Macht. Die Skulptur wurde 1801 in der ägyptischen Stadt Alexandria gefunden.Die Statue des Septimius ist phänomenal detailliert. Dadurch wirken nicht nur die Gesichtszüge, sondern auch die Gedanken des Kaisers lebendig und sind deutlich in seinem Gesicht abzulesen. Wir sehen Septimius mit gespaltenem Bart und lockigem Haar, gekleidet in Militärkleidung.

Die Figur einer Frau mit Kind ist ein Beispiel für prähistorische zypriotische Kunst. Vermutlich wurde diese Terrakotta-Figur zwischen 2000 und 1800 v. Chr. hergestellt. Es ist nicht genau bekannt, wen die Figur darstellt und welche Botschaft sie vermittelt. Sie könnte die Muttergöttin oder eine einfache irdische Frau mit Kind sein.

Die Steinstatue einer Huastec-Göttin entstand zwischen 900 und 1500 v. Chr. und wurde unweit des mexikanischen Flusses Panuco gefunden. Dem heutigen Betrachter mag die Skulptur etwas kantig, unharmonisch und sogar beängstigend erscheinen. Doch sie verkörpert die Glaubensvorstellungen der alten Huasteken, die auf dem Gebiet des heutigen Mexiko lebten. Die Huasteken waren ein indianisches Volk und gehörten zur Sprachgruppe der Maya.

Dieses Bild ist auf Hanfstoff gemalt – einem Material aus den groben Fasern von Hanfstängeln.Die farbige Zeichnung stellt die Hälfte eines Doppelbildes dar, das von einem koreanischen Meister zwischen 1800 und 1820 geschaffen wurde. Zu dieser Zeit prägte die Kultur des Joseon-Reiches die koreanische Gesellschaft.

Vor uns steht eine Vase mit Schmetterlingen und Lilien aus einem besonderen, festen Porzellan. Dieses wurde durch Brennen in Öfen bei Temperaturen von bis zu 1500 Grad gewonnen.Auf die zierliche, fast schwerelose Vase wurde mit bläulich-grüner Glasur ein Muster aufgetragen. Die Form der Vase ist klassisch für chinesische Keramik: abgerundete Seiten, verengter Hals, Zurückhaltung, keine Details und kein Dekor. Dafür ist die Bemalung reichhaltig – Blumen, Knospen, Blätter, Schnörkel.

Dies ist ein mondförmiges Gefäß mit Vögeln – ein Musterbeispiel für perfekte chinesische Porzellan: dünn wie Papier, durchsichtig wie eine Träne und klangvoll wie Musik. Die Form dieses Gefäßes und seiner geschwungenen Henkel ist uralt, doch die Farben und der Malstil stammen aus den Jahren 1720–1735 – der Regierungszeit der Qing-Dynastie.

Vor uns steht ein in China äußerst beliebtes Porzellangefäß, das Mitte des 14. Jahrhunderts in China nach einer besonderen Technik hergestellt wurde.Von der Form her ist es ein Krug, von der Funktion her ein Handwaschbecken.